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ARQUITECTOS (EUROPA)

ARQUITECTOS (EUROPA)

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Le Corbusier (Suiza)

1. Le Corbusier (Suiza)

Charles Édouard Jeanneret-Gris, más conocido, a partir de la década de 1920,1 como Le Corbusier (La Chaux-de-Fonds, Cantón de Neuchâtel (Romandía), Suiza; 6 de octubre de 1887 – Cap-Martin, Provenza-Alpes-Costa Azul, Francia; 27 de agosto de 1965), fue un arquitecto y teórico de la arquitectura... Ver mas
Charles Édouard Jeanneret-Gris, más conocido, a partir de la década de 1920,1 como Le Corbusier (La Chaux-de-Fonds, Cantón de Neuchâtel (Romandía), Suiza; 6 de octubre de 1887 – Cap-Martin, Provenza-Alpes-Costa Azul, Francia; 27 de agosto de 1965), fue un arquitecto y teórico de la arquitectura, ingeniero, diseñador y pintor suizo nacionalizado francés. Es considerado uno de los más claros exponentes de la arquitectura moderna (junto con Frank Lloyd Wright, Oscar Niemeyer, Walter Gropius, Alvar Aalto y Ludwig Mies van der Rohe), y uno de los arquitectos más influyentes del siglo XX.
Biografía[editar]
Nació en 1887, en la localidad de La Chaux-de-Fonds, en la Suiza francófona con el nombre de Charles Édouard Jeanneret-Gris. A los 29 años se trasladó a París donde adoptó el seudónimo Le Corbusier, variación humorística (ya que evoca a la palabra cuervo) del apellido de su abuelo materno: Lecorbésier. Su padre se dedicaba a lacar cajas de relojes para la industria relojera de su ciudad natal, y su madre fue pianista y profesora de música.
En 1900 Le Corbusier comenzó su aprendizaje como grabador y cincelador en la Escuela de Arte de La Chaux-de-Fonds, en Suiza. Uno de sus profesores, Charles L'Eplattenier, le orientó hacia la pintura y después hacia la arquitectura. En 1905 diseñó su primer edificio, una casa unifamiliar para un miembro de la Escuela de Arte, la Villa Fallet. En los siguientes diez años hizo numerosos edificios, que todavía no llevaban su sello característico posterior, y que él mismo no incluyó en su Obra Completa.

Villa Jeanneret-Perret, también conocida como Maison Blanche, fue una de las primeras obras individuales del arquitecto (1912).
Ya en París, trabajó durante quince meses en el estudio de Auguste Perret, arquitecto pionero en la técnica de construcción en hormigón armado. A continuación viajó a Alemania para estudiar las tendencias arquitectónicas de ese país. Allí trabajó en la oficina de Peter Behrens, donde coincidió con Ludwig Mies van der Rohe y Walter Gropius, quienes también trabajaron ahí en esa época, aunque probablemente no a la vez.1 El año 1911 lo dedicó por completo a viajar. Desde Viena fue a Rumanía, Turquía, Grecia e Italia y a su regreso fue profesor durante dos años en el departamento de arquitectura y decoración de la Escuela de Arte de París.
En 1918 editó la revista L'Esprit Nouveau junto al pintor Amadeo Ozenfant, publicación donde ambos sentaron las bases del Purismo. Es en esta revista que Jeanneret comenzó a firmar algunos de sus artículos con el pseudónimo de Le Corbusier.
En 1922, Le Corbusier comenzó a trabajar con su primo Pierre Jeanneret en su despacho de arquitectura en la rue de Sèvres en 1924, con el cual mantuvo su asociación hasta 1940.2 Inicialmente los dos diseñaron casi exclusivamente edificios residenciales. Uno de sus grandes proyectos de estos años, en este caso como urbanista, fue su diseño conceptual de una ciudad de tres millones de habitantes, la Ville Contemporaine (Ciudad Contemporánea).3
En octubre de 1929 Le Corbusier dictó en Buenos Aires un ciclo de diez conferencias, invitado por la Asociación Amigos del Arte. En este viaje también visitó Río de Janeiro, Asunción, y Montevideo. En referencia a la primera de las ciudades citadas dejó bien clara su percepción de urbanista al expresar: «Buenos Aires es una ciudad que le da la espalda a su río», aludiendo con esto a algo de lo que aún adolece tal ciudad: pese a tener una extendida costa frente al gran estuario del Río de La Plata se ha privilegiado ediliciamente un área que no permite la vista a tal estuario, más aún el acceso al mismo se halla obstaculizado por instalaciones de antiguos puertos, un aeropuerto, tramos ferroviarios a nivel y autopistas. Los temas de estas conferencias son publicados en 1930 en el libro "Precisiones".

Casa Curutchet, La Plata, Argentina.
La única obra de Le Corbusier en la Argentina es la Casa Curutchet, una vivienda unifamiliar construida en la ciudad de La Plata, capital de la Provincia de Buenos Aires, entre los años 1949 y 1953 bajo la dirección de obra de Amancio Williams. En Brasil construirá la embajada de Francia (Brasilia) y el Edificio Gustavo Capanema (Río de Janeiro), ambos con la colaboración de los arquitectos locales Lucio Costa y Oscar Niemeyer.
Le Corbusier fue un trabajador incansable. Realizó innumerables proyectos, de los cuales muchos nunca llegaron a realizarse, pero que marcaron a generaciones posteriores de arquitectos.
Difundió también sus ideas urbanas a través del CIAM (Congreso Internacional de Arquitectura Moderna) uno de cuyos documento es la Carta de Atenas. Sin embargo, fue únicamente en Chandigarh, India, donde pudo hacerlas realidad.
El 27 de agosto de 1965, desobedeciendo las indicaciones de su médico, Le Corbusier fue a nadar mientras pasaba sus vacaciones en su cabaña en Roquebrune-Cap-Martin, en el Mediterráneo francés. Fue encontrado muerto por unos pescadores, presumiblemente de un ataque al corazón.
Contribuciones teóricas a la arquitectura[editar]
Le Corbusier fue, además de un gran arquitecto y pintor, un eminente teórico de la arquitectura. Escribió varios libros, en los que ejemplificaba sus ideas mediante proyectos propios (a la manera clásica como lo hizo en su momento, por ejemplo, Andrea Palladio en I Quattro Libri dell'Architettura)4 Tuvo muy claro que, aparte de saber crear buenos edificios era necesario saber explicarlos y transmitirlos al resto de los profesionales y a los estudiantes, y ejerció con gran maestría la tarea de publicitar su propia obra.
Como visionario, Le Corbusier veía la posibilidad de cambiar el mundo a través de la arquitectura. Si bien nunca se alió con un grupo político en particular, su postura estaba más cerca de una postura liberal (algunos lo han descrito como un socialista, adjetivo que probablemente se queda corto para caracterizar sus actividades), y como tal, veía todo proceso de diseño con fines utópicos. Lo que le permitió contribuir grandemente al significado de la arquitectura en general.
La machine à habiter[editar]

Edificio diseñado por Le Corbusier en Berlín que aplica el concepto «Unité d'Habitation».
Le Corbusier es conocido por su definición de la vivienda como la máquina para vivir también llamada la máquina para habitar traducido literalmente. Con ello, Le Corbusier ponía en énfasis no sólo el componente funcional de la vivienda, sino que esta funcionalidad debe estar destinada al vivir, comprendiéndose esto último desde un punto de vista metafísico. Le Corbusier creía que el objetivo de la arquitectura es generar belleza (muy conocida también es su frase: la Arquitectura es el juego sabio, correcto y magnífico de los volúmenes bajo la luz), y que ésta debía repercutir en la forma de vida de los ocupantes de los propios edificios.
En cuanto al criterio de «máquina de habitar», Le Corbusier estaba deslumbrado por las entonces nuevas máquinas: en especial los automóviles y aviones, considerando aquellos que tenían diseños prácticos y funcionales como modelo para una arquitectura cuya belleza se basara en la practicidad y funcionalidad; el racionalismo. El primer ensayo de construcción seriada lo formula en el proyecto de las casas Citrohän. "Las casas Citrohän representan el primer ensayo importante de Le Corbusier sobre una vivienda en serie que puede construirse a partir de elementos estandarizados. Convencido que el avance de la industrialización puede ser el vehículo para satisfacer gran parte de las necesidades del hombre intenta, con un criterio práctico y racional, dirigir la arquitectura por ese rumbo.".5
L´Esprit Nouveau[editar]
Artículo principal: L'Esprit Nouveau
A fin de divulgar sus ideas sobre la arquitectura y la pintura, Le Corbusier fundó en 1920, junto con Amédée Ozenfant y Paul Dermée, una revista de divulgación artística que obtuvo gran resonancia internacional: L'Esprit Nouveau (El Espíritu Nuevo; aunque en francés la palabra esprit suele tener también el significado de conciencia, razón, inteligencia) cuyo primer número data del 15 de octubre de 1920 y el último en 1925. En 1923 Le Corbusier publica una recopilación de artículos de la revista en su libro "Vers Une Architecture".
Los cinco puntos de una nueva arquitectura[editar]

La casa de Le Corbusier construida para la exposición Weissenhofsiedlung en Stuttgart es un perfecto ejemplo de sus «Cinco puntos de una nueva arquitectura».
En 1926 Le Corbusier presenta un documento donde expone en forma sistemática sus ideas arquitectónicas: los llamados «cinco puntos de una nueva arquitectura» representan una importante innovación conceptual para la época, aprovechando las nuevas tecnologías constructivas, derivadas especialmente del uso del hormigón armado (hasta entonces este material se usaba en viviendas y monumentos disfrazándosele de piedra esculpida con molduras):
La planta baja sobre pilotes: para Le Corbusier, la planta baja de la vivienda, al igual que la calle, pertenecía al automóvil, ya sea para circulación o aparcamiento, por este motivo la vivienda se elevaba sobre pilotes para permitir el movimiento de los vehículos.
La planta libre: a partir de la estructura independiente, aprovechando la tecnología del hormigón armado genera una estructura de pilares en la que apoyan losas, de esta forma el arquitecto decide dónde poner los cerramientos, siendo independientes de un nivel al otro.
La fachada libre: el corolario del plano libre en el plano vertical. La estructura se retrasa respecto de la fachada, liberando a ésta de su función estructural y permitiendo libertad en su composición independientemente de la estructura.
La ventana alargada: por el mismo motivo del punto anterior, también los muros exteriores se liberan, y las ventanas pueden abarcar todo el ancho de la construcción, mejorando la relación con el exterior y permitiendo un mejor asoleamiento de los espacios interiores.
La terraza-jardín: para Le Corbusier la superficie ocupada a la naturaleza por la vivienda debía de ser devuelta en forma de jardín en la cubierta del edificio, convirtiendo el espacio sobre la vivienda en un ámbito aprovechable para el esparcimiento, que además permitía mantener condiciones de aislamiento térmico sobre las nuevas losas de hormigón.
Y hay un elemento más que Le Corbusier pondera en la obra arquitectónica nueva, '"La promenade arquitectónica"': el edificio debe invitar a ser recorrido y a partir de eso se lo podrá comprender en su totalidad.
Su arquitectura resulta ser altamente racionalista, depurada (con el uso de materiales sin disimularlos; nota la posible belleza de las líneas depuradas, sin adornos, sin elementos superfluos) y con un excelente aprovechamiento de la luz y las perspectivas de conjunto, dando una sensación de libertad (al menos para el desplazamiento de la mirada) y facilidad de movimientos.
El Modulor[editar]
Artículo principal: Modulor

Planta baja de la Villa Savoye, Poissy, Francia.
Ideó el Modulor, sistema de medidas basado en las proporciones humanas, en que cada magnitud se relaciona con la anterior por el Número Áureo, para que sirviese de medida de las partes de arquitectura. De esta forma retomaba el ideal antiguo de establecer una relación directa entre las proporciones de los edificios y las del hombre.
Tomó como escala del hombre francés medio de esa época: 1,75 m de estatura; y más adelante añadió la del policía británico de 6 pies (1,8288 m), lo que dio el Modulor II. Los resultados de estas investigaciones fueron publicados en un libro con el mismo nombre del Modulor.
Le Corbusier fue uno de los miembros fundadores del Congreso Internacional de Arquitectura Moderna. En 1930 adoptó la nacionalidad francesa. Unos años después realizó su primer viaje a los Estados Unidos.
Le Corbusier se hizo famoso como uno de los líderes del llamado estilo internacional, junto a Ludwig Mies van der Rohe, Walter Gropius y otros. Fue un arquitecto muy admirado en su época e influyó a varias generaciones de arquitectos.
Su afán creador queda expresado en Le Poème de l'Angle Droit (El poema del ángulo derecho —ángulo recto—); especialmente en Fusión:

Moneda conmemorativa donde aparece el Modulor de Le Corbusier
Asentado en demasiadas causas mediatas
asentado junto a nuestras vidas
y los otros están allí
y por todas partes están los: «¡No!»
Y siempre más contra
que por
No condenar pues a aquél
que quiere asumir su parte en los
riesgos de la vida. Dejad
que se fusionen los metales
tolerad las alquimias que
por lo demás os dejan libres
de castigo
Es por la puerta de las
pupilas abiertas por donde las miradas
cruzadas han podido conducir al
acto fulminante de comunión:
«El ensanchamiento de los grandes
silencios»...
La mar vuelve a descender
a lo más bajo de la marea para
poder subir de nuevo a tiempo.
Un tiempo nuevo se ha abierto
una etapa un plazo un relevo
Así no nos quedaremos
sentados junto a nuestras vidas.
Influencia en la arquitectura moderna[editar]
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Corte Suprema de Chandigarh, India.
Hoy en día la obra y el pensamiento de Le Corbusier siguen vigentes tanto en la práctica como en la enseñanza y en la teoría de la arquitectura. Como una de las figuras clave de la arquitectura moderna, la continuación del movimiento tiene en él y en sus obras un referente directo. Como uno de los precursores del brutalismo, sus trabajos posteriores han servido de base a corrientes arquitectónicas apoyadas en la tectónica (expresión de los materiales y sistemas constructivos) y en diferentes enfoques regionalistas.
Si bien para muchas figuras del pensamiento arquitectónico contemporáneo, la modernidad es un movimiento obsoleto, y por lo tanto las obras y premisas de su arquitectura no deben continuarse, hay un grupo importante de arquitectos (llamados neomodernos o simplemente modernos) que continúan haciendo arquitectura en el espíritu de Le Corbusier.
Introdujo la proporción áurea en muchas de sus obras, por ejemplo se puede apreciar en el módulo de la Capilla de Notre Dame du Haut.
Ha influido de manera muy importante en arquitectos de todas partes del mundo. En México fue su seguidor Mario Pani Darqui. En Brasil Oscar Niemeyer. En Argentina, Antonio Bonet, Juan Kurchan, Jorge Ferrari Hardoy, Amancio Williams y el primer periodo creativo de Clorindo Testa. En Uruguay, los docentes y teóricos urbanistas Justino Serralta y Carlos Gómez Gavazzo. En España, Francisco Javier Sáenz de Oiza. En Colombia, Germán Samper Gnecco, Rogelio Salmona y Dicken Castro. En Estados Unidos, Shadrach Woods. En Chile, Emilio Duhart, Roberto Dávila, Enrique Gebhard.
Obras y proyectos[editar]
Villa Fallet, (La Chaux-de-Fonds, Suiza) (1905)
Villa Jeanneret-Perret (Maison blanche), (La Chaux-de-Fonds, Suiza) (1912)
Villas La Roche-Jeanneret (París, Francia)
Barrio Modernes Frugès, Pessac (Burdeos, Francia)
Edificio del Ejército de Salvación, (París, Francia)
Villa Cook (Boulogne, Francia)
Villa Savoye (Poissy, Francia)
Casa Guiette (Amberes, Bélgica)
Pabellón de Nestlé, Feria de París 1927
Proyecto para el Museo Mundial en Ginebra, o «Mundaneum» (1929)
Edificio Chemin de Villiers (Poissy, Francia)
Barcaza del Ejército de Salvación, Asile Flottant (París)
Terraza del departamento de Carlos de Beístegui e Yturbe (París)
Villa le Sextant (Maison aux Mathes, Maison L'Océan) 1935
Pabellón suizo, Ciudad Universitaria de París 1931
Inmueble Porte Molitor (París) 1931-1934
Edificio Clarté (Ginebra)
Edificio de departamentos en la calle Nungesser et Coli (París)
Ministerio de Educación Nacional (Río de Janeiro) (colab. de Oscar Niemeyer y Lúcio Costa).
Fábrica Duval (Saint-Dié-des-Vosges, Francia)
Unidad de Habitación (Marsella)
Capilla de Nuestra Señora del Alto (Ronchamp, Francia)
Pabellón Philips, Bruselas (1958)
Edificio de la Asociación de Hilanderos (Ahmedabad, India)
Villa Sarabhai (Ahmedabad, India)
Museo de Ahmedabad (India)
Edificio de la Alta Corte Judicial (Chandigarh, India)
Museo y Galería de arte (Chandigarh, India)
Convento Sainte Marie de la Tourette (Lyon)
Casa del Brasil, Ciudad Universitaria (París)
Casa de la Cultura de Firminy-Vert (Firminy, Francia)
Unidad de Habitación de Firminy-Vert (Firminy, Francia)
Estadio de Firminy-Vert (Firminy, Francia)
Piscina de Firminy-Vert (Firminy, Francia)
Iglesia Saint-Pierre Firminy-Vert, (Firminy, Francia) (1973-2006) (colab. de José Oubrerie).
Viviendas Heilsbergen Dreieck (Berlín)
Museo de Arte Occidental (Tokio)
Centro de Artes Visuales Carpenter, Universidad Harvard (Massachusetts)
Centro Le Corbusier (Zúrich)
Casa Curutchet (La Plata, Argentina)
Villa Shodan (Ahmedabad, India) 1951-1956
Publicaciones[editar]

Monumento a Le Corbusier en Bietigheim-Bissingen (Alemania), obra de Jürgen Goertz.
Con el nombre de Charles-Édouard Jeanneret-Gris[editar]
1912 — Étude sur le mouvement d'art décoratif en Allemagne, La Chaux-de-Fonds, 1912.
1925 — La peinture moderne', con Amédée Ozenfant, París, 1925.
Con el nombre de Le Corbusier[editar]
1918 — Après le cubisme, con Amédée Ozenfant, París 1918.
1923 — Vers une architecture (Hacia una arquitectura), París 1923.
1924 — Urbanisme, París 1924.
1925 — L'art décoratif aujourd'hui, París 1925.
1925 — Almanach d'architecture moderne, París 1925.
1926 — Architecture d'époque machiniste, París 1926.
1928 — Requête adressée à la Société des Nations, con Pierre Jeanneret, París 1928.
1928 — Une maison, un palais, París 1928.
1930 — Précisions sur un état présent de l'architecture et de l'urbanisme, París 1930.
1931 — Clavier de couleur Salubra, Bâle 1931.
1931 — Requête à Monsieur le président du Conseil de la Société des Nations, con Pierre Jeanneret, París 1931.
1933 — Croisade ou le crépuscule des académies, París 1933.
1935 — La ville radieuse, Boulogne, 1935.
1935 — Aircraft, Londres–Nueva York 1935.
1937 — Quand les cathédrales étaient blanches (Cuando las catedrales eran blancas), París 1937.
1937 — Les tendances de l'architecture rationaliste en rapport avec la peinture et la sculpture, Roma, 1937.
1938 — Îlot insalubre n° 6, con Pierre Jeanneret, París 1938.
1938 — Des canons, des munitions? Merci, des logis SVP, Boulogne 1938.
1941 — Destin de París, París–Clermont-Ferrand 1941.
1941 — Sur les quatre routes, París 1941.
1942 — La maison des hommes, con François de Pierrefeu, París 1942.
1942 — Les constructions murondins, París–Clermont-Ferrand 1942.
1943 — La Charte d'Athènes, París 1943 (adaptación para su publicación) (Carta de Atenas).
1945 — Les trois établissements humains, París 1945.
1946 — Propos d'urbanisme, París 1946.
1946 — Manière de penser l'urbanisme, Boulogne, 1946
1947 — U.N. headquarters, Nueva York 1947
1948 — New world of space, Nueva York, 1948
1948 — Grille C.I.A.M. d'urbanisme: mise en application de la Charte d'Athènes, Boulogne 1948
1950 — Le modulor, Boulogne 1950
1950 — Les problèmes de la normalisation: rapport présenté au Conseil économique, in La charte de l'habitat, vol.1, París 1950
1950 — L'unité d'habitation de Marseille, Souillac–Mulhouse 1950
1950 — Poésie sur Alger, París 1950
1954 — Une petite maison, Zurich 1954.6
1955 — Le Modulor II (La parole est aux usagers), Boulogne 1955
1955 — Architecture du bonheur, l'urbanisme est une clef, París 1955
1955 — Le Poème de l'angle droit, París 1955.7
1956 — Les plans de París: 1956-1922, París 1956
1957 — Von der Poesie des Bauens, Zurich 1957
1958 — Entretien avec les étudiants des écoles d'architecture, París 1958
1959 — Second clavier des couleurs, Bâle 1959
1960 — L'atelier de la recherche patiente, París 1960
1961 — Orsay París 1961, París 1961
1966 — Le voyage d'Orient (El viaje de Oriente), París 1966
1966 — Mises au point, París 1966
1968 — Les maternelles vous parlent, París 1968
2006 — Conférences de Río (1936). Introducción, selección de textos y notas de Yannis Tsiomis. París, Flammarion, 2006.
Obra pictórica[editar]
Como escribe Daniel Gitalt Miracle, director del MACBA entre 1988 y 1994, en su texto 'El arte una praxis libre: ”a la hora de evaluarlo no podemos prescindir de su extensa obra plástica, que incluye pintura, dibujo, grabado, escultura, collage, etc., especialmente porque como repetía “es en el ejercicio de las artes plásticas donde he encontrado la savia intelectual de mi urbanismo y mi arquitectura”.8
Ya en 1911, al iniciar la carrera de arquitectura pinta acuarelas de temática intimista con influencias del cubismo, pero no será hasta que 1918, al conocer a Amédée Ozenfant, cuando se reafirma su vocación pictórica. Juntos sentarán las bases del purismo con manifiestos como “Après le cubisme” y la revista L’esperit noveau y participarán en exposiciones en galerías como L’Effort Moderne. En 1925 rompe con Ozenfant y coincide con uno de sus grandes amigos, Fernand Léger, con el que se influenciará mutuamente especialmente en las décadas de los 20 y 30.8
Su pintura continua evolucionando, a principios de los 30 la mujer se convertirá en su temática principal, como se comenta en el libro Le Corbusier dipinti e disegni: " aparecerán con formas vagamente inspiradas en Léger, en las que las sinuosidades de sus cuerpos recordarán a las de las naturalezas muertas[…] las representará de mil maneras, pero siempre con una visión mediterránea, solar, pánica, primigenia fuente creadora, de formas generosas y expresivas, una especia de diosa de la tierra.9 A finales de esa década realiza sus primeros collages. En 1938 el Kunsthaus de Zúrich le dedica su primera retrospectiva de obra plástica.
A mediados de los 40 se inicia en la escultura de la mano de Joseph Savina, que realizará en tres dimensiones sus proyectos como Ozon o Ubu.,8 en ese momento también aparecen en su obra los toros, como destaca Juan Calatrava: la imagen del toro ocupa un papel importante en el simbolismo cada vez más complejo de la obra plástica corbuseriana, representando al mismo tiempo la fuerza del la resurrección primaveral frente a la oscuridad invernal, la naturaleza en continuo cambio y movimiento y la masculinidad frente a los aspectos femeninos del cosmos.10 Ya en la década de los 50 su obra tiene un nuevo gran impulso a partir de los 50 ocupa un lugar fundamental un aspecto hasta entonces escasamente presente en su producción: la obra gráfica[…] obras individuales, o series de grabados en cobre, rodoides, litografías…, se aúnan su afán de experimentación técnica y el creciente éxito de sus producciones plásticas.10
En la década de los 50 aparece uno de sus temas de madurez, la mano. La representación de la mano abierta, marcada por su pensamiento “plain main j’ai reçu plain main je donne” (he recibido a manos llenas, doy a manos llenas). La mano es el punto de contacto ente el arquitecto y el mundo que le permite a éste dar y recibir.8 Antes de su muerte, expondrá en el Museo de Arte Moderno de París en 1953 y 1962.
Tras su muerte, su galerista y amiga Heidi Webber inauguró en 1967 el Heidi Webber Museum – Centre Le Corbusier en Zurich.11
Su obra ha sido expuesta en galerías de Madrid, Barcelona, París, museos como el MNCARS,10 el MOMA,12 el MAXXI o el Moderna Museet entre muchos otros.

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Renzo Piano (Italia)

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Trayectoria[editar] Museo Nemo Ámsterdam, Países Bajos El famoso arquitecto nació en Génova, Italia, en 1937, en el seno de una familia de constructores. Renzo Piano frecuentó la Facultad de Arquitectura en Florencia (1959 a 1960) y en Milán, graduándose del Politécnico de Milán en 1964... Ver mas
Trayectoria[editar]

Museo Nemo
Ámsterdam, Países Bajos
El famoso arquitecto nació en Génova, Italia, en 1937, en el seno de una familia de constructores. Renzo Piano frecuentó la Facultad de Arquitectura en Florencia (1959 a 1960) y en Milán, graduándose del Politécnico de Milán en 1964; sus trabajos de sus inicios fueron con estructuras experimentales ligeras; trabajó con su padre y su hermano en la sociedad familiar. De joven, repasó uno a uno los edificios de Le Corbusier.1
Luego, aprendió proyectos con Franco Albini y, a continuación, durante cinco años (1965-1970), con Louis Kahn y Z.S. Makowsky. Esta es su etapa formativa. Nunca se ha desvinculado de su ciudad natal, Génova (ha remodelado su metro y su puerto).
Trabajó estrechamente con el arquitecto Richard Rogers desde 1971 hasta 1977; y entre sus proyectos conjuntos figura el famoso Centre Georges Pompidou en el corazón de París (1977). Es un edificio que tuvo un éxito de público decisivo para la difusión de su nombre, de modo que le encargaron remodelarlo posteriormente dado el desgaste experimentado por el uso multitudinario de ese edificio durante veinte años; fue reabierto en 2000. Hizo además edificios adjuntos.
Piano trabajó a continuación con el ingeniero Peter Rice, entre 1977 y 1981, bajo el nombre "L'Atelier Piano and Rice".
Pero seguidamente, en 1981, fundó el "Renzo Piano Building Workshop" (RPBW), que actualmente da trabajo a 150 empleados en sus distintas sedes de París, Génova y Nueva York. Precisamente Punta Nave, de Génova, donde tiene su gran estudio italiano, es una obra suya importante (1991); es un edificio que baja por peñascos siguiendo las terrazas de la colina Volpies, hacia el mar, muy cerca de su ciudad de origen, y está invadido por plantas y cañas. Como dice Piano: "Al trabajar aquí se logra un recogimiento especial, ligado a la sensación de contacto con la naturaleza, el clima y las estaciones; todos ellos son elementos inmateriales que la arquitectura ha capturado". 2
Una obra muy llamativa, en parte de ingeniería, fue el Aeropuerto Internacional de Kansai, Osaka, concluida en Japón en 1994. La construyó sobre una plataforma o isla artificial; este edificio y sus pistas están unidos a tierra con miles de pilotes que soportan las conexiones terrestres a prueba de maremotos; se halla a dos horas de tren de Tokio.
En Suiza, ha hecho el Museo de la Fundación Beyeler, en Basilea (1999), así como el Centro Paul Klee, Berna (2005). Y, en Alemania, su intervención global en la antes vacía Potsdamer Platz de Berlín, destaca en el edificio Daimler-Benz (2000).
Piano ha dado clases en las universidades de Columbia y de Pennsylvania, en la Escuela de Arquitectura de Oslo, en la Politécnica de Londres así como en la Escuela de arquitectura de esta misma ciudad.
Actualmente está construyendo su primera obra en España, el Centro Botín de las Artes y la Cultura, en Santander.3
Algunas palabras aclaran su actitud:
Aspiro a una dignidad idéntica a la del arquitecto del siglo XVI, en tanto diseñador: el arquitecto como 'machinatore' que inventa y proyecta hasta los útiles para hacer lo que concibe.
Renzo Piano, Obras y proyectos, 1971-1989, Gustavo Gili, 1990, p. 239
Obras[editar]

Museo Nemo (entrada y plazoleta)
Ámsterdam, Países Bajos
Centro Georges Pompidou, (con Richard Rogers), París, Francia. 1971-1977; rehabilitado entre 1997 y diciembre de 1999
Museo de la Colección Menil, Houston, EE UU. 1982-1986
Aeropuerto Internacional de Kansai, Osaka, Japón. 1990-1994
Punta Nave, sede de su RPBW, Génova, Italia. 1989-1991
Cruceros "Royal Princess" y "Crown Princess", de Princess Cruises. 1989-1991
Centro Cultural Canaco J.M. Tjibaou en Noumea, Nueva Caledonia, Francia. 1991-1998
Iglesia de Peregrinaje Padre Pio, S. Giovanni Rotondo, Italia. 1991-2004
Museo de la Fundación Beyeler, Basilea, Suiza. 1992-1997
Reforma de la antigua fábrica de Fiat en Lingotto.
Reconstrucción de una sección de la Potsdamer Platz (Daimler-Benz), Berlín, Alemania. 1992-2000
Auditorio Parque de la Música, Roma, Italia. 1994-2002
Ampliación del High Museum of Art, Atlanta, EE UU. 1999-2005
Maison Hermès, Tokio, Japón. 1998-2001
Centro Paul Klee, Berna, Suiza. 1999-2005
Futura sede de The New York Times, Nueva York, Estados Unidos.
Astrup Fearnley Museum of Modern Art, Tjuvholmen, Oslo, Noruega (2002-)4

Weltstadthaus
Colonia, Alemania
Columbia University Manhattanville Campus Master Plan and Jerome L. Greene Science Center, New York City, Nueva York (2004-)
Los Angeles County Museum of Art, Los Angeles, (2003-)
Sesto San Giovanni Plan, Milán, Italia (2004-)
Whitney Museum of American Art, Nueva York (2005-). Nuevo edificio en construcción. Previsto para 2012.
Pathé Foundation headquarters, París, Francia (2006-)
City Gate (Malta), Royal Opera House, Valletta, Parlamento de Malta, y Plaza de la libertad, Valletta, Malta (2009-)
Harvard Art Museums, renovación, Cambridge, Massachusetts (2009-)
Isabella Stewart Gardner Museum, ala, Boston, Massachusetts (2005-)
Kimbell Art Museum, ampliación, Fort Worth, Texas (2008-)
Central Saint Giles, edificio en Londres 2002-2010
Stavros Niarchos Foundation, Centro Cultural, Ópera y Biblioteca Nacional de Grecia Faliro, Atenas (2009-)
Centro de Arte Botín, Santander, España. 2012-2014.

Premios[editar]

Cubierta vegetal del California Academy of Sciences, museo y lugar de investigación en San Francisco (California).
1989: Medalla de Oro del RIBA (Real Instituto de Arquitectos Británicos)5
1990: Premio Kyoto
1994: Embajador de Buena Voluntad de la Unesco para la arquitectura
1995: Premio Erasmus [2] por haber aportado a Europa una contribución excepcional en el mundo de la cultura.
1995: Praemium Imperiale, concedido por la Japan Art Association [3]
1998: Ganador del Premio Pritzker de arquitectura.
2002: Medalla de Oro UIA (Unión Internacional de Arquitectos)
Bibliografía[editar]

Shard London Bridge, Londres, Inglaterra (2012)
Renzo Piano, Obras y proyectos, 1971-1989, Gustavo Gili, 1990.
On Tour with Renzo Piano (Phaidon edición). 2004. ISBN 0 7148 4341 5.

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Alvar Aalto (Finlandia)

3. Alvar Aalto (Finlandia)

Hugo Alvar Henrik Aalto,1 internacionalmente conocido como Alvar Aalto (Kuortane, Finlandia, 3 de febrero de 1898 - Helsinki, Finlandia, 11 de mayo de 1976),1 2 fue un importante arquitecto y diseñador finlandés. Formó parte del Movimiento Moderno y participó en los CIAM (Congresos... Ver mas
Hugo Alvar Henrik Aalto,1 internacionalmente conocido como Alvar Aalto (Kuortane, Finlandia, 3 de febrero de 1898 - Helsinki, Finlandia, 11 de mayo de 1976),1 2 fue un importante arquitecto y diseñador finlandés. Formó parte del Movimiento Moderno y participó en los CIAM (Congresos Internacionales de Arquitectura Moderna). Ha sido el único arquitecto de la Segunda generación del Movimiento Moderno reconocido como "maestro", equiparándose así a los grandes maestros del Periodo heroico del Movimiento Moderno Le Corbusier, Mies van der Rohe y Gropius.1 3 En su honor se concede cada cinco años el premio Medalla Alvar Aalto.4
Biografía[editar]

Soldados rojos (pro-rusos) habiendo capturado una bandera de Finlandia en 1940, durante la invasión rusa de Finlandia.

Alvar y Elissa Aalto en la década de 1950.

Los Congresos Internacionales de Arquitectura Moderna, abreviados CIAM, fueron unas reuniones de arquitectos modernos que tuvieron lugar en diversos lugares de Europa.5 Un primer bloque de ellos, fundamentalmente dominado por la presencia de arquitectos vanguardistas alemanes, se celebró antes de la Segunda Guerra Mundial y trató los temas típicamente funcionalistas (análisis de recorridos, análisis de superficies habitables, vivienda mínima), yendo de menos a más, es decir, comenzando a estudiar la vivienda en el CIAM I, después el barrio y después la ciudad. Este primer bloque produjo la Carta de Atenas, síntesis de la ideología moderna sobre la ciudad, basada en el criterio de zonificación, largamente publicada tiempo después y constantemente mal entendida al tomarse como dogma y no hacerse lecturas críticas. Tras la guerra los congresos se reanudaron, haciéndose más multitudinarios. La figura de Le Corbusier (en la imagen), que dominó muchos de ellos, pasó a perder importancia frente a los arquitectos del llamado Team X, que provocaron la crisis última y la disolución de los CIAM, proponiendo una revisión de la arquitectura moderna.5
Aalto nació en Kuortane, en el seno de una familia de cultura occidental clásica. Su padre, Johan Henrik Aalto, quien realizaba proyectos medioambientales, le puso en contacto con la protección finlandesa para con la naturaleza.6 Su madre, Selma Mathilda Hackstedt, era profesora.1
Estudió bachiller en Jyväskylä y arquitectura en lo que hoy es la Universidad Politécnica de Helsinki, donde algunos profesores, y en especial Armas Eliel Lindgren, pertenecían al Nacionalismo romántico,1 2 movimiento artístico que buscaba en las raíces históricas e identitarias de Finlandia para ensalzarla. En 1917 se alistó en la Guerra de independencia de Finlandia, concluida en 1918.1 7 Después de graduarse en 1921 realizó un dilatado viaje de estudios por el norte de Europa.1 7 En 1923 abrió su propio estudio de arquitectura en Jyväskylä.2 En 1925 contrajo matrimonio con Aino Marsio,1 arquitecta que colaboró en varios de sus proyectos. Los dos juntos viajaron por Europa Central e Italia.1 Durante esa década participó del pensamiento de varias vanguardias, especialmente de la Bauhaus, y estableció contactos con artistas y críticos, entre los que destacó Laszlo Moholy-Nagy.6 En 1928 fue nombrado miembro de los CIAM (Congreso Internacional de Arquitectura Moderna), los congresos más importantes de arquitectura moderna, en los que participaban arquitectos de la categoría de Le Corbusier y Sert. También colaboró un tiempo con Erik Bryggman, quien los instó a adoptar una modernidad más pura y funcionalista, enfrentándolo al clasicismo nórdico de sus primeras obras.1 2
En 1927 se trasladó primero a Turku y luego a Helsinki en 1933,7 2 siendo ya un arquitecto de cierta reputación. La exposición de muebles en Londres de ese año, organizada por P. Shand, fue la primera de las muchas exposiciones internacionales de su obra, como la del MOMA en 1938.1 En 1935 su esposa Aino Marsio, Marie Gullichsen y él fundaron la empresa Artek, dedicada a la producción en serie de los diseños de la pareja de arquitectos.1 Para ella diseñó la primera silla apoyada en una estructura de madera autoportante, que fue patentada. Una de sus piezas clásicas de la producción empresarial es el jarrón Aalto, también llamado Savoy.
Trabajó durante unos años en el extranjero, volviendo a Finlandia en 1940, acabada la Primera guerra ruso-finlandesa.1 Uno de los sitios donde residió fue Estados Unidos, donde fue nombrado profesor de arquitectura en el Instituto Tecnológico de Massachusetts (MIT por sus siglas en inglés) de Boston.
En 1942 se le eligió presidente de la Asociación de Arquitectos Finlandeses. Concluida la Segunda guerra ruso-finlandesa en 1944 realizó varios proyectos urbanísticos una vez nombrado jefe de la oficina estatal establecida para la reconstrucción del país.1 Durante la Segunda Guerra Mundial entró en contacto con el Clasicismo nazi de la mano de su principal representante, Albert Speer. Entre 1946 y 1948 vivió en Estados Unidos, subsistiendo como arquitecto y profesor. Entonces conoció a Frank Lloyd Wright.1
En 1949 su esposa Aino Marsio falleció y en 1952 se casó con Elissa Mäkiniemi, al igual que Aino arquitecta y colaboradora,1 2 quien dirigió la construcción de los proyectos inacabados a su muerte,2 acaecida el 11 de mayo de 1976 en Helsinki.
Pensamiento y método proyectual[editar]
"Los problemas más difíciles no surgen de la búsqueda de una forma para la vida actual, sino más bien del intento de crear formas que estén basadas sobre verdaderos valores humanos."
Alvar Aalto8
"El verdadero funcionalismo de la arquitectura debe reflejarse, principalmente, en su funcionalidad bajo el punto de vista humano. El funcionalismo técnico no puede definir la arquitectura."
Alvar Aalto9
El propio Aalto teorizó sobre su método de proyecto en el artículo La trucha y el río (1947); en él escribió que primero analizaba todos los requisitos del proyecto y entonces, los dejaba de lado para abocetar ideas con trazos sencillos, hasta encontrar aquel dibujo que solucionase todos los condicionantes de partida de manera satisfactoria.1 Para Aalto la experimentación de las ideas no concluía hasta que el proyecto estaba construido, poniéndose de relieve sus aciertos y defectos; los proyectos, al no considerarse terminados sobre el papel, sufrían modificaciones durante las puestas en obra.7
Aalto se empapó de la arquitecta moderna e internacionalizadora pero, al igual que otros arquitectos de la segunda generación, buscó la manera de agregar las variables de cada territorio y cultura.7 Pensaba en las relaciones de las piezas por sí mismas y en aras de un todo que atendía a cultura, sociedad y emplazamiento, extendiendo el razonamiento a los propios materiales. Esto partía en Aalto, según se desprende de sus escritos, de la preocupación por la humanización de la arquitectura, en la que ésta se entiende como propuesta cultural que responda a una sociedad concreta y no sólo como algo funcional y técnico; la manera de conseguirlo era proyectando espacios que fueran simultáneamente funcionales y ergonómicos,8 9 lo que terminó desembocando en la adopción de una arquitectura orgánica.10
Por otro lado, para Aalto la pintura y la arquitectura se habían influenciado mutuamente, así como pensaba que las artes compartían orígenes y procesos. En este sentido, se vio influido por los pintores Paul Cézanne y Fernand Léger, de quien fue amigo.8
Alvar Aalto y la crítica a los CIAM[editar]
En 1929 Aalto fue invitado a participar como miembro numerario del CIAM II3 en Fráncfort del Meno (Alemania). En el CIAM III (1930), dedicado al estudio de la vivienda, expone prototipos de viviendas estandarizadas. Después pierde el interés por el funcionalismo puro y lo gana por la modernidad expresionista y la arquitectura orgánica, demostrando admiración por arquitecturas como las de Frank Lloyd Wright.2 Influenciado por la arquitectura de corte nacional de su país, Alvar Aalto participó activamente en los CIAM defendiendo una postura humanizadora y criticando el funcionalismo convertido en formalismo.9 Su propia arquitectura se distorsiona para poder responder a los condicionantes particulares de cada proyecto con elegancia y genialidad.9 11 Así mismo se enfrentó con la estética maquinista, fría y alejada de la gente, tanto en la arquitectura como en los muebles y otros objetos. A raíz de este interés estudió con Aino la flexibilidad de la madera laminada como material cálido, para la producción en serie de objetos cotidianos construidos con ella.9
Su postura en los CIAM, representada por sus propios proyectos, criticó en definitiva la concepció moderna a lo Estilo Internacional, destacando la dualidad ciencia-arte de la arquitectura y respetando la aportación de la psicología.

La arquitectura no es una ciencia. Sigue siendo el gran proceso sintético de la combinación de miles de funciones humanas definidas (...) El funcionalismo es correcto, sólo si puede ampliarse hasta abarcar incluso el campo psicofísico.
Alvar Aalto9
Etapas artísticas[editar]
Romanticismo nacional[editar]

Catedral de Tampere, obra medievalista de Lars Sonck, a quien Aalto admiraba en su época de estudiante.

Sede del periódico Turun Sanomat en Turku, considerada como primera obra plenamente racionalista de Aalto.
Aunque la obra de Aalto no puede incluirse en esta categoría, el Romanticismo nacional, nacido como movimiento social en 1891 en reacción a los dominios sueco y ruso, marcaba aún la arquitectura y el ámbito académico finlandés en su época de estudiante.7 La arquitectura finlandesa asociada al movimiento buscó referencias nacionales en la cultura medieval. Gracias a esto se recuperaron los materiales tradicionales: madera, piedra y ladrillo. Otras artes se vieron afectadas, ejemplos son la música (Jean Sibelius) y la pintura (Akseli Gallen-Kallela).7 Ejemplo de arquitecto romántico nacionalista fue Lars Sonck, por quien Aalto sintió admiración en su juventud. Su influencia quedó patente en la iglesia de Mikaelinkkirko (Turku, finalizada en 1905), cuyo concurso ganó siendo estudiante, realizada en estilo neogótico y construida en piedra.7
Según avanzaban los primeros años del siglo XX, sin embargo, los arquitectos finlandeses diversificaron sus influencias y el Romanticismo nacional perdió adeptos al igual que lo hicieron las corrientes asociadas de su época, como el Art Nouveau belga y el Modernismo español.2
Clasicismo nórdico[editar]
Recién iniciada la segunda década del XX el Clasicismo caló con fuerza entre los países del norte de Europa. Los ojos se volvieron a Italia una vez más en la historia del arte. El mismo Aalto estudió y escribió sobre el país tras visitarlo con su esposa.7 Esta corriente fue la dominante en los últimos años como estudiante del arquitecto y en los primeros como profesional, lo que seguramente le dotó de las referencias clásicas que pueden encontrarse en su obra.7 Varias de sus primeras obras revelan la influencia de esta corriente, especialmente influido por Gunnar Asplund, principal arquitecto clásico sueco de la época.2
Racionalismo[editar]
En los años 1920 los escandinavos se interesaron por los principios funcionalistas, la estética industrial, las superficies puras, la independencia de la estructura respecto de los cerramientos y la tabiquería, la vivienda mínima, la vivienda colectiva, la zonificación, etc.7 En esos años, en los que viaja mucho por Europa, Alvar Aalto se interesó más por los elementos sociales y culturales que brindaban las nuevas vanguardias, en especial en cuanto a la vivienda, convertida en centro de la arquitectura, que por sus posibilidades de producción en serie.7 En esa época está activo publicando artículos sobre arquitectura y participando en los Congresos Internacionales de Arquitectura Moderna, comprometido con el Movimiento Moderno, hasta los primeros años 1930.
En 1924, con la Casa para obreros, pierde la simetría,2 recurso clásico no deseado por la mayoría de los modernos. Sin embargo, su racionalismo aún era algo tímido en las obras que realizó entre 1927 y 1929, cuando ya se había desapegado del Clasicismo Nórdico. Su primer edificio considerado como plenamente moderno fue el proyectado para el periódico Turum Sanomat en Turku.1
Acentos personales[editar]
Una serie de obras realizadas más allá de 1930, entre las cuales sobresale Villa Mairea (1937), marcan una nueva fase en la obra de Alvar Aalto, en la que su arquitectura moderna pierde su pureza para enriquercerse con giros propios, quizá influidos por el superado romanticismo. A esta etapa pertenece también, entre otros, el Pabellón para la Feria Mundial de Nueva York (1939).1
Organicismo[editar]
Alvar Aalto estuvo en Estados Unidos entre 1946 y 1948, pudiendo entonces conocer personalmente al afamado arquitecto Frank Lloyd Wright, conocido sobre todo por sus obras organicistas (término que, como ya advirtió Bruno Zevi, es confuso y debería afinarse). Es entonces cuando, con el encargo de la Baker House (1946-49), comienza la etapa organicista de Alvar Aalto, en la que toma esa visión para interpretar el Mov. Moderno. La visión que entonces toma de la arquitectura le impulsa a buscar y encontrar soluciones que, desde una perspectiva moderna, entronquen los nuevos desarrollos urbanos y arquitectónicos con la ciudad histórica.1
Obras arquitectónicas representativas[editar]
Artículo principal: Anexo:Obras de Alvar Aalto
Biblioteca de Viipuri[editar]

Vista del salón de actos con su cielo-raso ondulado.
Este edificio (1927-1934), dañado durante la primera guerra ruso-finesa y casi completamente destruido en la segunda, ganó su importancia histórica del techo ondulado de su salón de actos, construido en madera, un plano continuo y plegado que da la sensación de alargar el espacio.12 La curva es usada de continuo por el arquitecto a partir de esta obra.13
Formalmente eran dos cuerpos rectangulares y de distinto tamaño, colocados sesgadamente y unidos por un sistema de entrada que producía que ésta fuera transversal en ambos cuerpos. El volumen mayor se encontraba ocupado en gran parte por la sala de lectura y el menos por la sala de conferencias, mientras que la biblioteca ocupaba la parte baja.13 En palabras de Alvar Aalto (La trucha y el torrente, 1948), la biblioteca «se compone de varias de varias áreas de lectura y de entrega, escalonadas en diferentes niveles, y en la cumbre se encuentran el centro administrativo y de supervisión. Los dibujos (...) conducían a un entrelazamiento de la sección y de la planta, y a cierta unidad entre la construcción horizontal y la vertical».14 Desde que Aalto ganó el concurso (1927) hasta que finalmente finalizó el proyecto, Aalto se prodigó en dibujos que él definió como infantiles e ingenuos en los que, tomando la naturaleza como referencia (paisajes, luces naturales), consiquió imaginar la "idea principal" del edificio.14
El proyecto es pródigo en detalles. Así, por ejemplo, escasean las ventanas a favor de una iluminación cenital uniforme y de una luz artificial que ilumina suavemente los muros encalados.13
Sanatorio de Paimio[editar]
Situado a 3 km de Paimio, en Finlandia,15 y construido entre 1929 y 1933, fue uno de los muchos que por esa época se programaron en el país. Aalto, quien se presentó a diversos concursos de las administraciones locales, sólo ganó el del sanatorio tuberculoso de Paimio, fallado en 1928.16 1 Diseñó para él la silla Paimio, cuyo ángulo, fruto de la interacción con los médicos, facilita la respiración de pacientes con problemas,16 así como tumbonas de acero.17
Formalmente el sanatorio se compone de dos volúmenes, uno rectangular muy alargado con las habitaciones y otro de formas singulares con los espacios comunes, de manera que en la intersección de ambos se halla el núcleo de comunicaciones verticales.16 El ala de pacientes, muy regular, incluye terrazas para que éstos puedan tomar el aire.12 Las zonas comunes tienen cada una distintas forma y orientación.1 El paisaje que lo rodeaba, un territorio de brezales y bosque de pinos en el que se adaptaron algunos jardines, formó parte del proyecto, a pesar de que con los años ha ido cambiando.15 El sanatorio, con su distribución asimétrica, sus volúmenes de carácter horizontal, sus ventanas corridas repetidas sistemáticamente y la pintura blanca de los alzados, responde en gran medida al racionalismo del Estilo Internacional. La estructura no es continua y casi nunca se adivina desde el exterior. Si bien es porticada en la mayoría de los casos, el volumen de habitaciones se sostiene por grandes pilares centrales de hormigón armado que permiten dejar las terrazas como losas en voladizo, con un muro pantalla en la cara opuesta que hace las funciones de tirante.1
Aalto también proyectó las viviendas de los médicos, separadas del sanatorio y dispuestas en hilera. Se trata de cuatro volúmenes blancos de dos plantas con cubierta plana. Cada una cuenta con dos entradas, la principal y la de servicio. Las zonas de servicio se ubican todas en planta la planta inferior, de manera que sobre la superior, encima de esas zonas, cada vivienda cuenta con una terraza que las separa del resto. Los garajes son externos.8

Sello de 1978.



Silla Paimio.

Villa Mairea[editar]

Vista exterior de la vivienda.
Artículo principal: Villa Mairea
Esta vivienda (1937) fue construida para una empresaria de la madera, con lo que este material jugó un papel importante en su construcción. Formalmente se trata de un edificio en L con un cuerpo independiente, la sauna, algo apartada y ligada a una piscina exterior. Está situada en medio de un bosque, al cual el proyecto presta especial cuidado. La entrada principal se produce en el vértice de la L, de manera que, grosso modo, en una de las alas quedan los espacios más grandes y en la otra los más compartimentados. La relación de los espacios se realiza entre sí, como zonas dentro de un objeto admirable en sí mismo. Su concebimiento supone una ruptura con la arquitectura de su tiempo.8
La disposición de la segunda planta es similar, pero la estructura, que mantiene las posiciones, revelando el ritmo lógico con que está dispuesta, cambia de dimensiones y se multiplican en pilares.8 Este afán por la sutileza se encuentra en todo el proyecto; así, la casa guarda una relaciones de cuadrados y proporciones (figura platónica y moderna) que no se advierten a primera vista.8
Pabellón finlandés para la Exposición Universal de Nueva York de 1939[editar]
Aalto ganó el concurso celebrado en 1937 para el edificio que habría de representar a Finlandia en la Exposición Universal de Nueva York de 1939. Éste contaba con cuatro plantas superpuestas en un solo espacio que ocupaban 16 metros de altura. El nivel inferior estaba ocupado por productos de toda índole, a modo de resumen de lo que se verá en las siguientes. La segunda planta estaba dedicada al trabajo, la cuarta a los finlandeses y en el piso más alto estaba la exposición sobre el país.18
Caracterizaron al edificio tres planos inclinados hacia adentro y paralelos, construidos en madera y ciegos -la iluminación es cenital-,1 que permitían abarcar con la vista objetos lejanos y situados varias plantas por encima, con lo que se establecían relaciones horizontales y verticales. La intención del arquitecto fue volver al concepto tradicional de bazar mediante disposiciones yuxtapuestas (relación horizontal en el mismo nivel) y superpuestas (relación vertical de varios niveles) de los objetos, generando la mayor concentración posible.18 El volumen es exterior es sin embargo unitario, de manera que no permite adivinar cómo es el interior.1
El éxito y atractivo del pabellón fue tal que permitió al arquitecto mantener ciertos contactos en los Estados Unidos, que aprovechó durante la Segunda Guerra Mundial para establecerse en el país. El pabellón mereció incluso el elogio de genio por parte de Frank Lloyd Wright, conocido entre otras cosas por desdeñar a muchos grandes arquitectos.1
Baker House[editar]
En 1947 Alvar Aalto construyó esta residencia de estudiantes para el Instituto Tecnológico de Massachusetts (MIT). Aalto utilizó distintos recursos para romper la monotonía de la extensión y el programa requeridos. Incluso, llegó a curvar la fachada, de manera que las habitaciones disfrutaran de la vista del río Charles sin ver desde sus ventanas todo el edificio (esto es, su gran extensión). Igualmente alternó la capacidad y la forma de las habitaciones y combinó las formas y disposiciones de los espacios comunes, incluidas las escaleras, que sobresalen de la fachada posterior; así, todas las habitaciones son distintas y mientras unas miran río arriba, otras lo hacen río abajo.19 A pesar de la curva la fachada de las habitaciones es un ritmo initerrumpido. Funcionalmente se entra por la parte posterior y desde allí puede elegirse ir al comedor u otras dependencias que, en planta baja, sobresalen por uno de los lados de la figura sinusoidal de las habitaciones como cuerpos independientes, o acceder a las habitaciones escaleras arriba. En cada piso hay salones comunes de menor dimensión a los principales, situados en planta baja.20
Baker House, MIT - pano-1.jpg

Baker House, MIT - IMG 5563.JPG

Baker House, MIT, Cambridge, MA - night.JPG

Baker House, MIT, Cambridge, Massachusetts.JPG
Ayuntamiento de Säynätsalo[editar]
Artículo principal: Ayuntamiento de Säynätsalo
Espacialmente, el ayuntamiento de Säynätsalo (1952) es una suerte de claustro abierto con cuatro lados, de los cuales uno es la biblioteca y los otros son oficinas. El patio que une los cuerpos está elevado artificialmente, distinguiéndose de la planicie que rodea al edificio, y el cuerpo considerado principal -en el que está la sala de reuniones más importante- se destaca en altura sobre los demás. El espacio central abierto se comunica con la planicie mediante dos escaleras, una de ellas hecha de maderas que contienen terrazas de césped. El material principal de todo el edificio es el ladrillo.21

Vista exterior.



Acceso al espacio abierto del conjunto.



Cuerpo volado.



Vista exterior del conjunto.

Universidad Politécnica de Helsinki[editar]
Artículo principal: Universidad Politécnica de Helsinki
Alvar Aalto se ocupó del proyecto del edificio principal de esta universidad tecnológica, situada en Espoo, desde 1949.22 En 1955 Alvar Aalto ya tenía listo el proyecto, que debía construirse en una zona boscosa a diez kilómetros de la capital.12 El edificio se construyó entre 1953 y 1966 en ladrillo visto,23 y el edificio principal entre 1961 y 1964.18
Gran parte del edificio está ocupado por auditorios creados a la manera de anfiteatros. Las zonas de estudiantes están opuestas a las de administración, cuya área está situada en un extremo. Las aulas se organizan en torno a patios, que sirven además para separar las diferentes áreas de estudio. A un lado de dos de ellos, uno totalmente interior y otro abierto, están las zonas dedicadas al estudio de la geografía y la geodesia. Al otro lado, y separados de la escuela de arquitectura por otros dos patios abiertos, existe una zona general. La escuela de arquitectura, situada en un extremo, está dispuesta en torno a otro patio abierto. La disposición en patios abiertos permite que cada área pueda ampliarse sin que las obras afecten a las otras, de modo que no sea necesaria una reestructuración de las funciones del conjunto del edificio.18
El proyecto, que se proyectó al tiempo que la infraestructura viaria que debía comunicarlo con la ciudad,12 separa perfectamente e tráfico rodado del peatonal, que baja en terrazas,18 de manera que los residentes pueden desplazarse de las clases a las viviendas sin tener que atravesar carreteras. Las viviendas, formando parte del mismo conjunto, se ubican en las plantas más elevadas.24

Auditorio.



Auditorio.



Entrada al edificio principal.

Torre de apartamentos en Bremen[editar]
Alvar Aalto proyectó este edificio (Bremen, Alemania; 1958-62) con forma de abanico, característica en él. Con esta forma singulariza cada apartamento,1 de manera que todos son distintos aun sin perder las mismas propiedades (una fachada, salida al mismo espacio, igual disposición de los espacios). Además, la disposición en abanico puede tener un origen funcional en cuanto a las comunicaciones, ya que éstas, al encontrarse en su vértice, se acortan, evitándose largos pasillos.11
AaltoVahr-02.jpg

Aalto Hochhaus.JPG

AaltoVahr-01.jpg

Bremen-Neue Vahr.jpg
Biblioteca de Rovaniemi[editar]

Fotografía del interior.
En 1963 Aalto proyectó la biblioteca de Rovaniemi, una de las varias que le fueron encargadas. El edificio se construyó entre 1965 y 1968 como primera fase de un centro cultural y administrativo para la ciudad.18
Consta de una pastilla de bajo más una planta de la que sobresale un cuerpo en forma de abanico, que recibe luz del norte a través de una plaza. Este cuerpo contiene las bibliotecas infantil y adulta, un museo y una sala de estudio. El mostrador de vigilancia y préstamos está situado en el centro de la sala, de modo que pueden controlarse desde allí todas las alas. La pastilla acoge diversas funciones; principalmente, de bibliotecas y museos temáticos. El proyecto está realizado de modo que estos usos puedan intercambiarse.18
Para las ventanas, Aalto proyectó parasoles.25
Objetos y mobiliario[editar]

Silla de Alvar Aalto.
Muchos de los objetos que diseñó se siguen produciendo en la actualidad, entre ellos:
Silla "Paimio" o Model No. 41, producido por Artek (1930-1931)
Silla Model No. 31, producido por Artek (1931-1932)
Taburete Model No. 60 y 69, porducido por Artek (1932-1933)
Taburete Y-leg Stool, producido por Artek (1946-1947)
Tumbona Model No. 43 y silla Model No. 406, producido por Artek (1936)

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Jacques Herzog (Suiza)

4. Jacques Herzog (Suiza)

Jacques Herzog (19 de abril de 1950) es un arquitecto suizo nacido en Basilea. Trabaja conjuntamente con Pierre de Meuron. Ambos estudiaron en la misma escuela de arquitectura y en el año 1978 establecieron la firma Herzog & de Meuron. Se caracterizan por el uso de soluciones imaginativas ante... Ver mas
Jacques Herzog (19 de abril de 1950) es un arquitecto suizo nacido en Basilea. Trabaja conjuntamente con Pierre de Meuron. Ambos estudiaron en la misma escuela de arquitectura y en el año 1978 establecieron la firma Herzog & de Meuron. Se caracterizan por el uso de soluciones imaginativas ante los problemas arquitectónicos, a la vez que combinan la artesanía con las nuevas tecnologías. Destaca también en todos sus edificios un gran aprovechamiento de la luz natural.
Su obra más conocida es la Tate Modern de Londres terminada en el año 2000, donde transformaron una antigua central elécrica en una moderna galería de arte. Ese mismo año fueron galardonados con el Premio Pritzker, equivalente al Premio Nobel de arquitectura. En su obra encontramos numerosos edificios residenciales así como también algunas galerías de arte, como la ya dicha anteriormente. Uno de sus edificios más significativos es el Edificio Fórum en Barcelona, emblema del Fórum Universal de las Culturas del 2004. El edificio en cuestión es un prisma de base triángular y color azul añil que dispone de un gran auditorio subterráneo y de una amplia sala de exposiciones.
Obras representativas[editar]
Artículo principal: Herzog & de Meuron
Edificio Fórum (Barcelona)
Tate Modern (Londres)
Kuppersmuhle Museum (Duisburgo, Alemania)
Library Eberswalde Technical (Eberswalde, Alemania)
Almacenes Ricola (Laufen, Suiza)
Rudin House (Leymen, Francia)
Railway Engine Depot (Basilea)
Goetz Collection (Múnich)
Schwitter Apartment Ofice (Basilea)
Plywood House (Bottmingen, Suiza)
Tenerife Espacio de las Artes(Santa Cruz de Tenerife, España)
Plaza de España (Santa Cruz de Tenerife)

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Norman Foster (Gran Bretaña)

5. Norman Foster (Gran Bretaña)

Biografía[editar] Estudió arquitectura en la Universidad de Mánchester y obtuvo después una beca para proseguir sus estudios en la Universidad de Yale. De regreso en Inglaterra, Foster trabajó durante un tiempo con el arquitecto Richard Buckminster Fuller y fundó en 1965 el estudio de... Ver mas
Biografía[editar]
Estudió arquitectura en la Universidad de Mánchester y obtuvo después una beca para proseguir sus estudios en la Universidad de Yale. De regreso en Inglaterra, Foster trabajó durante un tiempo con el arquitecto Richard Buckminster Fuller y fundó en 1965 el estudio de arquitectos Team 4, junto con su primera esposa Wendy, Richard Rogers y la esposa de éste, Sue. Dos años más tarde el nombre del estudio fue cambiado y quedó en Foster and Partners.
Los proyectos iniciales de Foster se caracterizan por un estilo "High-tech" muy pronunciado. Más adelante las líneas de sus edificios se suavizan y desaparece en buena parte ese carácter técnico llevado al extremo. En todo caso, los proyectos de Foster y sus socios llevan un marcado sello industrial, en el sentido de que emplean en los edificios elementos que se repiten multitud de veces, por lo que son fabricados en lugares alejados de la obra. Frecuentemente se diseñan componentes para un edificio ex profeso, reflejando con ello un estilo de buena manufactura.
Foster fue armado caballero en 1990 (Sir Norman Foster) y en 1997 se le confirió la Orden de Mérito. En 1999, La reina Isabel II le otorgó el título nobiliario vitalicio de Barón Foster de Thames Bank (Lord Foster of Thames Bank). En julio de 2010 fue uno de los 5 miembros de la Cámara de los Lores que renunció a su escaño para evitar, en cumplimiento de una nueva ley, fijar su residencia fiscal en el Reino Unido.3 4 El título de caballero (lord) lo conservó, porque es vitalicio.
También ha recibido varios premios importantes de arquitectura, como la medalla de oro del instituto americano de arquitectura, el prestigioso premio Pritzker en 1999 y el Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 2010.
Vida privada[editar]
En cuanto a su vida privada, en 1996 se casó con Elena Ochoa (a quien le lleva 23 años) con quien tiene una hija e hijo, Paola y Eduardo.5 Es una psicóloga española y profesora de universidad, famosa por presentar un programa de televisión sobre sexo que actualmente dirige la editorial y galería de arte Ivorypress. Foster había enviudado en 1989 y tenía cuatro hijos (2 adoptados).
Su primer trabajo de importancia en España fue la torre de comunicaciones de Collserola en Barcelona (1991), puesta en marcha con motivo de los Juegos Olímpicos de 1992.
En 2007, Norman Foster diseñó su primera bodega, Portia, para el grupo vinícola español Faustino en la localidad burgalesa de Gumiel de Izán.6
Actualmente, el estudio de Foster y sus asociados tiene oficinas en Londres, Madrid, Hong Kong, Abu Dhabi y Nueva York, con una plantilla de 500 personas.
Uno de sus últimos proyectos es la creación, dentro del Campus de la Justicia de Madrid, del Tribunal Superior de Justicia de Madrid y de la Audiencia Provincial de Madrid.
Proyectos seleccionados[editar]

Torre del Commerzbank.

Cubiertas y cúpula de la Dresden Hauptbahnhof.

Metropolitan Building en Varsovia.

Torre Caja Madrid.
Foster ha desarrollado una carrera extremadamente prolífica a lo largo de cuatro décadas. Las siguientes obras son algunas de sus más importantes construcciones:
Categoría principal: Edificios de Norman Foster
Hasta 1999[editar]
Renovación del edificio del Reichstag, Berlín, Alemania (1999)
Department of Economics, Manor Road Building, Universidad de Oxford, Inglaterra (1999)
Redevelopment of the Great Court of the British Museum, Londres, Reino Unido (1999) Ver en el mapa
Palacio de Congresos de Valencia, España (1994 – 1998) Ver en el mapa
Aeropuerto Internacional de Hong Kong, Chek Lap Kok, Hong Kong, China (1992 – 1998)
Commerzbank Tower, Fráncfort del Meno, Alemania (1991 – 1997)
The Clyde Auditorium, part of the Scottish Exhibition and Conference Centre in Glasgow, Escocia (1995-1997)
Law Faculty, Sidgewick Site, Universidad de Cambridge (1995)
Joslyn Art Museum, Omaha (Nebraska) (1994)
Lycée Albert Camus, Fréjus, Francia (1993)
Kings Norton Library, Universidad de Crandfield, Reino Unido (1993)
Carré d'Art, Nîmes, Francia (1984 – 1993) Ver en el mapa
Torre de Collserola, Barcelona, España (1992) Ver en el mapa
Edificio Terminal en Aeropuerto de Londres-Stansted, Londres, Reino Unido (1981 – 1991)
HSBC Main Building (Hong Kong) (1979 – 1986)
Renault Distribution Centre, Swindon, Reino Unido (1983)
Sainsbury Centre for Visual Arts at the University of East Anglia, Norwich, Inglaterra (1974 – 1978 )
Willis Faber and Dumas Headquarters, Ipswich, Inglaterra (1971 – 1975 )
IBM Pilot Head Office, Cosham, Portsmouth, Inglaterra (1970 – 1971)
Desde 1999[editar]
Torre Bankia, Madrid, España (2004-2008)
John Spoor Broome Library, Cal State Channel Islands. (2006-2008)
Lumiere residences, Sídney, Australia (2007-2008)
Thomas Deacon Academy (2005-2007)
Willis Building, Londres, Reino Unido (2004-2007)
Wembley Stadium, Londres, Reino Unido (2002 – 2007)
Palace of Peace and Reconciliation,7 Astaná, Kazajistán (2006)
Edificio de la Facultad de Farmacia8 en la Universidad de Toronto, Canadá (2006)
Hearst Tower,9 Nueva York, EE. UU. (2006)
Reconstrucción de la Dresden Hauptbahnhof (estación central), Dresde, Alemania (2002 – 2006)
Deutsche Bank Place, Sídney, Australia (el primer edificio de Sir Norman Foster en el hemisferio sur) (2005)
The Philological Library at the Free University of Berlin, Alemania (2005)
National Police Memorial, The Mall, Londres, Reino Unido (2005)
40 apartamentos de lujo en St. Moritz, Suiza (2005)
Viaducto de Millau, Gorge du Tarn, Francia (1993 – 2005)
Tanaka Business School, Imperial College London (2004)
McLaren Technology Centre, Woking, Reino Unido (2004)
The Sage Gateshead, Gateshead, Ingaterra (2004)
30 St Mary Axe, Swiss Re London headquarters, Londres, Reino Unido (1997 – 2004)
Metro de Bilbao, España (1988 – 1995, 1992 – 2004)
Universiti Teknologi Petronas main campus, Malasia (2003)
Clark Center, Universidad Stanford Palo Alto, CA (2003)
8 Canada Square (HSBC Group Head Office), Londres (2002)
The Metropolitan Building in Varsovia (1997-2003)
Lionel Robbins Building renovation, British Library of Political and Economic Science, London School of Economics, Londres, Reino Unido (1999 – 2001)
J Sainsbury headquarters, Holborn Circus, Londres (2001)
La Poterie metro station, Rennes, Francia (2001)
Al Faisaliyah Center, Riyadh, Saudi Arabia (2001)
Expo MRT Station, Singapur (2001)
Center for Clinical Science Research, Stanford University, Palo Alto, CA (2000)
Millennium Bridge, Londres, Reino Unido (1996 – 2000) Ver en el mapa
Greater London Authority Building (Ayuntamiento de Londres), Londres, Reino Unido (2000) Ver en el mapa
Propuestas o en construcción[editar]
Torre Cork, República de Irlanda, (2008-2011)
Centro de Cultura y Ocio, Ciudad del Motor de Aragón[1], Alcañiz, España (2007) (ganador en competición)
Tivoli Hotel, Copenhague, Dinamarca (2010) (ganador en competición)
Museo de la Aviación, Getafe, España (actualmente en fase de diseño)
200 Greenwich Street, Torre 2 del plan de reconstrucción del World Trade Center en Nueva York, Estados Unidos (actualmente en fase de diseño)
Reconstrucción de New Holland Island, San Petersburgo, Rusia (en curso)
Russia Tower, Moscú, Rusia (2007 – 2011)
U2 Tower, Dublín, Irlanda (2008-2011) (ganador en competición)
Spinningfield Square, Mánchester, Inglaterra (2005 – 2010)
Dallas Center for the Performing Arts, Dallas, Estados Unidos (2009)
The Bow, Calgary, Canadá (2009)
The Troika, Kuala Lumpur, Malasia (2004 – 2009)
Terminal Internacional, Aeropuerto Internacional de Pekín, Pekín, China (2007)
New Elephant House, Copenhagen Zoo, Copenhague, Dinamarca (2007)
Queen's Dock, Scottish Exhibition and Conference Centre, Glasgow, Escocia (2004 – 2007)
Supreme Court of the United Kingdom, Middlesex Guildhall, Londres, Reino Unido (2009)
Xan Şatırı en Astaná, Kazajistán
Masdar, Abu Dabi (anunciado 2007)
New Yale School of Management campus, New Haven, Connecticut (anunciado 4 de septiembre de 2007)
Estadio Camp Nou, Barcelona, España (anunciado 18 de septiembre de 2007)10
Crystal Island, Moscú, Rusia11 12
Hermitage Plaza, La Défense, París, Francia (2010-2014)
Unidad de Ocio y Cultura de Motorland, Alcañiz, España
Estación de AVE, Orense, España
Ampliación del Palacio de Congresos de Valencia, España.
Nuevo Aeropuerto Internacional de la Ciudad de México, México
Proyectos no arquitectónicos[editar]
Otras obras de diseño de Foster incluyen el sistema de mesa Nomos para el fabricante italiano Tecno,13 y el yate a motor Izanami (luego Ronin) para Lürssen Yachts.14
Premios[editar]
1990: Premio de Arquitectura Contemporánea Mies van der Rohe.
1994: Medalla de Oro del AIA.
1999: Premio Pritzker.15
2010: Premio Príncipe de Asturias de las Artes.15

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Marco Vitruvio (Italia)

6. Marco Vitruvio (Italia)

Biografía y obra[editar] Fue arquitecto de Julio César durante su juventud, y al retirarse del servicio entró en la arquitectura civil, siendo de este periodo su única obra conocida, la basílica de Fanum (en Italia). Es el autor del tratado sobre arquitectura más antiguo que se conserva y el... Ver mas
Biografía y obra[editar]
Fue arquitecto de Julio César durante su juventud, y al retirarse del servicio entró en la arquitectura civil, siendo de este periodo su única obra conocida, la basílica de Fanum (en Italia). Es el autor del tratado sobre arquitectura más antiguo que se conserva y el único de la Antigüedad clásica, De Architectura, en 10 libros (probablemente escrito entre los años 27 y 23 a. C.). Inspirada en teóricos helenísticos -se refiere expresamente a inventos del gran Ctesibio-, la obra trata sobre órdenes, materiales, técnicas decorativas, construcción, tipos de edificios, hidráulica, colores, mecánica y gnomónica (Libro IX).
El último libro está dedicado a las máquinas: de tracción, elevadoras de agua y todo tipo de artefactos bélicos (catapultas, ballestas, tortugas, etc.). Vitruvio describió muy bien la rueda hidráulica en el cap. X.5. La rueda de Vitruvio era vertical y el agua la empujaba por abajo; unos engranajes tenían la finalidad de cambiar la dirección del giro y aumentar la velocidad de las muelas; se calcula que con la energía producida por una de estas ruedas se podían moler 150 kg de trigo por hora, mientras que dos esclavos solo molían 7 kg.1

Hombre de Vitruvio, de Leonardo da Vinci.
De Architectura, conocido y empleado en la Edad Media, se imprimió por primera vez en Roma, edición del humanista y gramático Fray Giovanni Sulpicio de Veroli, en 1486, ofreciendo al artista del Renacimiento, imbuido de la admiración por las virtudes de la cultura clásica tan propio de la época, un canal privilegiado mediante el que reproducir las formas arquitectónicas de la antigüedad greco-latina. Posteriormente, se publicó en la mayor parte de los países y todavía hoy constituye una fuente documental insustituible, también por las informaciones que aporta sobre la pintura y la escultura griegas y romanas.2 El famoso dibujo de Leonardo da Vinci, el Hombre de Vitruvio, sobre las proporciones del hombre está basado en las indicaciones dadas en esta obra. El dibujo se conserva ahora en la Galleria dell'Accademia, en Venecia. El gran redescubridor de Vitruvio fue Petrarca, y tras la difusión por el florentino de la obra de este autor clásico, se puede afirmar que Vitruvio sentó las bases de la arquitectura Renacentista.3
Las imágenes que ilustran la obra de Vitruvio, en sus ediciones hasta el siglo XVIII, no sólo aclaran y embellecen el tratado grecorromano, sino que son expresión de distintas intenciones y usos que ese libro ha tenido en la modernidad europea.
De Architectura libri decem (De Architectura) de Vitruvio[editar]

Plano de una casa griega después de Vitruvio
Vitruvio es el autor de De Architectura, conocido hoy como Los Diez Libros de Arquitectura,4 un tratado escrito en latín y griego antiguo acerca de arquitectura, dedicado al emperador Augusto. En el prefacio del libro I, Vitruvio dedica sus escritos para dar conocimiento personal de la calidad de los edificios al emperador. Probablemente Vitruvio se refiere a la campaña de reparaciones y mejoras públicas de Marco Agripa. Este trabajo es un gran libro y único superviviente de la arquitectura de la antigüedad clásica. Según Petri Liukkonen, este texto "influyó profundamente a los artistas desde el primer Renacimiento en adelante, como a pensadores y arquitectos, entre ellos Leon Battista Alberti (1404-1472), Leonardo da Vinci (1452-1519) y Miguel Ángel (1475-1564). "5 El siguiente libro importante en la arquitectura,fue la reformulación de los diez libros de Alberti, no fue escrito hasta 1452.
Vitruvio es famoso por afirmar en su libro De Architectura que una estructura debe exhibir las tres cualidades de firmitas, utilitas, venustas - es decir, debe ser sólida, útil, hermosa. Éstos a veces se llaman las virtudes de Vitruvio o la Tríada de Vitruvio. Según Vitruvio, la arquitectura es una imitación de la naturaleza. Como las aves y las abejas construyen sus nidos, por lo que los seres humanos construyen vivienda a partir de materiales naturales, que les da refugio contra los elementos. Cuando ocurrió el perfeccionamiento de este arte de la construcción, los griegos inventaron los órdenes arquitectónicos: dórico, jónico y corintio. Se les dio un sentido de la proporción, que culminó en la comprensión de las proporciones de la mayor obra de arte: el cuerpo humano. Esto llevó Vitruvio en la definición de su Hombre de Vitruvio, según lo adoptado más tarde por Leonardo da Vinci: el cuerpo humano inscrito en el círculo y el cuadrado (los patrones geométricos fundamentales del orden cósmico).
Vitruvio se refiere a veces libremente como el primer arquitecto, pero es más exacto describirlo como el primer arquitecto romano que escribió registros de su campo que sobrevivieron. Él mismo cita a obras mayores, pero menos completas. Era al menos un pensador original o tenía el intelecto creativo de un codificador de la práctica arquitectónica existente. También hay que señalar que Vitruvio tenía un alcance mucho más amplio que los arquitectos modernos. arquitectos romanos practicaban una amplia variedad de disciplinas; en términos modernos, que podrían describirse como la combinación de ingenieros, arquitectos, arquitectos paisajistas, artistas y artesanos. Etimológicamente la palabra arquitecto deriva de las palabras griegas que significan "maestro" y "constructor". El primero de los diez libros se ocupa de muchos temas que ahora entran en el ámbito de la arquitectura del paisaje.
Tecnología romana[editar]

Rueda de drenaje de las minas de Rio Tinto
Los Libros VIII, IX y X son la base de gran parte de lo que sabemos acerca de la tecnología romana, ahora aumentados por los estudios arqueológicos de los restos existentes, tales como los molinos de agua en Barbegal,Francia. La otra fuente importante de información es la Historia Naturalis compilado por Plinio el Viejo mucho más tarde en el año 75 de nuestra era.
Máquinas[editar]
El trabajo es importante por sus descripciones de las diferentes máquinas utilizadas para estructuras de ingeniería, tales como montacargas, grúas y poleas, así también máquinas de guerra como catapultas, ballestas, y máquinas de asedio. Como ingeniero practicante, Vitruvio debe estar hablando de la experiencia personal en lugar de la simple descripción de las obras de los demás. También se describe la construcción de relojes de sol y de agua, y el uso de un aeolipile (la primera máquina de vapor ) como un experimento para demostrar la naturaleza de los movimientos de aire atmosféricas (viento).
Acueductos[editar]
Su descripción de la construcción de un acueducto incluye la forma en que se registran, y la cuidadosa elección de los materiales necesarios, aunque Frontino (un general que fue nombrado a fines del siglo primero para administrar los muchos acueductos de Roma), los describiría un siglo más tarde, con mucho más detalle acerca de los problemas prácticos involucrados en su construcción y mantenimiento. Seguramente el libro de Vitruvio habría sido de gran ayuda en esto. Vitruvio escribío esto en el siglo primero, cuando muchos de los mejores acueductos romanos fueron construidos, y que sobreviven hasta nuestros días, como los de Segovia o Pont du Gard. El uso del sifón invertido se describe en detalle, junto con los problemas de altas presiones desarrolladas en la base del tubo del sifón, un problema práctico con el que parece estar familiarizado.
Materiales[editar]
Vitruvio describe muchos diferentes materiales de construcción usados ​​para una amplia variedad de diferentes estructuras, así como detalles tales como pintura estuco. El concreto y la cal reciben profundas descripciones, la longevidad de muchas estructuras romanas que son mudo testimonio de la habilidad de los romanos en los materiales de construcción y diseño.
Vitruvio es muy conocido y citado a menudo como una de las fuentes más antiguas que sobreviven haber advertido que el plomo no se debe utilizar para conducir el agua potable, recomendando en cambio pipas de arcilla o canales de mampostería. Se llega a esta conclusión en el Libro VIII De Architectura después de la observación empírica de las aparentes enfermedades de los obreros en las fundiciones de plomo de su tiempo.6
Vitruvio fue el que nos relato la famosa historia de Arquímedes y su detección de oro adulterado en una corona real. Cuando Arquímedes se dio cuenta de que el volumen de la corona podría medirse exactamente por el desplazamiento creado en un baño de agua, corrió a la calle con el grito de ¡Eureka!, y el descubrimiento le permitió comparar la densidad de la corona de oro puro. Demostró que la corona había sido aleado con plata, y el rey había sido defraudado.
Máquinas de desagüe[editar]

Diseño para un tornillo de agua de Arquímedes
Él describe la construcción de tornillo de Arquímedes en el Capítulo X (sin mencionar a Arquímedes por su nombre). Era un dispositivo ampliamente utilizado para la elevación de agua para el riego de los campos y desaguar las minas. Otras máquinas de elevación hídrica que menciona son la interminable cadena de cubos y la rueda reversa de drenaje. Estos restos de ruedas de agua utilizadas para la elevación de agua fueron descubiertos cuando las antiguas minas fueron reabiertas en Río Tinto en España, Rosia Montana en Rumania y Dolaucothi en el oeste de Gales. La rueda de Rio Tinto se muestra ahora en el Museo Británico, y el espécimen Dolaucothi en el Museo Nacional de Gales.
Instrumentos de Topografía[editar]
Vitruvio debe haber sido ducho en el arte del levantamiento topográfico en el levantamiento, y esto se demuestra por sus descripciones de instrumentos topográficos, especialmente el nivel de agua o chorobates, que compara favorablemente con el groma, un dispositivo mediante plomadas. Ellos eran esenciales en todas las operaciones de construcción, pero sobre todo en la construcción de acueductos, donde un degradado uniforme era importante para la provisión de un suministro regular de agua sin dañar las paredes del canal. También desarrolló una de los primeros odómetros, que consta de una rueda de circunferencia conocida que dejaba caer una piedra en un recipiente en cada rotación.
Calefacción central[editar]

Ruinas del hipocausto bajo el piso de una villa romana. La parte debajo de la exedra está cubierto.
Él describe las muchas innovaciones introducidas en el diseño de edificios para mejorar las condiciones de vida de los habitantes. La más importante de ellas es el desarrollo del hipocausto, un tipo de calefacción central, donde el aire caliente desarrollado por un fuego era canalizado bajo el suelo y en el interior de las paredes de los baños públicos y villas. Da instrucciones explícitas de cómo diseñar estos edificios para que la eficiencia del combustible se maximiza, como por ejemplo, el caldarium debe estar al lado del tepidarium seguido del frigidarium. También aconseja sobre el uso de un tipo de regulador para controlar el calor en las habitaciones calientes, un disco de bronce fijado en el techo por debajo de una abertura circular que podría ser elevada o bajada por una polea para ajustar la ventilación. A pesar de que no lo sugiere, es probable que sus dispositivos de desagüe, como rueda hidráulica de paso inverso se utilizaran en los baños más grandes para elevar el agua a los tanquesde cabecera en la parte superior de las grandes termas, como las Termas de Diocleciano y las de Caracalla.
Redescubrimiento[editar]

Batalla de Thapsus representado en un grabado posterior de Andrea Palladio.

El interior del Panteón (de una pintura del siglo 18 por Panini. Aunque fue construido después de la muerte de Vitruvio, su excelente estado de conservación hace que sea de gran importancia para los interesados ​​en la arquitectura de Vitruvio).
Su libro De architectura fue redescubierto en 1414 por el humanista florentino Poggio Bracciolini. Para Leon Battista Alberti (1404-1472) recae el honor de hacer esta obra ampliamente conocida en su tratado fundamental sobre la arquitectura De re aedificatoria (c. 1450). La primera edición conocida de Vitruvio fue presentada en Roma por Fra Giovanni Sulpicio en 1486.7 8 Traducciones siguieron en Italiano (Como, 1521), francés (Jean Martin, 1547,,9 inglés, alemán (Walter H. Ryff, 1543) y en español y otros idiomas. Las ilustraciones originales se habían perdido y la primera edición ilustrada fue publicada en Venecia en 1511, con grabados en madera ilustraciones, sobre la base de las descripciones en el texto, probablemente por Fra Giovanni Giocondo.10 Más tarde, en la del siglo XVI Andrea Palladio realizó ilustraciones para Daniele Barbaro comentario 's de Vitruvio (que apareció en las versiones en italiano y latín). Sin embargo, la ilustración más famosa sigue siendo una del siglo XV, el Hombre de Vitruvio de da Vinci.
Las ruinas que sobreviven de la antigüedad romana, el Foro Romano, templos, teatros, arcos de triunfo,relieves y estatuas dieron numerosos ejemplos visuales de las descripciones en el texto de Vitruvio. Este libro, entonces se convirtió rápidamente en una importante fuente de inspiración para el renacimiento, barroco y la arquitectura neoclásica. Filippo Brunelleschi, por ejemplo, inventó un nuevo tipo de elevador para levantar las grandes piedras de la cúpula de la catedral de Florencia y se inspiró en De Architectura, así como viendo los muchos monumentos sobrevivientes romanos como el Panteón y la Termas de Diocleciano en Roma.
Legado[editar]
Un pequeño cráter lunar lleva el nombre de Vitruvio y también una montaña lunar alargada, el Mons Vitruvio. Este cráter se encuentra cerca del valle que sirvió como el lugar de aterrizaje de la misión Apolo 17.
El Indicador de Calidad de Diseño (ICD) es un conjunto de herramientas para medir, evaluar y mejorar la calidad del diseño de los edificios. utiliza principios de Vitruvio.
El asistente (voz de Morgan Freeman ), quien es el líder de los Maestros Constructores en La película de Lego se llama Vitruvio.

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Giuseppe Valadier (Italia)

7. Giuseppe Valadier (Italia)

Biografía[editar] Hijo del orfebre Luigi Valadier (1726-1785), Giuseppe Valadier se interesó por la arquitectura desde temprana edad. Con tan sólo trece años ganó el primer premio de segunda clase en el concurso Clementino otorgado por la Accademia di San Luca en 1775. Valadier trabajó... Ver mas
Biografía[editar]
Hijo del orfebre Luigi Valadier (1726-1785), Giuseppe Valadier se interesó por la arquitectura desde temprana edad. Con tan sólo trece años ganó el primer premio de segunda clase en el concurso Clementino otorgado por la Accademia di San Luca en 1775.
Valadier trabajó principalmente en Roma y en los Estados Pontificios, pero la mayoría de sus trabajos se quedaron en proyectos. Fue nombrado architetto camerale de los Estados pontificios por Pío VI en 1786.
Enseñó en la Accademia di San Luca y fue uno de los primeros arquitectos que se interesó por la arqueología y la restauración.
Sus obras más famosas se realizaron durante la ocupación napoleónica, cuando realizó la Piazza del Popolo de Roma.
Obra[editar]
Su obra más importante, la Piazza del Popolo se construyó entre 1809 y 1812 durante la etapa napoleónica. Cobraron importancia en su intervención las vías Babuino, Corso y Ripetta, con sus iglesias gemelas y proyectó la Puerta del Popolo entre edificaciones nuevas y la iglesia de Santa María del Popolo. Por un lado se crea una perspectiva de terrazas que suben hasta el Pincio que recuerdan a los jardines pintorescos ingleses.
En los jardines del Pincio, edificó también la Casina Valadier en 1807, que recuerda a Palladio y a la arquitectura campesina.
También recuerdan a Palladio la iglesia de San Rocco en Roma y la reforma de la catedral de Urbino (1789), realizada después del terremoto de 1789. En ambos edificios se intersecan en fachada dos templos clásicos, de forma similar a las iglesias palladianas.
Respecto a la restauración, su obra más importante es la restauración del Arco de Tito en Roma en el año 1819. También restauró el Ponte Milvio en 1805.
La mayoría de sus obras y proyectos se publicaron en:
Raccolta di diverse invenzione (1796)
Progetti architettonici (1807)
Opere di Architettura (1833)
Estilo[editar]
Si bien el sistema de composición durante la época del Renacimiento y del Barroco consistía en una coherencia y unidad de las partes que conformaban la edificación, la llegada del Neoclasicismo implica la yuxtaposición de las partes, manteniendo la autonomía de cada una de las piezas y evitando la jerarquía.
Piranesi es el primero que barrunta esta situación por medio de sus grabados, pero no es hasta la llegada de Valadier, cuando esto se hace notablemente visible. Esta situación de cuerpos contrastados por su autonomía también se puede apreciar en la obra de Étienne-Louis Boullée o de Juan de Villanueva.

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Zaha Hadid (Gran Bretaña)

8. Zaha Hadid (Gran Bretaña)

Dame Zaha Hadid, DBE (árabe: زها حديد) (Bagdad; 31 de octubre de 1950 - ) es una prominente arquitecta angloiraquí, procedente de la corriente del deconstructivismo. A pesar de ser de nacionalidad iraquí, la mayor parte de su vida la ha pasado en Londres, donde se ubica su estudio de... Ver mas
Dame Zaha Hadid, DBE (árabe: زها حديد) (Bagdad; 31 de octubre de 1950 - ) es una prominente arquitecta angloiraquí, procedente de la corriente del deconstructivismo. A pesar de ser de nacionalidad iraquí, la mayor parte de su vida la ha pasado en Londres, donde se ubica su estudio de arquitectura. La obra arquitectónica de Zaha Hadid ha sido reconocida en diversas ocasiones con premios de rango internacional entre ellos el Premio Pritzker, tratándose de la primera mujer que consigue este galardón.
Biografía[editar]
Nació en Bagdad, Irak. Se graduó en matemáticas por la Universidad Americana de Beirut antes de estudiar en la Architectural Association de Londres. Tras su graduación trabajó en el estudio de arquitectura Office for Metropolitan Architecture, con los que habían sido sus profesores, Rem Koolhaas y Elia Zenghelis. En 1979, estableció su propio estudio en Londres. Durante los años 1980, dio clases en la Architectural Association.
Su obra[editar]

Edificio central de la fábrica de BMW en Leipzig.

Pabellón Puente sobre el río Ebro en Zaragoza.
Gran parte de su trabajo ha sido de carácter conceptual, pero entre los proyectos construidos, podemos mencionar:
Estación de Bomberos Vitra (1993), Weil am Rhein, Alemania
Centro de Arte Contemporáneo Rosenthal (1998), Cincinnati, Ohio
Hoenheim-North Terminus & Parqueo (2001), Estrasburgo, Francia
Plataforma de saltos de esquí Bergisel (2002), Innsbruck, Austria
Anexo Ordrupgård (2005), Copenhague, Dinamarca
Centro de Ciencia Phäno (2005), Wolfsburgo, Alemania
(Teleférico) Nordkettenbahn, Innsbruck, Austria
Centro BMW (2005), Leipzig, Alemania
Plan General de Zorrozaurre (2006), Bilbao, España
Pabellón Puente de la Exposición Internacional Zaragoza 2008 (2008), Zaragoza, España
También ha llevado a cabo algunos trabajos de alto perfil, en lo que se refiere a diseño de interiores, incluyendo Mind Zone en el Domo del Milenio de Londres. Ha ganado numerosos concursos internacionales, sin embargo, muchos de sus diseños no se construyeron nunca. Entre tales situaciones, cabe señalar:
The Peak Club, Hong Kong (1983)
Casa de la Ópera de la Bahía de Cardiff en Gales (1994)
En 2002, ganó el concurso para llevar a cabo el plan maestro de Singapur, llamado one-north. En 2005, también ganó el concurso para el nuevo casino de la ciudad de Basilea, Suiza.
En 2004, Zaha Hadid tuvo el honor de ser la primera mujer en recibir el Premio Pritzker. Anteriormente, había obtenido la Orden del Imperio Británico por servicios a la arquitectura. Es miembro del grupo editorial de la Encyclopædia Britannica.
En 2005 ganó el concurso para la construcción del Pabellón Puente de la Exposición Internacional 2008 de Zaragoza.
También ha diseñado uno de los edificios del Campus de la Justicia en Madrid, España. Y la primera planta del Hotel Puerta América, también en Madrid.
Actualmente está trabajando en la renovación y reestructuración de Zorrozaurre, un barrio de Bilbao, que convertirá en isla. En 2008 se inició la construcción de su proyecto de la Biblioteca Central de la Universidad de Sevilla. Durante la construcción las obras se vieron detenidas por la reclamación interpuesta por un grupo de vecinos ante el Tribunal Superior de Andalucía que anuló parte de las mismas, al considerar que éstas invadían parte del Prado de San Sebastián, una zona verde de la ciudad hispalense que el tribunal consideró que no eran urbanizables. Finalmente el proyecto se canceló por orden judicial.1
Premios[editar]
2003: Premio de Arquitectura Contemporánea Mies van der Rohe.
2004: Premio Pritzker, siendo la primera mujer en conseguir este premio.1
2009: Praemium Imperiale.2

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Gustave Eiffel (Francia)

9. Gustave Eiffel (Francia)

Alexandre Gustave Eiffel (Dijon, 15 de diciembre de 1832 - París, 27 de diciembre de 1923) fue un ingeniero civil y arquitecto francés. Se graduó en la École centrale des arts et manufactures de París y adquirió renombre diseñando varios puentes para la red francesa de ferrocarriles, de los... Ver mas
Alexandre Gustave Eiffel (Dijon, 15 de diciembre de 1832 - París, 27 de diciembre de 1923) fue un ingeniero civil y arquitecto francés. Se graduó en la École centrale des arts et manufactures de París y adquirió renombre diseñando varios puentes para la red francesa de ferrocarriles, de los cuales es especialmente notable el viaducto de Garabit. Su fama actual se debe a su proyecto estrella, la mundialmente conocida Torre Eiffel, construida para la Exposición Universal de París de 1889. Tras su retiro de la ingeniería, Eiffel se dedicó a investigar en la meteorología y la aerodinámica, haciendo importantes contribuciones en ambos campos.
Biografía[editar]
El apellido Eiffel fue adoptado por su abuelo Jeane Bönickhause, que emigró a Bougirate, desde la ciudad de Marmagen, y se afincó en París 1 a principios del siglo XVIII, tomado de su lugar de nacimiento, la región de Eifel, (Alemania), ya que en francés no se podía pronunciar su verdadero apellido Bönickhausen. Aunque la familia ya utilizaba Eiffel, Gustave fue registrado al nacer como Bönickhausen,2 y no lo cambió oficialmente a Eiffel hasta 1880 (a sus 48 años).3
No pudo ingresar en la École Polytechnique y estudió en la École Centrale de París, en la que se graduó como ingeniero en 1855. Poco después empezó a trabajar en una empresa de equipos para ferrocarriles.
En 1867 funda la consultora y constructora Eiffel et Cie. que adquirió un gran prestigio internacional en el uso del hierro, construyendo cientos de importantes estructuras (puentes, grúas, estaciones, etc.).
Con la ayuda del ingeniero Téophile Seyrig, se adjudicó una subasta internacional para diseñar y construir un viaducto de 160 metros de luz sobre el río Duero, entre Oporto y Vila Nova de Gaia, Portugal. Su propuesta usaba el "método de fuerzas", una técnica nueva para diseñar estructuras, creada por Maxwell en 1846. El Puente María Pía está constituido por un doble arco que sostiene la vía única de ferrocarril por medio de pilares que refuerzan todo el puente. La construcción fue bastante rápida y estuvo concluida en menos de dos años (5 de enero de 1876 - 4 de noviembre de 1877). Fue inaugurado por el rey Luis I y la reina María Pía. El puente se utilizó hasta 1991 (114 años) y se sustituyó por el nuevo puente de San Juan.4
También construyó el viaducto de Garabit en el río Truyère, que tuvo el arco de mayor luz de su época (165 m) y el Puente Colgante Libertador en Táchira Venezuela, entre otros.
Su construcción más famosa es la Torre Eiffel (1887 y 1889), para la Exposición Universal de 1889 en París, Francia. Esta gran estructura de hierro, que se convertiría en el símbolo de París, llegaría a tener varios usos a lo largo de su historia. En la Segunda Guerra Mundial se utilizó como antena para que los aliados pudieran espiar las maniobras del ejército alemán. Por otro lado, no es tan sabido que él diseñó la estructura interna de la Estatua de la Libertad de Nueva York. También adquirió experiencia diseñando puentes de hierro.
Gustave Eiffel también diseñó La Ruche en París, que se convertiría, al igual que la Torre Eiffel, en un punto de referencia de la ciudad. Es una estructura circular de tres pisos que parece una colmena. Se creó como una construcción temporal para la Gran Exposición de 1900.
En Sudamérica se le atribuye el diseño de Estación Central de Santiago, declarada Monumento Nacional mediante el Decreto Supremo Nº 614 del 29 de junio de 1983, en la categoría monumentos históricos; junto con la Catedral de Tacna, la Aduana y la Catedral de San Marcos de Arica, Perú, (Arica actualmente pertenece a Chile), estas obras en ambas ciudades peruanas fueron encargadas personalmente por el Presidente José Balta y Montero durante su gobierno (1868-1872). Diseñó la Terminal del Ferrocarril de la ciudad de La Paz, Bolivia, la que actualmente es la terminal de buses de dicha ciudad. Y en 1906 las autoridades del Instituto Médico “Sucre” encargaron al autor de la torre parisina, la construcción de una Torre de características similares en el Parque Bolívar de Sucre, la capital de Bolivia así mismo se dedico en el diseño del antiguo puente al río Rocha en Cochabamba que fueron reemplazadas por puentes para circulación de vehículos. También estuvo a cargo del diseño de la Catedral de Chiclayo, ubicada en el norte del Perú, en su plaza de armas, al igual que las vigas del puente Balta en la ciudad de Lima, y los arcos del Palacio de la Exposición, actual Museo de Arte de Lima. También diseñó en 1907 el Mercado Central de la ciudad de Guayaquil, Ecuador, llamado actualmente el Palacio de Cristal. Se le atribuye asimismo la autoría de la construcción del Puente de Fierro en Arequipa. En Venezuela se le atribuye el diseño de dos puentes de hierro, ubicados: uno en la entrada de la Población de El Callao, sobre el río del mismo nombre en el Estado Bolívar, y otro sobre el río Torbes, que une la ciudad de San Cristóbal con la población de Táriba en el estado Táchira.
En la ciudad de Orizaba, Veracruz, México se encuentra el llamado Palacio de Hierro, obra diseñada por Gustave bajo instrucciones de Le Societe Anonyme des Forges D´Aiseau, de Bélgica. El palacio, de hierro en su totalidad, fue construido en Bélgica y enviado desarmado a México, donde posteriormente fue armado.5
La reputación de Eiffel sufrió un duro revés cuando se vio implicado en escándalos financieros en torno a Fernando de Lesseps. Fue declarado culpable pero él no estaba involucrado, por lo que su juicio fue revisado.
En sus últimos años empezó a estudiar aerodinámica. Eiffel murió el 27 de diciembre de 1923, a la edad de 91 años, en su mansión de la Rue Rabelais de París, mientras escuchaba el Andante de la 5ª sinfonía de Beethoven, y fue enterrado en el cementerio de Levallois-Perret, en la misma localidad.

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Peter Zumthor (Suiza)

10. Peter Zumthor (Suiza)

Trayectoria[editar] Peter Zumthor es hermano de Paul Zumthor, el gran historiador de la literatura medieval.Se formó como ebanista antes de pasar a la arquitectura, que estudió en Suiza y Nueva York. En 1979 se instaló en la región suiza de los Grisones. Zumthor se caracteriza por tomarse su... Ver mas
Trayectoria[editar]
Peter Zumthor es hermano de Paul Zumthor, el gran historiador de la literatura medieval.Se formó como ebanista antes de pasar a la arquitectura, que estudió en Suiza y Nueva York. En 1979 se instaló en la región suiza de los Grisones.
Zumthor se caracteriza por tomarse su tiempo al diseñar y por elegir sus proyectos con un fin artístico por sobre lo económico: acepta un proyecto sólo por afinidad.
En sus obras se aprecia una atemporalidad, un riguroso trabajo artesanal, destacándose la madera de la cual posee un amplio conocimiento por ser ebanista, una fuerte definición espacial y un amplio manejo de la combinación de la luz y oscuridad. Combina el pensamiento claro y exigente con lo poético. Tiene una gran habilidad para crear lugares que expresan respeto por el lugar y el legado de la cultura local.
Crea verdaderas obras de arte "a mano", pensadas favorablemente hacia el entorno y su función. Genera espectáculos interiores donde se desarrollan emociones gracias a su gran trabajo del espacio, calidad y atmósfera.
Peter Zumthor fue ganador, por ejemplo, del concurso de recuperación del Museo diocesano de Kolumba, en Colonia; su su edificio envuelve por completo las ruinas de la iglesia y hasta se fusiona con ellas; además, utiliza el nivel superior y un ala lateral para albergar las áreas expositivas, donde se mezclan obras medievales con otras contemporáneas. Es una obra suya destacada.2
Obras representativas[editar]
1983 Escuela elemental Churwalden, Churwalden, Cantón de los Grisones, Suiza.
1983 Casa Räth, Haldenstein, Cantón de los Grisones, Suiza.
1986 Edificio para albergar restos arqueológicos romanos, Coira, Cantón de los Grisones, Suiza.
1986 Estudio Zumthor, Haldenstein, Cantón de los Grisones, Suiza.
1989 Capilla de San Benito, Sumvitg, Cantón de los Grisones, Suiza, (VIDEO).
1990 Museo de arte de Coira, oira, Cantón de los Grisones, Suiza.
1993 Residencia para la tercera edad, Masans, Coira, Cantón de los Grisones, Suiza.
1994 Casa Gugalun[1], Versam, Cantón de los Grisones, Suiza.
1996 Spittelhof housing, Biel-Benken, Cantón de Basilea-Campiña, Suiza.
1996 Termas de Vals, Vals, Cantón de los Grisones, Suiza.
1997 Museo de Arte de Bregenz, Bregenz, Vorarlberg, Austria.
1997 Topography of Terror, International Exhibition and Documentation Centre, Berlín, Alemania, construido parcialmente, abandonado, demolido en 2004.
1997-2000 Pabellón de Suiza para la Exposición 2000, Hannover, Alemania.
1997 Villa en Küsnacht am Zürichsee Küsnacht, Suiza.
1997 Lichtforum Zumtobel Staff, Zürich, Suiza.
1997-2000 Kolumba, Museo de arte de la Archidiócesis de Colonia, Alemania.
1999 Cloud Rock Wilderness Lodge Moab.
2007 Bruder Klaus Kapelle imágenes
Premios[editar]
1998: Premio de Arquitectura Contemporánea Mies van der Rohe
2008: Praemium Imperiale
2009: Premio Pritzker1
2013: Medalla de Oro del RIBA

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Peter Cook (Gran Bretaña)

11. Peter Cook (Gran Bretaña)

Arquitecto inglés nacido en Essex. En 1961 fue fundador, junto a Warren Chalk (1927-1987), Ron Herron (1930-1994), Dennis Crompton (1935), Michael Webb (1937) y David Greene (1937), del grupo y movimiento Archigram, articulado alrededor de la revista homónima publicada en Londres entre 1961 y... Ver mas
Arquitecto inglés nacido en Essex. En 1961 fue fundador, junto a Warren Chalk (1927-1987), Ron Herron (1930-1994), Dennis Crompton (1935), Michael Webb (1937) y David Greene (1937), del grupo y movimiento Archigram, articulado alrededor de la revista homónima publicada en Londres entre 1961 y 1974 (diez números). Archigram fue uno de los grupos más influyentes de la arquitectura contemporánea y desde su primera exhibición "Living City Exhibition" (1963), supuso una revolución debido a sus innovadores proyectos (Ciudad Enchufable, Ciudad Ambulante, Unidades de vivienda en vehículos móviles, etc). Dicha proyectos no consistían en obras construidas, sino en el conjunto de dibujos y textos desarrollados en estos años por los miembros del grupo, individual o colectivamente, en su mayor parte condensados en la revista. Archigram (Architecture & Telegram) proponían una arquitectura rápida, simple, pero directamente relacionada con los avances tecnológicos de la ciencia. La portada de Archigram 3 de 1963 daba a entender las ventajas de la construcción leve pero servida, y proponían la caravana, la habitación-cápsula y la casa prefabricada transportable como un posible medio de vida. Peter Cook, cabeza visible de este grupo y su representante público, es un arquitecto con amplia experiencia internacional en la docencia, dirige la escuela de arquitectura Bartlett en Londres, considerada entre las mejores del mundo. Su exploración arquitectónica se enmarca en la relación entre las ciudades y las nuevas tecnologías de la información, movimiento y percepción. © epdlp

Ha recibido 77 puntos

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Álvaro Siza (Portugal)

12. Álvaro Siza (Portugal)

Biografía[editar] Álvaro Siza nació en Matosinhos, puerto pesquero próximo a Oporto. Quiso ser escultor, pero se matriculó en Arquitectura para no contrariar a su padre, principalmente tras visitar Barcelona al final de la década de 1940 y ver las obras del arquitecto catalán Antoni Gaudí. Su... Ver mas
Biografía[editar]
Álvaro Siza nació en Matosinhos, puerto pesquero próximo a Oporto. Quiso ser escultor, pero se matriculó en Arquitectura para no contrariar a su padre, principalmente tras visitar Barcelona al final de la década de 1940 y ver las obras del arquitecto catalán Antoni Gaudí. Su mayor influencia fue el Coliseo Romano. Fue maestro de la Universidad del Valle de México por 2 años.
Licenciado en Arquitectura por la vieja Facultad de Bellas Artes de la Universidad Oporto, en 1966, ahora conocida por Faup, nueva Faculdade de Arquitectura da Universidade do Porto. Este arquitecto de reconocido prestigio, enhebra sus edificios como si fueran poesía musical. Fue profesor de la Escuela Superior de Bellas Artes de Oporto entre 1966 y 1969 y profesor adjunto de Construcción en la Facultad de Arquitectura de la misma ciudad desde 1976. También ha sido profesor visitante en Lausana, Pensilvania, Bogotá y Harvard. Es Director del Plan de Recuperación de Schilderseijk en la Haya y de la reconstrucción del Chiado en Lisboa.
En Bilbao está construyendo un edificio para la Universidad del País Vasco (UPV/EHU), el Paraninfo de la Universidad, en la zona céntrica de Abandoibarra. El edificio, en forma de L, se espera esté terminado en verano de 2010.1 En 2011 es nombrado Doctor honoris causa por la Universidad de Sevilla2 y en 2014 por la Universidad de Granada.3
Obras más representativas[editar]

Jürgen Partenheimer, Centro Gallego de Arte Contemporaneo, CGAC, Santiago de Compostela, 1999.

Estación de Metro Baixa Chiado, Lisboa, 1992. Análisis y galería fotográfica en El arte por el arte
1958: Restaurante Da Boa Nova
1966: Piscinas en Leça de Palmeira
1971 a 1974 - Filial do Banco Pinto & Sotto Mayor, Oliveira de Azeméis
1975 a 1977 - Vivienda social SAAL, Bouça II, Oporto
1978 a 1986 - Agencia bancaria Borges & Irmão, Vila do Conde
1988: Edificio Schlesisches Tor en Berlín
1988: Facultad de Arquitectura de Oporto
1988: Biblioteca de la Universidad de Aveiro Portugal
1990: Edificio Torre de Siza en Maastricht, Países Bajos
1992: Delegación Territorial de AEMET en Cataluña, en la Villa Olímpica de Barcelona
1993: Centro Galego de Arte Contemporánea. Santiago de Compostela
1994: Casa Vieira de Castro
1996: Iglesia en Marco de Canaveses
1997: Edificio del Rectorado de la Universidad de Alicante
1998: Pabellón de Portugal para la Exposición Universal de Lisboa
1999: Fundación Serralves, Oporto
2000: Facultad de Ciencias de la Comunicación de Santiago de Compostela
2000: Rehabilitación del Café Moderno en Pontevedra (sede de la Fundación Caixa Galicia en Pontevedra)
2002: Centro municipal de distrito sur, Rosario, Argentina
2004: Parc Esportiu Llobregat, en Cornellà de Llobregat
2008: Fundación Iberê Camargo, en Porto Alegre
2010: Paraninfo de la Universidad del País Vasco, Bilbao
2011: Auditorio Manzana del Revellín, Ceuta
2013: Estación de Bomberos Voluntarios de Santo Tirso
Premios[editar]
1988, Premio Alvar Aalto
1988, Premio de Arquitectura Contemporánea Mies van der Rohe
1992, Premio Pritzker
1998, Praemium Imperiale
2001, Premio de la Fundación Wolf de las Artes
2002, Leone d'Oro - Bienal de Arquitectura de Venecia, meyor proyecto.
2009, Medalla de Oro del RIBA
2011, Medalla de Oro de la UIA
2002, Leone d'Oro - Bienal de Arquitectura de Venecia, por su trayectoria profesional.
2002, Premio Grupo Compostela.
Exposiciones[editar]
2014: Visiones de la Alhambra, en Aedes am Pfefferberg, Berlín y después en el Vitra Campus, Weil am Rhein.4

Ha recibido 75 puntos

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Ictinus (Grecia)

13. Ictinus (Grecia)

Ictinus ( griego : Ἰκτῖνος, Iktinos) fue un arquitecto activo en el quinto antes de Cristo a mediados del siglo. [1] [2] Las fuentes antiguas identifican Ictinus y Callicrates como co-arquitectos del Partenón . Pausanias identifica Ictinus como arquitecto del Templo de Apolo en Bassae . Ese... Ver mas
Ictinus ( griego : Ἰκτῖνος, Iktinos) fue un arquitecto activo en el quinto antes de Cristo a mediados del siglo. [1] [2] Las fuentes antiguas identifican Ictinus y Callicrates como co-arquitectos del Partenón .
Pausanias identifica Ictinus como arquitecto del Templo de Apolo en Bassae . Ese templo era dórico en el exterior, jónico en el interior, y se incorpora un corintio columna, la más antigua conocida, en la parte trasera central de la cella . Las fuentes también identifican Ictinus como arquitecto de la Telesterion en Eleusis , una sala gigantesca utilizado en los Misterios de Eleusis .
El artista Jean Auguste Dominique Ingres pintó una escena que muestra Ictinus junto con el poeta lírico Píndaro . La pintura se conoce como Píndaro y Ictinus y se exhibe en la Galería Nacional de Londres .

Ha recibido 73 puntos

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Pierre de Meuron (Suiza)

14. Pierre de Meuron (Suiza)

Pierre de Meuron (8 de mayo de 1950) es un arquitecto suizo nacido en Basilea. Trabaja conjuntamente con Jacques Herzog. Ambos estudiaron en la misma escuela de arquitectura y en el año 1978 establecieron la firma Herzog & de Meuron. Se caracterizan por el uso de soluciones imaginativas ante los... Ver mas
Pierre de Meuron (8 de mayo de 1950) es un arquitecto suizo nacido en Basilea. Trabaja conjuntamente con Jacques Herzog. Ambos estudiaron en la misma escuela de arquitectura y en el año 1978 establecieron la firma Herzog & de Meuron. Se caracterizan por el uso de soluciones imaginativas ante los problemas arquitectónicos, a la vez que combinan la artesanía con las nuevas tecnologías. Destaca también en todos sus edificios un gran aprovechamiento de la luz natural.
Se ganaron muy pronto el reconocimiento internacional con la Casa Azul, la torre de señalización en Basilea, y el Centro Deportivo Pfaffenholz en Francia.
Su obra más conocida es la Tate Modern de Londres terminada en el año 2000, donde transformaron una antigua central eléctrica en una moderna galería de arte. Ese mismo año fueron galardonados con el Premio Pritzker, equivalente al Premio Nobel de Arquitectura. En su obra encontramos numerosos edificios residenciales así como también algunas galerías de arte, como la ya dicha anteriormente. Uno de sus edificios más significativos es el Edificio Fórum en Barcelona, emblema del Fórum Universal de las Culturas del 2004. El edificio en cuestión es un prisma de base triangular y color azul añil que dispone de un gran auditorio subterráneo y de una amplia sala de exposiciones.
Biografía[editar]
1950 Nace el 8 de mayo en Basilea, Suiza.
1970-1975 Estudia Arquitectura en la ETH de Zúrich, Suiza. Cátedra de Aldo Rossi y Dolf Schnebli.
1975 Título de Arquitecto en la ETH de Zúrich.
1977 Colabora con el profesor Dolf Schnebli.
1978 Funda junto a Jacques Herzog el estudio Herzog & de Meuron.
1989 Profesor invitado en la Universidad de Harvard, Cambridge, EE. UU.
1994 Profesor invitado en la Universidad de Harvard, Cambridge, EE. UU.
1999 Profesor en la ETH de Zúrich y en la ETH Studio de Basilea, Suiza.
2002 ETH Zurich / Studio Basel, Instituto de la Ciudad Contemporánea.
Obras principales[editar]
Artículo principal: Herzog & de Meuron
Edificio Fórum (Barcelona)
Tate Modern (Londres)
Kuppersmuhle Museum (Duisburgo, Alemania)
Library Eberswalde Technical (Eberswalde, Alemania)
Almacenes Ricola (Laufen, Suiza)
Rudin House (Leymen, Francia)
Railway Engine Depot (Basilea)
Goetz Collection (Múnich)
Schwitter Apartment Ofice (Basilea)
Plywood House (Bottmingen, Suiza)
Tenerife Espacio de las Artes(Santa Cruz de Tenerife, España)
Plaza de España (Santa Cruz de Tenerife)

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Massimiliano Fuksas (Italia)

15. Massimiliano Fuksas (Italia)

Massimiliano Fuksas, arquitecto italiano. (Roma 1944- ) Torre en Viena. Vista del Admirant Entrance Building, finalizado en 2010 en el centro de Eindhoven. Nacido en Roma en 1944, Massimiliano Fuksas obtuvo su diploma en la Facultad de Arquitectura de Roma, en 1969. Fundó el estudio de... Ver mas
Massimiliano Fuksas, arquitecto italiano. (Roma 1944- )

Torre en Viena.

Vista del Admirant Entrance Building, finalizado en 2010 en el centro de Eindhoven.
Nacido en Roma en 1944, Massimiliano Fuksas obtuvo su diploma en la Facultad de Arquitectura de Roma, en 1969. Fundó el estudio de arquitectura "Gramma", con Anna Maria Sacconi (1969-1988). A finales de los años ochenta, y después de haber trabajado intensamente en italia, adquiere notoriedad simultáneamente en Italia y Francia, gracias a proyectos como el nuevo cementerio de Orvieto (1990), el ayuntamiento y la biblioteca de Cassino (1990) y, en Francia, la mediateca de Rézé (1991) y la Escuela Nacional de Ingeniería de Brest (ENIB) (1992). En épocas más recientes, terminó la reestructuración de un edificio de la Rue Candie, París (1987-1993). Proyectos posteriores: lieceo técnico de Alfortville, Plaza de las naciones de Ginebra; torre de 150 metros de altura en Viena; un gran centro comercial en Salzburgo. En 2003 casas a la Plaza principal de Maguncia muy cercana al mercado histórico y a la catedral de Maguncia.1

Ha recibido 62 puntos

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Rem Koolhaas (Holanda)

16. Rem Koolhaas (Holanda)

Rem Koolhaas, AFI: ['rɛm 'kɔːlhas]; Remmet Koolhaas (17 de noviembre de 1944) es un arquitecto holandés. Su trabajo abandona el compromiso prescriptivo del Movimiento Moderno, anuncia la imposibilidad del arquitecto de instalar nuevos comienzos en el día a día, y practica una arquitectura que... Ver mas
Rem Koolhaas, AFI: ['rɛm 'kɔːlhas]; Remmet Koolhaas (17 de noviembre de 1944) es un arquitecto holandés. Su trabajo abandona el compromiso prescriptivo del Movimiento Moderno, anuncia la imposibilidad del arquitecto de instalar nuevos comienzos en el día a día, y practica una arquitectura que cristaliza acríticamente la realidad socio-política del momento.
Biografía[editar]

Koolhaas en 1987.
Remment Lucas Koolhaas nació en Róterdam y vivió durante cuatro años de su adolescencia en Indonesia. Terminados sus estudios escolares, hijo de un escritor y nieto de un arquitecto, absorbe ambas profesiones para desarrollarlas a lo largo de su vida. Se dedicó inicialmente al periodismo, trabajando en un rotativo de La Haya. Posteriormente estudió arquitectura en la Architectural Association de Londres.
Una vez regresado a los Países Bajos, Koolhaas estableció en 1975 su despacho de arquitectura junto con tres socios (entre ellos, Madelon Vriesendorp, su esposa), al que le dio el nombre de Office for Metropolitan Architecture (OMA). Recientemente OMA segregó una parte de sus labores en una segunda oficina AMO.
Obra[editar]

Casa da Música (Oporto, Portugal)

McCormick Tribune (Chicago, EEUU)

Biblioteca Central de Seattle (Seattle, EEUU)

Sede de la Televisión Central de China (Pekín)
Koolhaas es un arquitecto que proyecta edificios de clara consistencia física, en los que la masa adquiere un carácter predominante.
En 2000 Koolhaas recibió el premio Pritzker, el galardón internacional más importante de arquitectura.
Actualmente el estudio OMA emplea a 100 arquitectos y diseñadores, que trabajan en numerosos proyectos en todo el mundo. El más importante que se ha desarrollado recientemente es la nueva sede de la televisión china junto a un centro cultural, que suman en total 550.000 metros cuadrados, y que se ha construido coincidiendo con los Juegos Olímpicos de Pekín 2008.
Koolhaas es también un teórico de la arquitectura y ha publicado varios libros. Entre los más importantes se encuentran: "S, M, L, XL", "Mutaciones", "Content" y "Delirious New York: A Retroactive Manifesto for Manhattan".
Otra de las facetas de Koolhaas y de las que quizás sea más importante es su labor como urbanista, entre los que predomina su especial predilección por el uso de la congestión en sus obras, como en los proyectos para Lille o para Melun Senart, y su gusto hoy día por las ciudades asiáticas.
Ha impartido clases en varias escuelas y universidades. Desde 2000 es profesor invitado en la Universidad Harvard, probablemente sea en estos momentos el arquitecto más influyente y contundente del panorama internacional.
Obras representativas[editar]
1988 - Edificio Grand Palais (Lille, Francia) (puede verse en la Wikipedia en francés en: Lille Grand Palais);
Plan maestro de desarrollo urbanístico (Lille, Francia);
Centro Euralille (Lille, Francia);
1988 - Teatro de la Danza de Holanda (La Haya, Holanda) (puede verse en la Wikipedia en inglés en: Netherlands Dance Theater;
1991 - Villa Dall'Ava (Saint-Cloud, París) (puede verse en: Villa dall'Ava);
1991 - Viviendas Nexus (Fukuoka, Japón);
1993 - Museo de Arte Kunsthal (Rotterdam);
1993-97 - Edificio multifuncional Educatorium, Universidad de Ultrecht (Ultrecht, Holanda);
1997-2003 - McCormick Tribune Campus Center (IIT , Chicago, EEUU) (puede verse en la Wikipedia en inglés en: en:McCormick Tribune Campus Center;
1998 - Casa unifamiliar en Burdeos (Burdeos, Francia) (puede verse en: Maison à Bordeaux);
1999 - Second Stage Theatre (Nueva York);
2001-02 - Museo Guggenheim de Las Vegas (Las Vegas, EE.UU.);
2001-05 - Casa da Música (Oporto, Portugal);
2004–09 - Sede de la Televisión Central de China (Pekín, China) (Edificio CCTV);
2003 - Embajada de los Países Bajos en Berlín (Berlín, Alemania) (puede verse en la Wikipedia en inglés en: en: Netherlands Embassy Berlin)
2003-05 - Museo de Arte de la Universidad Nacional de Seúl (Seoul) (puede verse en la Wikipedia en inglés en: Seoul National University Museum of Art);
2004-09 - Teatro Dee y Charles Wyly (Dallas, Texas) (puede verse en la Wikipedia en inglés en: en:Dee and Charles Wyly Theatre)
2004 - Biblioteca Central de Seattle (Seattle);
2006 - Pabellón de la Serpentine Gallery (Londres);
2006 - Shenzhen Stock Exchange (Shenzhen, China);
2006-09 - Milstein Hall, (Cornell) ([1]);
2007 - Proyecto Torre Bicentenario (México, D.F). Cancelado;1
Centro de Congresos de Córdoba (Palacio del Sur) (Córdoba, España). Cancelado;
2008–10 - Edificio del 23 East 22nd Street (Nueva York);2
2008–10 - Bryghusprojektet, (Copenhague);3
2009 - Riga Port City (Riga);
2009-13 - De Rotterdam, (Róterdam);
2010 - New Court, St. Swithin's Lane (Londres).
Diseño de las tiendas de Prada para todo el mundo (Nueva York: 2003, Los Ángeles: 2004)
Premios[editar]
2000: Premio Pritzker
2003: Praemium Imperiale
2004: Medalla de Oro del RIBA
2005: Premio de Arquitectura Contemporánea Mies van der Rohe
2007: Doctor Honoris Causa por la Universidad Católica de Lovaina, Bélgica.

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Calícrates (Grecia)

17. Calícrates (Grecia)

Calícrates (griego antiguo Καλλικράτης, Kallikrates) fue un antiguo arquitecto griego activo a mediados del siglo V a. C. En el año 480 a. C. tras la devastación de Atenas por parte de los persas, Pericles encargó a Calícrates e Ictino, bajo la dirección de Fidias, el proyecto de los edificios... Ver mas
Calícrates (griego antiguo Καλλικράτης, Kallikrates) fue un antiguo arquitecto griego activo a mediados del siglo V a. C.
En el año 480 a. C. tras la devastación de Atenas por parte de los persas, Pericles encargó a Calícrates e Ictino, bajo la dirección de Fidias, el proyecto de los edificios de la Acrópolis construidos entre 447 Y 432 a. C. Emplearon en ellos una arquitectura arquitrabada, basada en estructuras de líneas horizontales y verticales. Entre las obras encargadas y junto con Ictino, concibió y dirigió la construcción del Partenón, entre 447 y 442 a. C. (Plutarco, Pericles, 13).1
Para este templo siguieron un modelo de fachada octástila, dentro del orden dórico. La curvatura del entablamento y el estilóbato, el éntasis de las columnas y la desigualdad en los intercolumnios, crean un equilibrio y una armonía visuales que consiguen disimular las dimensiones reales del edificio. El templo en cuestión es anfipróstilo, aún visible allí,2 o su predecesor, a pequeña escala (naiskos), cuyos muros fueron encontrados en los cimientos del templo posterior.3 Una inscripción le identifica como el arquitecto del Templo de Atenea Niké en la Acrópolis de Atenas.4
Otra inscripción identifica a Calícrates como uno de los arquitectos del recinto amurallado clásico de la Acrópolis,5 y Plutarco dice que fue contratado para construir la mitad de los Muros Largos, que unían Atenas y El Pireo.

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Francesco Borromini (Italia)

18. Francesco Borromini (Italia)

Biografía[editar] Trampantojo en el patio del Palacio Spada de Roma, obra de Francesco Borromini. El pasillo es mucho más corto y la escultura mucho menor de lo que parecen. Nació en Bissone, cantón del Tesino (Suiza),2 hijo del cantero Giovanni Domenico Castelli y de Anastasia Garovo... Ver mas
Biografía[editar]

Trampantojo en el patio del Palacio Spada de Roma, obra de Francesco Borromini. El pasillo es mucho más corto y la escultura mucho menor de lo que parecen.
Nació en Bissone, cantón del Tesino (Suiza),2 hijo del cantero Giovanni Domenico Castelli y de Anastasia Garovo. Inició su carrera ayudando en la cantera a su padre, pero pronto se trasladó a Milán para estudiar y perfeccionarse. Allí se lo empezó a llamar con el sobrenombre de Bessone, en alusión a su pueblo natal, ubicado cerca de Lugano, en la región de lengua italiana de Suiza. Francesco trabajó en las obras del "duomo", la catedral de Milán.
En 1619 llega a Roma, donde cambia su apellido de Castelli a Borromini, y comienza a trabajar para su pariente lejano, Carlo Maderno en las obras de la Basílica de San Pedro. A la muerte de Maderno en 1629 se une al equipo de Gian Lorenzo Bernini en los trabajos de ampliación y refacción de la fachada del Palazzo Barberini.
Borromini trabaja allí como asistente de Bernini, pero luego de unos pocos años se produce entre ambos una enemistad que duraría toda la vida.
Durante el pontificado de Inocencio X (1644-1655) , gana la confianza del Papa, lo que le permite desplazar a su eterno rival en el puesto de arquitecto principal de Roma. Sin embargo, con el siguiente Papa, Alejandro VII (1655-1657) nuevamente renace la estrella de Bernini, acrecentando el enfrentamiento entre ambos arquitectos. A partir de allí Borromini se dedica a completar los interiores de la iglesia de Sant'Ivo alla Sapienza, de la actual Universidad romana, y a los trabajos en San Juan de Letrán. Adicionalmente, completa el basamento de la fachada de su primera obra independiente, la iglesia de San Carlo alle Quattro Fontane en el Quirinal. La galería de Borromini en el Palazzo Spada juega con la perspectiva de tal manera que se va encogiendo, lo que la hace parecer más larga de lo que es.
Carácter[editar]
La genialidad siempre conlleva caracteres distintivos, circunstancia acentuada en este caso por el trágico final del artista. Así como Leonardo y Miguel Ángel han quedado grabados en la historia como hombres del Renacimiento, Borromini puede ser definido sin lugar a dudas como un hombre del Barroco.
Todos estos grandes artistas mostraron una motivación común por la investigación y la innovación, y plasmaron su búsqueda en infinidad de bosquejos y borradores. Borromini dejó a la posteridad su obra teórica "Opus Arquitectonicum", pero buena parte de sus escritos fueron destruidos por él mismo antes de su muerte.
Tenía reputación de honesto y poco interesado en las riquezas materiales, aunque posiblemente, como todo artista, sintiera necesidad de otras formas de reconocimiento. Daba especial relevancia a la plena libertad de diseño, negándose a "copiar" características u elementos estilísticos en sus proyectos,3 y llegando al extremo de resignar toda remuneración a cambio de tal libertad expresiva. Religioso practicante y devoto, transcurría su vida laica con votos de pobreza.4
Se dice que su carácter era huraño y solitario, aunque cultivó amistad con el cardenal Spada, el marqués de Castel Rodrigo y el pintor Nicolas Poussin. Su final, con un suicidio similar al de Catón el Joven, arrojándose sobre su propia espada, hicieron que la posteridad acentuara su estoicismo, que en vida demostró mediante una rigurosa carrera profesional. Posiblemente esta característica fue la que le granjeó enemistades y pérdida de encargos en una época donde el respeto por el ordenamiento clásico limitaba en gran medida la innovación artística.
Últimos días[editar]

Lápida de Borromini, bajo la de Carlo Maderno.
Los últimos días de Borromini lo muestran inmerso en una profunda depresión, fruto de desaires tardíos, posiblemente alguna enfermedad no diagnosticada, y un incremento en el carácter melancólico que lo acompañó toda su vida. Martin Raspe5 recuerda los principales acontecimientos de sus últimos días:
1 de julio de 1667: se toma la decisión de encargar la tumba de Alejandro VII a Bernini
22 de julio: desde esta fecha Borromini se siente enfermo y no vuelve a salir de su casa. Entrega un testamento para su guarda al notario Olimpio Ricci.
24 de julio: recibe la noticia de la repentina muerte de Fioravante Martinelli.
24 de julio: sale a San Juan de Letrán para asistir al jubileo (entronización de Clemente IX)
29 de julio: Borromini requiere al notario la devolución de su testamento, que posteriormente se pierde.
30 de julio: Borromini quema sus escritos y diseños.
1 de agosto: recibe a su sobrino Bernardo. A la noche comienza a escribir un nuevo testamento.
2 de agosto: al amanecer tiene una pelea con su sirviente, Francesco Massari, por causa de una luz para escribir sus notas, y se arroja contra su propia espada, resultando malherido. Dicta su testamento en favor de su sobrino Bernardo, con la condición que contraiga matrimonio con la nieta de Carlo Maderno.
3 de agosto: Borromini muere en su lecho alrededor de las 22.00.
Extractos de sus escritos posiblemente del día 2 de agosto, luego de producido el incidente mortal, presentan el hecho casi como un accidente:
Me he sentido muy afectado por esto desde alrededor de las ocho de esta mañana y te contaré qué sucedió.Me había estado sintiendo enfermo desde el banquete de Magdalena (el 22 de julio) y no había salido a causa de mi enfermedad excepto el sábado y domingo en que fui a San Giovanni (dei Fiorentini) para el jubileo. Ayer por la noche, vino a mí la idea de hacer mi voluntad y exteriorizarla por mi propia mano. Así que comencé a escribirte después de la cena, y escribí con el lápiz hasta cerca de las tres de la mañana. Messer Francesco Massari, mi criado joven, quien duerme en la puerta siguiente de mis aposentos ya se había ido a la cama. Viendo que seguía inmóvil escribiendo y no había apagado la luz, me llamó diciendo: -"Signor Cavaliere, debe Ud. apagar la luz e ir a dormir porque ya es muy tarde y el médico quiere que descanse". Contesté que tendría que encender otra vez la lámpara al despertar, y me dijo -"Apáguela, porque la encenderé cuando despierte". Así que paré de escribir, alejé de mí el papel, apagué la lámpara y me fui a dormir. Cerca de las cinco o seis de la madrugada desperté y llamé a Francisco para pedirle que encendiera la lámpara. Como se negó dado que no había dormido suficiente, me puse impaciente y pensé como hacerme algún daño corporal. Permanecí en este estado hasta cerca de las ocho, cuando recordé que tenía una espada en el respaldo de la cama, colgada entre las velas consagradas, y en mi impaciencia por tener una luz tomé la espada, que cayó de punta junto a mi cama. Caí sobre ella con tal fuerza que terminé atravesado en el piso. Debido a mi herida comencé a gritar, con lo que Francesco entró rápidamente al cuarto, abrió la ventana, y al verme herido, llamó a otros que me ayudaron a recostarme en la cama y quitarme la espada. Así es como resulté herido.
"Borromini, de Sir Anthony Blunt, libro biográfico
Inscripción en una placa conmemorativa del año 1955, sobre una columna de la Iglesia de San Juan de los Florentinos, Roma
FRANCISCVS BORROMINI TICINENSIS,EQVES CHRISTI,QVI,IMPERITVRAE MEMORIAE ARCHITECTVS,DIVINAM ARTIS SVAE VIM,AD ROMAM MAGNIFICIS,AEDIFICIIS EXORNANDAM VERTIT,IN QVIBUS,ORATORIVM PHILLIPINVM S. IVO S. AGNES IN AGONE,INSTAVRATA LATERANENSIS ARCHIBASILICA,S. ANDREAS DELLE FRATTE NVNCVPATUM,S. CAROLVS IN QVIRINALI,AEDES DE PROPADANDA FIDE,HOC AVTEM IPSVM TEMPLVM,ARA MAXIMA DECORAVIT,NON LONGE AB HOC LAPIDE,PROPE MORTALES CAROLI MADERNI EXUVVIAS,PROPINQVI MVNICIPIS ET AEMVLI SVI,IN PACE DOMINI QVIESCIT.6
Lenguaje arquitectónico[editar]
La obra de Borromini resulta muy original, sin precedentes claros salvo la influencia parcial de Miguel Ángel, a quien el arquitecto admiraba.Entre los principales elementos y criterios arquitectónicos utilizados en su obra, cabe destacar:
Orden gigante, utilizado en forma complementaria y alternada.
Planta central, que sería una tendencia distintiva de las iglesias barrocas
Dinamismo espacial
Uso de la luz
Incorporación de la escultura
Materiales simples y económicos
Esquema geométrico modular, superando al módulo aritmético de la arquitectura clásica.
Obras[editar]
San Carlo alle Quattro Fontane[editar]

Fachada de San Carlo alle Quattro Fontane.
Artículo principal: San Carlo alle Quattro Fontane
Entre 1634 y 1637 su primer encargo independiente fue la reconstrucción de la iglesia de San Carlo alle Quattro Fontane , también llamada San Carlino. La fachada se terminaría mucho más tarde, al fin de su carrera, incrementando el valor arquitectónico de la obra. La iglesia está dedicada a San Carlos Borromeo y se la considera una obra maestra del barroco.
Borromini evitó la linearidad del clasicismo y eligió un esquema oval, que representara la cosmovision de ese entonces, en lugar de la más simple forma circular, utilizada en el Renacimiento, bajo una cúpula también oval estructurada mediante un sistema de cruces y octógonos que se van reduciendo hasta la linterna superior, fuente de toda la luminosidad del oscuro interior7 El edificio es pequeño, ya que la fachada entera podría caber en uno de los pilares de la Basílica de San Pedro.8
La forma oval de la nave se vé articulada y disuelta en un ritmo de convexidades y concavidades que muestran una de las cumbres de los interiores barrocos, tal como lo describen Trachtenberg y Hyman:
"Diseñó los muros en ondas entrantes y salientes , como si no fueran de piedra sino de un material flexible puesto en movimiento por un espacio energético, arrastrando consigo las profundas tablaturas, cornisas, molduras y frontones"
Lo intrincado de su geometría es mucho más osada y menos recargada en decoraciones figurativas9 que la iglesia de Sant'Andrea al Quirinale, obra de Bernini ubicada a pocos metros sobre la misma calle.
La obra de Bernini, cuya construcción se inició algunos años después, presenta un drama escultórico incrustado en la arquitectura. San Carlo, en cambio, ofrece una dramatización del espacio a través de la racionalidad y la geometría.
Los elementos ondulados de la fachada (1662-1667), unidos por una cornisa serpenteante y esculpidos con nichos, son así mismo piezas maestras10 que influirían con fuerza en la arquitectura de Nápoles y en el barroco siciliano.
Santa Inés en Agonía[editar]
En Santa Inés en Agonía, Borromini revirtió la planta original de Girolamo Rainaldi (y su hijo Carlo Rainaldi), comenzada en 1652 en el lugar en que santa Inés fue martirizada en el circo de Flavio Doniciano, convertida luego en la Plaza Navona. Su acceso principal en la Via si Santa Maria dell'Anima. La fachada se expandió para incluir partes del lindante Palazzo Pamphilii, ganando espacio para los dos campanarios.11
Borromini perdió el encargo antes de completarlo, debido a la muerte del papa Inocencio X en 1655. El nuevo papa, Alejandro VII, y el príncipe Camilio Phampilii volvieron a llamar a Rainaldi, pero este no hizo grandes cambios y la iglesia todavía es considerada como una expresión notable de los conceptos de Borromini.
Sant' Ivo alla Sapienza[editar]
Artículo principal: Sant'Ivo alla Sapienza

Sant'Ivo alla Sapienza, acceso y fachada.
Entre 1640 y 1650 Borromini trabajó en el diseño de la iglesia de Sant'Ivo alla Sapienza y sus jardines, cerca del palacio de la Universidad de Roma La Sapienza . Inicialmente había sido la iglesia del gimnasio romano. Borromini fue recomendado para el trabajo en 1632, por el después supervisor de las obras del Palazzo Barberini, Gian Lorenzo Bernini. El edificio, como muchos en la estrecha Roma, es modificado por las perspectivas exteriores; fue construido al extremo del largo patio diseñado por Giacomo della Porta.
La cúpula y la torre coclear son peculiares y reflejan la idiosincrasia de los motivos arquitectónicos que distinguieron a Borromoni de sus contemporáneos. El interior presenta una nave de inusual planta centralizada, en la que se alternan cornisas cóncavas y convexas, ascendiendo a una cúpula decorada con una matriz lineal de estrellas y puttis. La estructura muestra un esquema de estrella de seis puntas. Desde el centro del piso las cornisas asemejan dos triángulos equiláteros que forman un hexágono, aunque tres de las puntas tienen forma de trébol, mientras que las restantes terminan en concavidades.
Las columnas interiores se distribuyen sobre puntos de un círculo. La fusión entre los excesos febriles y dinámicos del barroco y la geometría racionalista constituyen un logro excelente para una iglesia perteneciente a una institución papal de altos estudios.
Oratorio de San Felipe Neri (Oratorio dei Fillipini)[editar]
La congregación de los filipinos tenía ya una de las iglesias mejor decoradas de Roma, y la orden, muy adepta a la expresión piadosa a través de la música, pensó construir un oratorio que incluía aposentos al lado de la iglesia de Santa Maria in Vallicella (Chiesa nuova), ubicada en pleno centro de Roma.
Borromini fue uno de los postulantes para la construcción del proyecto, entre los que se contaba a Paolo Maruscelli. Resultó empleado para el trabajo durante trece años que incluyeron varios períodos conflictivos. Para 1640 el oratorio estaba en uso, y en 1643 se completó la biblioteca. La llamativa fachada cercana a la entrada de la iglesia tiene poca semejanza con las estructuras interiores. Dentro del oratorio el espacio se articula mediante semicolumnas.
Influencia[editar]

El retrato de Borromini en la sacristía de San Carlo alle Quattro Fontane.
Borromini fue una importante influencia para el arquitecto piemontés Guarino Guarini y sus sucesores.
Comentarios sobre Borromini y su obra[editar]
Maderno, junto con Borromini y Carlo Fontana eran los líderes de una banda de artistas que conspiraron para sacar a la arquitectura de su tranquilo reposo (...), que sustituyeron por una turbulenta movilidad.
Karl Baedecker, 1883 en "Guía de Italia central"
Era usual verlo de humor melancólico o, como decían algunos de sus allegados, hipocondríaco, a causa de lo cual se enfermaba realmente, sumado a la continua especulación sobre las cosas de su arte, con el tiempo esta tendencia se profundizó y se convirtió en una actitud permanente, de tal forma que huía de las conversaciones para estar en soledad , ocupado solamente en el giro continuo de pensamientos turbulentos.
Filippo Baldinucci, historiador del arte (1624-1696)
Principales proyectos[editar]
La siguiente es una lista cronológica de las obras en las que participó Borromini como proyectista, ya sea en forma independiente o en colaboración con otros arquitectos:
1622 - Sant'Andrea della Valle, Roma.
1629-1631 - Palazzo Barberini, Roma.
1631-1633 - Baldaquino de San Pedro, Ciudad del Vaticano. Brindó asesoría técnica a su posterior antagonista, Gian Lorenzo Bernini.12
1637 - Oratorio de San Felipe Neri, Roma.
1638-1641 - San Carlo alle Quattro Fontane, Roma.
1642-1660 - Sant'Ivo alla Sapienza, Roma.
1645-1650 - Palazzo Pamphili, Roma.
1646-1667 - Colegio de Propaganda Fide, Roma.
1647-1650 - San Juan de Letrán (reconstrucción), Roma.
1652 - Santa Inés en Agonía, Roma.
1653-1665 - Sant'Andrea delle Fratte (exterior), Roma.
1659-1661 - Biblioteca Alessandrina en Sant'Ivo della Sapienza, Roma.
1662-1664 - Capilla de los Reyes Magos en el Colegio de Propaganda Fide, Roma.

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Giovanni Battista Sacchetti (Italia)

19. Giovanni Battista Sacchetti (Italia)

Juan Bautista Sacchetti o Sachetti, Giovanni Battista Sacchetti de nacimiento (Turín, 1690 - Roma, 1764) fue un arquitecto italiano. Biografía[editar] Discípulo de Filippo Juvara, llegó a España en 1736 para trabajar en el Palacio de La Granja de San Ildefonso, pero poco después fue llamado... Ver mas
Juan Bautista Sacchetti o Sachetti, Giovanni Battista Sacchetti de nacimiento (Turín, 1690 - Roma, 1764) fue un arquitecto italiano.
Biografía[editar]
Discípulo de Filippo Juvara, llegó a España en 1736 para trabajar en el Palacio de La Granja de San Ildefonso, pero poco después fue llamado por el rey Felipe V de España a la corte, para continuar con las obras del Palacio Real tras la muerte de Juvara.1 Por este motivo, fue nombrado maestro mayor de las obras reales, cargo que desempeñó entre 1736 y 1760. También ocupó el cargo de director de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y maestro mayor de obras de la Villa y Corte de Madrid, desde 1742 hasta su muerte.
En estos años, emprendió la reforma del Teatro del Príncipe y el Teatro de la Cruz.2 Entre sus proyectos están también la Catedral de la Almudena, el viaducto de la calle de Bailén y el Convento de las Salesas Reales, ninguno de los cuales llegó a desarrollar.

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Adalberto Libera (Italia)

20. Adalberto Libera (Italia)

Adalberto Libera (Villa Lagarina, cerca de Trento, 16 de julio de 1903 – 1963) fue uno de los más representativos arquitectos italianos, del movimiento moderno italiano, que no debe confundirse con el movimiento racionalista italiano, con el que tuvo sólo una breve relación. Biografía[editar... Ver mas
Adalberto Libera (Villa Lagarina, cerca de Trento, 16 de julio de 1903 – 1963) fue uno de los más representativos arquitectos italianos, del movimiento moderno italiano, que no debe confundirse con el movimiento racionalista italiano, con el que tuvo sólo una breve relación.
Biografía[editar]
Adalberto Libera nació en Villa Lagarina, cerca de Trento en el norte de Italia. Al estallar la Primera Guerra Mundial se trasladó a Parma. En 1925, después de estudiar matemáticas y arte, se inscribe en la Escuela Regia de Arquitectura de Roma. Se graduó en 1928 en la Scuola Superiore di Architettura de Roma. Tomó conocimiento del futurismo a través de su compatriota trentino Fortunato Depero. Incluso antes de graduarse era ya uno de los fundadores del M.I.A.R. («Movimento Italiano per l'Architettura Razionale» o Movimiento italiano por la arquitectura racional). Con sede en Roma, el MIAR fue una organización rival del «Gruppo Sette» (Grupo 7), que tenía su sede en Milán y Como. Fue invitado por Ludwig Mies van der Rohe a la Exposición Weissenhofsiedlung de Stuttgart de 1927, organizada por la Deutscher Werkbund, pero no llegó a participar.
Preparado para ser uno de los mayores partidarios e intérpretes del racionalismo, será promotor de las exposiciones MIAR de «Arquitectura Racional» (1928 y 1931); entre 1930 y 1932 fue elegido secretario nacional del MIAR.
A través de Gino Pollini entra en contacto con el "Grupo 7", en el que ingresa como miembro.
Un arquitecto creativo extremadamente capaz y con talento, estuvo más influido por el futurismo que por el racionalismo, y fue políticamente astuto. Su actividad como fundador y secretario del MIAR le permitió establecer una relación de trabajo muy estrecha con los altos cargos del régimen fascista en Roma, donde se tomaban todas las grandes decisiones sobre los programas de construcción pública, y que eran responsables del encargo de cientos de nuevos edificios públicos requeridos en los programas de modernización de Mussolini. Gracias a estas conexiones tuvo una prolífica carrera durante el régimen fascista y diseñó muchos edificios destacados durante los años 1930, algunos de los cuales son obras maestras del movimiento moderno internacional. Participó en el gran concurso del régimen, el E42. Al mismo tiempo, proyecta alguna de sus obras más notables, como la Villa Malaparte en la isla de Capri (1938-1943), aunque hay una continuada controversia sobre si el propio Malaparte fue el principal diseñador. Uno de los edificios más importantes es el Palazzo dei Congressi (Palacio de Congresos) en la EUR de Roma. Este edificio muestra la gran habilidad de Libera para diseñar ambiguamente en un lenguaje metafísica que se encuentra en el filo de la navaja entre el modernismo y el neoclasicismo. Su uso de la bóveda vaída en este edificio crean un espacio arquitectónico innovador.
Durante el periodo fascista, todos los arquitectos estaban legalmente obligados a unirse al partido; pero los de más éxito fueron más allá y se convirtieron en importantes miembros del partido. Como sus contemporáneos Giuseppe Pagano y Giuseppe Terragni, la buena suerte de Libera en este periodo se debió a sus estrechas relaciones con el partido.
Después de la caídad del régimen fascista y su derrota en la Segunda Guerra Mundial, Libera junto con todos los demás pasó por un periodo de crisis personal y profesional, pero después de vivir tranquilamente durante varios años en su ciudad natal de Trento, se recuperó y empezó otra vez a trabajar en numerosos proyectos, incluyendo edificios oficiales y viviendas públicas en un estilo nuevo que daba la espalda a los modelos de expresión fascistas. Durante la posguerra estuvo muy comprometido con la problemática de la reconstrucción masiva de viviendas para los más necesitados. En 1954–1962 diseñó y construyó el edificio del Gobierno Regional de la región del Trentino en Trento. Desde 1953 Libera se dedicará a la enseñanza universitaria, actividad que desarrolla hasta 1963, año de su muerte.
Obras principales[editar]
Palacio de Congresos en la EUR (años treinta)
Oficina de correos en via Marmorata en Roma (1932)
Villa Malaparte en Capri (1938)
Unidades de vivienda en Cagliari (1950-53)
El pabellón para la Cassa del Mezzogiorno en la Exposición de Cagliari (1953)

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Ludwig Mies van der Rohe (Alemania)

21. Ludwig Mies van der Rohe (Alemania)

Arquitecto alemán nacionalizado estadounidense, uno de los maestros más importantes de la arquitectura moderna y con toda probabilidad el máximo exponente del siglo XX en la construcción de acero y vidrio. Nació el 27 de marzo de 1886 en Aachen (Alemania) y se formó como colaborador en los... Ver mas
Arquitecto alemán nacionalizado estadounidense, uno de los maestros más importantes de la arquitectura moderna y con toda probabilidad el máximo exponente del siglo XX en la construcción de acero y vidrio. Nació el 27 de marzo de 1886 en Aachen (Alemania) y se formó como colaborador en los estudios del arquitecto y diseñador Bruno Paul —entre 1905 y 1907— y del pionero de la arquitectura industrial Peter Behrens —entre 1908 y 1911—. En 1912 abrió su propio estudio en Berlín. Durante los primeros años recibió muy pocos encargos, pero las primeras obras ya muestran el camino que continuaría durante el resto de su carrera. Entre los proyectos no construidos más emblemáticos de esta etapa están una colección de rascacielos de acero y vidrio, que se convirtieron en el símbolo de la nueva arquitectura. A finales de la década de 1920 acometió dos de sus obras maestras más representativas: el pabellón alemán para la Exposición Universal de Barcelona de 1929 (para el que diseñó también el famoso sillón Barcelona, de acero cromado y cuero) y la casa Tugendhat (1930) en Brno (actual República Checa). En ambos edificios utilizó una estructura de pequeños pilares metálicos cruciformes que liberaban el área de la planta, compuesta por espacios que fluyen entre ligeros paneles de ónice, mármol o madera de ébano, delimitados por grandes cristaleras que ocupan toda su altura. La arquitectura de Mies se caracteriza por una sencillez esencialista y por la sinceridad expresiva de sus elementos estructurales. Aunque no fue el único que intervino en estos movimientos, su racionalismo y su posterior funcionalismo se han convertido en modelos para el resto de los profesionales del siglo. Su influencia se podría resumir en una frase que él mismo dictó, y se ha convertido en el paradigma ideológico de la arquitectura del movimiento moderno, menos es más. Su obra se destaca por la composición rígidamente geométrica y la ausencia total de elementos ornamentales, pero su poética radica en la sutil maestría de las proporciones y en la elegancia exquisita de los materiales (en ocasiones empleó mármol, ónice, travertino, acero cromado, bronce o maderas nobles), rematados siempre con gran precisión en los detalles.
Mies dirigió la Escuela de Arte y Diseño de la Bauhaus, uno de los focos principales para la evolución del movimiento moderno, entre 1930 y 1933, fecha en que fue clausurada por el partido nazi. En 1937 emigró a Estados Unidos, donde ejerció el cargo de director de la Escuela de Arquitectura del Illinois Institute of Technology. Desde la ciudad de Chicago se convirtió en el maestro de varias generaciones de arquitectos estadounidenses, además de construir numerosos edificios, entre los que destacan los apartamentos de Lake Shore Drive (1948-1951) o el Crown Hall del IIT (1950-1956). Entre sus obras más emblemáticas de esta etapa destaca el Seagram Building (1958), un rascacielos de 37 pisos de vidrio y bronce construido en Nueva York junto a su discípulo Philip Johnson, y que se convirtió en el paradigma del international style, definido por el propio Johnson en un libro de 1932. Sin embargo, unos años antes Mies había realizado su obra maestra estadounidense, la casa Farnsworth en Plano (junto al río Fox, Illinois, 1950), un pequeño refugio delimitado por un muro-cortina de vidrio plano, que se ha convertido en una de las residencias más estudiadas (y también más criticadas) de la arquitectura del siglo XX. Se considera uno de los maestros más importantes de la arquitectura moderna, junto con el suizo-francés Le Corbusier y el estadounidense Frank Lloyd Wright. Su huella ha sido especialmente profunda en Estados Unidos y la mayoría de los rascacielos construidos por todo el mundo siguen parcial o totalmente sus planteamientos compositivos. Murió el 17 de agosto de 1969 en Chicago. © M.E.

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Jorn Utzon (Dinamarca)

22. Jorn Utzon (Dinamarca)

Jørn Utzon (n. el 9 de abril de 1918 — f. el 29 de noviembre de 2008) fue un arquitecto danés, conocido principalmente por haber realizado el proyecto de la Ópera de Sídney, y por ser el ganador del Premio Pritzker en 2003. Nació en Copenhague como hijo de un ingeniero naval. Realizó sus... Ver mas
Jørn Utzon (n. el 9 de abril de 1918 — f. el 29 de noviembre de 2008) fue un arquitecto danés, conocido principalmente por haber realizado el proyecto de la Ópera de Sídney, y por ser el ganador del Premio Pritzker en 2003.
Nació en Copenhague como hijo de un ingeniero naval. Realizó sus estudios en la Academia Real de Bellas Artes de Dinamarca. Pasó los años de la Segunda Guerra Mundial estudiando con Erik Gunnar Asplund. Después realizó viajes extensos por Europa, los Estados Unidos y México. A su regreso se estableció como arquitecto en Copenhague. Falleció en 2008 debido a un paro cardíaco.1
Ópera de Sídney[editar]
En 1957 Utzon ganó el concurso para construir un nuevo edificio para la ópera en Sídney, Australia. Su proyecto resultó un desafío, tanto desde el punto de vista de diseño como desde el punto de vista técnico. Utzon tardó varios años en desarrollar los métodos para construir las grandes bóvedas autoportantes del edificio. Estas bóvedas, altas y con vértices, recuerdan las velas de los barcos, y constituyen símbolos teniendo en cuenta que el edificio está situado junto al agua, en la entrada del puerto.
A la hora de presentar su propuesta a la par de otros miles de arquitectos lo notorio es que Utzon envió solamente un dibujo de la obra. Esto fue algo fuera de lo que el concurso establecía, ya que debían de mandarse con el diseño medidas exactas para que en caso de ganar inmediatamente empezar con la obra. Por la belleza y extraordinaria forma la obra de Utzon gana dicho premio. Pasaron muchos problemas de tipo estructural ya que del punto de vista arquitectónico es sumamente bella, pero desde el de la ingeniería planteó desafíos inéditos.
Utzon también tenía planes para el diseño de los espacios interiores situados bajo las bóvedas. No obstante, hubo un cambio de gobierno en el estado de Nueva Gales del Sur, al que pertenece Sídney, y los pagos destinados al proyecto fueron paralizados. Utzon tuvo que abandonar el país en 1966, dejando su obra inacabada. En los años siguientes ya no volvió a Australia. El edificio de la ópera fue terminado finalmente en 1973 siendo este proyecto continuado por su hijo también arquitecto, y es uno de los edificios más emblemáticos del mundo.
Reconocimiento[editar]
En el año 1992 recibió el Premio de la Fundación Wolf de las Artes. En marzo de 2003 Utzon fue investido doctor honoris causa por la Universidad de Sídney en reconocimiento por su proyecto del edificio de la ópera. Utzon se encontraba enfermo y no pudo viajar a Australia con tal motivo, de manera que lo representó su hijo en el acto de investidura. No podrá estar presente en las celebraciones del 30 aniversario del edificio, para el cual Utzon estuvo rediseñando algunos espacios, como el vestíbulo principal. En 2003 también le fue entregado el prestigioso premio Pritzker de arquitectura.
Estilo[editar]
Utzon ha creado un estilo de edificios públicos con rasgos monumentales y de edificios de vivienda adaptados al entorno. Ha sabido integrar en sus proyectos la disciplina equilibrada propia de Erik Gunnar Asplund, la calidad de formas de Alvar Aalto y las estructuras naturales de Frank Lloyd Wright. Utzon siempre tiene en cuenta las características del lugar en que se emplazará el edificio antes de comenzar su diseño. En sus proyectos fue más allá de la arquitectura, desarrollando formas que son consecuencia de un proceso de inspiración espiritual.
Obras construidas[editar]

Casa Propia en Hellebæk, 1952

Iglesia de Bagsvaerd, 1976
Casa propia en Hellebæk, Dinamarca (1952).
Torre de agua (Svaneke, Dinamarca 1952).
Middelboe house, Holte, Denmark, 1953-1955 imagen.
Edificio de la Ópera de Sídney (Australia), 1956.
Viviendas Planetstaden (Lund, Suecia).
Viviendas Kingohusene o Romerhusene (Elsinor, Dinamarca), 1958 imagen.
Fredensborghusene, (Fredensborg, Dinamarca) 1962 imagen.
Melli Bank, Teherán, Irán, 1959-1960 imagen.
Teater Zürich en Suiza, 1964.
Elineberghusene en Helsingborg, Sverige, 1965 imagen.
Hammershøj care centre, Elsinore, Denmark, 1962-1966. Construido por Birger Schmidt imagen.
Casa del ingeniero danés Povl Ahm, en Inglaterra fotos imagen.
Farum Bycenter, 1966.
Estadio en Jeddah en Arabia Saudita, 1967.
case su catalogo Espansiva 1969.
Asamblea Nacional (Kuwait), 1972 (con Jan Utzon): Quemado por la invasión iraquí de 1991 y restaurado con modificaciones Foto página.
Can Lis Isla de (Mallorca), (España) imagen.
Can Felis (Mallorca).
Iglesia de Bagsvaerd (Copenhague), Dinamarca, 1976 Foto y dibujos imagen.
Pabellón de venta de muebles Paustian (Copenhague), 1986 imagen.
cabine telefoniche per KTAS 1987.
Teatro y Sala de Conciertos (Esbjerg, Dinamarca) 1992-1997.
Utzon Center, Dinamarca, 2008.
Premios y reconocimientos[editar]
1973 Medalla de Oro del Royal Australian Institute of Architects (RAIA)
1978 Medalla de Oro del Royal Institute of British Architects (RIBA)
1982 Medalla Alvar Aalto
1985 Order of Australia
2003 Ehrendoktorat der Universität von Sydney
2003 Premio Pritzker

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Donato d´Angelo Bramante (Italia)

23. Donato d´Angelo Bramante (Italia)

Donato di Pascuccio d'Antonio o Donato di Angelo di Antonio, conocido como Bramante (Fermignano, c. 1443/1444 - Roma, 1514) fue un pintor y arquitecto italiano, que introdujo el estilo del primer Renacimiento en Milán y el «Alto Renacimiento» en Roma, donde su obra más famosa fue el planeamiento... Ver mas
Donato di Pascuccio d'Antonio o Donato di Angelo di Antonio, conocido como Bramante (Fermignano, c. 1443/1444 - Roma, 1514) fue un pintor y arquitecto italiano, que introdujo el estilo del primer Renacimiento en Milán y el «Alto Renacimiento» en Roma, donde su obra más famosa fue el planeamiento de la Basílica de San Pedro.
Tuvo una formación quattrocentista pero su plenitud artística la alcanza en el siglo XVI. Su arquitectura está caracterizada por la severidad y el uso de planta central cubierta con cúpula.
Urbino y Milán[editar]
Bramante nació en Monte Asdrualdo (hoy Fermignano), cerca de Urbino: aquí, en los años 1460, Luciano Laurana estaba añadiendo al Palacio Ducal un patio con arcos y otros elementos que parecen haber sido el verdadero toque de una antigüedad renacida para el palacio ducal de Federico da Montefeltro.
La arquitectura de Bramante ha eclipsado sus habilidades como pintor: conoció bien a los pintores Melozzo da Forlì y Piero della Francesca, quienes estaban interesados en las reglas de la perspectiva y las características ilusionistas de la pintura de Mantegna. Alrededor de 1474, Bramante se trasladó a Milán, una ciudad con una profunda tradición arquitectónica gótica, y erigió varias iglesias en el nuevo estilo de la Antigüedad. El duque, Ludovico Sforza, le hizo virtualmente su arquitecto de corte, a partir de 1476, con encargos que culminaron en el famoso coro en trampantojo de la iglesia de Santa Maria presso San Satiro (1482–1486). El espacio era limitado, así que Bramante hizo un ábside teatral en bajorrelieve, combinando las artes pictóricas de la perspectiva con detalles romanos. Hay una sacristía octogonal, coronada por una cúpula.
En Milán, Bramante también construyó Santa Maria delle Grazie (1492-1499); otras obras tempranas incluyen los claustros de Sant'Ambrogio, Milán (1497–1498), y algunas otras construcciones menores en Pavía y Legnano. Sin embargo, en 1499, su patrón Sforza fue expulsado de Milán por el ejército francés invasor, y Bramante decidió marchar a Roma, donde ya era conocido por el poderoso cardenal Raffaele Riario.
Carrera en Roma[editar]

Templete de San Pietro in Montorio, obra de Bramante.
Sus obras más destacadas se encuentran en Roma. Allí fue pronto reconocido por el cardenal Della Rovere, que pronto se convertiría en el papa Julio II.
En la ciudad eterna su primera obra es fruto del encargo de los Reyes Católicos, quiénes para conmemorar la Toma de Granada (1492) deciden levantar una iglesia en honor a San Pedro. En el lugar en que se cree fue martirizado se construyó en 1502 el Templete de San Pietro in Montorio o tempietto.
Este templete fue casi una especie de prueba por parte de Julio II. Está considerado uno de los edificios más armoniosos del Renacimiento. A pesar de su pequeño tamaño, la construcción tiene todas las proporciones rigurosas y la simetría de las estructuras clásicas, rodeado por finas columnas toscanas, con una cúpula por encima. Bramante planeó un patio con columnas que lo rodease, pero se pusieron en marcha planes más grandiosos: la Basílica de San Pedro.

Boceto de la planta de la Basílica de San Pedro, obra de Bramante.
En noviembre de 1503, es nombrado arquitecto pontificio, llevando a cabo dos intervenciones: el llamado Palacio de los Papas y la nueva Basílica de San Pedro del Vaticano, proyecto este último que solo llegó a comenzar y que sería más tarde continuado y modificado por Rafael, Antonio de Sangallo y Miguel Ángel, para ser concluido en el siglo XVII por Carlo Maderno.
En efecto, el papa Julio contrató a Bramante para la construcción de la obra arquitectónica europea más grande del siglo XVI: la completa reconstrucción de la Basílica de San Pedro. La primera piedra del crucero se colocó con ceremonia el 18 de abril de 1506. Sobreviven muchos dibujos de Bramante, y muchos más de ayudantes suyos, lo que demuestra la extensión del equipo que había reunido. La visión de Bramante para San Pedro, una planta de cruz griega que simbolizaba la sublime perfección para él y su generación (compárese con Santa Maria della Consolazione, en Todi, influyeron en la obra de Bramante), fue fundamentalmente alterada por la extensión de la nave después de su muerte en 1514. El plan de Bramante preveía cuatro grandes capillas llenando los espacios de las esquinas entre los transeptos de igual tamaño, cada uno de ellos cubierto por una pequeña cúpula rodeando a la gran cúpula sobre el crucero. Así que el plan original de Bramante era más romano-bizantino en sus formas que la basílica que en realidad se construyó. (Véase Basílica de San Pedro para más detalles.)
Ocupado con San Pedro, Bramante tenía poco tiempo para otros encargos. Entre sus primeras obras en Roma, antes de emprender la construcción de la basílica, están los claustros (1504) de Santa María della Pace cerca de Piazza Navona. Las bellas proporciones le dan un aire de gran simplicidad. Las columnas de la planta inferior están complementadas por las de la primera planta, que alternan con columnas más pequeñas colocadas centralmente sobre los arcos inferiores. Bramante es también famoso por su revolucionario diseño para el Palacio Caprini en Roma. Este palacio, erigido en el rione de Borgo, ya no existe. Fue más tarde propiedad del artista Rafael, y desde entonces se le conoce como la Casa de Rafael.
Principales obras arquitectónicas[editar]
Santa Maria presso San Satiro, Milán, 1482–1486
Santa Maria delle Grazie (claustro y ábside); Milán, 1492–1498
Palacio Caprini (también llamado: 'Casa de Rafael'), Roma, 1501–1502 (no existente)
San Pietro in Montorio, Roma, 1502
Santa Maria della Pace (claustro); Roma, 1504
Basílica de San Pedro, Ciudad del Vaticano, Diseño 1503, excavaciones, 1506
Cortile del Belvedere, Ciudad del Vaticano, 1506.

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Marcello Piacentini (Italia)

24. Marcello Piacentini (Italia)

Marcello Piacentini (Roma, 8 de diciembre de 1881 - Roma, 19 de mayo de 1960) fue un arquitecto y urbanista italiano. Durante la época fascista trabajó intensamente en toda Italia y se consolidó su imagen de arquitecto favorito de Benito Mussolini y del Fascismo. Fue en Roma donde tuvo sus... Ver mas
Marcello Piacentini (Roma, 8 de diciembre de 1881 - Roma, 19 de mayo de 1960) fue un arquitecto y urbanista italiano. Durante la época fascista trabajó intensamente en toda Italia y se consolidó su imagen de arquitecto favorito de Benito Mussolini y del Fascismo. Fue en Roma donde tuvo sus encargos de mayor importancia: sus intervenciones modificaron notablemente el aspecto de la ciudad. Los edificios de Piacentini se caracterizan por su monumentalidad de inspiración clásica. Creó un estilo que podría denominarse Neoclasicismo simplificado, a mitad de camino entre los presupuestos estéticos del grupo de arquitectos Novecento (Muzio, Lancia, Gio Ponti, etcétera) y los del racionalismo arquitectónico italiano del Gruppo 7 e MIAR de Giuseppe Terragni, Giuseppe Pagano o Adalberto Libera.
Inicios y años del Fascismo[editar]
Hijo del arquitecto Pio Piacentini, Marcello conoció el éxito profesional muy pronto: con sólo veintiséis años (en 1907) participó en el concurso para reordenar el centro urbano de Bérgamo (que llevará a cabo entre 1922 y 1927). Entre los encargos más prestigiosos que recibió Piacentini destacan la dirección general de los trabajos y la coordinación urbanístico-arquitectónica de la Ciudad Universitaria de Roma (1935) y la supervisión de la arquitectura, los parques y jardines del E42, terrenos de la Esposizione Universale Roma (Exposición Universal de Roma) que debía haberse celebrado en 1942. En este proyecto trabajaron también los arquitectos Luigi Piccinato, Giuseppe Pagano, Luigi Vietti y Ettore Rossi). En el caso de la Ciudad Universitaria, Piacentini permitió a los jóvenes arquitectos que trabajaban a sus órdenes (como Giovanni Michelucci, Gaetano Rapisardi y otros) cierta libertad de expresión personal, en el caso del E42 prevalecieron los criterios de Piacentini y se adoptaron las soluciones más monumentales, características de su estilo. Con todo, los avatares políticos y las continuas revisiones del proyecto de la Exposición Universal hicieron que, a la postre, el resultado final variara considerablemente del planteamiento original de Piacentini.
En los planes de reforma urbanística de Livorno siguió los principios de la arquitectura racionalista italiana entonces en vigor: concebía el centro de las ciudades con funciones comerciales y administrativas y trazaba las calles buscando el realce de los edificios. En otras ocasiones siguió criterios muy discutibles, demoliendo barrios enteros para limpiar los alrededores de los edificios singulares de los centros históricos o creando vías radiales en las ciudades. Entre las reformas urbanísticas más discutidas de Piacentini se encuentra la demolición de los edificios de la Spina di Borghi en el Vaticano para abrir la Via della Conciliazione, proyecto elaborado en 1936 y llevado a término en 1950 junto al arquitecto Attilio Spaccarelli.
Años de la posguerra[editar]
Piacentini fue profesor de Urbanismo en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de La Sapienza, si bien fue apartado brevemente de la docencia por sus simpatías fascistas. Se jubiló siendo catedrático de Arquitectura en 1955. En esos años se encarga de proyectos como la reforma del Teatro de Ópera de Roma, cuya poco afortunada fachada el arquitecto Ludovico Quaroni ha atribuido en una entrevista al periódico Il Messaggero a un colaborador anónimo de Piacentini. Su última obra arquitectónica fue el Palazzo dello Sport (actualmente llamado Palalottomatica) en el Eur (1960), diseñado junto a Pier Luigi Nervi.
Su última intervención urbanística consistió en la regulación del plano urbano de Bari (1950), proyecto firmado por Piacentini junto a Giorgio y Alberto Calza Bini. Formó parte también de una primera comisión elaboradora del plan regulador de Roma que finalmente será adoptado en 1962, en la que defendió los principios urbanísticos que mantenía desde los tiempos del fascismo. En este caso, sin embargo, no pudo imponer su criterio.
Desprestigio y posterior revalorización póstuma[editar]
Tras una larga enfermedad, Piacentini murió en 1960. El prestigio de su obra decayó mucho y se la juzgó muy peyorativamente. Bruno Zevi afirmó que Piacentini, como arquitecto, había muerto en 1911. Con todo, últimamente se han reconocido algunos de sus méritos, como la ampliación de la Via Roma de Turín (1936) o el proyecto urbanístico original para el Eur de Roma.
Cronología de las obras arquitectónicas de Piacentini[editar]
1910, Bruselas: pabellón italiano de la Exposición Universal.
1912-1928, Messina: Palacio de Justicia.
1913, Roma: Villetta Rusconi.
1915-1917, Roma: Cinema Corso.
1916-1918, Roma: Villa Nobili.
1922, Florencia (en colaboración con Ghino Venturi): Cine-Teatro Savoya (hoy conocido como Odeón), en el Palazzo dello Strozzino.
1925, Roma: Restauración de la Villa Madama.
1926-1958, Roma: reformas en el Teatro de la Ópera de Roma.
1928, Bolzano: Monumento a la Victoria.
1931, Roma: Palazzo delle Corporazioni, situado en Via Veneto (actualmente sede del Ministero dello Sviluppo Económico).
1931, Génova: Arco de la Victoria, dedicado a los genoveses caídos durante la Primera Guerra Mundial.
1932-1941: Reggio Calabria: Museo Nazionale della Magna Grecia.
1933, Milán: Palacio de Justicia.
1935-1940, Génova: Torre Piacentini.
1936, Roma: Rectorado de la Universidad de La Sapienza.
1938, Livorno: Proyecto de reforma urbanística del centro histórico y de la Piazza Grande.
1938-1942, Roma: planificación del E42 (EUR).
1939-1940, Nápoles: reestructuración de la sede del Banco di Napoli.
1941, Roma: demolición de las spina di Borgo para la apertura de la Via della Conciliazione.

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Giuseppe Sacconi (Italia)

25. Giuseppe Sacconi (Italia)

Giuseppe Sacconi (*Montalto delle Marche, 5 de julio de 1854 – †Pistoya, 23 de septiembre de 1905), fue un arquitecto italiano reconocido por haber diseñado el Monumento a Víctor Manuel II, ubicado en la ciudad de Roma, en Italia. El monumento fue construido en medio de elogios extravagantes y... Ver mas
Giuseppe Sacconi (*Montalto delle Marche, 5 de julio de 1854 – †Pistoya, 23 de septiembre de 1905), fue un arquitecto italiano reconocido por haber diseñado el Monumento a Víctor Manuel II, ubicado en la ciudad de Roma, en Italia. El monumento fue construido en medio de elogios extravagantes y algo de consternación. El también diseñó la construcción de la Capilla Expiatoria de Monza ((en italiano) Cappella Espiatoria).
Sacconi también se desempeñó como diputado entre 1884 y 1902, periodo transcurrido durante el reinado de los reyes Humberto I y Víctor Manuel III, respectivamente.
Murió a los 51 años de edad, en Pistoya, el 23 de septiembre de 1905.

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Benedetta Tagliabue (Italia)

26. Benedetta Tagliabue (Italia)

Benedetta Tagliabue (Milán, Italia 1963) es una arquitecta italiana establecida en Cataluña, (España). Última compañera de Enric Miralles, es la actual jefe del "Estudio Miralles Tagliabue EMBT". Biografía[editar] Estudió arquitectura en el Istituto Universitario de Architettura di Venezia... Ver mas
Benedetta Tagliabue (Milán, Italia 1963) es una arquitecta italiana establecida en Cataluña, (España). Última compañera de Enric Miralles, es la actual jefe del "Estudio Miralles Tagliabue EMBT".
Biografía[editar]
Estudió arquitectura en el Istituto Universitario de Architettura di Venezia, IUAV, donde se graduó en 1989. Amplió sus estudios en Nueva York, pero al finalizar su tesis doctoral en 1989 se trasladó a Barcelona, el año 1991 empieza a colaborar con Enric Miralles, con quien se asocia más tarde para formar el estudio Miralles Tagliabue EMBT. Su colaboración les llevó a colocar su estudio entre los estudios de arquitectura de mayor prestigio y proyección internacional. El taller de arquitectura se caracteriza por el equilibrio entre una estética fragmentada y convulsa y el respeto por la tradición del lugar, una idea que Miralles supo transmitir a Benedetta y que ésta ha seguido plasmando.
Actividad profesional[editar]
Junto a Enric Miralles ha desarrollado una gran labor arquitectónica, realizando proyectos tanto en Cataluña como en todo el mundo, haciendo una especial mención a la construcción del Parlamento de Escocia (1998-2004), que ganaron en un concurso internacional.
Tras la muerte inesperada de Miralles en el año 2000, Benedetta Tagliabue toma la dirección del estudio, continuando con los proyectos que ambos estaban construyendo, la Escuela de Música de Hamburgo (2000), el Ayuntamiento de Utrecht en Holanda (2000), el Parc Diagonal Mar en Barcelona (2002), el Campus Universitario de Vigo (2003), el Parlamento de Escocia (2004), el Mercado de Santa Caterina (2005) y el edificio de Gas Natural Fenosa (2007) .
En el año 2005 fue galardonada en la Bienal de Arquitectura Española, Premio Manuel de la Dehesa, por su proyecto del Parlamento de Escocia 2004 y el mismo año gana el prestigioso RIBA Stirling Prize, Mejor Edificio del 2005 por el Parlamento de Escocia, y con el Premio Nacional de Patrimonio Cultural concedido por la Generalidad de Cataluña por el mercado de Santa Caterina en 2001. El año 2009 ha recibido el Premio Ciudad de Barcelona en la categoría de proyección Internacional por el Pabellón de España de la Exposición Universal Shanghai 2010. En 2009 se le concedió el premio Fellowship RIBA de arquitectura, otorgado por el Royal Institute of British Architects (RIBA).1
Selección de obras[editar]

Mercado de Santa Caterina, Barcelona

Parlamento de Escocia, Edimburgo
1996 - 1999: Seis Viviendas en Borneo (Ámsterdam)
1999 - 2001: Parque de los colores (Mollet del Vallès)
1997 - 2002: Parque de Diagonal Mar (Barcelona)
1997 - 2000: Rehabilitación del Ayuntamiento (Utrecht, Países Bajos)
1997 - 2005: Mercado de Santa Caterina (Barcelona)
1998 - 2000: Escuela de Música en (Hamburgo, Alemania)
1999 - 2000: Escenografía para la ópera Don Quijote, Teatro del Liceo, Barcelona
1998 - 2004: Parlamento de Escocia (Edimburgo)
1999 - 2003: Campus de la Universidad de Vigo (Vigo)
1999 - 2006: Edificio de Gas Natural (Barcelona)
1997 - 2007: Biblioteca Pública "Enric Miralles" (Palafolls)
2002 - 2007: Marco Polo Platz, HafenCity Hamburgo, Alemania
2003 - 2007: Conjunto de 48 Viviendas de Protección oficial, (Figueras)

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Eduardo Souto de Moura (Portugal)

27. Eduardo Souto de Moura (Portugal)

Eduardo Souto de Moura (n. Oporto, 25 de julio de 1952) es un arquitecto portugués , ganador del premio Pritzker 2011 , cuyo trabajo está estrechamente vínculado al de los también portugueses Álvaro Siza y Fernando Távora, quienes son sus mentores. Souto de Moura se licenció en arquitectura en... Ver mas
Eduardo Souto de Moura (n. Oporto, 25 de julio de 1952) es un arquitecto portugués , ganador del premio Pritzker 2011 , cuyo trabajo está estrechamente vínculado al de los también portugueses Álvaro Siza y Fernando Távora, quienes son sus mentores.
Souto de Moura se licenció en arquitectura en la Escola Superior de Belas Artes (Escuela Superior de Bellas Artes) de Oporto en 1980, donde fue profesor de 1981 a 1991. Ha sido profesor invitado en las universidades de París-Belville, Harvard, Dublín, Navarra, Zúrich y Lausana. Tras la colaboración en el estudio de Álvaro Siza entre 1974 y 1979 estableció su propio despacho profesional en Oporto en 1980. En el año 2011 fue galardonado con el prestigioso Premio Pritzker de arquitectura, y en 2013 el Premio Wolf de las Artes.
Referencias arquitectónicas[editar]
Como principales rasgos de su arquitectura destacan el rigor y la precisión en las formas, así como una profunda sensibilidad hacia el contexto. Al igual que otros arquitectos portugueses, como Álvaro Siza, Souto de Moura se preocupa mucho por el entorno físico que rodea a sus obras, así mismo cuida bastante los detalles y la selección de los materiales locales, conjugando muy bien al hormigón, piedra, madera y aluminio. Se le suele considerar como un representante del regionalismo crítico (de estilo presentadas por el historiador de la arquitectura Kenneth Frampton).
El arquitecto portugués Eduardo Souto de Moura ganó el Premio Pritzker -considerado el Nóbel de la Arquitectura- con su vocación por diseñar edificios que estén integrados en el entorno. Sus edificios demuestran un interés por el minimalismo y por querer facilitar la vida de las personas que los habitan.
De ahí que su concepción de las viviendas unifamiliares de una planta o dos sea ya su seña de identidad, así como el cuidado que pone en adaptar la construcción al lugar en el que se halla.
En el pensamiento de este arquitecto construcción y entorno son dos constantes; el Premio Pritzker, reconoce la labor de un arquitecto vivo con "talento, visión y compromiso" y que contribuya al desarrollo de la humanidad con su obra arquitectónica.
Souto de Moura cree que lo que cambian son los materiales, los medios y los sistemas de construcción, pero que la idea de una casa es un concepto universal que no ha evolucionado mucho a lo largo de la historia.
De ahí que las claves para comprender sus diseños sean desde percibir cómo ha integrado la estructura en el lugar, ya sea urbano o rural, y cómo integra los muros o paredes, hasta su afán por crear edificios de una o dos plantas diáfanas.
En las viviendas unifamiliares, el arquitecto porteño ha sido uno de los rescatadores, al igual que Mies van der Rohe, de los patios interiores.
Su relación con el minimalismo viene de lejos. Cuando estudiaba escultura en la Escuela de Bellas Artes de Oporto tuvo un encuentro en Zurich con Donald Judd, uno de los artistas estadounidenses minimalistas más importantes por obra e influencia en arquitectos y artistas de la segunda mitad del siglo.
La arquitectura ha ganado a un nuevo Pritzker y a un maestro que deja escuela.1
Obras[editar]

Casa das Histórias Paula Rego, Cascais
Las casas en Nevogilde (1982 – 1983), en Oporto, caracterizadas por el manejo de imponentes muros.
Mercado municipal de Braga, (1984) (proyectado en 1980, construido en 1984), un organismo lineal apoyado en rotundos muros con un espacio cubierto por una gran losa soportada por pilares de hormigón. 2 por la revista Architectural Record.
La vivienda para la Quinta do Lago (1984), Algarve, en la que retoma elementos de la arquitectura vernacular del sur de Portugal.
La casa en Alcanena (1992), en Torres Novas, una villa construida con muros entre viñedos.
Casa en Tavira (1994), en Tavira-Algarve-Portugal (Proyectado en 1991, construido en 1994).
Reforma del edificio de la Alfándega en Museo Nacional de Transportes (1994), en Oporto, Portugal (Proyectado en 1993, construido en 1994).
Edificio Residencial (1995), en Rua do Teatro, en Oporto (Proyectado en 1992, construido en 1995).
Casa en Moledo, en Caminha (1997), Portugal (Proyectado en 1991, construido en 1997).
Rehabilitación para posada del Monasterio de Santa María do Bouro (1997), Braga, (Proyectado en 1989, construido en 1997).
Metro de Oporto (Estación de Casa do Música), Oporto, (1997 – 2004).
Estadio Municipal de Braga (2000 – 2003).
Crematorio en Cortrique, Bélgica (2010-2011)

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Sverre Fehn (Noruega)

28. Sverre Fehn (Noruega)

Trayectoria[editar] Fehn nació en Kongsberg, Buskerud.2 Realizó sus estudios, tras la guerra, en la Escuela de Arquitectura de Oslo, dónde se diplomó en el año 1949; una institución que sufrió una crisis por entonces. Rápidamente destacó entre los arquitectos de su generación. Durante los años... Ver mas
Trayectoria[editar]
Fehn nació en Kongsberg, Buskerud.2 Realizó sus estudios, tras la guerra, en la Escuela de Arquitectura de Oslo, dónde se diplomó en el año 1949; una institución que sufrió una crisis por entonces. Rápidamente destacó entre los arquitectos de su generación.
Durante los años 1952 y 1953, efectuó un viaje de estudios a Marruecos en el cual se interesó y estudió la arquitectura vernácula, hecho que influenció en el futuro de su obra. Posteriormente se trasladó a París, trabajando en el estudio de arquitectura de Jean Prouvé; allí conoció a Le Corbusier. A su regreso a Noruega, en 1954, inició su actividad profesional individual con su propio estudio de arquitectura.
A los treinta y cuatro años ganó reputación por el proyecto del Pabellón noruego en la Exposición de Bruselas.2 En los años 1960 realizó dos obras importantes de su carrera: el Pabellón de los Países Escandinavos en los jardines de la Bienal de Venecia de (1962) y el Hedmark Museum en Hamar, Noruega (1967–79). Otras obras destacadas de Fehn fueron la casa Schreiner en Oslo (1963), y luego la casa Busk en Bamble (1990).
Más tarde ha sido el responsable del Centro Aukrust, en Alvdal (1996), así como del Centro Ivar Aasen Centre, en Ørsta (2000). Dos museos de su país han salido de su estudio después: el Museo Noruego de Fotografía, en Horten (2001), y el Museo Nacional de Arte, en Oslo, concluido en 2008, un año antes de su muerte.
Enseñó en la Escuela de Arquitectura de Oslo entre 1971 y 1995,2 destacadamente en su departamento entre 1986 y 1989. Dio clases asimismo en la Cranbrook Academy of Art, de Bloomfield Hills, en Michigan. Fue premio Pritzker en 1997.
Obras importantes[editar]
Fehn ha diseñado unas cien construcciones;,3 pero cuando recibió el premio Pritzker en 1997, sólo habían sido construidas once.2 Algunas de las más notables son:
Pabellón noruego en la Exposición de Bruselas, (1958)
Pabellón Nórdico para la Bienal de Venecia, (1962)
Schreiner House, Oslo, 1963
Villa Norrköping, Suecia, 1963-64
Hedmark Museum en Hamar, Noruega, 1967-79
Busk House, en Bamble, 1990
Museo Noruego del Glaciar, en Fjærland, (1991–1992)
Centro Aukrust, en Alvdal, (1996)
Centro Ivar Aasen Centre, en Ørsta, (2000)
Museo Noruego de Fotografía, en Horten, (2001)
Gyldendal House, en Oslo, 2007
Museo Nacional de Arte, en Oslo, 2003-08

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Carlo Scarpa (Italia)

29. Carlo Scarpa (Italia)

Carlo Scarpa (1906, Venecia - 1978, Sendai, Japón), fue un arquitecto italiano. Diplomado en la Academia de Bellas Artes en 1926, su carrera estuvo constantemente influida por la búsqueda de la perfección en los detalles arquitectónicos que le permitieron realizar verdaderas obras de filigrana... Ver mas
Carlo Scarpa (1906, Venecia - 1978, Sendai, Japón), fue un arquitecto italiano. Diplomado en la Academia de Bellas Artes en 1926, su carrera estuvo constantemente influida por la búsqueda de la perfección en los detalles arquitectónicos que le permitieron realizar verdaderas obras de filigrana arquitectónica.
La mayor de las contribuciones de su obra consiste en la incorporación de los valores de la historia de la arquitectura italiana en sus obras arquitectónicas contemporáneas, tal y como lo realizó en el Castelvecchio en Verona, la tienda de exhibición de Olivetti en Venecia, el Banco popular de Verona entre otras.
Biografía[editar]
Carlo Alberto Scarpa nació el 2 de junio 1906 en Venecia, donde regresó en 1919 después de pasar su infancia en Vicenza, para estudiar en la Academia de Bellas Artes, entorno en el que conoció y se convirtió en asistente del arquitecto veneciano Vincenzo Rinaldi, y acabó casándose en 1934 con su sobrina Onorina (Nini) Lazzari. Mientras todavía estudiaba en la Academia obtuvo su primer encargo profesional: comenzó a trabajar como diseñador con algunas cristalerias de Murano. En 1926 se graduó y ese mismo año se convirtió en profesor en la Escuela de Arquitectura de Venecia (IUAV), fundada ese mismo año, y al mismo tiempo, desde 1927 a 1930, trabajó para la cristalería artística de Murano MVM Cappellin & Co.
A finales de los años veinte diseño sus primeros muebles y empezó a asistir a los círculos artísticos e intelectuales de Venecia, donde conoció y se relacionó con artistas como Giuseppe Ungaretti, Carlo Carra, Lionello Venturi, Diego Valeri, Giacomo Noventa, Arturo Martini, Bice Lazzari y Felice Casorati. A partir de 1933 comenzó a trabajar con la fábrica de vidrio de Paolo Venini, una colaboración que duró hasta 1947. Su primera exposición tuvo lugar en la Bienal de Venecia de 1932 y dos años más tarde en la Trienal de Milán.

Negocio Olivetti en Plaza San Marco, Venecia
Al cumplir sus treinta años, entre 1935 y 1937, Scarpa hizo su primer trabajo de entidad, la adecuación de Ca' Foscari en Venecia, sede de la universidad: su intervención se produjo principalmente en las zonas más importantes, que albergaban el Rectorado y el Salón de Actos Académicos. Esta actuación, que el arquitecto veneciano modificó entre 1955 y 1957, resultó ser uno de los más innovadores proyectos de restauración de ese período. Las grandes ventanas con parteluz con vistas al Gran Canal, el elemento más interesante de la primera restauración, se confronta con la actuación más interesante de la segunda restauración, o la reconfiguración de la tribuna de madera que él mismo había diseñado veinte años antes, indican claramente la competencia alcanzada por el arquitecto, que en el primer caso siente la influencia de Le Corbusier y en el segundo la de Frank Lloyd Wright.
Su actividad no se interrumpió ni siquiera durante la Segunda Guerra Mundial, aunque, por supuesto, a partir de 1945 se reanudó de forma más activa. Destacar la realización del Pabellón del libro en los jardines de la Bienal al inicio de los años cincuenta, en el que son evidentes algunos ideas de Wright: se trata de un pequeño edificio de madera con grandes ventanales protegidos con aleros, en el que emergen una serie de elementos particulares, marcos de madera distorsionados y estructuras triangulares aéreas. Después de conocer a Frank Lloyd Wright en persona, se produjo una influencia aún mayor en sus obras posteriores, especialmente en el proyecto en 1953 de la Villa Zoppas en Conegliano.
En 1956 ganó el Premio Nacional Olivetti de Arquitectura y de la misma empresa le encarga el diseño de una sala de exposición de Olivetti en la Plaza de San Marcos de Venecia, pero en ese mismo año es acusado por el Colegio de Arquitectos de ejercer la profesión ilegalmente y llevado a los tribunales.
En 1978 recibió un doctorado honoris causa en arquitectura por el Instituto Universitario de Arquitectura de Venecia, poniendo así fin al debate sobre la legitimidad de sus actividades. Lamentablemente no pudo asistir a la ceremonia porque murió el 28 de noviembre en Japón debido a un accidente: Scarpa durante un paseo vio un escalón de mármol italiano trabajado de forma particular, se acerca para observarlo mejor pero tropezó y cayó de la escalera. Murió más tarde en el hospital por las consecuencias del golpe en la cabeza.
Obras[editar]
Residencias[editar]
Anexo a la casa de Benedetti-Bonaiuto, Roma, 1965-1972
Casa Balboni, Venecia, 1964-1974
Casa Bellotto
Casa Carlo Scarpa
Casa Curto
Casa y estudio Gallo
Casa y estudio Scatturin
Casa Giacomuzzi
Casa Golin
Casa Ottolenghi, Bardolino (Verona), 1974-1979
Casa Pelizzari
Casa para apartamentos
Casa Romanelli
Casa Simoncini
Casa Veritti, Udine, 1955-1961
Casa Zentner
Jardín de la casa Guarnieri
Villa Bortolotto
Villa El Palazzetto
Monumentos[editar]
Basamento de la escultura La Partigiana di Augusto Murer, Venecia, 1968
Basamento de la escultura La Partigiana di Leoncillo, Venecia, 1955
Tumba Brion, San Vito d'Altivole (Treviso), 1969-1978
Estela que conmemora el segundo aniversario de la masacre de la Piazza della Loggia de Brescia, 1974-1976, 1977
Tumba Capovilla, Venecia
Tumba Galli Genova, proyecto 1976-1978, realización póstuma (1981)
Tumba Rinaldo-Lazzari, Quero, 1960
Tumba Veritti, Udine
Tumba Zilio, Udine, 1960
Museos[editar]
Bienal XXV: Pabellón del libro, Venecia
Galería de arte moderno Il Cavallino Venecia
Galería de los Uffizi y Sala de dibujos y grabados de Florencia, 1953-1960
Galería de la Academia, Venecia
Jardín de las esculturas, Venecia
Gipsoteca Canoviana, Possagno (Treviso), 1955-1957
Museo Correr, Venecia, 1952-1953, 1957-1969
Museo de las armas en el Castillo de Brescia, 1971-1978, acabado póstumo.
Museo cívico de Castelvecchio, Verona, 1956-1964
Museo Revoltella en Trieste, 1963-1978, acabado póstumo.
Pabellón de Venezuela, Venecia, 1953-1956
Palacio Abatellis (Galería Regional de Sicilia), Palermo, 1953-1954
Edificios públicos[editar]
Aula Manlio Capitolo
Banca Católica del Veneto en Tarvisio
Banca Popular de Gemona del Friuli, Gemona (Udine), 1978 - 1984
Sede de la Banca Popular de Verona, Verona, 1973-1982 acabado póstumo.
Bienal XXVI: billetería y recinto, Venecia
Camping en Fusina, Fusina (Venecia), 1957-1959
Fundación Masieri, Venecia, 1968-1983
Fundación Querini Stampalia, Venecia, 1961-1963
Hotel Minerva, Florencia, 1958-1961
Entrada de la Facultad de Arquitectura IUAV - sede Tolentini (III proyecto), Venecia, 1966-1985
Palacio Chiaramonte-Steri, Sede del rectorado de la Universidad de Palermo, 1973-1978
Sala del Consejo, Parma, 1955-1956
Sede para la editorial La Nuova Italia
Universidad Ca' Foscari, restauración y aula Mario Baratto, Venecia, 1935-1937; 1955-1956
Universidad Ca' Foscari, sede de la Facultad de Letras y Filosofía (portal), Venecia, 1976-1978, realización póstuma.
Edificios religiosos[editar]
Iglesia de Nuestra Señora de Cadore, Borca di Cadore, 1956-1961
Iglesia de San Juan Bautista, Firenzuola, 1955-1966
Negocios[editar]
Cafè Lavena
Cantina del Instituto Enológico (zona de catas) San Michele in Adige, 1964 - 1966
Negocio a la piavola de franza (ropa), Venecia
Negocio Gavina, Bolonia, 1961-1963
Negocio Nobili, Guastalla, 1977
Negocio Olivetti, Venecia, 1957-1958
Negocio Salviati, Venecia, 1958 - 1960
Esculturas[editar]
Escultura Asta, Monselice (Padua), 1968
Escultura Crescita, Monselice (Padua), 1968
Escultura Diedro o Lente Contafili, Monselice (Padua), 1968
Escultura Erme, Monselice (Padua), 1968
Escultura la Meridiana, Monselice (Padua), 1968
En cuanto su Arquitectura basó su interés arquitectónico fue un tipo de Modernismo con algunas características en los detalles y en los valores del material, elaborados por sus artesanos sobre cerámica, mármol, su carpintería y metalurgia,

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Mimar Sinán (Turquía)

30. Mimar Sinán (Turquía)

Koca Mimar Sinan AGA ( Turco Otomano : معمار سينان; moderna turca : Mimar Sinan, pronunciado [sinan miːmaːɾ] , "Sinan del arquitecto") (. c 1489/1490 - 17 de julio 1588) fue el jefe Otomano arquitecto (Turco : mimar) e ingeniero civil por sultanes Solimán el Magnífico , Selim II y Murad III... Ver mas
Koca Mimar Sinan AGA ( Turco Otomano : معمار سينان; moderna turca : Mimar Sinan, pronunciado [sinan miːmaːɾ] , "Sinan del arquitecto") (. c 1489/1490 - 17 de julio 1588) fue el jefe Otomano arquitecto (Turco : mimar) e ingeniero civil por sultanes Solimán el Magnífico , Selim II y Murad III . Fue el responsable de la construcción de más de 300 grandes estructuras y otros proyectos más modestos, como los islámicos escuelas primarias (mektebs sibyan). Sus aprendices diseñaría más adelante la Mezquita del Sultán Ahmed , en Estambul , Stari Most de Mostar, y ayudar a diseñar el Taj Mahal en el Imperio Mughal .
El hijo de un cantero, recibió una educación técnica y se convirtió en un ingeniero militar. Se levantó rápidamente a través de las filas para convertirse en un oficial de primera y, finalmente, un jenízaro comandante, con el título honorífico de ağa . [1] Él refinó sus habilidades de arquitectura e ingeniería, mientras que en la campaña con los jenízaros, convirtiéndose en experto en la construcción de fortificaciones de todo tipo, así como los proyectos de infraestructuras militares, tales como carreteras, puentes y acueductos . [2] A la edad de cincuenta años, fue nombrado como jefe arquitecto real, aplicando los conocimientos técnicos que había adquirido en el ejército para la "creación de multa religiosa edificios "y las estructuras cívicas de todo tipo. [2] Él se mantuvo en el post desde hace casi cincuenta años.
Su obra maestra es la Mezquita de Selimiye en Edirne , aunque su obra más famosa es la Mezquita de Solimán en Estambul . Se dirigió un extenso departamento gubernamental y entrenó a muchos asistentes que, a su vez, se distinguieron, incluyendo Sedefkar Mehmed Agha , arquitecto de la Mezquita del Sultán Ahmed . Se le considera el más grande arquitecto del período clásico de la arquitectura otomana , y se ha comparado con Miguel Ángel , su contemporáneo en Occidente. [3] [4] Miguel Ángel y sus planes para San Basílica de Pedro en Roma eran bien conocidos en Estambul, desde Leonardo da Vinci y que había sido invitado, en 1502 y 1505, respectivamente, por la Sublime Puerta a presentar planes para un puente que atraviesa el Cuerno de Oro . [5
Primeros años y antecedentes [ editar ]
Según el biógrafo contemporáneo, Mustafa Sai Çelebi, Sinan nació en 1489 (c. 1490 de acuerdo con la Enciclopedia Británica, [6] 1491 de acuerdo con el Diccionario de la arquitectura islámica [7] y en algún momento entre 1494 y 1499, de acuerdo con el turco profesor y el arquitecto Reha Günay) [8] con el nombre de José. Nació ya sea un armenio , [9] [10] [11] [12] [13] [14] Capadocia griega , [15] [16] [17] [18] [19] Albania , [20] [21 ] [22] o un cristiano Turk [23] en un pequeño pueblo llamado Ağırnas cerca de la ciudad de Kayseri en Anatolia (como se indica en un orden por el sultán Selim II ). [24] Uno de los argumentos que da crédito a su fondo de Armenia es un decreto por Selim II de fecha Ramadán 7 981 (ca. 30 de diciembre 1573), que concede la petición de Sinan para perdonar y salvar a sus familiares desde el exilio en general de la comunidad armenia de Kayseri a la isla de Chipre ; [25] [26] mientras que Godfrey Goodwin dijo que "después de la conquista de Chipre en 1571, cuando Selim decidió repoblar la isla mediante la transferencia de las familias griegas de la beylik Karaman, Sinan intervino en nombre de su familia y obtuvo dos órdenes del sultán en consejo exonerarlos de deportación." [18] De acuerdo con Herbert J. Muller que "parece haber sido un -aunque armenio es casi un delito en Turquía hoy hablar de esta probabilidad". [27] Lucy Der Manuelian de la Universidad Tufts , sugiere que "él puede ser identificado como un armenio a través de un documento en los archivos imperiales y otras pruebas ". [28]
Los eruditos que apoyan la tesis de su griego Capadocia fondo han identificado a su padre como albañil y carpintero por el nombre de Christos ( griego "Χρήστος"), un nombre griego común. [29] [30] Es cierto que sus padres eran de la Ortodoxa Oriental de Cristo la fe, ya que los archivos otomanos de la época registran sólo información acerca de la religión de la población, como el concepto de etnicidad era irrelevante para el Otomano basado en la religión del sistema Millet . Es posible que sus padres cristianos ortodoxos (padre y madre) eran de diferentes orígenes étnicos, como las áreas cercanas a Ağırnas en el Sanjak de Kayseriyye (correspondiente a la actual provincia de Kayseri ) dentro del Karaman Eyalet del Imperio Otomano tuvo una gran comunidad de griegos y armenios durante el período otomano, y los matrimonios mixtos no eran infrecuentes.
Varios estudiosos han citado posible origen albanés de Sinan. [20] De acuerdo con el británico estudioso Percy Marrón y el indio estudioso Vidya Dhar Mahajan, el emperador mogol Babur estaba muy satisfecho de la arquitectura india local y la planificación, así que invitó a "algunos alumnos de la arquitecto otomano Sinan líder, el genio de Albania, para llevar a cabo sus proyectos arquitectónicos ". [22] [31]
Sinan (Joseph) creció ayudando a su padre en su trabajo, y por el tiempo que él fue reclutado habría tenido una buena base en los aspectos prácticos de las obras de construcción. [7] Hay tres registros breves en la biblioteca del Palacio de Topkapi , dictada por Sinan a su amigo Mustafa Çelebi Sai. (Texto anónimo; Architectural maestras; Libro de Arquitectura). En estos manuscritos, Sinan divulga algunos detalles de su juventud y de la carrera militar. Su padre es mencionado como "Abdülmennan". [8]
Carrera militar [ editar ]
En 1512, Sinan fue reclutado en el servicio otomano bajo el devshirme sistema. [2] [24] y fue enviado a Constantinopla para ser entrenado como oficial el jenízaro Cuerpo y convertido al Islam. [24] que era demasiado viejo para ser admitido en la imperial Escuela Enderun en el Palacio de Topkapi , pero fue enviado en cambio a una escuela auxiliar. [24] Algunos registros dicen que podría haber servido al gran visir Ibrahim Pasha Pargalı como novicio de la Escuela de Ibrahim Pasha. Posiblemente, se le dio el nombre islámico Sinan allí. Él inicialmente aprendió carpintería y las matemáticas, sino a través de sus cualidades intelectuales y ambiciones, pronto ayudó a los principales arquitectos y obtuvo su formación como arquitecto. [24]
Durante los próximos seis años, también entrenó para ser un oficial jenízaro (acemioğlan). Él posiblemente se unió a Selim I en su última campaña militar, Rodas , según algunas fuentes, pero cuando el sultán murió, terminó este proyecto. Dos años más tarde fue testigo de la conquista de Belgrado . Bajo el nuevo sultán, Solimán el Magnífico , que estaba presente, como miembro de la Caballería, en la batalla de Mohács . Fue ascendido a capitán de la Guardia Real y luego le dio el mando del Cuerpo de Cadetes de Infantería. Más tarde fue destinado en Austria, donde comandó la 62 ª Orta del Cuerpo de Fusileros. [24] Se convirtió en un maestro de tiro con arco, mientras que al mismo tiempo, como un arquitecto, el aprendizaje de los puntos débiles de las estructuras cuando haciendo fuego hacia abajo. En 1535 participó en la campaña de Bagdad como un oficial al mando de la Guardia Real. En 1537 se fue en expediciones a Corfú y Apulia y Moldavia . [32]
Durante estas campañas demostró ser un arquitecto capaz e ingeniero. Cuando el ejército otomano capturó Cairo , Sinan fue ascendido a arquitecto en jefe y se le dio el privilegio de derribar cualquier edificio en la ciudad capturada que no estaban de acuerdo con el plan de la ciudad. [ cita requerida ] Durante la campaña en el Este, él asistió a la construcción de defensas y puentes, como un puente sobre el Danubio . Convirtió iglesias en mezquitas. Durante el persa campaña en 1535 construyó naves para el ejército y la artillería para cruzar el lago Van . Para ello se le dio el título Haseki'i, Sargento de Armas en el cuerpo de guardia del sultán, un rango equivalente al de la Janissary Ağa.
Cuando Chelebi Lütfi Pasha se convirtió en Gran Visir en 1539, nombró a Sinan, que había servido previamente bajo su mando, a la oficina de Arquitecto de la Morada de la Felicidad. Este fue el comienzo de una carrera notable. El trabajo implicó la construcción de infraestructura de supervisión y el flujo de suministros dentro del imperio otomano. También fue responsable del diseño y construcción de obras públicas, como carreteras, obras hidráulicas y puentes. A través de los años transformó su oficina en la de arquitecto del Imperio, un departamento gubernamental elaborado, con mayores poderes que su ministro supervisor. Se convirtió en el jefe de todo un cuerpo de arquitectos, la formación de un equipo de asistentes, los diputados y los alumnos.
Trabaje [ editar ]
Su formación como ingeniero militar dio Sinan una aproximación empírica a la arquitectura y no un teórico. Pero lo mismo puede decirse de los grandes arquitectos renacentistas occidentales, como Brunelleschi y Miguel Ángel .
Varias fuentes afirman que Sinan fue el arquitecto de al menos 374 estructuras que incluyeron 92 mezquitas ; 52 pequeñas mezquitas ( Mescit ); 55 escuelas de teología ( madrasa ); 7 escuelas de Corán recitadores (darülkurra); 20 mausoleos ( turbe ); 17 cocinas públicas ( Imaret ); 3 hospitales ( darüşşifa ); 6 acueductos ; 10 puentes ; 20 caravanserais ; 36 palacios y mansiones ; 8 bóvedas ; y 48 baños . [33] Sinan ocupó el cargo de arquitecto jefe del palacio, lo que significaba ser el supervisor de todo el trabajo de construcción del Imperio Otomano, durante casi 50 años, trabajando con un gran equipo de ayudantes que consta de arquitectos y maestros de obras .
El desarrollo y etapas de maduración de la carrera de Sinan se pueden ilustrar con tres obras principales. Los primeros dos de ellos se encuentran en Estambul: la Mezquita Şehzade, que él llama un trabajo de su período de aprendizaje, y la Mezquita de Solimán, que es la obra de su etapa de calificación. La mezquita de Selimiye en Edirne es el producto de su etapa principal. Mezquita Şehzade es la primera de las grandes mezquitas creadas por Sinan. La Mezquita del Sultán Mihrimah, que también se conoce como la mezquita de Üsküdar Quay, fue completado en el mismo año y cuenta con un diseño original, con su principal cúpula sostenida por tres cúpulas de media. Cuando Sinan llegó a la edad de 70, él había terminado el complejo de la Mezquita de Solimán. Este edificio, situado en una de las colinas de Estambul que se enfrenta el Cuerno de Oro, y construida en el nombre de Solimán el Magnífico, es uno de los monumentos simbólicos de la época. El diámetro de la cúpula, que es superior a los 31 m (102 pies) de la mezquita Selimiye que Sinan terminó cuando tenía 80 años, es el ejemplo más notable del nivel de logro alcanzado por Sinan. Mimar Sinan alcanzó su cima artística con el diseño, la arquitectura, decoración de azulejos y piedra de la tierra de mano de obra que se muestra en Selimiye.
Otra área de la arquitectura donde Sinan produjo diseños únicos son sus mausoleos. El Mausoleo de Şehzade Mehmed es notable por con sus decoraciones exteriores y la cúpula en rodajas. [ aclaración necesaria ] El mausoleo Rustem Pasa es una estructura muy atractiva en estilo clásico. El mausoleo de Solimán el Magnífico es un experimento interesante, con un cuerpo octogonal y cúpula plana. El Selim II Mausoleo con es de planta cuadrada y es uno de los mejores ejemplos de la arquitectura turca mausoleo. Propio mausoleo de Sinan, que se encuentra en la parte noreste del complejo de Süleymaniye, por otro lado, es una estructura muy simple.
Sinan magistralmente combina el arte con el funcionalismo en los puentes que construyó. El mayor de ellos es los cerca de 635 m (2.083 pies) de largo puente Büyükçekmece. Otros ejemplos importantes son el Puente Ailivri, el Puente Viejo en Svilengrad en el Maritsa, el Lüleburgaz (Sokullu Mehmet Pasha) puente sobre el río Lüleburgaz, el puente sobre el río Sinanlı Ergene y el Puente de Drina. [34]
Mientras que Sinan fue mantener y mejorar el sistema de abastecimiento de agua de Estambul, construyó acueductos arqueadas en varios lugares dentro de la ciudad. El Arco Maglova sobre el río Alibey, que es de 257 m (843 pies) de largo y 35 m (115 pies) de 35 metros de altura, tiene dos niveles de arcos, y es uno de los mejores ejemplos de su tipo.
Al inicio de la carrera de Sinan, la arquitectura otomana era muy pragmática. Los edificios eran repeticiones de antiguos tipos y se basan en los planes rudimentarios. Eran más un conjunto de piezas que una concepción de conjunto. Un arquitecto podría esbozar un plan para un nuevo edificio y un asistente o capataz sabía qué hacer, porque se evitaron nuevas ideas. Por otra parte, los arquitectos utilizan un margen extravagante de seguridad en sus diseños, resultando en un desperdicio de material y mano de obra. Sinan cambiaría gradualmente todo esto. Él era transformar establecido prácticas arquitectónicas, ampliando y transformando las tradiciones añadiendo innovaciones, tratando de acercarse a la perfección.
Los primeros años (hasta mediados de los 1550s): período de aprendizaje [ editar ]

Mezquita Shah Osman en Trikala
Durante estos años, continuó el patrón tradicional de la arquitectura otomana, pero poco a poco comenzó a explorar otras posibilidades, ya que durante su carrera militar que había tenido la oportunidad de estudiar los monumentos arquitectónicos de las ciudades conquistadas de Europa y el Medio Oriente.
Su primera oportunidad de diseñar un edificio principal fue la mezquita Hüsrev Pasha y su doble medresse en Aleppo , Siria. Fue construido en el invierno de 1536-1537 por su comandante en jefe y el gobernador de Alepo entre dos campañas militares. Fue construido a toda prisa y esto es evidente en la tosquedad de la ejecución y la decoración crudo.

La mezquita Sehzade Mehmet
Su primer encargo importante como el arquitecto real fue la construcción de un complejo Haseki Hürrem modesto para Roxelana (Hürem Sultan), la esposa del sultán, Solimán el Magnífico . Tenía que seguir los planes elaborados por sus predecesores. Sinan conservó la disposición tradicional del espacio disponible sin ninguna innovación. Sin embargo ya estaba mejor construido de la mezquita de Alepo y se nota una cierta elegancia. Sin embargo, ha sufrido numerosas restauraciones. Sinan se le atribuye haber construido una torre defensiva en Valona , al sur de Albania , en 1537, muy similar a la Torre Blanca de Tesalónica , [35] así como Mezquita Muradie , durante Suleiman el Magnífico estancia 's en la ciudad para la preparación de su expedición hacia Italia . [36] [37]
En 1541, comenzó la construcción del mausoleo (türbe) del Gran Almirante Hayreddin Barbarossa . Se encuentra en la orilla del Beşiktaş en la parte europea de Estambul, en el lugar donde su flota utiliza para montar. Por extraño que parezca, el almirante no está enterrado allí, pero en su türbe junto a la mezquita de Iskele. Este mausoleo se ha visto gravemente descuidado desde entonces.
Mihrimah Sultana , la única hija de Solimán y la esposa del gran visir Rüstem Pasha dio Sinan la comisión para construir una mezquita con madrasa (escuela), un imaret (comedor) y un sibyan Mekteb (escuela Corán) en Üsküdar . El imaret ya no existe. Esta mezquita Iskele (o embarcadero mezquita) ya muestra varias características de estilo maduro de Sinan: un espacioso sótano, alto abovedado, esbeltos minaretes, de una sola cúpula baldaquino , flanqueado por tres semi-bóvedas que terminan en tres exedras y un amplio doble pórtico . La construcción fue terminada en 1548 La construcción de un doble pórtico no era la primera vez en la arquitectura otomana, pero marcó una tendencia para las mezquitas y las mezquitas de visires, en particular en los países. Rüstem Pasha y Mihrimah ellos requieren más adelante en sus tres mezquitas en Constantinopla y en la Mezquita Pasha Rüstem en Tekirdağ . El pórtico interior tradicionalmente tienen estalactitas capitales, mientras que el pórtico exterior tiene capiteles con chevron patrones (baklava).
Cuando el sultán Solimán el Magnífico volvió de otra campaña de los Balcanes, que recibió la noticia de que su heredero al trono Sehzade Mehmet había muerto a la edad de veintidós años. En noviembre de 1543, no mucho después de Sinan había iniciado la construcción de la mezquita de Iskele, el sultán ordenó Sinan para construir una nueva mezquita mayor con un complejo contiguo en memoria de su hijo predilecto. Esta mezquita Şehzade se convertiría más grande y más ambicioso que sus anteriores. Historiadores de la arquitectura consideran esta mezquita como primera obra maestra de Sinan. Obsesionado por la idea de una gran cúpula central, Sinan volvió a los planes de las mezquitas, como la Mezquita Pasha Fatih en Diyarbakir o la Mezquita Pasha Piri en Hasköy . Debe de haber visitado ambas mezquitas durante su campaña persa. Sinan construyó una mezquita con una cúpula central, esta vez con cuatro medias cúpulas iguales. Esta superestructura se apoya en cuatro pilares estriados octogonales masivas, pero aún así elegante, independiente y cuatro muelles incorporados en cada pared lateral. En las esquinas, sobre el nivel del techo, cuatro torres sirven como anclas de estabilización. Este concepto coherente ya es marcadamente diferente de los planes de aditivos de la arquitectura tradicional otomano. Sedefkar Mehmed Agha más tarde copiar el concepto de pilares estriados en su Mezquita del Sultán Ahmed , en un intento de aligerar su aspecto. Sinan, sin embargo, rechazó esta solución en sus siguientes mezquitas.
Mid-1550s a 1570: etapa de calificación [ editar ]
En 1550, Solimán el Magnífico estaba en el apogeo de sus poderes. Después de haber construido una mezquita para su hijo, sintió que era hora de construir su propia mezquita imperial , un monumento que aguanta más grande que todos los demás, a ser construido en una ladera de suave pendiente que domina el Cuerno de Oro . El dinero no era problema, ya que él había acumulado un tesoro del botín de sus campañas en Europa y el Medio Oriente. Él dio la orden de Sinan para construir una mezquita, la de Solimán , rodeado por un külliye que consta de cuatro colegios, un comedor, un hospital, un asilo, un hamam , un caravasar y un hospicio para viajeros (tabhane). Sinan, ahora al frente de un departamento formidable con un gran número de asistentes, finalizó esta tarea formidable en siete años. Antes de Solimán, no hay mezquitas habían sido construidas con techos de media cúbicos. Él tuvo la idea de medio techo diseño cúbico de la iglesia de Santa Sofía . A través de este monumental [ según quién? ] logro, Sinan emergió del anonimato de sus predecesores. Sinan debe haber conocido las ideas del arquitecto renacentista Leone Battista Alberti (quien a su vez había estudiado De Architectura del arquitecto e ingeniero romano Vitruvio ), ya que él también estaba preocupado en la construcción de la iglesia ideal, lo que refleja la armonía a través de la perfección de la geometría en la arquitectura . Pero, al contrario de sus homólogos occidentales, Sinan estaba más interesado en la simplificación que en el enriquecimiento. Trató de alcanzar el máximo volumen bajo una sola cúpula central. La cúpula se basa en el círculo, la figura geométrica perfecta que representa, de manera abstracta, un Dios perfecto. Sinan utiliza relaciones geométricas sutiles, utilizando múltiplos de dos en el cálculo de las proporciones y las proporciones de sus edificios. Sin embargo, en una fase posterior, también utilizó las divisiones de tres o proporciones entre dos y tres cuando se trabaja con el ancho y las proporciones de las cúpulas, como la Mezquita Pasha Sokollu Mehmet en Kadirga.
Mientras que él estaba totalmente ocupado con la construcción de la Solimán, Sinan o sus subordinados elaboraron los planes y dieron instrucciones para muchas otras construcciones. Sinan construyó una mezquita para el Gran Visir Ibrahim Pasha Pargalı y un mausoleo (türbe) en Silivrikapı (Constantinopla) en 1551.

Mezquita Han, Eupatoria , Crimea
El próximo Gran Visir, Rüstem Pasha dio Sinan varios más comisiones. En 1550 se construyó una gran posada (han) en el distrito de Galata de Estambul. Unos diez años más tarde se construyó otra de han en Edirne , y entre 1544 y 1561 los Han Tas en Erzurum . Diseñó un caravasar en Eregli [ desambiguación necesaria ] y una octogonal madraza en Constantinopla.
Entre 1553 y 1555, Sinan construyó la mezquita de Sinan Pasha en Beşiktaş , una versión más pequeña de la Mezquita Üç Serefeli en Edirne , para el Gran Almirante Sinan Pasha . Esto demuestra una vez más que Sinan había estudiado a fondo la obra de otros arquitectos, sobre todo porque él era responsable de la conservación de estos edificios. Copió la forma antigua, reflexionó sobre las debilidades en la construcción y trató de resolver esto con su propia solución. En 1554, Sinan utiliza la forma de la mezquita de Sinan Pasha de nuevo para la construcción de la mezquita para el próximo Gran Visir Kara Ahmet Pasha en Constantinopla, su primera mezquita hexagonal. Mediante el uso de un plan hexagonal, Sinan podría reducir las cúpulas laterales a media cúpulas y ponerlos en las esquinas en un ángulo de 45 grados. Claramente, Sinan debe haber apreciado esta forma, [ cita requerida ] ya que él lo repitió más tarde en mezquitas como el Pasha Sokollu Mehmed Mezquita en KADIRGA y la Mezquita Atik Valide en Üsküdar .
En 1556, Sinan construyó el Haseki Hürrem Hamam, en sustitución de los antiguos Baños de Zeuxipo , que todavía están de pie cerca de la iglesia de Santa Sofía . Este se convertiría en uno de los más bellos hamams alguna vez construido.
En 1559, construyó la madraza Cafer Ağa debajo de la explanada de la iglesia de Santa Sofía. En el mismo año comenzó la construcción de una pequeña mezquita para Iskender Pasha en Kanlıka , junto al Bósforo. Este fue uno de los muchos encargos menores y rutinarias de la oficina de Sinan recibió en los últimos años.

Posiblemente Mimar Sinan (izquierda) junto a la tumba de Solimán el Magnífico , 1566
En 1561, cuando Rüstem Pasha murió, Sinan comenzó la construcción de la Mezquita del bajá de Rustem , como un monumento supervisado por su viuda Mihrimah Sultana . Está situado justo debajo de la de Solimán . Esta vez la forma central es octogonal, el modelo de la iglesia del monasterio de los Santos Sergio y Baco , con cuatro pequeñas semicúpulas establecidos en las esquinas. En el mismo año, Sinan construyó una türbe para Rüstem Pasha en el jardín de la mezquita Şehzade , decorado con los más finos azulejos de Iznik podría producir. Mihrimah Sultana, tras duplicar su riqueza tras la muerte de su marido, ahora quería una mezquita de la suya. Sinan construyó el Camii Mihrimah en Edirnekapı (Edirne Gate) para ella en la más alta de las siete colinas de Constantinopla. Levantó la mezquita en una plataforma abovedado, acentuando su sitio colina. Hay una cierta especulación en relación con las fechas; hasta hace poco se suponía que entre 1540 y 1540, pero ahora se acepta generalmente que entre 1562 y 1565, Sinan, preocupado por la grandeza, construyó una mezquita en uno de sus diseños más imaginativos, utilizando nuevos sistemas de apoyo y espacios laterales a aumentar el área disponible para Windows. Él construyó una cúpula central de 37 m (121 pies) de alto y 20 m (66 pies) de ancho, con el apoyo de pechinas , sobre una base cuadrada con dos galerías laterales, cada uno con tres cúpulas. En cada esquina de esta plaza se encuentra un muelle gigantesco, conectado con inmensos arcos cada uno con 15 grandes ventanas y cuatro circulares, que inundan de luz el interior. El estilo de este edificio revolucionario era tan cerca del gótico estilo como otomanos estructura permite.
Entre 1560 y 1566 Sinan construyó una mezquita en Constantinopla por Zal Mahmud Pasha en una colina más allá Ayvansaray. Sinan duda concibió los planes y en parte supervisó la construcción, pero dejó el edificio de áreas menores a menos de manos competentes, ya que Sinan y sus ayudantes más capaces estaban a punto de comenzar su obra maestra, la mezquita de Selimiye en Edirne. En el exterior, la mezquita se eleva, con su pared este atravesado por cuatro hileras de ventanas. Esto le da a la mezquita un aspecto de un palacio o incluso un bloque de apartamentos. En el interior, hay tres grandes galerías que hacen la mirada interior compacto. La pesadez de esta estructura hace que el domo inesperadamente elevado. Estas galerías se ven como un preliminar try-out para las galerías de la mezquita de Selimiye.
El período de 1570 a su muerte: el escenario principal [ editar ]

Mezquita de Selimiye , construida por Sinan en 1575. Edirne , Turquía.
En esta última etapa de su vida, Sinan trató de crear interiores unificadas y sublimemente elegantes. Para lograr esto, eliminó todos los espacios subsidiarios innecesarias más allá de los pilares de soporte de la cúpula central. Esto se puede ver en el Sokollu Mehmet Pasa mezquita en Estambul (1571-1572) y en la mezquita Selimiye en Edirne. En otros edificios de su período final, Sinan experimentó con tratamientos espaciales y murales que eran nuevos en la arquitectura otomana clásica.
De acuerdo con él de su autobiografía "Tezkiretü'l Bünyan", su obra maestra es la mezquita de Selimiye en Edirne . Liberarse de las desventajas de la arquitectura tradicional otomano, esta mezquita es la culminación de la obra de Sinan y de toda la arquitectura otomana clásica. Mientras se estaba construyendo, el dicho del arquitecto de "Usted nunca podrá construir una cúpula más grande que la cúpula de la iglesia de Santa Sofía y especialmente como musulmanes ", fue su principal motivación. Cuando fue terminado, Sinan Alegó que tuvo la cúpula más grande del mundo, dejando detrás de Santa Sofía. De hecho, la altura de la cúpula desde el nivel del suelo fue menor y el diámetro de apenas más grande (0,5 metros, aproximadamente 2 pies) que el milenio-más viejo de Santa Sofía. Sin embargo, medida desde su base de la cúpula de Selimiye es mayor. Sinan era más de 80 años de edad cuando el edificio estaba terminado. En esta mezquita que finalmente se dio cuenta de su objetivo de crear la óptima completamente unificado, interior, en forma de cúpula: un triunfo del espacio que domina el interior. Él utilizó esta vez una cúpula octogonal central (31.28 m de ancho y 42 m de altura), sostenido por ocho pilares de elefante de mármol y granito. Estos soportes carecen de cualquier capitales pero tienen trompas o consolas en su cumbre, lo que el efecto óptico de que los arcos parecen crecer de manera integral de los muelles. Mediante la colocación de las galerías laterales lejanos, puso en el efecto tridimensional. Las muchas ventanas en los muros pantalla inundan el interior de luz. Los contrafuertes semi-bóvedas se encuentran en las cuatro esquinas de la plaza bajo la cúpula. El peso y las tensiones internas se ocultan, la producción de un espacioso y elegante efecto rara vez se ve bajo una cúpula central. Los cuatro minaretes (83 m de altura) en las esquinas de la sala de oración son los más altos en el mundo musulmán, lo que acentúa la postura vertical de esta mezquita que ya domina la ciudad.

Mehmed Pasa Sokolović Puente inscrito en la UNESCO, construido por Sinan en 1577. Višegrad , Bosnia .
También diseñó la taqiyya al-Sulaimaniyya khan y mezquita en Damasco , todavía considerado como uno de los monumentos más notables de la ciudad, así como la mezquita Banya Bashi en Sofía , Bulgaria , en la actualidad la única mezquita que funciona en la ciudad. También ha construido Mehmed Pasa Sokolović Bridge en Višegrad través del río Drina en el este de Bosnia y Herzegovina que ahora es Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO .
Conclusión [ editar ]

Conceptos arquitectónicos de Mimar Sinan fueron incorporados en el diseño del famoso Taj Mahal ., [38] [39] en el Imperio Mughal por Shah Jahan .
Al inicio de su carrera como arquitecto, Sinan tuvo que lidiar con uno ya establecido, la arquitectura abovedada tradicional. Su formación como ingeniero militar le llevó a la arquitectura desde un punto de vista empírico, más que de una teórica. Comenzó a experimentar con el diseño y la ingeniería de las estructuras de una sola cúpula y múltiples cúpula. Trató de obtener una nueva pureza geométrica, una racionalidad y una integridad espacial en sus estructuras y diseños de las mezquitas. A través de todo esto, demostró su creatividad y su deseo de crear un espacio de clara y unificada. Él comenzó a desarrollar una serie de variaciones en las cúpulas, los rodea de diferentes maneras con semi-bóvedas, pilares, muros de pantalla y diferentes conjuntos de galerías. Sus cúpulas y arcos son curvos, pero evitan elementos curvilíneos en el resto de su diseño, transformando el círculo de la cúpula en un sistema rectangular, hexagonal u octogonal. Trató de obtener una armonía racional entre la composición piramidal exterior de semi-bóvedas, culminando en una sola cúpula sin tambor, y el espacio interior donde esta cúpula central integra verticalmente el espacio en un todo unificado. Su genio radica en la organización de este espacio y en la resolución de las tensiones creadas por el diseño. Fue un innovador en el uso de la decoración y motivos, su fusión en las formas arquitectónicas en su conjunto. Él acentuó el centro debajo de la cúpula central inundándolo con la luz de las numerosas ventanas. Incorporó sus mezquitas de una manera eficiente en un complejo (külliye), sirviendo a las necesidades de la comunidad como un centro intelectual, un centro comunitario y servicio de las necesidades sociales y los problemas de salud de los fieles.
Cuando murió Sinan, la arquitectura otomana clásica había llegado a su clímax. No sucesor estaba dotado suficiente para mejorar el diseño de la mezquita Selimiye y desarrollarla aún más. Sus estudiantes se retiraron a los modelos anteriores, como la mezquita Şehzade. [ cita requerida ] Invención se desvaneció, y una disminución establecen en.
Construcciones [ editar ]
Durante su gestión durante 50 años del puesto de arquitecto imperial, Sinan se dice que ha construido o supervisado 476 edificios (196 de los cuales aún sobreviven), según la lista oficial de sus obras, la Tazkirat-al-Abniya. Él podría no haber todos ellos diseñados, pero confiado en las habilidades de su oficio. Él tomó el crédito y la responsabilidad de su trabajo.Porque, como un jenízaro , y por lo tanto un esclavo del sultán, su principal responsabilidad era el sultán. En su tiempo libre, él también diseñó los edificios de los principales funcionarios. Él delegó a sus asistentes la construcción de edificios de menor importancia en las provincias.
94 grandes mezquitas ( Camii ),
57 colegios,
52 mezquitas más pequeñas ( Mescit ),
48 casas de baño ( hamam ).
35 palacios ( saray ),
22 mausoleos ( turbe ),
20 caravasar ( Kervansaray ; de han ),
17 cocinas públicas ( Imaret ),
8 puentes,
8 casas de tiendas o graneros
7 escuelas coránicas ( medrese ),
6 acueductos,
3 hospitales ( darüşşifa )
Algunas de sus obras:
Sokullu Azapkapi Mezquita en Estambul
Caferağa medresseh
Mezquita de Selimiye en Edirne
Solimán Complex
Complejo Kılıç Ali Pasha
Mezquita de Molla Çelebi
Haseki Baños
Çemberlitaş Baños
Mezquita Piyale Pasha
Mezquita Şehzade
Mezquita del Sultán Mihrimah en Edirnekapı
Puente Mehmed Pasa Sokolović en Višegrad
Mezquita Banya Bashi en Sofía, Bulgaria
Mezquita nisanci Mehmed Pasha
Rustem Pasha Mosque
Mezquita Zal Mahmud Pasha
Mezquita Kadirga Sokullu
Mezquita Koursoum o Mezquita Osman Shah en Trikala
Al-Takiya Al-Suleimaniya en Damasco
Yavuz Sultan Selim Madras
Puente Mimar Sinan en Büyükçekmece
Iglesia de la Asunción en Uzundzhovo
Mezquita Tekkiye
Mezquita Khusruwiyah
Oratorio en el Muro de los Lamentos
Muerte [ editar ]

Mimar Sinan y su obra maestra mezquita Selimiye en el reverso del billete de banco 10.000 Turkish Lira de 1982-1995
Murió en 1588 y está enterrado en una tumba en Estambul , un türbe de su propio diseño, en el cementerio a las afueras de los muros de la Mezquita de Solimán , al norte, a través de una calle con su nombre Mimar Sinan Caddesi en su honor. Fue enterrado cerca de las tumbas de sus mayores clientes: Sultán Solimán I y Sultana Haseki Hürrem , la esposa de Solimán.
Su nombre también se da a:
un cráter en el planeta Mercurio .
Una universidad del estado turco, la Universidad Mimar Sinan de Bellas Artes en Estambul.
Retrato de Sinan fue representado en el reverso de los turcos 10.000 liras billetes de 1982-1995. [ 40 ]

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Jean Nouvel (Francia)

31. Jean Nouvel (Francia)

Biografía[editar] Durante la carrera trabajó en un despacho de arquitectos. Cuando terminó sus estudios creó su despacho de arquitectos junto con dos socios y participó en varios concursos para la realización de proyectos. Hasta 1994, año en que fundó su estudio de arquitectura propio, estuvo... Ver mas
Biografía[editar]
Durante la carrera trabajó en un despacho de arquitectos. Cuando terminó sus estudios creó su despacho de arquitectos junto con dos socios y participó en varios concursos para la realización de proyectos. Hasta 1994, año en que fundó su estudio de arquitectura propio, estuvo asociado en otras dos ocasiones, cada una de la cual duró cinco años.
Desde que inició su labor como arquitecto, Nouvel ha trabajado intensamente para crear su propio lenguaje arquitectónico, lejos de los estilos del modernismo y post-modernismo. Rechaza las directrices establecidas por Le Corbusier, que han influido a tantos arquitectos, y se plantea cada nuevo proyecto sin ninguna idea preconcebida. De esta manera, sus edificios difieren notablemente el uno del otro, si bien existe un común denominador entre todos ellos, que es la transparencia, así como la luz y las sombras. También le da gran importancia a que sus edificios se integren de forma armoniosa en el entorno.
Nouvel participó activamente en las revueltas estudiantiles de 1968 y sigue siendo una persona inconformista y contestataria, aunque mucho más reposada por la edad y por la responsabilidad de su trabajo.
En 1976 Nouvel fue miembro fundador de "Mars 1976" junto con otros jóvenes arquitectos franceses. También participó en la fundación del Sindicato de Arquitectura.

Ampliación del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid).
Nouvel ha ganado numerosos premios de arquitectura y diseño, y ha recibido varias distinciones por su trabajo. En 1980 se le concede la Medalla de Plata de la Académie d´Architecture. En 1983 fue nombrado doctor honoris causa por la Universidad de Buenos Aires. En 1987 recibió el "Grand Prix d'Architecture" por el conjunto de su obra y la "Equerre d'Argent" por sus diseños minimalistas de muebles. Su obra ha sido expuesta en diferentes museo internacionales como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Museo de Arte Moderno Exposeum o el Centro de Arte y de Cultura Pompidou de París. En el año 2005 recibió el Premio de la Fundación Wolf de las Artes de Jerusalén.
Una de sus obras arquitectónicas más conocidas es el Instituto del Mundo Árabe, en París. El edificio alberga una importante colección de objetos y escritos del mundo árabe. Las fachadas diseñadas por Nouvel constan de elementos cuadrados, construidos en metal y vidrio. En el centro de cada cuadrado se encuentra un diafragma que se abre y cierra automáticamente según la intensidad de la luz natural del exterior. Con ello Nouvel consigue mantener la iluminación interior en un nivel prácticamente constante. Al mismo tiempo se proyectan hacia el interior las formas de estos diafragmas, que recuerdan ornamentos árabes, y que confieren a los espacios interiores un ambiente de gran originalidad.

Hotel Puerta América (Madrid).
En el año 2008 obtuvo el Premio Pritzker, considerado como el Nobel de la arquitectura.1
Obras representativas[editar]

Gasómetro, Viena.

Edificio Dentsu (Tokio).
Ángel (Praga)
Sala de Conciertos de Lucerna (Lucerna, Suiza)
Hotel De Luxe Boutique (Lucerna, Suiza)
Galeries Lafayette (Berlín)
KölnTurm, en colaboración con Kohl & Kohl (Colonia, Alemania)
Centro de Congresos (Tours)
Viviendas Nemausus (Nimes, Francia)
Escuela Jean Eyraud (Perigeux, Francia)
Centro Médico Val Nôtre Dame (Bezons, Francia)
Porto Senso, Altea (Complejo Residencial, con SPA y Puerto Deportivo)
1987: Instituto del Mundo Árabe (París)
1993: Ópera de Lyon (Francia)
1994: Fundación Cartier de Arte Contemporáneo (París)
2001: Gasómetro (Viena)
2002: Monolito de la Exposición 2002 (Murten, Suiza)
2002: Edificio Dentsu, Tokio
2005: Torre Agbar (Barcelona)
2005: Ampliación del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, (Madrid)
2005: Hotel Puerta América, Madrid
2006: Teatro Guthrie (Guthrie Theater), Minneapolis, Estados Unidos. Encargado en 2001, el edificio recuerda los silos para granos. Wikipedia inglesa
2006: Museo del muelle Branly, París.
2007: Sede social de la Sociedad Richemont, en Ginebra, Suiza
2008: Parque del Centro del Poblenou, Barcelona
2008: Hotel Catalonia Fira, en Plaza Europa, Hospitalet de Llobregat (Barcelona)
2009: Koncerthuset, Copenhague, Dinamarca
2010: Serpentine Gallery, Londres
Premios y Galardones[editar]
Nouvel y las estructuras diseñadas por él, han recibido un gran número de distinciones, las más prestigiosas están enumeradas a continuación.
Galardones Individuales[editar]
Grado honorario de la Universidad de Buenos Aires (1983), el Colegio Real de Arte, Londres (2002) y la Universidad de Napoles (2002).
1989 - Premio Aga Khan de Arquitectura por el Instituto del Mundo Árabe.
Mención honoraria del Instituto Americano de Arquitectos (1993) y del Instituto Real de Arquitectos Británicos (1995).
En 1997, Nouvel fue nombrado Comandante de la orden de artes y letras. El es también Chevalier de la légion d'honneur.
2005 - Premio Wolf
2008 - Premio Pritzker

Ha recibido 42 puntos

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Aldo Rossi (Italia)

32. Aldo Rossi (Italia)

Aldo Rossi (3 de mayo de 1931 - 4 de septiembre de 1997), arquitecto italiano, nacido en Milán. Su padre poseía una pequeña fábrica de bicicletas, cuya marca era "Rossi". Fue a dos colegios diferentes durante la Segunda Guerra Mundial y a continuación estudió arquitectura en el Politecnico di... Ver mas
Aldo Rossi (3 de mayo de 1931 - 4 de septiembre de 1997), arquitecto italiano, nacido en Milán. Su padre poseía una pequeña fábrica de bicicletas, cuya marca era "Rossi". Fue a dos colegios diferentes durante la Segunda Guerra Mundial y a continuación estudió arquitectura en el Politecnico di Milano, donde se graduó en 1959.

Bonnefanten Museum en Maastricht
En 1963 inició su actividad docente, primero como asistente de Ludovico Quaroni (1963) en la Escuela de Urbanismo de Arezzo, posteriormente de Carlo Aymonino en el Istituto Universitario di Architettura di Venezia.
Rossi trabajó durante tres años para una revista de arquitectura, y en 1966 publicó su primer libro, La Arquitectura de la ciudad, en el que establecía sus teorías sobre el diseño urbanístico de las ciudades. Rossi se había interesado originalmente por el cine, pero se dedicó finalmente a la arquitectura. No obstante, en todos sus diseños están presentes de alguna forma los rasgos de los decorados teatrales. Realizó proyectos destinados al teatro y a la ópera. Para la Bienal de Venecia de 1979 diseñó un teatro flotante, el Teatro del Mondo. con capacidad para 250 espectadores sentados alrededor del escenario. Más recientemente diseñó también el edificio de la Ópera Nacional de Génova. Su primera obra en América fue asimismo un teatro, el Lighthouse Theatre, situado junto al lago Ontario en Toronto, Canadá.
En 1971 Rossi sufrió un accidente de automóvil, cuyas consecuencias le obligaron a permanecer en el hospital durante algún tiempo. En esa época, según él mismo manifestó, cambió su vida, ya que comenzó a pensar en la muerte. Surgió en su mente la idea de que las ciudades son lugares para los vivos y los cementerios lugares para los muertos, que también requieren una planificación y diseño. Así fue como ganó el concurso para el cementerio de San Cataldo en Módena.
De la misma época es su primer complejo de viviendas, diseñado para un barrio de la periferia de Milán, y denominado Gallaratese. Se trata de dos edificio iguales, separados por un espacio estrecho. Para Rossi la originalidad de este proyecto consistía sobre todo en que los dos edificios podían repetirse varias veces, sin que por ello el conjunto perdiese atractivo. A partir de entonces hizo numerosos proyectos residenciales, tanto viviendas y hoteles, como casas individuales.
A lo largo de su carrera, Rossi realizó también numerosos e importantes proyectos en los Estados Unidos. Uno de los primeros fue la casa unifamiliar en Mount Pocono, Pennsylvania. En Galveston, Texas diseñó un arco monumental para la ciudad, y en Coral Gables, Florida, recibió el encargo de proyectar la nueva Escuela de Arquitectura.
En 1990 Rossi recibió el prestigioso premio Pritzker de arquitectura, el equivalente a los Premios Nobel. Sus méritos no se limitaron al campo de la arquitectura, sino que fue también diseñador, teórico, profesor y autor. Uno de los miembros del jurado del premio Pritzker expresó su concepto de Rossi diciendo que era un poeta convertido en arquitecto.
Rossi fue profesor de arquitectura en la Escuela Politécnica de Milán, en el Instituto Universitario de Arquitectura de Venecia, en la Escuela Técnica Superior de Zúrich y en la escuela Cooper Unión de Nueva York.
Rossi fue uno de los grandes renovadores ideológicos y plásticos de la arquitectura contemporánea; con su poesía metafísica y el culto que profesó a la vez a la geometría y a la memoria, este milanés cambió el curso de la arquitectura y del urbanismo del último tercio del siglo XX.
Obras representativas[editar]

Edificio de viviendas (Berlín).

Museo del Mar de Galicia (Vigo).
Complejo Monte Amiata en el barrio Gallaratese en Milán (junto con Carlo Aymonino).
Escuela de enseñanza elemental Fagnano Olona
Teatro flotante Teatro del Mondo (Venecia)
Edificio de Viviendas en Friedrichstadt (Berlín)
Edificio Quartier Schützenstrasse (Berlín)
Cementerio de San Cataldo (Módena, Italia)
Centro Comercial Torri Commerciale (Parma, Italia)
Centro Direccional (Perugia, Italia)
Teatro Lighthouse (Toronto, Canadá)
Casa Pocono Pines (Mount Pocono, Pennsylvania)
Hotel Il Palazzo (Fukuoka, Japón)
Ópera Nacional (Génova, Italia)
Arco Monumental (Galveston, Texas)
Escuela de Arquitectura (Coral Gables, Florida)
Viviendas Villette (París)
Centro Comercial (Olbia, Italia)
Proyecto para el Rascacielos Peugeot (Buenos Aires, Argentina)
Teatro Paganini y la ordenación de la Piazza della Pilotta (Italia)
Teatro Carlo Felice (Génova)
Museo del Mar de Galicia (junto con César Portela; Vigo, España)
monumento en cuneo

Ha recibido 40 puntos

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Honoré Daumet (Francia)

33. Honoré Daumet (Francia)

Pierre Jérôme Honoré Daumet (23 de octubre de 1826, París - 12 diciembre de 1911, París) fue un arquitecto francés. Daumet fue el ganador del Premio de Roma en 1855, y en 1861 llevó a cabo una expedición de búsqueda del tesoro de Macedonia, a petición de Napoleón III , que acompaña a la... Ver mas
Pierre Jérôme Honoré Daumet (23 de octubre de 1826, París - 12 diciembre de 1911, París) fue un arquitecto francés.
Daumet fue el ganador del Premio de Roma en 1855, y en 1861 llevó a cabo una expedición de búsqueda del tesoro de Macedonia, a petición de Napoleón III , que acompaña a la arqueóloga Léon Heuzey . A su regreso se casó con la hija del arquitecto Charles-Auguste Questel .
Daumet fundó su propio taller que produciría otros nueve ganadores del Gran Prix, Charles-Louis Girault el principal de ellos, y atrajo a un número de estudiantes extranjeros como Charles McKim y Austin W. Lord .
En 1908 Daumet ganó el Real Medalla de Oro del Instituto Real de Arquitectos Británicos .
Mayor trabajo incluye:
Extensión y frente occidental del Palacio de Justicia de París, 1857-1868, con Louis Duc
Reconstrucción del castillo de Chantilly , 1875-1882
Basílica del Sacré-Coeur, París , 1884-1886 (Daumet fue el primero de los cinco arquitectos sucesivos que completaron el edificio después de la muerte de Paul Abadie )
Grenoble, Palacio de Justicia, Palacio de las Facultades

Ha recibido 40 puntos

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Giancarlo de Carlo (Italia)

34. Giancarlo de Carlo (Italia)

Giancarlo De Carlo (Génova, 12 de diciembre de 1919 - Milán, 4 de junio de 2005) fue un arquitecto italiano. Biografía[editar] Nació en Génova, Liguria en 1919, aunque la mayor parte de su infanció la pasó en Túnez. Entre 1942 y 1949 cursó los estudios de arquitectura. Fue miembro del Team 10... Ver mas
Giancarlo De Carlo (Génova, 12 de diciembre de 1919 - Milán, 4 de junio de 2005) fue un arquitecto italiano.
Biografía[editar]
Nació en Génova, Liguria en 1919, aunque la mayor parte de su infanció la pasó en Túnez. Entre 1942 y 1949 cursó los estudios de arquitectura. Fue miembro del Team 10, con el que participó de forma activa.

Ha recibido 39 puntos

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Henry Vaughan Lanchester (Gran Bretaña)

35. Henry Vaughan Lanchester (Gran Bretaña)

Biografía [ editar ] Lanchester nació en madera de San Juan , Londres. Su padre, Henry Jones Lanchester (1816-1890), fue un arquitecto establecido, y su hermano menor, Frederick W. Lanchester (1868-1946), era convertirse en ingeniero. Él articled a su padre, pero también trabajó en las oficinas... Ver mas
Biografía [ editar ]
Lanchester nació en madera de San Juan , Londres. Su padre, Henry Jones Lanchester (1816-1890), fue un arquitecto establecido, y su hermano menor, Frederick W. Lanchester (1868-1946), era convertirse en ingeniero. Él articled a su padre, pero también trabajó en las oficinas de Londres arquitectos FJ Eadle, TW Cutler y George Sherrin 1.884-1.894. Estudió en la Royal Academy en 1886, ganó el Premio Aldwinckle y, en 1889, el Owen Jones Beca.
Su primera obra arquitectónica fue Kingswood House, Sydenham , en 1892, y estableció su propio estudio en 1894 su primer trabajo totalmente independiente en 1896 eran oficinas en Old Street , para los señores Bovril Ltd. Formó una alianza en 1896 con James A. Stewart (1865 o 6-1908) y Edwin Alfred Rickards (1872-1920). Como Lanchester, Stewart y Rickards, en 1897 la empresa ganó el concurso para construir Cardiff City Hall .
Lanchester era editor del constructor 1910-12. En 1912, visitó la India y preparó un informe sobre la planificación de Nueva Delhi , así como la preparación de planes de Madras . En 1914 fue uno de los miembros fundadores del Instituto de Urbanismo en Londres. Formó una nueva asociación en 1923, Lanchester, Lucas & Lodge, con Thomas Geoffry Lucas y Thomas Arthur Hotel rústico .
Fue nombrado profesor de Arquitectura de la Universidad College de Londres , y en 1934 fue galardonado con el Lanchester Real Medalla de Oro del Instituto Real de Arquitectos Británicos .
Las obras de arquitectura [ editar ]
Cardiff City Hall (1897-1905)
Cardiff Palacio de Justicia (1901-1904)
El Ayuntamiento de Deptford , Londres (1902-1907)
Methodist Hall Central , Westminster (1905-1911)
Tercera Iglesia de Cristo Científico, Curzon Street , Westminster (1910-1912) Torre (1931-1932)
La Oficina de Correos de Lucknow (1916)
Planes de vivienda en Portsmouth y Weybridge (1920-1923)
Edificio del Consejo de las Provincias Unidas, Lucknow (1921)
Nuevos barrios previstos en Rangún (1921)
Nuevos barrios previstos en Zanzíbar (1922)
Harrogate hospital (1925)
Hospital de El Cairo (1927)
Parkinson Building, Universidad de Leeds (1927-1951)
Umaid Bhawan Palace , Jodhpur , India (1929-1943)
Lista de trabajos publicados [ editar ]
Urbanismo en Madras (1918)
Zanzíbar un estudio en Tropical Urbanismo (1923)
Fischer von Erlach (1924)
Las conversaciones sobre el Urbanismo (1924)
El arte de Urbanismo (1925)
Esquema de Estudios en Urbanismo (1944)

Ha recibido 39 puntos

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Robert Rowand Anderson (Gran Bretaña)

36. Robert Rowand Anderson (Gran Bretaña)

Sir Robert Rowand Anderson FRSE RSA (5 abril 1834 a 1 junio 1921) fue un escocés victoriano arquitecto. Anderson formó en la oficina de George Gilbert Scott en Londres antes de establecer su propia práctica en Edimburgo en 1860 Durante la década de 1860 su trabajo principal era pequeñas iglesias... Ver mas
Sir Robert Rowand Anderson FRSE RSA (5 abril 1834 a 1 junio 1921) fue un escocés victoriano arquitecto. Anderson formó en la oficina de George Gilbert Scott en Londres antes de establecer su propia práctica en Edimburgo en 1860 Durante la década de 1860 su trabajo principal era pequeñas iglesias en el (o Early Inglés) estilo 'señaló en primer lugar "que es característica de los antiguos lectores de Scott . En 1880 su práctica fue el diseño algunos de los más prestigiosos edificios públicos y privados en Escocia.
Entre sus obras destacan la Scottish National Portrait Gallery ; la Cúpula de la antigua Universidad, Facultad de Medicina y McEwan Hall, la Universidad de Edimburgo ; el Hotel Central en la estación central de Glasgow , la Iglesia Católica Apostólica en Edimburgo y Mount Stuart House en la Isla de Bute para el 3ro marqués de Bute .
Primeros años [ editar ]
Anderson nació en Liberton , las afueras de Edimburgo, el tercer hijo de James Anderson, un abogado, y Margaret Rowand. [1] Estudió en la universidad de George Watson , comenzó un aprendizaje legal en 1845, y brevemente trabajó para la empresa de su padre. Comenzó a estudiar arquitectura en 1849, asistiendo a clases en la Academia de Dibujo de los custodios (que más tarde se convirtió en el Edinburgh College of Art ), y fue articled al arquitecto John Lessels (1809-1883).
En 1857 tomó un puesto de dos años como asistente de George Gilbert Scott , en su oficina en la Plaza de Trafalgar , Londres. Aquí trabajó junto a muchos arquitectos influyentes. Luego pasó un tiempo viajando y estudiando en Europa, brevemente trabajando por Pierre Cuypers en Roermond , Países Bajos.
Carrera de Arquitectura [ editar ]
En 1860 Anderson regresó a Edimburgo, y comenzó a trabajar como arquitecto con los ingenieros reales , emprender obras de defensas costeras, y la 78a memorial Highlanders fuera el Castillo de Edimburgo . Para Giles Gilbert Scott supervisó la construcción de la Iglesia de St James en Leith , que llevó a más comisiones de la Iglesia Episcopal Escocesa , incluyendo la iglesia de Cristo, Falkirk (1862), Todos los Santos, Brougham Place, Edimburgo (1864), Iglesia de San Andrés en St Andrews (1866), San Juan, Alloa (1866), y St James, Cupar (1866). Todos ellos se llevaron a cabo junto a su trabajo para los ingenieros reales, y muestran la influencia de la iglesia diseños de Scott.
Anderson estableció su propia práctica independiente en 1868 su primer encargo importante llegó en 1871, para la restauración de St Vigeans Iglesia Parroquial, Angus. Él ganó el concurso para diseñar la Iglesia Católica Apostólica en Edimburgo, ahora el Centro Traquair Mansfield en Mansfield Place en Broughton. Anderson se unió a la Sociedad de Anticuarios de Escocia, donde conoció a los futuros clientes, incluyendo el marqués de Bute . En 1873 una alianza efímera con David Bryce comenzó, pero se disolvió sólo unos meses más tarde.
En 1874 fue invitado a presentar sus diseños para una competición para la Universidad de Edimburgo Facultad de Medicina y la sala de graduación. Realizó más viajes de estudio a Europa, lo que resulta en el diseño ganador de estilo renacentista italiano que concluyó en 1877 El diseño asegurado la elección de Anderson a la Royal Scottish Academy , aunque la Escuela de Medicina no se completó hasta 1886, y el Salón de McEwan no hasta 1897 . Su siguiente encargo importante se produjo poco después, en 1876, cuando fue nombrado arquitecto de la estación central de Glasgow . En 1878 Anderson diseñó una nueva Mount Stuart House (1878-1896) en un estilo gótico italiano para el 3ro marqués de Bute , tras la destrucción por el fuego de la casa anterior. La National Portrait Gallery de Escocia (1884-1889) fue diseñado en un estilo similar, y también ejecutado en piedra arenisca roja.
En 1881 Anderson hizo su empleado George Washington Browne un socio, y dos años más tarde la empresa se ​​convirtió en Wardrop, Anderson y Browne, tras la muerte de Maitland Wardrop y la fusión de su práctica con Anderson. Sin embargo, Browne dejó en 1885, y Hew Wardrop murió en 1887 en el castillo de Udny , [2] dejando a Anderson como único socio de nuevo. [3] arquitectos notables que trabajan dentro de la práctica Anderson incluyen Robert Weir Schultz , Robert Lorimer , Sydney Mitchell y James Jerdan.
Durante la década de 1880, el estilo de Anderson se hizo cada vez más influenciada por la arquitectura histórica de Escocia, posiblemente como resultado de su amistad con historiadores de la arquitectura MacGibbon y Ross . La influencia escocesa es evidente en el Normand Memorial Hall, Dysart (1882), Ardgowan Esate Oficina, Greenock (1886), y el Instituto Pearce, Govan (1892).
Desde la década de 1890, la restauración se convirtió en el foco de la arquitectura de Anderson, como principales comisiones disminuyeron. Ya había empezado a trabajar en Iona Abbey y Abbey Jedburgh en la década de 1870, y ahora restaurada Catedral de Dunblane y Paisley Abbey . Él se involucró más en la enseñanza, ayudando a establecer una Escuela de Artes Aplicadas en 1892 En 1903 esta se fusionó en el nuevo Colegio de Arte de Edimburgo , con Anderson como fiduciario.
En sus últimos años se convirtió en Anderson difícil de trabajar, y fue percibido como arrogante. Otra asociación, formada en 1899, se disolvió siguientes demandas en 1902 Rowand Anderson y Paul se formó en 1904, con Andrew Forman Balfour Paul, hijo de Sir James Balfour Pablo , el Señor Lyon . Fue nombrado caballero en 1902 por su trabajo en la residencia real de Escocia, el castillo de Balmoral . En 1916 él estaba enfermo, aunque él fundó la Incorporación de Arquitectos en Escocia (más tarde la Real Incorporación de Arquitectos en Escocia) en ese año, y donó su propia casa adosada Square Rutland para ser utilizado como su sede.
La práctica Rowand Anderson [ editar ]
Estudio de arquitectura de Anderson se realizaba como Rowand Anderson y Paul, hasta Basilio Spence y William Kininmonth se unieron en 1934, formando Rowand Anderson y Paul and Partners. Paul murió en 1938, y Spence se fue en 1945, dejando Kininmonth continuar como Rowand Anderson, Kininmonth y Pablo. Cuando Kininmonth se retiró en 1976, la firma de división, con el nombre Rowand Anderson tomada por Richard Ewing, que había sido nombrado socio en torno a 1971. [4] La Asociación Rowand Anderson aún se basa en la Plaza de Rutland.

Ha recibido 39 puntos

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David Chipperfield (Gran Bretaña)

37. David Chipperfield (Gran Bretaña)

David Chipperfield, arquitecto británico, nacido en Londres en 1953. Estudió arquitectura en la Architectural Association School of Architecture de Londres, licenciándose en 1977. En el período 1978-1984 trabajó con arquitectos como Douglas Stephen, Richard Rogers o Norman Foster, estableciendo... Ver mas
David Chipperfield, arquitecto británico, nacido en Londres en 1953.
Estudió arquitectura en la Architectural Association School of Architecture de Londres, licenciándose en 1977. En el período 1978-1984 trabajó con arquitectos como Douglas Stephen, Richard Rogers o Norman Foster, estableciendo su propio estudio David Chipperfield Architects en 1984. Tiene oficinas principales en Londres, Berlín y Milán y una oficina de representación en Shanghái.
Su arquitectura suele englobarse dentro de la corriente estilística conocida como minimalismo. Ha desarrollado su labor en edificación y urbanismo, así como en diseño de muebles e interiores. Ha sido ganador de diversos premios, entre ellos ha obtenido varias veces el premio "RIBA" (Royal Institute for British Arquitects) por diferentes obras, destacando museos, galerías de arte, bibliotecas, casas privadas, hoteles u oficinas.
En 1999, David Chipperfield fue galardonado con la Medalla de Oro Heinrich Tessenow, lo que fue seguido por una exposición de su obra junto con la del Tessenow-Stipendiat de 1998, el arquitecto español Andrés Jaque.
En 2000 fue uno de los arquitectos que representaron a Gran Bretaña en la Bienal de Arquitectura de Venecia. En 2003 fue elegido Miembro Honorario de la Academia de Arte y Diseño de Florencia. En 2004 fue nombrado Comendador de la Orden del Imperio Británico (CBE) por los servicios prestados a la arquitectura.
También ha sido profesor de diseño en diferentes escuelas de arquitectura del Reino Unido y profesor invitado en varias universidades extranjeras europeas y estadounidenses.
Proyectos[editar]
Chipperfield fue el único arquitecto británico seleccionado para diseñar la Tate Modern. Diseñó y consiguió el Premio RIBA en la categoría de Arquitectura para el Ocio y las Artes para su Museo Fluvial y del Remo de Henley-on-Thames, una de sus obras más apreciadas, donde utilizó revestimientos de roble, hormigón y cristal.
En Japón ha proyectado la sede de la corporación Matsumoto, en Okayama, el Museo Gotoh de Tokio o la sede de Toyota Auto, en Kioto (Premio Andrea Palladio de 1993).
En Alemania, diseñó el Plan general de viviendas de Maselakekanal en Berlín (ganador del concurso de 1994), el Museo de Literatura Moderna (2002-2006) en Marbach am Neckar (Premio Stirling 2007), el edificio de oficinas Kaiserstrasse de Düsseldorf, la Galería Hinter dem Giesshaus 1, en Berlín o el Neues Museum, también en Berlín, que se inauguró en octubre de 2009.
En España ha proyectado Casa de vacaciones (1996-2002) en Corrubedo, la Ciudad de la Justicia de Barcelona (2002-2009), Viviendas en Villanueva y Geltrú y Hospitalet de Llobregat, Remodelación del Paseo del Óvalo (2001-2003) en Teruel (Premio Europeo al Espacio Urbano Público), Viviendas sociales en Villaverde (2000-2005) en Madrid, Pabellón Copa de América (2005-2006) en Valencia, Palacio de Congresos de Vigo, Diseño de la planta tercera del Hotel Puerta América (2003-2005) en Madrid y en desarrollo desde 2007 el Centro de Exposiciones y Congresos de Aranjuez.
En Estados Unidos, en 2005, completó el Figge Art Museum en Davenport, Iowa, la Biblioteca Pública Central en Des Moines, Iowa, encargada en 2001 o el Hotel Bryant Park y la Lever House, en Nueva York. Los proyectos actuales incluyen la ampliación del Museo de Anchorage en Anchorage, Alaska.
En Italia, Cementerio de San Michele en Venecia (1998), Ciudad de las Culturas de Ansaldo en Milán (2000), Palacio de Justicia de Salerno y en Portugal están en desarrollo cuatro villas junto al lago en Bom Sucesso Design Resort, Portugal.

Ha recibido 39 puntos

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Kjetil Traedal Thorsen (Noruega)

38. Kjetil Traedal Thorsen (Noruega)

Historia [ editar ] Kjetil Thorsen Trædal nació 14 de junio 1958 en la isla de la costa noruega de Karmøy . Después de varios años en Alemania y Inglaterra , estudió arquitectura en Graz, Austria . [2] Él había practicado en la oficina de Espen Tharaldsen (Arbeidsgruppen Hus) en Bergen (1982... Ver mas
Historia [ editar ]
Kjetil Thorsen Trædal nació 14 de junio 1958 en la isla de la costa noruega de Karmøy . Después de varios años en Alemania y Inglaterra , estudió arquitectura en Graz, Austria . [2] Él había practicado en la oficina de Espen Tharaldsen (Arbeidsgruppen Hus) en Bergen (1982-1983), Ralph Erskine en Estocolmo (1983-1984) y David Sandved en Haugesund (1985). [3]
Diseños [ editar ]
Thorsen llevó premiados varios concursos de diseño para edificios públicos de todo el mundo. Lideró los equipos Snøhetta diseñar el museo construido para los Juegos Olímpicos de Invierno en Lillehammer, Noruega , [1] el 2007 la Serpentine Gallery Pavilion temporal en Londres diseñado con Olafur Eliasson , la nueva Biblioteca de Alejandría Biblioteca de Alejandría, Egipto , [2] y el nuevo Oslo Opera House en Oslo, Noruega . [2] Fue uno de los fundadores de la galería de arquitectura más importante de Noruega, Galería de foto Rom en 1986. [4]
Asociaciones [ editar ]
Thorsen es miembro de la Asociación de Arquitectura de Noruega (NAL) y ha sido miembro de su comité de competición de diseño. [ cita requerida ] Se ha desempeñado como jurado en varios concursos de diseño en Europa. [ cita requerida ]
Desde 2004, Kjetil Thorsen Trædal ha sido profesor en el Instituto de Estudios Experimentales en Arquitectura de la Universidad de Innsbruck . [4]
Decoraciones y títulos honoríficos [ editar ]
Comendador de la Real Orden Noruega de San Olav (2008) [5]

Ha recibido 38 puntos

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Walter Gropius (Alemania)

39. Walter Gropius (Alemania)

Arquitecto y profesor alemán, fundador de la Bauhaus, la escuela de arte que capitalizó la investigación sobre arquitectura y artes aplicadas durante la primera mitad del siglo XX. Sus principales hipótesis, que formaban parte de los principios ideológicos de esta escuela, fueron la economía... Ver mas
Arquitecto y profesor alemán, fundador de la Bauhaus, la escuela de arte que capitalizó la investigación sobre arquitectura y artes aplicadas durante la primera mitad del siglo XX. Sus principales hipótesis, que formaban parte de los principios ideológicos de esta escuela, fueron la economía expresiva y la adecuación a los medios productivos para todas las formas de diseño, una especie de maridaje entre el arte y la ingeniería. Estos conceptos también se plasman en sus edificios, que ejercieron una enorme influencia en la arquitectura moderna. Gropius nació en Berlín el 18 de mayo de 1883 y estudió arquitectura en las universidades de Munich y Berlín-Carlottenburg. Entre 1907 y 1910 trabajó en el estudio del arquitecto Peter Behrens, uno de los pioneros del diseño moderno. En 1911 se unió al Deutscher Werkbund, institución creada para coordinar el trabajo de los diseñadores con la producción industrial. En colaboración con Adolph Meyer proyectó la fábrica Fagus en Alfeld (1910-1911) y el edificio de oficinas de la exposición del Werkbund en Colonia (1914), que le dieron a conocer en toda Europa. Después de la I Guerra Mundial dirigió dos escuelas de arte en Weimar, hasta que las transformó, en 1919, en la nueva Staatliches Bauhaus, donde introdujo una pedagogía que aunaba el estudio del arte con el de la tecnología. Los estudiantes aprendían a través de distintos talleres las habilidades básicas de los principales oficios, y así se familiarizaban con los materiales y los procesos industriales. Este método hizo posible un gran acercamiento a la realidad de la producción en serie y revolucionó el mundo del diseño industrial moderno. Cuando la escuela se trasladó a Dessau, Gropius proyectó los edificios que la acogerían, caracterizados por una exquisita simplicidad formal y por el empleo de grandes superficies de vidrio plano. Gropius abandonó su cargo como director de la Bauhaus en 1928 y continuó su carrera como arquitecto. Su oposición al partido nazi le obligó a abandonar Alemania en 1934, y después de pasar varios años en Gran Bretaña emigró a Estados Unidos para dar clases en la Universidad de Harvard. Allí se hizo cargo del departamento de Arquitectura (1938-1952), donde introdujo muchas de las ideas desarrolladas en la Bauhaus, y formó a varias generaciones de arquitectos estadounidenses. En 1946 creó un grupo llamado Architects Collaborative, que se hizo cargo de muchos proyectos de gran envergadura, como el Harvard Graduate Center (1949), la embajada de Estados Unidos en Atenas (1960) o la Universidad de Bagdad (1961). También construyó el edificio de la Panam (1963) en Nueva York, en colaboración con el arquitecto italoestadounidense Pietro Beluschi. Gropius murió el 5 de julio de 1969 en Boston. © M.E.

Ha recibido 37 puntos

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Dominique Perrault (Francia)

40. Dominique Perrault (Francia)

Dominique Perrault es quizás la más joven de las figuras de peso en la escena arquitectónica contemporánea, privilegio que se debe al hecho de haber ganado con una original propuesta el Concurso para la Biblioteca Nacional de París y haber podido concretar la erección de esta obra, una de las... Ver mas
Dominique Perrault es quizás la más joven de las figuras de peso en la escena arquitectónica contemporánea, privilegio que se debe al hecho de haber ganado con una original propuesta el Concurso para la Biblioteca Nacional de París y haber podido concretar la erección de esta obra, una de las más grandes entre los emprendimientos llevados a cabo en París en el último cuarto de este siglo. Nacido en Clermont-Ferrand, Auvernia en 1953, se recibe de arquitecto en la Ecole Nationale Supérieure des Beaux Arts de París en 1978. Recibe al año siguiente el Certificado de Estudios Superiores en Urbanismo de la Ecole Nationale des Ponts et Chaussées de París y en 1980 el Diploma de Estudios Profundos en Historia de la Ecole des Hautes Etudes en Sciencies Sociales, también de París. Entre ese último año y 1982 trabaja con Martín van Treck, René Dottelonde y Antoine Grumbach. En 1981 crea su propio Estudio profesional, dessempeñándose entre 1982 y 1984 en el Atelier Parisien de Urbanisme (APUR) . Recibe por sus primeros trabajos varias distinciones regionales entre ellas el 1er. Prix Architecture Maitres de Ouvrage por la usina Someloir en 1984, el Prix spécial du département de Seine-et-Marne y el Prix du Cercle de l Arcade en 1987, y el Prix départemental de architecture contemporaine ESIEE (Seine-et-Marne) en 1988. Desde 1988 es Miembro del Consejo de Administración y del Directorio del Institut Francais de Architecture, y Miembro del Concejo Científico y Técnico de la Ecole Spéciale de Architecture. A partir de 1990 es Arquitecto-consejero de la ciudad de Nantes y ese mismo año recibe entre otros premios la Medalla de plata del urbanismo por la Biblioteca de Francia, otorgada por la Fondation de l Académie d Architecture. En 1992 recibe el Premio Europeo por la Arquitectura Industrial, conferido por la Deutsche Messe A G Hannover, por su proyecto para el hotel industrial Jean-Baptiste Berlier. Finalmente en 1993 recibe el Grand Prix National de Architecture. © epdlp

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Filippo Juvara (Italia)

41. Filippo Juvara (Italia)

Biografía[editar] Juvara nació en Messina en una familia de orfebres y grabadores. Después de unos años de aprendizaje con su familia en Sicilia, donde diseñó los decorados festivos de Messina para la coronación de Felipe V de España y Sicilia (1705), Juvara se trasladó a Roma en 1704; allí, a... Ver mas
Biografía[editar]
Juvara nació en Messina en una familia de orfebres y grabadores. Después de unos años de aprendizaje con su familia en Sicilia, donde diseñó los decorados festivos de Messina para la coronación de Felipe V de España y Sicilia (1705), Juvara se trasladó a Roma en 1704; allí, a la vez que se formaba como sacerdote, fue aprendiendo la maestría de la arquitectura como discípulo de Carlo y Francesco Fontana.
Esta primera fase de su carrera independiente la ocupó con diseños para ceremonias y celebraciones y especialmente con diseños para teatros, en los que creó un nuevo tipo de espacio teatral de virtuoso ilusionismo para sustituir a las rigurosas perspectivas arquitectónicas frontales heredadas del siglo XVI. Diseñó también maquinaria y mecanismos teatrales, en el Teatro de San Bartolomé, Nápoles (1706), y en el establecido Teatro Capranica, Roma (1713). Trabajó igualmente como escenógrafo para teatros privados, en particular para el pequeño teatro en el Palazzo della Cancelleria del cardenal Pietro Ottoboni (1709) y un pequeño teatro para la Reina de Polonia en Palazzo Zuccari, ambos encargos muy destacados. En 1713 el proyecto de un teatro lo llevó hasta Génova.
En 1706 Juvara ganó el concurso para la nueva sacristía en San Pedro, organizado por el Papa Clemente XI, y se convirtió en miembro de la prestigiosa Academia de San Lucas. En 1708 creó su primer trabajo arquitectónico importante fuera del teatro y el único realizado en Roma: la Capilla Antamori en la iglesia de San Jerónimo de la Caridad.
Juvara fue también un grabador: su libro de grabados de escudos de armas esculpidos apareció en 1711, Raccolta di varie targhe fatte da professori primarii di Roma [1].
El período de actividad más intensa de Juvara comenzó en 1714, cuando después de una estancia en Messina, se trasladó al Piamonte, donde Víctor Amadeo II de Saboya le empleó primero en un proyecto escenográfico y después nombró a Juvara el primer arquitecto de la corte. En Turín permaneció durante veinte años, realizando gran parte de su obra y construyendo todo tipo de edificios, de los que destaca la iglesia-monasterio de Superga (1717-1731) en lo alto de una colina sobre Turín, de planta rectangular con iglesia centralizada cubierta por cúpula y tambor de su misma altura, apoyado sobre la columnata rotonda que domina el espacio interior.
Para la familia real saboyana, erigió el decorado pabellón de caza o castillo-palacio llamado Palazzina di Stupinigi (1729–1731), un gran conjunto palaciego agrupado en torno a una sala elíptica.
Explorando más y más las tradiciones originales italiana y francesa, Juvara realizó la fachada y la teatral escalera de entrada del Palacio Madama en Turín (1718-1721).
Otras obras turinesas fueron:
Fachada de la iglesia de Santa Cristina (1715-1718);
Basílica de la Natividad;
Tercera ampliación de Turín hacia el oeste según un sistema ortogonal introducido por Ascanio Vitozzi y Carlo di Castellamonte: el proyecto incluía la construcción del palacio Martini di Cigala (1716), de Quartieri Militari (1716-1728) y más tarde de la iglesia del Carmine (1732-1736), donde el espacio se concentra alrededor de la sala central con el efecto escenográfico de la luz cayendo desde arriba.
La fama obtenida en Turín gracias a su talento y habilidades determinaron su posterior actividad en las cortes más ricas de Europa: en 1719 estaba en Portugal, donde proyecta la construcción del Palacio de Mafra para Juan V (1719-20), después de lo cual viajó a Londres y París.
Juvara y Johann Bernhard Fischer von Erlach se influyeron entre sí a través de los grabados.
En 1735 el arquitecto recibió una invitación del rey borbón de España, Felipe V, para quien proyectó la fachada del palacio de la Granja de San Ildefonso, el nuevo Palacio Real de Madrid y el Palacio Real de Aranjuez, ejecutados después de la muerte de Juvara por Giovanni Battista Sacchetti y otros alumnos. Otro arquitecto muy influido por Juvara fue Bernardo Vittone. Además de estos proyectos, Juvara realizó otros trabajos en Madrid, como el proyecto del nuevo Coliseo de la Cruz.
Juvara murió en Madrid en 1736. Su obra, como gran parte de la arquitectura barroca, perdió su atractivo con el auge del Neoclasicismo. En 1994, se celebró una gran exposición sobre sus diseños en Génova y en Madrid.

Ha recibido 35 puntos

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Giuseppe Jappelli (Italia)

42. Giuseppe Jappelli (Italia)

Giuseppe Jappelli (Venecia, 14 de mayo de 1783 - ídem, 8 de mayo de 1852) fue un arquitecto e ingeniero italiano. De formación neoclásica, estudió en la Accademia Clementina de Bolonia. Trabajó como ingeniero militar al servicio de Eugène de Beauharnais. Durante un viaje por Francia y Gran... Ver mas
Giuseppe Jappelli (Venecia, 14 de mayo de 1783 - ídem, 8 de mayo de 1852) fue un arquitecto e ingeniero italiano. De formación neoclásica, estudió en la Accademia Clementina de Bolonia. Trabajó como ingeniero militar al servicio de Eugène de Beauharnais. Durante un viaje por Francia y Gran Bretaña (1836-1837) contactó con las corrientes arquitectónicas europeas, especializándose en arquitectura paisajística y jardinería. Sus obras principales se efectuaron en Padua: el Matadero (1812-1824, actual Instituto de Arte), la Cárcel (1822), la Ciudad Universitaria (1824), la Logia Amulea (1825) y el Caffè Pedrocchi (1826-1831); parques y jardines: Jardín Sommi en Torre de' Picenardi (1814), Villa Vigodarzere en Saonara (1816), Villa Torlonia en Roma (1838-1840).

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Vladimir Kalouguine (Francia)

43. Vladimir Kalouguine (Francia)

Arquitecto francés, conocido por los grupos de viviendas conocidas como Residencia Kalouguine (1976) en la ciudad francesa de Angers. Este conjunto de edificios tiene propiedades orgánicas y pretenden fundirse con el paisaje, cubriéndolo gradualmente. Desarrollados en un sistema original, las... Ver mas
Arquitecto francés, conocido por los grupos de viviendas conocidas como Residencia Kalouguine (1976) en la ciudad francesa de Angers. Este conjunto de edificios tiene propiedades orgánicas y pretenden fundirse con el paisaje, cubriéndolo gradualmente. Desarrollados en un sistema original, las fachadas de hormigón se mezclan con una estructura de malla soldada. Un sistema de riego automático permite que las plantas se adhieran a las paredes, gracias a las jardineras ubicadas en todo el edificio. También incorpora la ciudad al campo, llenando el vasto espacio central de zonas boscosas y de vegetación, que busca conciliar al hombre de la ciudad con la complejidad y la diversidad de la vivienda. © epdlp

Ha recibido 34 puntos

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Bjarke Ingels (Dinamarca)

44. Bjarke Ingels (Dinamarca)

Bjarke Ingels (2 de octubre de 1974 en Copenhague) es un arquitecto danés. Dirige el estudio de arquitectura BIG Bjarke Ingels Group, el cual fundó en el año 2006. Bjarke busca conseguir el balance entre la arquitectura tradicional y la arquitectura avant-garde. Filosofía de Diseño[editar... Ver mas
Bjarke Ingels (2 de octubre de 1974 en Copenhague) es un arquitecto danés. Dirige el estudio de arquitectura BIG Bjarke Ingels Group, el cual fundó en el año 2006. Bjarke busca conseguir el balance entre la arquitectura tradicional y la arquitectura avant-garde.
Filosofía de Diseño[editar]
Explicando sus ideas, Bjarke concluye:
Históricamente el campo de la arquitectura ha sido dominado por dos extremos opuestos. Por un lado, lo avant-garde lleno de ideas locas. Originado desde la filosofía, el misticismo, la fascinación por el potencial de la forma o su visualización digital. Ellos actúan tan independientemente de la realidad, que no logran convertirse en algo más que curiosidades excéntricas. Por otro lado está lo tradicional. Corporaciones muy bien organizadas, que construyen predecibles y aburridas cajas de edificios funcionales. En este campo, la arquitectura parece estar atrapada entre dos lados infértiles: ya sea ingenuamente utópica o increiblemente pragmática. Nosotros creemos que hay un tercer camino enterrado entre estos. O uno difícilmente visible sobre la delgada pero bastante fértil superposición de ambos. Una arquitectura utópica y pragmática a la vez; una que se ocupe de la creación perfecta de lo social, económico y ambiental como un objetivo práctico.
Historically the field of architecture has been dominated by two opposing extremes. Página web de BIG (consultado el 29 de diciembre de 2009).
Inicios de Carrera[editar]
Bjarke Ingels estudió arquitectura en Royal Academy en Copenhague y en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona, recibiéndose como arquitecto en 1998.1 En su tercer año de estudios ejerció por primera vez su carrera ganando su primer concurso. De 1998 al 2001 trabajó para OMA [Office for Metropolitan Architecture] y directamente para Rem Koolhaas en Rotterdam.
En el 2001 Bjarke volvió a Copenhague y junto a Julien de Smedt (compañero suyo en OMA), fundaron el estudio de arquitectura PLOT. La compañía consiguió éxito rápidamente, recibiendo atención internacional por sus creativos diseños.
Fueron premiados con el León de Oro en la Bienal de Arquitectura de Venecia en el 2004 por la propuesta de la nueva casa de la música para Stavanger, Noruega. Su primer gran logro en PLOT fue el premio ganado por VM Houses en Ørestad, Copenhague en el 2005. A pesar de su éxito, PLOT fue disuelto en enero del 2006. Bjarke Ingels creó BIG, mientras su ex-compañero Julien de Smedt fundó JDS Design.
Bjarke Ingels Group[editar]

Pabellón danés en la Expo Shanghái 2010
Con BIG, Bjarke ha seguido con la ideología de PLOT y tiene actualmente varios proyectos en pleno diseño o ya en construcción en Dinamarca y Euroasia. Éstos incluyen BIH House en Ørestad, el nuevo museo marítimo danés en Elsinor, hoteles en Noruega, un rascacielo con forma de letra china que significa “gente” en Shangai, un plan maestro para la renovación de una base naval y una industria de petróleo en una estación de entretenimiento [zero-emission] en la costa de la ciudad de Bakú con la forma de 7 montañas del país, y un museo mirando hacia la ciudad de México.
Junto al equipo de BIG, Bjarke publicó recientemente Yes is More, un archcomic sobre la evolución de la arquitectura.
Enseñanza[editar]
Aparte de dirigir su estudio de arquitectura, Bjarke ha estado como profesor visitante en:
Harvard University, Joint Studio with Harvard Business & GSD (2010)
Columbia University GSAPP (2009)
Harvard University GSD (2007)
Rice University (2005)
The Royal Academy of Arts, Copenhague (2001)
El 24 de julio de 2009, dio una charla en el prestigioso evento TED en Oxford.2
Premios[editar]

Edificio de viviendas The Mountain, en Copenhague (2005-2008)
European Prize for Architecture. 2010
ULI Award for Excellence 2009, por The Mountain. Europe, Middle-East & Africa
Mies Van Der Rohe Award 2009. Nominado, por The Mountain. EU
MIPIM. Residential Development Award 2009, por The Mountain
Forum Award. Best Nordic Architecture 2009, por The Mountain
World Architecture Festival 2008. Housing Award Winner, por The Mountain
Wood Award 2008, por Maritime Youth House & The Mountain
International Architecture Awards. Best New Global Design. Scala. 2008
Contract World. Best Education Interior, por Sjakket Youth Centre 2008
Mies Van Der Rohe Award 2007. Special Mention, por VM Houses
IOC Award. Honorable Mention, por Copenhagen Harbour Bath 2007
Forum Award 2005. Best Scandinavian Building, por VM Houses
His Royal Highness Prince Henrik of Denmark’s Scholarship. 2005
The Royal Academy of Arts Eckersberg’s Medal. 2005. Dinamarca
Mies Van Der Rohe Award 2005. Special Mention, por Maritime Youth House
Copenhagen Award for Architecture, por Maritime Youth House 2004
AR+D Award. Architectural Review. RIBA London, por Maritime Youth House 2004
Venice Bienale Golden Lion, por Stavanger Concert Hall 2004
Copenhagen Collaboration Award. 2004
European Prize for Urban Public Space, por Copenhagen Harbour Bath 2004
Young Architect of the Year Award. Segundo premio. 2004
Scanorama Design Award. 2004
Nykredits Architecture Prize. 2002
Young Architect of the Year Award. Segundo premio. 2002
Henning Larsen’s Prize. 2001
The State Art Fund Scholarship. 2001

Ha recibido 34 puntos

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Helmut Swiczinsky (Polonia)

45. Helmut Swiczinsky (Polonia)

Vida [ Editar ] Helmut Swiczinsky estudió en la Universidad Técnica de Viena y la Architectural Association en Londres la arquitectura . En 1973, como profesor invitado en la Architectural Association de Londres era. Helmut Swiczinsky es miembro permanente de la Academia Europea de Ciencias y... Ver mas
Vida [ Editar ]
Helmut Swiczinsky estudió en la Universidad Técnica de Viena y la Architectural Association en Londres la arquitectura . En 1973, como profesor invitado en la Architectural Association de Londres era. Helmut Swiczinsky es miembro permanente de la Academia Europea de Ciencias y Artes , con sede en Salzburgo .
Como arquitecto, él y Wolf D. Prix y Michael Holzer 1968, el grupo arquitecto vienés Coop Himmelb (l) au , de la que fue director general y en 2007 se retiró como socio en 2000 de nuevo.
Helmut Swiczinsky creció en Senftenberg y Viena , donde aún vive hoy. Está casado desde 1968 con Hilda Swiczinsky, con los tres hijos que Swiczinsky Nana (* 1969), Adam Wehsely-Swiczinsky (nacido en 1971) y Benjamin Swiczinsky (* 1982).
Logros [ Editar ]
1988: Premio de la Ciudad de Viena para la Arquitectura
1989: Miembro Honorario de la Asociación Alemana de Arquitectos BDA
1999: Premio Estatal de Grand Austrian
2002: Oro Medalla de Servicio a la Ciudad de Viena [1]

Ha recibido 32 puntos

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Pier Luigi Nervi (Italia)

46. Pier Luigi Nervi (Italia)

Pier Luigi Nervi (21 de junio de 1891 - 9 de enero de 1979) fue un ingeniero Italiano. Estudió en la Escuela de Ingeniería civil de la Universidad de Bolonia y se graduó en 1913. Nervi enseñó como profesor de ingeniería en la Universidad de Roma entre 1946 y 1961. Es conocido por su brillantez... Ver mas
Pier Luigi Nervi (21 de junio de 1891 - 9 de enero de 1979) fue un ingeniero Italiano. Estudió en la Escuela de Ingeniería civil de la Universidad de Bolonia y se graduó en 1913. Nervi enseñó como profesor de ingeniería en la Universidad de Roma entre 1946 y 1961. Es conocido por su brillantez como ingeniero estructural y su novedoso uso de hormigón armado. Es uno de los máximos exponentes del movimiento de arquitectura racionalista de los años veinte y treinta.
Biografía[editar]
Pier Luigi Nervi nació en Sondrio y acudió a la Escuela de Ingeniería civil de Bolonia, donde se graduó en 1913. Después de su graduación, Nervi se unió a la Sociedad para la Construcción en Hormigón. Nervi pasó varios años en el ejército italiano durante la Primera Guerra Mundial durante los años 1915-1918, cuando sirvió en el Cuerpo de Ingenieros. Su educación formal era bastante parecida a la que actualmente tendría un estudiante de ingeniería civil en Italia.
Obras de ingeniería civil[editar]
Nervi comenzó a practicar ingeniería civil después de 1923, y construyó varios hangares entre sus contratos. Durante los años 1940 desarrolló ideas para un hormigón armado que ayudó a la reconstrucción de muchos edificios y fábricas por toda Europa Occidental, e incluso diseñó el casco de un barco con hormigón reforzado como una promoción para el gobierno italiano.
Pertenece a una generación de ingenieros que desarrollaron una nueva estética constructiva, heredera de las decimonónicas torre Eiffel de París y The Crystal Palace de Londres y basada en las estructuras metálicas y en el hormigón armado.
A él se deben el método de cálculo llamado de sensibilidad estática y la invención del ferromento, sistema económico de prefabricación y utilización prácticamente universal que conocemos como hormigón armado.
Nervi también enfatizó que la intuición debe usarse tanto como las matemáticas en el diseño, especialmente con estructuras o armazones finos. Tomó prestados elementos tanto de la arquitectura romana como de la renacentista para crear estructuras agradables estéticamente, pero aplicó aspectos estructurales tales como forma de nervios y bóvedas a menudo basados en formas naturales. Hacía esto para mejorar la fuerza estructural y eliminar la necesidad de columnas. Tuvo éxito a la hora de hacer que la ingeniería se convirtiera en un arte usando una geometría simple y usando prefabricación sofisticada para encontrar soluciones de diseño directas en sus edificios.
Ingeniero y arquitecto[editar]
Pier Luigi Nervi fue educado y ejerció como un ingeniero de "edificios" (ingeniere edile)- en Italia, en aquella época (y en menor grado también hoy), un ingeniero de edificios puede también ser considerado un arquitecto. Después de 1932, sus diseños agradables estéticamente se usaron para grandes proyectos. Esto se debía al creciente número de proyectos de construcción en aquella época que usaban hormigón y acero en Europa y el aspecto arquitectónico había cedido ante el potencial de la ingeniería. Nervi logró con éxito hacer del hormigón reforzado el principal material de construcción de la época.
Proyectos internacionales[editar]
La mayor parte de sus estructuras construidas se encuentran en su nativa Italia, pero también trabajó en el extranjero. Su primer proyecto en los Estados Unidos fue la Estación de autobús del Puente George Washington. Diseñó el tejado, formado por piezas triangulares que fueron vertidas en el lugar. Este edificio aún se usa hoy en día por más de 700 autobuses y sus pasajeros.
Obras[editar]
Una de sus obras más conocidas y probablemente la más influyente es el Palazetto dello Sport de Roma (1957), un edificio circular rodeado por soportes inclinados en forma de Y, y coronado por una cúpula festoneada de hormigón armado, que se ha convertido en una de las principales obras de la arquitectura deportiva del siglo XX.
Otras obras destacadas suyas son:
Stadio Artemio Franchi en Florencia (1931).
Edificio de Exposición, en Turín, Italia, (1949).
Sede de la Unesco en París (1950) (en colaboración con Marcel Breuer y otros).
Torre Pirelli de Milán (1950) (en colaboración con Gio Ponti).
Palazzetto dello sport, (1957) (Video).
Estadio Olímpico en Roma (1960).
Palazzo del Lavoro, en Turín (1961).
Molino papelero en Mantua, Italia, (1962).
Estación de Autobús del Puente George Washington en Nueva York (1963).
Torre de la Bolsa en Montreal (1964).
Palazzo dello sport en el EUR, Roma (1956). En colaboración con Marcello Piacentini, el edificio se denominó posteriormente PalaEUR y tras su reforma, PalaLottomatica.
Casa de campo en Dartmouth College.
Catedral de Santa María de la Asunción de San Francisco (San Francisco, California, 1967), en colaboración con Pietro Belluschi.
Aula Pablo VI, sala de audiencias del Vaticano, construida por expreso deseo de Pablo VI (1971). Se la conoce popularmente como Sala Nervi.
Good Hope Centre en Ciudad del Cabo (1976) por Studio Nervi.
Norfolk Scope en Norfolk (Virginia) (1973).

Catedral de Santa María de la Asunción.

Premios[editar]
Pier Luigi Nervi ha obtenido medallas de oro de la AIA, RIBA .

Ha recibido 32 puntos

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Etienne-Louis Boulléé (Francia)

47. Etienne-Louis Boulléé (Francia)

Biografía[editar] Nacido en París, hijo de un arquitecto, estudió pintura pero luego se pasó a la arquitectura por petición paterna. Estudió con Jacques-François Blondel, Germain Boffrand y Jean-Laurent Le Geay, de quienes aprendió el estilo de arquitectura clásica francesa predominante en los... Ver mas
Biografía[editar]
Nacido en París, hijo de un arquitecto, estudió pintura pero luego se pasó a la arquitectura por petición paterna. Estudió con Jacques-François Blondel, Germain Boffrand y Jean-Laurent Le Geay, de quienes aprendió el estilo de arquitectura clásica francesa predominante en los siglos XVII y XVIII y el Neoclasicismo hacia el que evolucionó a mediados de siglo.
En 1762 entra a formar parte de la Academia Real de Arquitectura de París y se convirtió en el arquitecto en jefe de Federico II el Grande de Prusia, un título en gran medida honorario. Diseñó una serie de casas particulares desde 1762 hasta 1778, aunque la mayor parte de ellas ya no existen; entre los ejemplos supervivientes destacan el Hôtel Alexandre y Hôtel de Brunoy, ambos en París. Junto a Claude Nicolas Ledoux fue una de las más influyentes figuras de la arquitectura neoclásica francesa.
Obra[editar]
Entre 1752 y 1775 realiza varios arreglos para interiores de casas de nobles, entre ellos una para el conocido actualmente como Palacio del Elíseo (residencia presidencial).
Su mayor impacto lo provocó como maestro y teórico en la École nationale des ponts et chaussées entre 1778 y 1788, desarrollando un estilo geométrico abstracto distintivo inspirado por formas clásicas. Su obra se caracterizó por la eliminación de toda la ornamentación innecesaria, hinchando las formas geométricas hasta una escala enorme y repitiendo elementos como columnas en grandes series.
Boullée promovió la idea de hacer arquitectura expresiva de su propósito, una doctrina que sus detractores llamaron architecture parlante («arquitectura parlante»), que fue un elemento esencial en la formación arquitectónica Beaux-Arts en el final del siglo XIX.
Su proyecto más célebre es el Cenotafio para Isaac Newton (1784), cuyos dibujos y esbozos se conservan en la Biblioteca Nacional de Francia. Este diseño representa uno de los iconos de la llamada arquitectura visionaria. Ejemplifica su estilo de manera destacada. El cenotafio sería una esfera de 150 metros de alto hundida en una base circular y cubierta de cipreses. Aunque la estructura no se construyó nunca, su diseño fue grabado y circuló ampliamente en círculos profesionales.
Su obra fue muy escasa y su tratado de la arquitectura (Arquitectura. Ensayo sobre el arte) no fue publicada hasta mediados del siglo XX.

Boullée, Deuxieme projet pour la Bibliotheque du Roi (1785).
Salón para el Hôtel de Tourolles[editar]
Las boiseries («carpinterías»), aún a menudo datadas a mediados de los años 1760, fueron objeto de discusión en el número de L'Avant-coureur de 21 de enero de 1761, y por lo tanto debieron llevarse a cabo alrededor de 1758-59 (Eriksen 1974:298 y pl. 35). El Hôtel en el distrito de Marais remodelado para Claude-Charles-Dominique Tourolle sobrevive (la calle de Orléans es ahora la calle Charlot) pero las boiseries del salón y sus repisas de chimeneas se quitaron a mediados del siglo XIX para llevar a una casa en la calle de Faubourg Saint-Honoré actualmente en posesión del Cercle Interallié. Espejos en forma de arco redondo sobre las repisas de la chimenea y centrando la larga pared en un hueco poco profundo están dispuestos en un sistema de pilastras jónicas. Cariátides de mármol blanco soportan la tablette de la repisa de la chimenea. Hay todo un arquitrabe debajo de una cornisa. El conjunto en blanco y dorado aún estaría de moda en 1790.
Hôtel Alexandre[editar]
El Hôtel Alexandre u Hôtel Soult, calle de la Ville l'Évêque, París (1763-66), es el único superviviente de la obra residencial de Boullée en París. Se erigió para el financiero André-Claude-Nicolas Alexandre.1 En su cour d'honneur (patio cerrado por tres lados) cuatro columnas corintias apoyadas contra un hueco en las esquinas del patio tienen arquitrabes aislados insertos en el muro sobre sus sencillas aberturas, mientras que por encima hay ventanas ojo de buey ovales, rodeadas por una composición de cáscaras que se convirtieron en un rasgo común del estilo neoclásico. El frente del jardín tiene un orden de pilastras colosal que se alzan sobre el alto basamento ocupado por toda la altura de la planta baja.
Legado[editar]
Las ideas de Boullée tuvieron una gran influencia entre sus contemporáneos, no sólo por su papel como maestro de otros arquitectos importantes como Jean Chalgrin, Phillipe Morthié, Alexandre Brongniart, Winderson y Jean-Nicolas-Louis Durand, si no por su faceta de tratadista y arquitecto visionario. Parte de su obra sólo vio la luz del día en el siglo XX; su libro Architecture, essai sur l'art («Ensayo sobre el arte de la arquitectura»), defendiendo un neoclasicismo con un compromiso emocional, sólo se publicó en 1953. El volumen contenía su obra desde 1778 hasta 1788, que en su mayor parte comprendía diseños de edificios públicos en una gran escala totalmente impracticable.
La querencia de Boullée por los diseños grandiosos ha hecho que se le caracterice como megalomaníaco y visionario. Su foco sobre la polaridad (contrarrestando elementos de diseño opuestos) y el uso de la luz y la sombra era muy innovador, y sigue influyendo a arquitectos de hoy en día. Fue «redescubierto» en el siglo XX y ha influido a arquitectos recientes como Aldo Rossi.
La película de Peter Greenaway El vientre del arquitecto (1987) contiene numerosas referencias a la obra de Étienne-Louis Boullée.
Notas[editar]
Volver arriba ↑ La casa pasó al marqués de Collonge, luego al mariscal Soult, de 1802 a 1818, cuyo nombre lleva a veces.
Bibliografía[editar]
Boullée & visionary architecture ed. Helen Rosenau, Pub. Harmony Books, Nueva York, 1976 ISBN 0-85670-157-2.
Boullée's Treatise on Architecture por Étienne-Louis Boullée, ed. by Helen Rosenau, pub. Alec Tiranti, Ltd. Londres: 1953 1.ª edición
Étienne-Louis Boullée (1728-1799: Theoretician of Revolutionary Architecture) por Jean Marie Perouse De Montclos, pub. George Braziller; ISBN 0-8076-0672-3; (Febrero de 1974)
Visionary Architects: Boullée, Ledoux, Lequeu por Jean-Claude Lemagny, pub. Hennessey & Ingalls; ISBN 0-940512-35-1; (Julio de 2002)
Les Architectes de la Liberté por Annie Jacques, pub. Découvertes Gallimard #47; ISBN 2-07-053067-1; (Noviembre de 1988) (en francés)
A Dictionary of Architecture, James Stevens Curl, Oxford University Press (1999).
"Boullée, Etienne-Louis (1728 - 1799)", The Hutchinson Encyclopedia, Helicon (2001).
"Boullée, Etienne-Louis (1728 - 1799)", Crystal Reference Encyclopedia (2001).
Svend Eriksen, Early Neo-Classicism in France 1974. (Londres: Faber) traducido por Peter Thornton.

Ha recibido 32 puntos

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Eugéne Viollet-le-Duc (Francia)

48. Eugéne Viollet-le-Duc (Francia)

Eugène-Emmanuel Viollet-le-Duc (París, 27 de enero de 1814 - Lausana, 17 de septiembre de 1879)1 fue un arquitecto, arqueólogo y escritor francés. Famoso por sus "restauraciones" interpretativas de edificios medievales,2 fue un importante arquitecto del renacer gótico. Representa una de las más... Ver mas
Eugène-Emmanuel Viollet-le-Duc (París, 27 de enero de 1814 - Lausana, 17 de septiembre de 1879)1 fue un arquitecto, arqueólogo y escritor francés. Famoso por sus "restauraciones" interpretativas de edificios medievales,2 fue un importante arquitecto del renacer gótico. Representa una de las más importantes figuras de la escuela francesa, que rechazó la enseñanza de la Escuela de Bellas Artes, sustituyéndola por la práctica y los viajes por Francia e Italia.
Se dedicó principalmente a la restauración e invención de conjuntos monumentales medievales como la Cité de Carcasona o el Castillo de Roquetaillade, siendo muy criticado por el atrevimiento de sus soluciones y añadidos no históricos, y la pérdida de autenticidad de muchos monumentos. Sus restauraciones buscaron en menor medida recuperar sino más bien mejorar el estado original del edificio, con un interés centrado más en la estructura y en la propia arquitectura que en los elementos decorativos. Utilizó el estudio arqueológico en el examen crítico inicial de los edificios, como paso previo para conocer su realidad y defendió el uso del hierro y la coherencia de la arquitectura gótica, en contra del eclecticismo. Se opuso con vehemencia al estilo de arquitectura Beaux-Arts que estaba en boga en esa época. Gran parte de sus trabajos de diseño eran menospreciados por sus contemporáneos.
Más importante es su aportación teórica, en la que defendió el uso de una metodología racional en el estudio de los estilos del pasado, contrapuesta al historicismo romántico. Sus teorías ejercieron una gran influencia en artistas posteriores, como Guimard, Gaudí, Horta o Vilaseca.
Fue el arquitecto contratado para diseñar la estructura interna de la Estatua de la Libertad, pero falleció antes de que finalizara el proyecto.
Biografía[editar]
Nacido en el seno de una familia de la alta burguesía,3 4 desde muy joven se interesó por la Arquitectura de la Edad Media y aunque fue discípulo de Aquiles Leclère, rechaza ingresar en la escuela de Bellas Artes deliberadamente para autoformarse recorriendo Francia e Italia con un bloc de notas en mano. En 1834 se casó con Elisabeth Cabrera.5
En 1836 partió hacia Italia donde visitó Sicilia y se dedicó al estudio del arte griego y romano, regresando a París en 1837 para recorrer Francia y estudiar sus monumentos más sobresalientes. Su erudición le valió el nombramiento en 1840 de inspector de los trabajos de restauración de la Sagrada Capilla bajo la dirección de Félix Duban. Ese mismo año la Comisión de Monumentos históricos, de la mano de Prosper Merimée, le encargó la restauración de la iglesia de Vezelay a la que seguirían otros trabajos que tuvieron gran resonancia.
En 1842 logró mediante concurso la restauración de Nuestra Señora de París junto con Lassus. Fue nombrado arquitecto de la abadía de San Dionisio en 1846, inspector general del servicio diocesano en Francia en 1853 y profesor de Historia del Arte y Estética de la Escuela de Bellas Artes, recién reorganizada por Vaillant, en 1863 aunque dimitió al año siguiente.
Supervisó todos los edificios medievales franceses que fueron restaurados siguiendo los principios arquitectónicos que se derivaban de sus formas (Castillo de Roquetaillade).
Entre otros reconocimientos fue nombrado oficial en 1858 y comendador en 1869 de la Legión de Honor y miembro de la Real Academia de Bellas Artes de Bélgica en 1863.
En los comienzos del sitio de París en 1870 organizó la legión auxiliar de ingenieros y con el grado de teniente coronel recibió el encargo del servicio exterior. Gran amigo de Napoleón III, se declaró librepensador provocando la reacción del clero y obligándole a dimitir de sus cargos de inspector general diocesano y arquitecto de las catedrales de Amiens, Clermont, Reims y París.
Teoría de la restauración[editar]
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En sus teorías defiende que el restaurador debe ponerse en la piel del arquitecto-creador primitivo; entender el espíritu de la obra y aplicarlo a la reconstrucción de la misma. Trata de devolver al edificio su forma original (forma prístina), o como él entiende que debió haber sido, puesto que afirma que a partir de las partes que aún existen es posible reconstruir el total, por pura coherencia del estilo. Llegó a decir en su "Diccionario razonado de la arquitectura francesa", 1868: "El estilo es a la obra de arte, lo que la sangre es al cuerpo humano". Sostiene la necesidad de prescindir de actitudes subjetivas en la restauración, precepto que él mismo incumplía a menudo. Sus intervenciones sobre los diversos monumentos franceses se caracterizaron siempre por la primacía del estilo gótico, considerado superior por Viollet desde el punto de vista tanto técnico como estético. La llamada "unidad de estilo" perseguía resaltar los aspectos medievales del edificio intervenido, lo cual obligaba a eliminar o al menos alterar los elementos "inferiores" o secundarios añadidos con posterioridad en los momentos renacentista, barroco o neoclásico.
Lo cierto es que en muchas ocasiones, las intervenciones violletianas provocaron la desaparición de interesantes añadidos de indudable calidad y valor histórico artístico, así como causaron la ruptura del proceso vital de la obra artística: el intervencionismo indiscriminado borraba de un plumazo las variadas huellas que señalaban el paso del tiempo en el edificio.
Viollet-le-Duc es una figura discutida, totalmente opuesta a John Ruskin, puesto que éste último defiende la conservación frente a la restauración. Se achaca a Le-Duc falta de rigor histórico al buscar una recuperación idealizada del edificio, añadiendo incluso partes que nunca habían existido. Sin embargo, su influencia ha sido grande en toda Europa, llegando a crear escuela; en España, por ejemplo, se procedió a restaurar algunas partes considerables de la catedral de León, tales como el hastial oeste, la fachada sur o la cúpula barroca, intervenidas por Madrazo y Demetrio de los Ríos entre otros. De lo que no hay duda es de su profundo conocimiento del arte medieval, habiendo incluso quien lo considera un gran arquitecto gótico nacido fuera de tiempo.

La ciudad medieval de Carcassonne restaurada por Viollet-le-Duc en una vista del Pont Vieux atravesando el río Aude.
Obra[editar]
Restauraciones[editar]
A comienzos de la década de 1830, en Francia se desarrolló un interés por la restauración de edificios medievales. Viollet-le-Duc, que regresa en 1835 de sus estudios en Italia, fue contratado por Prosper Mérimée para restaurar la abadía románica de Vézelay. Este trabajo fue el primero de numerosas restauraciones; las restauraciones de Viollet-le-Duc de Notre Dame de París lo hicieron conocido. Entre sus otras obras importantes se encuentran los trabajos realizados en Mont Saint-Michel, Carcassonne, Roquetaillade y Pierrefonds.
A menudo las "restauraciones" de Viollet-le-Duc combinaban hechos históricos con modificaciones creativas. Por ejemplo, bajo su dirección, Notre Dame no solo fue limpiada y restaurada, sino también "actualizada", agregándosele la tercera torre que la distingue (un tipo de espiral) además de otras modificaciones menores. Otra de sus restauraciones famosas, el pueblo fortificado de Carcassonne, fue mejorado de manera análoga, agregando en la parte superior de cada una de las torres de la muralla techos en forma de cono que en realidad son propios del norte de Francia.5
Santa María Magdalena de Vezelay
Catedral de Amiens
Abadía de Saint Denis de París
Catedral de Lausana
Catedral de San Sernin de Toulouse
Catedral de Notre-Dame de París
Sainte Chapelle
San Luis de Poissy
Semur
San Miguel de Carcassonne
Ayuntamiento de San Antonio
Ayuntamiento de Narbona
Castillo de Pierrefonds
Fortificaciones de Carcasona
Castillo de Coucy
Castillo de Roquetaillade [1]
Obra pictórica[editar]
Manifestó también interés por la pintura y más allá de su costumbre de recopilar notas y dibujos, no sólo de los edificios en los que trabajaba, sino también de otros que iban a ser pronto demolidos y aún de otros temas como vestimenta, mobiliario, instrumentos musicales, armamento, etc. Sus notables dibujos y acuarelas le valieron una tercera medalla en 1834, una segunda en 1838 y una primera medalla en la Exposición Universal de 1855.
Entre sus pinturas pueden citarse Vistas de los Pirineos, El festín de las damas en el teatro de las Tullerías, Fortificaciones de Carcasona, etc.
Escritos[editar]

Portada del tomo primero, edición de 1868.
Entre sus obras destacan sus dos grandes diccionarios, obras referencia en su campo y bellamente ilustrados con dibujos del propio Viollet-le-Duc.
Dictionnaire de l'architecture française du XIe au XVIe siècle (1854-68)
Dictionnaire raisonné du mobilier français de l'époque Carolingienne à la Renaissance (1858-75)
L'Architecture militaire au moyen Âge (1854)
Entretiens sur l'architecture (1863-72)
Cités et mines américaines (1863)
Mémoire sur la défense de Paris (1871)
Habitations modernes (1874- 77)
Histoire d'une maison (1873)
Histoire d'une forteresse (1874)
Histoire de l'habitation humaine (1875)
Le Massif du Mont Blanc; étude sur sa constitution géodésique et géologique, sur ses transformations, et sur l'état ancien et moderne de ses glaciers, París, Baudry, 1876 en línea
L'Art russe (1877)
Histoire d'un hotel-de-ville et d'une cathédrale (1878)
La Décoration appliquée aux édifices (1879)

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Filippo Terzi (Italia)

49. Filippo Terzi (Italia)

Biografía[editar] Italia[editar] Nacido en Bolonia, se transfirió a Pésaro con su familia desde temprana edad. En la ciudad adriática, ya entonces capital del Ducado de Urbino, Terzi estudió arquitectura y se dio a conocer y apreciar por el maestro Girolamo Genga, que lo llamó a colaborar con... Ver mas
Biografía[editar]
Italia[editar]
Nacido en Bolonia, se transfirió a Pésaro con su familia desde temprana edad. En la ciudad adriática, ya entonces capital del Ducado de Urbino, Terzi estudió arquitectura y se dio a conocer y apreciar por el maestro Girolamo Genga, que lo llamó a colaborar con su hijo Bernardo en la reconstrucción de Villa Miralfiore. Todavía en Pésaro, Terzi trabajó también en el proyecto de la Cavallerizza (un tiempo establos ducales, luego transformados en teatro), los interiores de algunas iglesias y las ampliaciones de lo que hoy se conoce como Palacio Baviera. Terzi trabajó también en otros centros del ducado, como Fossombrone, donde proyectó el palacio comunal, Fano (iglesia de la Virgen de la Gracia) y Orciano (campanario). Gran resonancia tuvo también la rehechura integral y la nueva configuración del centro urbano de Barchi, considerado como su obra maestra italiana y que abrió a Terzi las puertas de Roma y de la corte pontificia desde 1576.
Portugal[editar]
La estadía en Roma del arquitecto fue breve: en abril del año siguiente se trasladó a Lisboa, por invitación del rey Sebastián I que lo acompañó en la expedición a África que concluyó con el desastre de Alcazarquivir, en el cual el soberano encontró la muerte y Terzi fue hecho prisionero. Tras volver a Lisboa y haber pagado el rescate para su libertad, fue uno de los arquitectos de confianza de Felipe II, que apenas había heredado la corona lusitana (1580), uniendo dinásticamente a toda la península ibérica. En una visita que realizó a Portugal en 1582, el rey quiso conocer personalmente a Terzi y le confió primero los trabajos de reestructuración y ampliación de las fortificaciones de la plazafuerte de Setúbal, luego las obras del claustro principal (conocido como Claustro de D. João III) del Convento de Cristo en Tomar.
En 1590, Felipe II nombró a Terzi superintendente general de todo el patrimonio inmueble de propiedad de la Corona y de todos los edificios, en construcción o proyecto, que pertenecieran al Estado portugués. Al arquitecto se le confió también la creación y la dirección de una escuela de arquitectura e ingeniería militar con sede primero en Lisboa, luego en la ciudad universitaria de Coímbra. Entre otras obras proyectadas y realizadas por Terzi en aquellos años se puede mencionar la iglesia de san Roque, en Lisboa, el Forte do Pessegueiro (en Sines) y el de Santiago de Barra (en Viana do Castelo). Murió en 1597, mientras estaba dirigiendo los trabajos de construcción del Forte de Sao Filipe, en la ciudad de Setúbal.
Principales obras[editar]

Iglesia de san Roque, proyectada por Filippo Terzi.
La actividad profesional de Terzi puede subdividirse en dos grandes períodos: el italiano y el portugués. El primero se caracteriza por proyectos y realizaciones de carácter casi exclusivamente residencial, civil y religioso, en el segundo prevalecen los relacionados con la arquitectura e ingeniería militar. Entre sus obras más significativas se cuentan:
Centro urbano de Barchi, que, por querer de Guidobaldo II della Rovere, fue completamente rediseñado por Terzi, quien tuvo la feliz intuición de cerrarlo completamente dentro del castillo, anexado poco antes al Ducado de Urbino.
Convento de Cristo, cuyo claustro principal, conocido como Claustro de Joao III, fue concluido por Terzi, quien impuso muchas modificaciones y reestructuraciones al cuerpo original, iniciado por Diego de Torralva. El claustro, situado dentro de lo que fuera un antiguo monasterio-fortaleza templario, es considerado como una obra maestra del tardo renacimiento portugués.
Iglesia de San Vicente de Fora en Lisboa. Concluida tras la muerte de Terzi, con elegantes formas renacimentales.
Forte do Pessegueiro, fortaleza situada en una isla cerca de Sines. Terzi quiso unirla al continente con un terraplén. Se ocupó de las obras hasta 1590, cuando fue llamado a cubrir el cargo de superintendente general de Felipe II. Obligado a volver a Lisboa confió la conclusión de los trabajos al arquitecto e ingeniero napolitano Alessandro Massai.
Forte de Santiago da Barra, fortificación de planta pentagonal, casi completamente rehecha por Filippo Terzi. Situada en las cercanías de la ciudad de Viana do Castelo.
Iglesia de san Roque, construcción repetidamente interrumpida desde antes que Terzi asumiera la dirección de los trabajos, que fueron completados en los años noventa del siglo XVI.
Fuerte de San Felipe de Setúbal, proyectado por Terzi, fue completado tras la muerte del arquitecto.

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Bartolomeo Rastrelli (Rusia)

50. Bartolomeo Rastrelli (Rusia)

Francesco Bartolomeo Rastrelli (ruso: Франче́ско Бартоломе́о Растре́лли) (* Florencia, Italia, 1700 - † San Petersburgo, Rusia, 29 de abril de 1771) fue un arquitecto ruso de origen italiano. Desarrolló un estilo fácilmente reconocible de barroco tardío. Sus principales obras incluyen el Palacio... Ver mas
Francesco Bartolomeo Rastrelli (ruso: Франче́ско Бартоломе́о Растре́лли) (* Florencia, Italia, 1700 - † San Petersburgo, Rusia, 29 de abril de 1771) fue un arquitecto ruso de origen italiano. Desarrolló un estilo fácilmente reconocible de barroco tardío. Sus principales obras incluyen el Palacio de Invierno en San Petersburgo y el Palacio de Catalina en Tsárskoye Seló, que son famosos por su extravagante lujo y la opulencia de su decoración. También es obra suya el Palacio Stróganov de San Petersburgo.

Palacio de Catalina, en Tsárskoye Seló.
Bartolomeo fue a Rusia en 1715 con su padre, el escultor italiano Carlo Bartolomeo Rastrelli (1675-1744). Su ambición fue combinar las últimas modas arquitectónicas italianas con las tradiciones del estilo barroco moscovita. Su primera comisión importante llegó en 1721, cuando le fue encomendada la construcción de un palacio para el Príncipe Dimitrie Cantemir, antiguo gobernador de Moldavia. Fue nombrado arquitecto de la corte en 1730. Sus trabajos encontraron el favor de las zarinas, la Emperatriz Ana (1730-1740) e Isabel (1741-1762).
Referencias en la cultura moderna[editar]
Él es el sujeto de una composición, Rastrelli en San Petersburgo, escrito en 2000 por el compositor italiano Lorenzo Ferrero.

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Filippo Brunelleschi (Italia)

51. Filippo Brunelleschi (Italia)

Filippo di Ser Brunellesco Lapi, Filippo Brunelleschi (1377 - 15 de abril de 1446) fue un arquitecto, escultor y orfebre renacentista italiano. Es conocido, sobre todo, por su trabajo en la cúpula de la Catedral de Florencia Il Duomo. Sus profundos conocimientos matemáticos y su entusiasmo por... Ver mas
Filippo di Ser Brunellesco Lapi, Filippo Brunelleschi (1377 - 15 de abril de 1446) fue un arquitecto, escultor y orfebre renacentista italiano. Es conocido, sobre todo, por su trabajo en la cúpula de la Catedral de Florencia Il Duomo. Sus profundos conocimientos matemáticos y su entusiasmo por esta ciencia le facilitaron el camino en la arquitectura, además de llevarle a la invención de la perspectiva cónica.1
Fue contemporáneo de Leon Battista Alberti, Ghiberti, Donatello y Masaccio. Giorgio Vasari incluyó la biografía de Brunelleschi en su obra Vida de los mejores arquitectos, pintores y escultores italianos (Vite de' più eccellenti architetti, pittori, et scultori italiani, da Cimabue insino a' tempi nostri, 1542–1550).
Brunelleschi y la pintura[editar]
Su primera gran obra fue teórica, al ser el primero que formula las leyes de la perspectiva cónica, un sistema de representación gráfico basado en la proyección de un volumen sobre un plano auxiliándose en rectas proyectantes. Fue un elemento clave de la pintura renacentista, pues es la representación que más se aproxima a la visión real, al ser muy similar a la imagen que percibimos de los objetos.
Brunelleschi escultor[editar]
Decidido a ganarse la vida como escultor, participó en un concurso que consistía en realizar los bajorrelieves de las puertas del Baptisterio de Florencia, en 1401, en los que se tenía que representar el sacrificio de Isaac dentro de un marco poli lobulado; tenía que aparecer Abraham, Isaac, un ángel, dos sirvientes con un asno, leña y un cordero o una oveja. Quedó en segundo lugar, por no ceñirse a las bases y hacer un altar que parece estar llevado por el asno, además, el rostro de Abraham aparecía con expresión irritada; este hecho hizo que se inclinase por la arquitectura en exclusiva.
Brunelleschi arquitecto[editar]
Filippo Brunelleschi fue el iniciador de la arquitectura de estilo renacentista, caracterizado por ser un momento de ruptura con respecto al estilo precedente: la Arquitectura gótica, buscando su inspiración en una interpretación del Arte clásico, que se consideraba el modelo más perfecto de las Bellas Artes.
Cúpula de la Catedral de Florencia[editar]

Cúpula de Santa María del Fiore, la catedral de Florencia.

Sección de la cúpula de la Catedral de Florencia.
La cúpula de la Catedral de Florencia o Santa María de las Flores, es su obra más famosa y más controvertida. Esta enorme cúpula no sólo destaca sobre el conjunto de la iglesia sino que es una referencia visual en toda la ciudad de Florencia. La catedral de Florencia es gótica y fue realizada por Arnolfo di Cambio, pero estaba sin concluir pues se encontraba sin abovedar el crucero.
Por la altura del edificio, la cúpula que cubriera dicho crucero no podía ser totalmente semiesférica por posibles problemas en el sistema de empujes y contrarrestos de fuerzas. La solución que llevó a cabo Brunelleschi fue una superposición de dos bóvedas esquifadas, octogonales, una dentro de otra, que estaban hechas de ladrillo, divididas en tramos a modo de gajos. Esta innovación permitía un reparto de esfuerzos, además de conseguir la sensación de ligereza.
La distancia entre ambas cúpulas se mantiene siempre constante. Por su casquete alargado recuerda al gótico. Está construida sobre un tambor poligonal de fábrica, que más adelante se recubriría con mármoles, en el cual se abrieron óculos circulares, que proporcionan iluminación cenital al interior del crucero. Es la primera vez que la estructura bien definida de una cúpula ofrece el mismo aspecto en el interior que en el exterior.
Basílica de San Lorenzo de Florencia[editar]

Interior de la Basílica de San Lorenzo de Florencia.
Inspirada en las basílicas paleocristianas que Brunelleschi estudió, se trata de un templo con planta de cruz latina de tres naves, planteada bajo un esquema 2-1, es decir con la nave central más alta y ancha. En el interior, la nave central tiene el techado plano casetonado y las naves laterales se cubren con concatenación de bóvedas vaídas. La separación de las naves se establece mediante columnas de orden compuesto y sobre ellas un entablamento completo en el que descarga cada arco de medio punto, consiguiendo mayor altura de una manera armónica. En el crucero dispuso de cúpula como cerramiento.
Brunelleschi busca en esta iglesia fundamentalmente dos aspectos:
Horizontalidad: empleando elementos arquitectónicos que refuerzan la sensación de horizontalidad, como los entablamentos, la cubierta plana de la nave central, etc.
Armonía: buscó la armonía empleando criterios geométricos. Por ejemplo, establece formas cúbicas ya que la altura de las columnas es idéntica a la distancia entre columnas contiguas y entre éstas y los muros de las naves laterales.
La Basílica del Espíritu Santo es de estilo similar.
Fachada del Hospital de los Inocentes 1419-1444[editar]
Se trata de un edificio de gran horizontalidad. En el cuerpo inferior se dispone de un pórtico con arcos de medio punto sobre columnas de orden compuesto, que se independiza visualmente del resto de la construcción. En las enjutas de los arcos hay tondos o medallones con figuras blancas (bebés que piden) sobre fondo azul. Es el único elemento figurativo, ya que Brunelleschi desnuda esta fachada del Hospital de los Inocentes del resto de elementos decorativos.
Obras Principales[editar]

Interior de la Capilla Pazzi.
Cúpula de la Catedral de Santa María de la Flor, en Florencia (1420-1436)
Palacio Pitti (atribuído) (1557-1566)
Capilla Pazzi 1429-1461
Sacristía Vieja de San Lorenzo 1419-1422
Hospital de los Inocentes 1419-1427
Basílica de San Lorenzo de Florencia 1421-1428
Basílica Santo Espíritu de Cristo 1434-1446
Proyecto para la Iglesia de Santa María de los Angeles, Florencia, 1434 (con planta inspirada en el Panteón o San Vital de Rávena, no llegó a finalizarse pero sus planos influyeron en Bramante y Leonardo da Vinci)
Proyecto para la residencia del Duque de San Demetrio ne' Vestini - (1420)

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Biaggio Rossetti (Italia)

52. Biaggio Rossetti (Italia)

Biagio Rossetti (Ferrara, 1447 - 1516) fue un arquitecto y urbanista italiano. Trabajó prácticamente toda su vida en la corte de los Este y proyectó y ejecutó la construcción de la célebre Addizione Erculea encargada por el duque Hércules I de Este en 1492. Gracias en particular a este... Ver mas
Biagio Rossetti (Ferrara, 1447 - 1516) fue un arquitecto y urbanista italiano.
Trabajó prácticamente toda su vida en la corte de los Este y proyectó y ejecutó la construcción de la célebre Addizione Erculea encargada por el duque Hércules I de Este en 1492.
Gracias en particular a este majestuoso proyecto, Rossetti puede ser considerado el primer urbanista que utilizó métodos modernos de explotación. Y Ferrara gracias a él y su Addizione es considerada la primera ciudad moderna de Europa.
Igualmente proyectó y dirigió el famoso Palazzo dei Diamanti, cuya principal característica es el sillar externo en mármol blanco.

Iglesia de San Cristóbal en el Cementerio de la Certosa.
Las principales obras diseñadas y construidas en Ferrara, además del Palazzo dei Diamanti, son:
La iglesia de San Cristóbal en el Cementerio de la Certosa;
El Palacio de Ludovico el Moro también llamado Palazzo Costabili;
La iglesia de San Francisco;
El campanario del Monasterio de San Jorge fuori le mura.
En Ferrara, le fue dedicada la FAF - Facultad de Arquitectura de Ferrara, fundada en 1992.

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Paolo Portoghesi (Italia)

53. Paolo Portoghesi (Italia)

Paolo Portoghesi (Roma, 2 de noviembre de 1931) es un arquitecto italiano. Es autor de varios trabajos de una notoriedad importante para Italia, entre los que se encuentran la mezquita de Roma y la recuperación y restauración de la aldea pisana de Treja; ha estudiado y colaborado también en la... Ver mas
Paolo Portoghesi (Roma, 2 de noviembre de 1931) es un arquitecto italiano. Es autor de varios trabajos de una notoriedad importante para Italia, entre los que se encuentran la mezquita de Roma y la recuperación y restauración de la aldea pisana de Treja; ha estudiado y colaborado también en la búsqueda de la Historia Gráfica del campo y, actualmente, es crítico de arte.
Libros[editar]
2000 - Nature and architecture (Naturaleza y Arquitectura)
1985 - Opere (Opera)
1982 - After modern architecture (Después de la Arquitectura Moderna)
1971 - Roma del Rinascimento (Roma del Renacimiento)
1967 - Roma barocca: Storia di una civiltà architettonica (Roma Barroca: Historia de una civilización arquitectónica)
1967 - Borromini: architettura come linguaggio
1966 - Bernardo Vittone: Un architetto tra illuminismo e rococò

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Petrus Cuypers (Holanda)

54. Petrus Cuypers (Holanda)

Petrus Josephus Hubertus (Pierre) Cuypers (* 16 de mayo de 1827, Roermond – † 3 de marzo de 1921, Roermond) fue un arquitecto holandés. Sus obras más conocidas son la Estación Central de Ámsterdam (1881-1889) y el Rijksmuseum (1876-1885), ambos en la ciudad de Ámsterdam y también las más de cien... Ver mas
Petrus Josephus Hubertus (Pierre) Cuypers (* 16 de mayo de 1827, Roermond – † 3 de marzo de 1921, Roermond) fue un arquitecto holandés. Sus obras más conocidas son la Estación Central de Ámsterdam (1881-1889) y el Rijksmuseum (1876-1885), ambos en la ciudad de Ámsterdam y también las más de cien iglesias que construyó, más la gran cantidad de monumentos que restauró.
Biografía[editar]
Cuypers era el hijo de un pintor de iglesias y se crio en un entorno en el que se alentaba el interés por el arte. Después de estudiar en el colegio en Roermond, se trasladó a Amberes en 1844 para estudiar arquitectura en la academia de arte. Allí recibió lecciones de Frans Andries Durlet, Frans Stoop Berckmans y Ferdinand Beckmans, todos pioneros de la arquitectua neogótica en Bélgica. Cuypers era un buen estudiante y en 1849, obtuvo el Premio Excelencia de la Academia.
Después de una gira por Renania, regresó a Roermond, donde fue nombrado arquitecto de la ciudad en 1851.
El trabajo eclesiástico de Cuypers fue fuertemente influenciado en sus inicios por la arquitectura francesa del siglo XIII y por los escritos de sus amigos Eugène Viollet-le-Duc y J.A. Alberdingk Thijm. Cuypers construyó un gran número de iglesias repartidas por toda Holanda, en las que la influencia francesa desempeñó un papel destacado. Lo más sobresaliente de este primer período son la Iglesia de Lambert en Veghel y la Iglesia de Catharina de Eindhoven, entre otras. Desde 1870 en adelante el estilo de Cuypers se vio más influenciado por el estilo gótico nativo de los Países Bajos, así como por los estilos gótico de otros países como Noruega e Italia. En esta segunda parte de su carrera construyó algunos de sus mejores trabajos. Desde 1883 en adelante, colaboró con su hijo Joseph Cuypers en gran parte de sus trabajos.
Rijksmuseum de Ámsterdam[editar]
Edificio construido entre 1876 y 1885 por Cuypers, que combinó elementos de la arquitectura gótica y renacentistas, decorándolo ricamente con referencias a la historia del arte holandés. El edificio ocupa un destacado lugar en la Museumplein (Plaza de los museos), cerca del Museo van Gogh y el Museo Stedelijk.

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Adolf Loos (Austria)

55. Adolf Loos (Austria)

Arquitecto austriaco, uno de los pioneros del movimiento moderno en la arquitectura. Recibió la influencia racionalista de la escuela de Chicago y reaccionó contra la superficialidad del estilo Art Nouveau, de moda en su época. Su fuerte crítica quedó plasmada en el conocido ensayo Ornamento y... Ver mas
Arquitecto austriaco, uno de los pioneros del movimiento moderno en la arquitectura. Recibió la influencia racionalista de la escuela de Chicago y reaccionó contra la superficialidad del estilo Art Nouveau, de moda en su época. Su fuerte crítica quedó plasmada en el conocido ensayo Ornamento y delito (1908) y en la Casa Steiner (Viena, 1910), un edificio cúbico liso, despojado de todo adorno, que fue una de las primeras viviendas construidas en hormigón armado. Las ideas radicales de Loos tuvieron una importante influencia entre los arquitectos vanguardistas de la siguiente generación, sobre todo en Austria y Alemania. © M.E.

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Andrea Palladio (Italia)

56. Andrea Palladio (Italia)

Andrea Palladio, de nombre Andrea di Pietro della Góndola (Padua, 1508 - Maser, 1580) fue un importante arquitecto italiano de la República de Venecia. Trabajó fundamentalmente en la ciudad de Vicenza y sus alrededores, y también en la misma Venecia. Se le considera el arquitecto que tal vez... Ver mas
Andrea Palladio, de nombre Andrea di Pietro della Góndola (Padua, 1508 - Maser, 1580) fue un importante arquitecto italiano de la República de Venecia. Trabajó fundamentalmente en la ciudad de Vicenza y sus alrededores, y también en la misma Venecia. Se le considera el arquitecto que tal vez «mejor supo actualizar la herencia de las formas clásicas con la realidad del momento central del Cinquecento».1 Sus villas campestres y otras obras han influido de manera importante en la arquitectura del Neoclasicismo.
Vida y obra[editar]

Retrato de Gian Girogio Trissino (1510)
Nació en Padua en 1508. Allí estudió junto a Giovanni Maria Falconetto, aunque la persona que más influyó en su formación fue el humanista y arquitecto aficionado Gian Giorgio Trissino, convertido en su más decidido valedor. Con él viajó a Roma en 1551.
[Palladio en Roma] se ve conmocionado por el hecho de que la arquitectura de los antiguos, altamente expresiva de contenidos ideales y y de sentimientos civiles, fuese también técnicamente perfecta, ofreciera una respuesta a las exigencias prácticas y se adaptara admirablemente tanto al lugar como a la función. [...] En toda la obra de Palladio aparecen bien claros estos dos momentos: el ideal clásico como suprema imagen de un modo de vida civil perfecto, y la respuesta a una exigencia práctica, el ceñirse a circunstancias específicas de lugar y de hecho como determinaciones de dicho ideal en los casos, siempre distintos, de la vida real.
Giulio Carlo Argan2
Los palacios[editar]
Durante sus estancias en Roma (a la de 1541, le siguieron dos más, en 1545 y en 1547)3 tomó muchos apuntes, no sólo de las ruinas romanas sino también de las obras de Bramante, algunos de los cuales fueron recogidos en sus I quattro libri dell'Architettura, obra publicada cuando tenía 62 años, y por la que se le ha relacionado con Leon Battista Alberti. Otra semejanza con Alberti (concretamente con su Templo Malatestiano de Rímini) fue la forma en que acometió la envoltura externa de la gótica Basílica de Vicenza destinada a la administración comunal.1

Basílica Palladiana, Vicenza.
[La solución de Palladio] consistió en rodear el núcleo medieval con una corona de pórticos en dos pisos con arcadas, volteadas airosa y rítmicamente, en la disposición de los vanos serlianos, como Sansovino había ya ideado para la biblioteca de San Marcos, y con éxito tal que, desde entonces, pudo llamarse también «motivo palladiano». La seración de columnillas y columnas, abajo toscanas y arriba jónicas, de dinteles y arcos sin demasiados apliques plásticos, salvo las estatuas míticas que, por encima de la cornisa, prolongan los ejes recortándose sobre el cielo, o la verde cubierta del artesón gótico, tienen tal énfasis musical y métrico que la arquitectura parece mecida a ritmo de baile y hasta se puede pautar como un poema yámbico.4

Fachada del Palacio Valmarana en Vicenza.
Según Giulio Carlo Argan, la solución adoptada por Palladio para la basílica se debió a su propósito de "dar a Vicenza dignidad y forma clásicas evocando su origen romano". "Transformar un palacio comunal gótico mediante una envoltura clásica haciendo de él una basílica civil romana implicaba, en el pensamiento del artista, imponer al núcleo vital de la comunidad urbana un asentamiento clásico y moderno a un tiempo. [...] La galería repite en la parte superior los vanos amplios y profundos del pórtico, pero la estructura que une las arcadas es más compleja, con mayor separación entre las medias columnas y las columnas laterales geminadas en profundidad. [...] Se trata de un espacio con intervalos claramente marcados según un ritmo trímetro yámbico: breve-larga-breve. Y en el mismo ritmo, más apretado, se encuentran en los llenos: columnita-media columna, columnita".5
La Basílica de Vizenza (comenzada en 1549 y finalizada en 1614, treinta años después de la muerte de Palladio) despertó el interés de las familias pudientes de Vicenza, que empezaron a encargarle la construcción de sus palazzos urbanos y de sus villas campestres. Se trataba de "una nobleza bien encuadrada en la estructura de la república, sin ambiciones de poder, culta y laboriosa, especialmente interesada, en ese momento, en desarrollar la producción agrícola, en administrar sabiamente las vastas haciendas que adquiere y en las que gusta de pasar una parte del año. La vida social, en suma, tiene un núcleo, la ciudad, y una vasta periferia, el campo: de ahí la distinción, y, a un tiempo, la relación entre los palacios urbanos y las villas".6

Palacio Chiericati.
Fue tal la cantidad de palazzos y otras construcciones civiles que realizó que Vicenza quedó identificada como la ciudad de Palladio, especialmente la vía mayor o Corso, que lleva su nombre. Allí se encuentra el palacio Chiericati (1551-1553), que destaca "por la novedad de las tribunas en los ángulos de un ancho pórtico toscano adintelado y sus acróteras plásticas y geométricas", y el palacio Valmarana, en el que utilizó pilastras de orden gigante al modo de Miguel Ángel en la basílica vaticana. El orden gigante también lo aplicó a las columnas de la loggia del Capitano (1571), o al inacabado palacio Porto.1
[Los palacios urbanos de Palladio] son, sobre todo, casas dignas pero sin fastuosidad, cuyo prestigio urbano se confía más bien a la nobleza de las formas que a la ostentación de la riqueza o del poder; elemento esencial es la fachada, con la que las grandes familias quieren contribuir, casi como se tratara de un deber, al noble aspecto de la ciudad. Los palacios privados de Palladio... son muy distintos para entendernos de la maciza y altiva ostentación de poder del Palazzo Farnese de Roma.[...] Muchos de los palacios de Palladio se establecen sobre la vía del Corso: sus fachadas forman las paredes de ésta, entendida como una arquitectura abierta y transitable cuyo techo es el cielo. Cronológicamente, se distribuyen a lo largo de un período de treinta años, y cada fachada presenta una forma propia, una originalísma compaginación de los elementos de la morfología clásica. [...] Concebidas en función de la calle... casi todas [las fachadas] presentan un primer orden rústico, casi un basamento, y sólo sobre éste, donde el vano de la calle se hace más luminoso, se alzan los órdenes de columnas y pilastras. [...] Compone sus fachadas, preferentemente, con un orden único, gigante, de columnas o pilastras, de tal modo que todas las profundidades y todos los resaltes, ya sean reales o puramente representados, se proyectan sobre una única superficie o, cuando menos, se compendian en una profundidad mínima.
Giulio Carlo Argan7
La identificación de Palladio con la cultura clásica, y singularmente con Vitrubio, alcanzó su zénit en el teatro Olímpico (acabado por Vincenzo Scamozzi), en el que reprodujo con gran fidelidad la escena de un teatro romano.1 Según Giulio Carlo Argan, esta última obra de Palladio es la prueba de "hasta qué punto la calle era para Palladio el lugar ideal de la vida urbana: en la escena monumental del teatro, se abren [tres] calles de noble arquitectura, en perspectivas muy amplias, huidizas".8
Las villas[editar]
Artículo principal: Villas palladianas

Fachada principal de Villa Foscari (1560).
En cuanto a las villas palladianas esparcidas en los campos inmediatos a la ciudad de Vicenza, destaca la villa Capra (1567-1569), también conocida como "La Rotonda", en la que "plantea cuatro pórticos de templos romanos con elevador estereobato y columnas dóricas en medio de jardines que acceden, por los cuatro puntos cardinales, a un cubo en cuyo centro se ha instalado un cuasi panteón romano: Naturaleza y Cultura no han encontrado mejor síntesis bajo tan limpio lenguaje clásico". Otra villas destacadas son la villa Foscari o "de la Malcontenta" (1560), de un solo pórtico, o la villa Barbaro de Maser, en cuya fachada aparecen tímpanos helénicos y relojes de sol, y que está decorada interiormente por Veronés.9
Con frecuencia las mismas familias que encargan a Palladio la construcción de su palacio en la ciudad le hacen construir también su villa en el campo: palacio y villa representan dos caras de la misma realidad social. La casa urbana se inserta en una condición espacial dada, la perspectiva de la calle; la villa se inserta en un ambiente paisajístico siempre distinto, abierto a todas direcciones. Con respecto a la calle, el palacio es una fachada, un plano frontal; con respecto al horizonte y al paisaje que la rodea, la villa es un organismo articulado, condicionado por la variedad de los puntos de vista, el carácter del emplazamiento, las pendientes del terreno, etc. [...] Palladio plantea el problema en términos claros: se trata de insertar una forma sólida, una construcción geométrica y volumétrica, en un espacio natural que es distinto en cada ocasión, y de encontrar entre estas dos realidades... una relación de armonía e incluso de perfecta equivalencia.[...] En la mayoría de los casos la fascinación de las villas palladianas consiste, precisamente, en esta concertada variedad de desarrollos temáticos: de la simplicidad de lo rústico a la solemnidad histórico-religiosa del templo, del carácter práctico de los cuerpos secundarios destinados a las necesidades de la hacienda agrícola a la refinadísima elegancia de los cuerpos centrales destinados a otras funciones sociales. Los parques y los jardines, como naturaleza "educada" o formada por el hombre, relacionan la arquitectura con amplios espacios cultivados, las colinas y los bosques...
Giulio Carlo Argan10
Las iglesias[editar]

San Giorgio Maggiore.
El clasicimso de Palladio también se aprecia, aunque con algún toque manierista en las iglesias que construyó en Venecia: San Giorgio Maggiore (1565), "de tres naves y profundo coro tras la capilla mayor, situada en la isla de su nombre y panorama obligado para el observador desde la piazzeta de San Marcos; la Iglesia del Redentor (1577), en la [[isla de Giudecca, que cuenta como la anterior, "con cúpulas y hastiales y columnas gigantes soportando nítidos frontones clásicos; y la iglesia de San Francesco della Vigna, y otros claustros y conventos.11
Las dos iglesias venecianas, San Girogio Maggiore y la del Redentore presentan notables novedades respecto a los esquemas tradicionales de la arquitectura religiosa. "Los interiores son grandes vanos luminosos, con los que se relacionan los espacios laterales, en un despliegue continuo de superficies blancas acentuadas por la mayor intensidad lumínica de las estructuras. Más que lugares de devoción, son espacios destinados a un rito que debe desarrollarse a la luz del sol, en presencia de la gente, sin sombra de misterio", dice Argan. Además, añade Argan, "la forma de las dos iglesias viene determinada por su situación en el espacio, en el paisaje urbano". San Giorgio Maggiore, está al otro lado del ancho canal de San Marcos, frente a la basílica de San Marcos que se encuentra enfrente. Así "el campanile y la cúpula ligera y transparente como una bola de vidrio de San Giorgio" se corresponden, a distancia, con las cúpulas de San Marcos "que parecen de madreperla y su altísimo campanile, rojo y blanco en el cielo". "El plano del muro que está a la vista, de color rojo claro, sirve de fondo a la fachada blanca que es como una barrera blanca, intensamente iluminada, entre el espejo del agua y el horizonte. [...] Dos planos rematados por tímpanos triangulares, uno más bajo y más ancho y otro, el central, más alto y estrecho".12
Arquitectura: cronología de trabajos[editar]

Uno de los primeros trabajos de Palladio, Villa Godi.
La cronología normalmente refiere al proyecto de las obras y no a su construcción.13
1531: Portal de la iglesia de Santa Maria dei Servi, Vicenza (atribuido)
1534: Villa Trissino a Cricoli, Vicenza (tradicionalmente atribuida, pero probablemente diseñada por Gian Giorgio Trissino)
1537-1542: Villa Godi (para Girolamo, Pietro y Marcantonio Godi), Lonedo di Lugo di Vicenza
1539 circa: Villa Piovene, Lonedo di Lugo di Vicenza, Provincia de Vicenza (atribuida)
1540-1542 circa: Palazzo Civena, Vicenza
1540 circa-1566 circa: Palazzo Pojana, Vicenza (atribuida)
1542 - Villa Valmarana, Vigardolo di Monticello Conte Otto, Provincia de Vicenza
1542-1556 circa: Palazzo Thiene, Vicenza (probablemente proyecto de Giulio Romano)
1542: Villa Gazzotti (para Taddeo Gazzotti), Bertesina, Vicenza
1542 circa: Villa Caldogno (para Losco Caldogno), Caldogno, Provincia de Vicenza (atribuida)
1542: Villa Pisani (para Vettore, Marco y Daniele Pisani), Bagnolo di Lonigo, Provincia de Vicenza
1542: Villa Thiene (para Marcantonio y Adriano Thiene), Quinto Vicentino, Provincia de Vicenza (probablemente una reelaboración de un proyecto de Giulio Romano)
1543: Villa Saraceno (para Biagio Saraceno), Finale de Agugliaro, Provincia de Vicenza
1544 circa-1552: Palazzo Porto (para Iseppo De' Porti), Vicenza
1546-1549: Loggias del Palacio de la Ragione (entonces denominada Basílica Palladiana), Vicenza (completada en 1614 después de la muerte de Palladio)
1546 circa-1563 circa: Villa Pojana (para Bonifacio Pojana), Pojana Maggiore, Provincia de Vicenza
1546 circa: Villa Contarini, Piazzola sul Brenta, Provincia de Padua (atribuida)
1547: Villa Arnaldi (para Vincenzo Arnaldi), Meledo di Sarego, Provincia de Vicenza (inacabada)
1548: Villa Angarano, Bassano del Grappa, Provincia de Vicenza (El cuerpo principal de la villa fue reconstruida más adelante por Baldassarre Longhena; el barchesse es parte del original)
1550-1557: Palazzo Chiericati (para Girolamo Chiericati), Vicenza (completado sobre 1680 después de la muerte de Palladio)
1550: Villa Chiericati (para Giovanni Chiericati), Vancimuglio di Grumolo delle Abbadesse, Provincia de Vicenza (completada en 1584 por Domenico Groppino después de la muerte de Palladio)
1552: Villa Cornaro (para Giorgio Cornaro), Piombino Dese, Provincia de Padua
1552 circa: Villa Pisani (para Francesco Pisani), Montagnana, Provincia de Padua
1554-1563: Villa Badoer denominada La Badoera (para Francesco Badoer), Fratta Polesine, Provincia de Rovigo
1554: Villa Porto (para Paolo Porto), Vivaro di Dueville, provincia de Vicenza (atribuida)
1554: Villa Barbaro (para Daniele y Marcantonio Barbaro), Maser, Provincia de Treviso
1554 ?: Villa Zeno (para Marco Zeno), Donegal di Cessalto, Provincia de Treviso
1555 circa: Palazzo Dalla Torre, Verona (solo parcialmente realizada. Una parte fue destruida por una bomba en 1945)
1556: Arco Bollani, Udine
1556 circa: Palazzo Antonini, Udine (alterada por posteriores reformas)
1556: Villa Thiene, Cicogna di Villafranca Padovana (inacabada; solo el barchessa permanece)
1557: Villa Repeta, Campiglia dei Berici (destruido por un incendio, posteriormente reconstruido)
1558: Fachada para la Basílica de San Pietro di Castello, Venecia (completada después de la muerte de Palladio)
1558: Villa Emo (para Leonardo Emo), Fanzolo di Vedelago, Provincia de Treviso
1558: Bóveda para la Catedral de Vicenza, Vicenza (destruida en un bombardeo durante la Segunda Guerra Mundial, posteriormente reconstruida)
1559: Villa Foscari denominada La Malcontenta, Malcontenta di Mira, Provincia de Venecia
1559: Casa Cogollo (para Pietro Cogollo), tradicionalmente conocida como Casa de Palladio, Vicenza (attributed)
1560-1563 circa: Claustro del ciprés y refettorio del monasterio de San Giorgio Maggiore, Venecia
1560: Convento della Carità, Venecia (sólo el claustro y el atrio, destruido en 1630 en un incendio)
1560: Palazzo Schio (para Bernardo Schio), Vicenza
1563 circa: Puerta lateral para la Catedral de Vicenza
1563 circa: Villa Valmarana, Lisiera di Bolzano Vicentino, Provincia de Vicenza
1564: Fachada de la iglesia de San Francesco della Vigna, Venecia
1564: Palazzo Pretorio, Cividale del Friuli (provincia de Udine) (proyecto atribuido)
1565: Basílica de San Giorgio Maggiore, Venecia (completada entre 1607 y 1611 después de la muerte de Palladio, con una fachada diferente proyectada por Vincenzo Scamozzi)
1565: Teatro en el patio Convento de la Carità, Venecia (destruido por un incendio en 1570)
1565: Palazzo del Capitaniato, Vicenza
1565: Palazzo Valmarana (para Isabella Nogarola Valmarana), Vicenza
1565: Villa Serego (para Marcantonio Serègo), Santa Sofia di Pedemonte (Provincia de Verona)
1565 circa: Villa Forni Cerato (para Girolamo Forni), Montecchio Precalcino, Provincia de Vicenza
1566: Villa Capra, la Rotonda(para Paolo Almerico), Vicenza (completada en 1585 por Vincenzo Scamozzi después de la muerte de Palladio)
1567 circa: Villa Trissino, Meledo di Sarego, Provincia de Vicenza (solo realizada parcialmente)
1568: Puente Vecchio, Bassano del Grappa, Provincia de Vicenza (reconstruida en 1748 y después de la Segunda Guerra Mundial)
1569-1575: Palazzo Barbaran da Porto (para Montano Barbarano), Vicenza
1569: Puente en Tesina, Torri di Quartesolo, Provincia de Vicenza (atribuido)
1570: Villa Porto (para Iseppo Porto), Molina di Malo, Provincia de Vicenza
1571: Palacio Porto en la Plaza Castello, Vicenza (sin terminar, completado en 1615 por Vincenzo Scamozzi)
1572 ?: Palazzo Thiene Bonin Longare, Vicenza
1574-1577: Habitaciones en el Palacio Ducal, Venecia
1574: Fachada para Basilica di San Petronio, Bolonia (proyecto)
1576 circa: Capilla Valmarana (para Isabella Nogarola Valmarana) en la iglesia de Santa Corona, Vicenza
1577: Iglesia de Il Redentore, Venecia
1578: Iglesia de Santa Maria Nova, Vicenza (proyecto atribuido, completada en 1590 después de la muerte de Palladio)
1579: Porta Gemona, San Daniele del Friuli, Provincia de Udine
1580: Iglesia de Santa Lucia, Venecia (dibujos para el interior; demolida)
1580: Iglesia (Tempietto Barbaro) de Villa Barbaro, Maser
1580: Teatro Olímpico, Vicenza (completado después de la muerte de Palladio por su hijo Silla y en 1585 por Vincenzo Scamozzi)
1580: Le Zitelle (Venecia)
Los cuatro libros de la arquitectura[editar]
Artículo principal: Los cuatro libros de la arquitectura

Libro primero de la Arquitectura de Palladio (1625).
La obra escrita más importante de Palladio son Los cuatro libros de la arquitectura (I quattro libri dell'architettura, en italiano), un tratado de arquitectura publicado en Venecia en 1570 en cuatro secciones llamadas libros, escrito y abundantemente ilustrado de diseños, secciones, y detalles de elementos de arquitectura.
Palladio, Andrea (2008). Los cuatro libros de la arquitectura de Andrea Palladio (1ª edición). Madrid: Akal. p. 512. ISBN 9788446028598.
Palladio, Andrea (2008). Las antigüedades de Roma (1ª edición). Madrid: Akal. p. 223. ISBN 9788446026976.
Influencia[editar]
Hasta mediados del siglo XVIII, la arquitectura inglesa estuvo bajo la influencia total del llamado palladianismo. Los propietarios burgueses y nobles, que habían adquirido una nueva conciencia de su propia importancia después de la implantación de la monarquía constitucional, fueron los primeros en Europa en abandonar el lenguaje formal barroco para construir sus residencias, y los primeros en buscar un ideal de creación más discreto y moderado, pero que no dejara de ser digno y solemne.
Lo encontraron en la arquitectura de Palladio, cuyas construcciones se caracterizaban por su sencillez y equilibrio, basado en la aplicación de una estricta simetría y un sistema lógico de proporciones. En el siglo XVII un importante arquitecto inglés, Iñigo Jones, había tomado ya sus obras como modelo, de modo que el palladianismo pasó a ser considerado un estilo inglés por excelencia, contrapuesto al recargado estilo barroco que predominaba en los países católicos y absolutistas del resto de Europa. En consecuencia, los arquitectos y propietarios ingleses elevaron el estilo arquitectónico de Palladio a la categoría de ideal, de norma de la que uno no podía desviarse. En esta concepción yacía la idea de que la belleza era algo absoluto, basado en leyes objetivas y de aplicación universal.
Así, en parte por la labor de lord Burlington -el mayor coleccionista de sus dibujos e introductor de su legado en Inglaterra- en la primera mitad del siglo XVIII Inglaterra se llenó de construcciones palladianas, formadas por cuerpos cúbicos claramente definidos y según un estricto sistema de proporciones, con una decoración exterior muy austera y fachadas acentuadas por un gran pórtico al estilo de un templo antiguo, es decir, edificado sobre un zócalo de obra rústica.
A mediados del siglo XVIII se vivió un segundo auge en la construcción de villas que originó la aparición, ante las puertas de Londres, de casas de campo de dimensiones más reducidas, propiedad de la burguesía adinerada, como la de Wrotham Park, construida en 1754 por Isaac Ware. El centro de esta casa lo forma el cubo de una villa palladiana, con cinco hileras de ventanas y un pórtico jónico tetrástilo con frontón (arquitectura) irregular. Posteriormente, esta tradición sería transmitida a las colonias de Norteamérica, donde la incipiente burguesía levantaría sus villas conforme a estos principios.

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Guarino Guarini (Italia)

57. Guarino Guarini (Italia)

Guarino Guarini, (nombre completo Camillo Guarino Guarini) (Módena, 1624 - Milán, 1683) fue un sacerdote teatino, matemático, escritor y arquitecto italiano del siglo XVII. Fue al mismo tiempo estudioso de las matemáticas, profesor de literatura y filosofía en Mesina, y, desde los diecisiete... Ver mas
Guarino Guarini, (nombre completo Camillo Guarino Guarini) (Módena, 1624 - Milán, 1683) fue un sacerdote teatino, matemático, escritor y arquitecto italiano del siglo XVII.
Fue al mismo tiempo estudioso de las matemáticas, profesor de literatura y filosofía en Mesina, y, desde los diecisiete años, arquitecto del duque Filiberto de Saboya. Escribió una serie de libros de matemática en latín e italiano, entre los que su "Euclides adauctus" es uno de los primeros tratados de geometría descriptiva.
Diseñó muchos edificios públicos y privados en Turín —palacios para el duque de Saboya, la Iglesia real de San Lorenzo (1666-1680), la mayor parte de la capilla de la Santissima Sindone (1688), incorporando trabajos previos de Castellamonte, el Palacio Carignano (1679-1685)— y otros, públicos y eclesiásticos, en Módena, Messina, Verona, Viena, Praga, Lisboa y París.
Recibió influencia estilística de Francesco Borromini y a su vez influyó en su alumno, Filippo Juvara, y en el alumno de éste, Bernardo Vittone.
Biografía[editar]
El periodo de formación[editar]
Guarino Guarini entró en la Orden Teatina en 1639 y ese mismo año se trasladó para hacer el noviciado a Roma, donde estudió hasta 1647, teología, filosofía, matemáticas y arquitectura. En Roma conoció la arquitectura de Francesco Borromini, entonces todavía vivo, que más tarde influyó profundamente en su obra y, en particular en los primeros proyectos.1
En 1647 regresó a Módena donde fue ordenado sacerdote y nombrado profesor de filosofía en la casa de su Orden. También comenzó su trabajo como arquitecto participando en la construcción de la nueva Casa de la Orden y de la Iglesia, dedicada a San Vicente, para la que se ha sugerido su intervención proyectual.2 Fuera o no así, en esos años de Modena fue capaz de completar su formación con experiencia directa en obras.
En 1655, con solo treinta años, fue nombrado Superior (Preposito) de la Casa Teatina de Módena, pero de ese cargo se vio obligado a renunciar por el desfavor que le manifestó el futuro duque Alfonso d'Este III, por lo que Guarini dejó su ciudad natal.
Una década de viajes[editar]

La iglesia de la Santissima Annunziata en Mesina
El decenio comprendido entre 1655 y 1666 se caracterizó por los viajes fuera de Italia y un cambio continuo de sede en la orden, trabajando inicialmente como profesor de teología, filosofía y matemáticas, y luego también como arquitecto. Durante este período se familiarizó con las diferentes culturas arquitectónicas.
Estuvo primero en Parma y después en Guastalla, donde su presencia se ha documentado en 1655. No hay documentación para el período posterior hasta 1660, cuando publica en Messina la tragicommedia morale La pietà trionfante. Se han hipotetizado viajes a Praga, Lisboa3 y España, de regreso del cual se habría detenido en Messina, aunque podría haber estado en Messina antes de 1660. Sin embargo, según los documentos disponibles estaba activo en Messina a partir de 1660 a 1662, donde, además de enseñar en la escuela de los teatinos y d cultivar su interés por las matemáticas y la literatura, diseñó la finalización de la iglesia de la Santissima Annunziata, adyacente al Colegio de los Teatinos, aunque posteriormente se construyó la Iglesia de San Filippo Neri. Todos estos edificios fueron destruidos durante el terremoto de 1908.
En 1662 regresó momentáneamente a Módena, pero en el otoño de 1662 se fue a París, encargado de dirigir el trabajo de la iglesia teatina de Sainte Anne la Royale, cuya construcción había sido iniciado ya por otros arquitectos. Guarini cambió por completo el proyecto y, tras muchas dificultades, se encargó de él sin finalizarlo por completo; el edificio ahora perdido fue demolido en el siglo XIX.
En Francia amplió sus conocimientos manifestando interés en la arquitectura gótica, la obra de Mansart y la investigación en la geometría proyectiva de Girard Desargues. En París publicó el volumen Placita philosophica que le da notoriedad en el ambiente religioso y que da testimonio de la persistencia de sus estudios de filosofía y ciencia.
En referencia a otros dos proyectos de Guarini fuera de Italia, Santa Maria da Altötting en Praga y de Nuestra Señora de la Divina Providencia de Lisboa, ambos ya desaparecidos, no está claro si comportaron viajes en la península ibérica y en centroeuropa y ni siquiera es segura la época del proyecto.
En Turín[editar]
Se trasladó en 1666 a Turín, inicialmente llamado para ocuparse de la iglesia teatina de San Lorenzo. Pronto fue llamado a trabajar por la Casa de Saboya para la que realizó, entre 1667 y 1690, entre otras cosas, la Cappella della Sacra Sindone en el ábside de la catedral de Turín.
Obras[editar]
Iglesia de la Santissima Annunziata[editar]

Francesco Sicuro, Chiesa della Santissima Annunziata y casa de los Teatinos en Mesina, en Vedute e prospetti della città di Messina, 1768
Con este edificio mesines, Guarini presentó, de hecho, el barroco en Sicilia para perplejidad de sus contemporáneos.4 El proyecto de Guarini debió de dar cuenta de un cuerpo preexistente que debío completar, y de la diferente orientación del espacio exterior, por lo que la fachada presenta un giro inusual, resuelta con la introducción de un campanario en posición asimétrica. La fachada, de varios órdenes superpuestos, muestra una silueta piramidal y una superficie que serán modelo para muchas iglesias de Sicilia en el siglo XVIII. El interior de la iglesia se caracteriza por una cúpula que anticipó las luego hechas en Turín.
Siempre en Messina diseñó la iglesia de la padres Somascos, de planta hexagonal, que no se realizó5 y conocida gracias a las grabados de su tratado Architettura civile: el proyecto parece anticipar las grandes cúpulas nervadas realizadas después por Guarini en Turín, aunque la datación del proyecto 1660-1662 no parece ser fiable y podría ser posterior.
Capilla del Santo Sudario[editar]

Cúpula de la Capilla del Santo Sudario de la catedral de Turín
La capilla del Santo Sudario (en italiano: Cappella della Sacra Sindone) se encuentra en el ábside de la catedral de Turín en contacto con el Palacio Real. En el cuerpo cilíndrico insertó tres pechinas que soportan el tambor donde están las ventanas que se alternan con nichos convexos; la propia cúpula se define por costillas que se entrelazan rompiendo la superficie de la cúpula y de la luz difusa a través de las numerosas ventanas que emergen curiosamente al exterior de la estructura, en el que el tambor está cerrado por una línea sinuosa que contiene las ventanas. De una gran originalidad es la culminación en forma de pagoda obtenido por la disminución gradual de los elementos concéntricos utilizados. Recientemente, el edificio sufrió graves daños por un incendio y fue objeto de una restauración reconstructiva particularmente difícil.
Iglesia de San Lorenzo[editar]
Artículo principal: Iglesia de San Lorenzo (Turín)

La iglesia de San Lorenzo vista desde la plaza Castello, Turín.

Cúpula de la iglesia de San Lorenzo, Turín
Entre 1668 y 1687 realiza para la Orden Teatina la Iglesia de San Lorenzo, de planta central octogonal, con los lados de forma convexa con un presbiterio elíptico dispuesto transversalmente que introduce un eje principal en la composición; el espacio, en el nivel inferior, se define por la presencia de grandes serlianas que delimitan las capillas laterales; la cobertura consta de una cúpula con nervios que se entrelazan para formar el octágono sobre el que descansa la linterna.
Castillo Real de Racconigi[editar]
Artículo principal: Castillo de Racconigi

La fachada norte, con vistas al parque, del castillo de Racconigi
A petición de Manuel Filiberto, llamado el Mudo, Guarino Guarini se comprometió a realizar la primera transformación radical de la fortaleza medieval de Racconigi en una Villa di delizie. A partir de 1676, hace el nuevo proyecto y la gran escalinata de la fachada septentrional del Castillo de Racconigi y proyecta la elevación de dos pabellones con techo de pagoda. En 1681, ampliar aún más la residencia mediante la cobertura del cortile (patio) medieval del castillo, creando un nuevo salón interior que, en la siguiente remodelación settecentesca, se convertirá en el Salone di Ercole [Salón de Hércules].
Todavía se pueden encontrar hoy en el interior rastro de su trabajo en las salas del Appartamento Cinese (chimeneas y cornisa) y en la Sala di Diana (chimeneas).
Palazzo Carignano[editar]
Artículo principal: Palazzo Carignano
De 1679 es el Palazzo Carignano, basado en una planta en forma de U, que tiene una monumental fachada que alterna partes cóncavas y convexas en una configuración tal vez inspirada en los proyectos de Gian Lorenzo Bernini para el palacio del museo del Louvre,6 en el palacio de Vaux-le-Vicomte7 y también en el Oratorio dei Filippini del admirado maestro Borromini, también con pilastras en la fachada y en el uso del ladrillo visto, tratado como materia plástica y moldeable.
Otras obras en Italia[editar]
La iglesia de Santa María de Araceli, en Vicenza, datada entre 1675 y 1680 y que se atribuye a Guarini como resultado de los estudios de Paolo Portoghesi,8 presenta una planta de doble elipse en la que un anillo de columnas delimita un deambulatorio completo alrededor del espacio central, en cuyo interior se separan cuatro fustes de columnas que forman un rectángulo que soportan cuatro arcos sobre los que descansa una cúpula, inervada con ocho costillas.
Otros trabajos[editar]
Después de San Lorenzo, Guarini diseñó otras iglesias de planta central y cúpula, no realizadas (San Gaetano en Niza, San Filippo en Casale, San Gaetano en Vicenza) y otras de planta longitudinal. Otras obras realizadas fuera de Turín, hoy perdidas, fueron:
Sant'Anne La Royale de París (1662), capilla de los teatinos de planta central; fue asperamente criticada por los clasicistas franceses,9 quedó sin terminar y posteriormente fue demolida;
Santa Maria da Altötting en Praga (1679), posteriormente demolida;
Santa Maria de la Divina Providencia de Lisboa (quizás entre 1679 y 1681),10 que fue destruida por un terremoto,11 caracterizada por un espacio interior muy plástico y ondulado en el que las pilastras internas son recorridas por de lesenas torcidas.
El Tratado de Arquitectura civil[editar]
Aunque muchas de las obras arquitectónicas de Guarini han desaparecido, en 1737 apareció una obra escrita póstuma suya, Architettura civile [Arquitectura civil], un tratado de arquitectura que ilustra los principios del autor y documenta con extensión también los proyectos no realizados y los edificios desaparecidos. A nivel teórico se observa a menudo que el tratado de Guarini es una de las primeras manifestaciones de interés por el gótico después de un largo período de abandono. Preparó la publicación del tratado, escrito en el último cuarto del siglo XVII, un seguidor y admirador de su obra, el también arquitecto Bernardo Antonio Vittone. Obras on line: http://architectura.cesr.univ-tours.fr/Traite/Auteur/Guarini.asp?param=
Otros escritos[editar]
En 1674 publicó en Turín un tratado sobre el Modo di misurare le fabbriche [Modo de medir las fábricas], que demuestra su interés por los restos del arte clásico. Además, Guarini también ha escrito varios libros sobre matemáticas tanto en latín como en italiano, entre ellos uno, Euclides adauctus, sobre geometría descriptiva, que fue uno de los primeros en Italia sobre este tema.
En 1665 publicó en París el tratado matemático-filosófico Placita Philosophica defendiendo la tesis del sistema geocéntrico del universo en contra de las teorías de Copérnico y Galileo.
Entre las obras de carácter fiilosófico y literario se recuerda La pietà trionfante, tragicommedia morale [La piedad triunfante, tragicomedia moral], 1660.
Notas[editar]
Volver arriba ↑ Paolo Portoghesi, Guarino Guarini 1624-1683, Electa Editrice, Milano 1956, pag.1-2.
Volver arriba ↑ Susan Klaiber, I progetti per la casa dei Teatini di Modena, en G. Dardanello, S. Klaiber, H. Millon (a cura di), "Guarino Guarini", Umberto Allemandi Editore, Turín 2006.
Volver arriba ↑ Harold Alan Meek. Guarino Guarini, Electa, Milán 1991, pag. 21.
Volver arriba ↑ Francesco Abbate, Storia dell'arte nell'Italia meridionale: il secolo d'oro, Donzelli Editore, 2002.
Volver arriba ↑ Hasta hace unas décadas, algunos autores especularon que había sido construida y también y después destruida.
Volver arriba ↑ Bernini fu a Parigi negli stessi anni di Guarini.
Volver arriba ↑ R. De Fusco, Mille anni d'architettura in Europa, Bari 1999.
Volver arriba ↑ Ver en el sitio oficial de la parroquia de Araceli, Vicenza (en italiano).
Volver arriba ↑ Victor-Lucien Tapié, Barroco e classicismo, 1998.
Volver arriba ↑ La chiesa di Lisbona potrebbe essere stato invece il suo primo edificio importante, costruito tra il 1656 ed il 1659 e progettato durante la sua presenza a Lisbona. vd. Christian Norberg-Schulz, Architettura barocca, 1971, Milán.
Volver arriba ↑ Secondo alcuni autori non fu mai costruita: J.Berchez e F.Marias, fra Juan Andreas Ricci de Guevara e la sua architettura teologica, en Annali di architettura n. 14, 2002.

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Antonio Sant´Elia (Italia)

58. Antonio Sant´Elia (Italia)

Biografía[editar] Nació el 30 de abril de 1888 en la ciudad de Como, en la región italiana de Lombardía, hijo de Luigi Sant'Elia y Cristina Panzillo. En 1905 se tituló como capomastro (maestro constructor), en su ciudad natal, y al año siguiente finalizó la "Escuela de Artes de Oficios G... Ver mas
Biografía[editar]
Nació el 30 de abril de 1888 en la ciudad de Como, en la región italiana de Lombardía, hijo de Luigi Sant'Elia y Cristina Panzillo. En 1905 se tituló como capomastro (maestro constructor), en su ciudad natal, y al año siguiente finalizó la "Escuela de Artes de Oficios G. Castellini". Se trasladó a Milán en 1907 donde frecuentó la Academia de Bellas Artes de Brera hasta 1909. En dicho ambiente conoció a los pintores Carlo Carrà y Leonardo Dudreville.
En 1912 aprobó el examen que lo facultó como profesor de Diseño Arquitectónico, lo cual le habilitó para impartir clases en Bolonia. En dicho año, junto a G. Possamai formó el grupo Nuove Tendenze. A partir de 1913 comenzó a ejercer la docencia en Bolonia, y junto a un amigo abrió un estudio en Milán.
Se adhirió al futurismo publicando en 1914 el Manifiesto de la arquitectura futurista, en el cual expuso los principios de esta corriente. El futurismo de Sant' Elia se encontraba influenciado por las ciudades industriales estadounidenses y por los arquitectos vieneses Otto Wagner y Joseph Maria Olbrich. Sant'Elia concebía el futurismo como arquitectura en "movimiento", un espacio arquitectónico ligado al tiempo, en un proyecto sistémico de la ciencia tecnológica de las máquinas.
Le case dureranno meno di noi. Ogni generazione dovrà fabbricarsi la sua città. Questo costante rinnovamento dell'ambiente architettonico contribuirà alla vittoria del Futurismo. Las casas durarán menos que nosotros. Cada generación tendrá que fabricarse su propia ciudad. Esta constante renovación del ambiente arquitectónico contribuirá a la victoria del futurismo.
Antonio Sant'Elia, Manifesto dell'architettura futurista, 1914. (Tedeschi, 1995, p. 79)
La "Città Nuova" (Ciudad Nueva), de 1913-1914, es el proyecto más importante de este arquitecto. En dicho proyecto se imagina, en una colección de bocetos y proyectos, la Milán del futuro.
Participó voluntariamente en la Primera Guerra Mundial, donde murió.

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Richard Neutra (Austria)

59. Richard Neutra (Austria)

Arquitecto austriaco nacido en Viena, estudió en la Technische Hochschule de ésta ciudad y, al mismo tiempo, en la Bauschule de Adolf Loos de 1911 a 1917. En los primeros años después de la guerra estuvo empleado con un paisajista de Zurich. Desde 1921 trabajó en la Oficina de Obras y... Ver mas
Arquitecto austriaco nacido en Viena, estudió en la Technische Hochschule de ésta ciudad y, al mismo tiempo, en la Bauschule de Adolf Loos de 1911 a 1917. En los primeros años después de la guerra estuvo empleado con un paisajista de Zurich. Desde 1921 trabajó en la Oficina de Obras y Construcciones de Luckenwalde, donde conoció a Erich Mendelsohn, con quien se fue, como asistente, a Berlín. Para un concurso diseñaron un centro de negocios en Haifa, con el que obtuvieron el primer premio. En 1923, Neutra se fue a Estados Unidos, trabajando primero con William Holabird y Martin Roche en Chicago, y luego con Frank Lloyd Wright en Taliesin. Con Rudolf Schindler, en Los Ángeles, trabajó, entre otros proyectos, en el Völkerbundpalast de Ginebra (1927). En 1926 montó su propio estudio, cuya iniciación fue la casa de departamentos Jardinette de Los Ángeles (1927), un edificio de hormigón armado y ventanas corridas. Por la misma época diseñó casas prefabricadas, que denominó One plus two, y trabajó en el proyecto Rush City Reformed, una ciudad futurista. En 1927 publicó su libro Cómo construye América y se le encomendó la construcción de la casa Lovell de Los Ángeles (1929). La estructura de acero que creó para ello se erigió en sólo cuarenta horas. En 1928 y 1929, Neutra se convirtió en fundador y docente de la Academia de Arte Moderno de Los Ángeles. De 1931 a 1933 construyó su casa, la Van-der-LeeuwVersuchshaus, cuyos costos fueron financiados por la fundación del mismo nombre. En los años 30 experimentó con nuevos materiales y formas de construcción y en 1936 realizó el modelo de casa en madera contrachapada y la casa, hoy ya desaparecida, de Josef von Sternberg en el valle de San Fernando, California, con superficies exteriores metálicas y un estanque alrededor. El agua se convirtió en un elemento decorativo característico de la obra de Neutra. Siguieron las casas de departamentos Strathmore y Landfair en Los Ángeles (1938). Durante la Segunda Guerra Mundial, al no poder disponer de materiales modernos, empleó madera de Pernambuco, ladrillo y cristal para la construcción de la casa Nesbitt, Los Ángeles, y en la urbanización Channel Heights en San Pedro (1942). Otros trabajos importantes de Neutra en los años 40 son la Kaufmann House (Desert House) en Palm Springs (1947), la Tremaine House en Santa Bárbara (1948) y la Holiday House Motel en Malibú (1948). De 1949 a 1959 trabajó también, en colaboración con Robert E. Alexander, en grandes proyectos públicos como iglesias, escuelas y casas de negocios, la Escuela Elemental de la Kester Avenue en Los Ángeles (1953), la capilla Miramar en La Jolla (1957) y el edificio de la Ferro Chemical Company en Cleveland, Ohio (1957), con planchas sobresalientes en el tejado y, ya típico de Neutra, con finos pilares. Sus ideas respecto a una arquitectura humanizada las expuso en su libro Survivalthrougt Design (1954). © epdlp

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Carlo Rainaldi (Italia)

60. Carlo Rainaldi (Italia)

Carlo Rainaldi ( 4 de mayo de 1611 – 8 de febrero de 1691) fue un arquitecto italiano del período Barroco. Nacido en Roma, Rainaldi fue uno de los arquitectos más influyentes del Siglo XVII. Inicialmente trabajó junto a su padre, Girolamo Rainaldi. Después de la muerte de su padre, se adhirió... Ver mas
Carlo Rainaldi ( 4 de mayo de 1611 – 8 de febrero de 1691) fue un arquitecto italiano del período Barroco.
Nacido en Roma, Rainaldi fue uno de los arquitectos más influyentes del Siglo XVII. Inicialmente trabajó junto a su padre, Girolamo Rainaldi.
Después de la muerte de su padre, se adhirió al monumental estilo Barroco, y ganó influencia después que el Papa Urbano VIII Barberini fue reemplazado por el gobierno más austero de Inocencio X Pamphili.

Principales obras[editar]
Entre sus trabajos se encuentran la fachada de San Andrés della Valle (1661-1665), que realizó junto con Carlo Fontana, las iglesias gemelas de Santa Maria dei Miracoli y Santa Maria in Montesanto en la Piazza del Popolo y también Santa María in Campitelli (1663-1667) considerada su obra maestra, que se caracteriza por su planta longitudinal con un espacio modificado por dos ejes transversales, y por las imponentes columnas exentas, tanto en el interior como en la fachada.
Inició junto con su padre la iglesia de Santa Agnese in Piazza Navona, pero fueron sustituidos al poco de iniciarla por Francesco Borromini que realizó la mayor parte de esta obra. Finalmente Carlo Rainaldi sera llamado nuevamente para la finalización de la iglesia (en la que también había intervenido G.L. Bernini), modificando el proyecto de Borromini.
En 1660 envió un diseño al concurso del nuevo palacio real del Louvre en Paris, promovido por Luis XIV en el que también participaron Pietro da Cortona y Bernini, entre otros.
Además de edificios, Rainaldi diseñó también escenografías para eventos y ritos religiosos. En 1650 diseñó la escenografía del Quarant'ore (Oración de cuarenta horas) para la iglesia del Gesú. En 1665, el catafalco conmemorativo de Felipe IV de España.

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Peter Behrens (Alemania)

61. Peter Behrens (Alemania)

Arquitecto y diseñador alemán. Nació en Hamburgo y, aunque inició su carrera como grafista, dentro de la corriente Art Nouveau, a partir de 1900 comenzó a practicar también la arquitectura. Behrens evolucionó muy pronto hacia un estilo geométrico y austero, que con el tiempo se impondría como el... Ver mas
Arquitecto y diseñador alemán. Nació en Hamburgo y, aunque inició su carrera como grafista, dentro de la corriente Art Nouveau, a partir de 1900 comenzó a practicar también la arquitectura. Behrens evolucionó muy pronto hacia un estilo geométrico y austero, que con el tiempo se impondría como el arquetipo de la arquitectura industrial. En 1907 comenzó a trabajar como director artístico de la AEG (Allgemaine Elektricitäts-Gesellschaft), empresa para la que diseñó una gran cantidad de productos, algunas fábricas e incluso las viviendas de sus trabajadores. Behrens fue un pionero en la implantación arquitectónica de nuevos materiales y técnicas constructivas. Entre sus obras fundamentales destaca la nave de turbinas para la AEG (1909) en Berlín, construida en hormigón colado, acero visto y grandes cristaleras de vidrio plano, sin ninguna referencia historicista. En la Höchster Farbwerke (1920-1924), cercana a Frankfurt, construida en ladrillo, se acercó a la corriente expresionista, aunque fue menos radical en el uso de los materiales. En su estudio trabajaron tres jóvenes que más tarde se convirtieron en los maestros del movimiento moderno: Walter Gropius, Ludwig Mies Van der Rohe y Le Corbusier. © M.E.

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Frei Otto (Alemania)

62. Frei Otto (Alemania)

Frei Paul Otto (* 31 de mayo de 1925 Siegmar, hoy Chemnitz, Sajonia) es un arquitecto, profesor y teórico alemán. Su gran experiencia en construcción , mallas y otros sistemas de construcción le han dado un lugar entre los arquitectos más significativos del siglo XX. Lidera junto con Vladímir... Ver mas
Frei Paul Otto (* 31 de mayo de 1925 Siegmar, hoy Chemnitz, Sajonia) es un arquitecto, profesor y teórico alemán. Su gran experiencia en construcción , mallas y otros sistemas de construcción le han dado un lugar entre los arquitectos más significativos del siglo XX. Lidera junto con Vladímir Shújov, Buckminster Fuller y Frank Gehry la vanguardia en arquitectura de formas orgánicas.
Biografía[editar]
Frei Otto alcanzó a estudiar arquitectura en la Universidad Técnica de Berlín antes de ser enrolado en la Luftwaffe (Wehrmacht) como piloto de guerra en los últimos años de la Segunda Guerra Mundial. Fue internado en un campo de concentración en Francia y que gracias a su formación como ingeniero militar y la falta de materiales además de necesidad imperiosa de vivienda comenzó a experimentar con tiendas para cibertizo. Después de la guerra estudió en América del Norte donde se conoció a firguras tan significativas como Erich Mendelsohn, Mies van der Rohe, Richard Neutra, y Frank Lloyd Wright. Comenzó su práctica privada en Alemania en 1952. Su Pabellón con forma de sillón en la exposición de Jardines Federales (Bundesgartenschau, BUGA) le valió una primera cuota de fama. Realizó posteriormente un doctorado en construcción tensada en 1954.
Otto es la más grande autoridad en estructuras tensadas y de membrada de bajo peso, y ha encabezado avances en matemática estructural e ingeniería civil. La Carrera de Frei Otto da luces a un parecido con los experimentos arquitectónicos de Richard Buckminster Fuller: ambos enseñan en la Universidad de Washington en St. Louis a fines de la década de los cincuenta, ambos fueron responsables de Pabellones mayores en la Montreal Expo de 1967, ambos se encuentran ligados con tramas de espacios y eficiencia estructural, y ambos han experimentado con edificios "inflables". El trabajo de ambos se encuentra bastante lejos de los métodos tradicionales de cálculo de fuerzas.
Otto fundó el famoso Instituto para estructuras ligeras en la Universidad de Stuttgart en 1964 y encabezó el mismo hasta su retiro de la vida académica.
Como arquitecto e ingeniero civil aún se encuentra activo.
Distinciones y premios[editar]
1967 - Premio a las Artes de Berlín, mención Arquitectura
1974 - "Thomas Jefferson Medal in Architecture" de la Universidad de Virginia y la Thomas Jefferson.
1980 - Aga Khan Award for Architecture.1
1990 - Honda-Preis / Tokio.
1996 - Gran premio del gremio de Arquitectos e Ingenieros Alemanes.
1996/97- Premio de la Fundación Wolf de las Artes (Arquitectura).
1998 - Aga Khan Award for Architecture [1]
2000 - Hijo ilustre de la Ciudad de Leonberg
2000 - Premio especial en la VII Bienal Internacional de Arquitectura a su trayectoria.
2003 - Seleccionado por la revista de arquitectura HÄUSER como una de las más importantes de todos los tiempos.
2005 - Medalla de Oro del RIBA »Royal Institute of British Architects« (RIBA) por su obra.
2005 - Doctor honoris causa de la Facultad de Arquitectura de la Universidad Técnica de Múnich.
2005 - Ausstellung zu seinem Lebenswerk in der Münchner Pinakothek der Moderne (26 de mayo - 28 de agosto de 2005).
2006 - Praemium Imperiale.2 Distinción que concede la Japan Art Association y reconoce los méritos de artistas de diversos campos.
Obras representativas[editar]

Multihalle de Manheim.
1955 - Exposición de Jardines Federales BUGA.
1963 - Iglesia de San Lucas en Bremen.
1967 - Pabellón Alemán para la Exposición Universal en Montreal (desmontado).
1971 - Bonhoeffer-Gemeindezentrum en Bremen con Carsten Schröck.
1972 - Estadio Olímpico de Múnich.
1974 - Centro de conferencias en La Meca junto a Rolf Gutbrod.
1975 - Multihalle en Mannheim.
1980 - Pajarera de más de 5000 m2 en el zoológico de Hellabrunn
1985 - Tuwaiq Palace en Riad, Arabia Saudita; Centro de Autoridades y Cultura
1988 - Pabellón de producción para la fábrica de muebles Wilkhahn.[2]
2000 - Colabora junto a Shigeru Ban en el Pabellón japonés para la Expo 2000 en Hannover.
2000 - Colabora en el gran proyecto Stuttgart 21.
2000 - Pabellón de 24m en Leonberg.
2004 - Propuesta para un refugio Caminable para la Schlossplatz en Stuttgart.

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Bernardo Rossellino (Italia)

63. Bernardo Rossellino (Italia)

Bernardo Rossellino (Settignano -Toscana-, 1409 – Florencia, 1464) fue un escultor y arquitecto del Renacimiento italiano. Su nombre real era Bernardo di Matteo Gamberelli. Era hermano mayor del pintor y escultor Antonio Rossellino. Los cinco hermanos Gamberelli o Rossellino tenían formación de... Ver mas
Bernardo Rossellino (Settignano -Toscana-, 1409 – Florencia, 1464) fue un escultor y arquitecto del Renacimiento italiano. Su nombre real era Bernardo di Matteo Gamberelli. Era hermano mayor del pintor y escultor Antonio Rossellino. Los cinco hermanos Gamberelli o Rossellino tenían formación de cantería, aunque sólo Antonio y Bernardo fueron incluidos por Vasari en sus Vite.
Edificios en Arezzo, Florencia y Roma[editar]
De joven fue pupilo y colaborador de Leone Battista Alberti, sobre cuyos esquemas y planos construyó el Palazzo Rucellai de Florencia (1446-1451), uno de los primeros ejemplos genuinos de palacio florentino del Renacimiento. Exhibe tres órdenes de pilastras planas inscritas en una fachada de almohadillado delicado y variado, bajo una cornisa sin friso.
En torno a 1453 intervino en la Basílica de Santa Croce de Florencia. La autoría de esta obra también es compartida. Parece haberse trazado por Filippo Brunelleschi (muerto en 1446), y probablemente Bernardo Rossellino fue el responsable de la ejecución. El pórtico de entrada fue obra de Benedetto da Maiano.1
En Arezzo aplicó una fachada all'antica ("a la antigua", es decir, con elementos grecorromanos) a la estructura gótico-flamígera del Palazzo della Fraternita della Misericordia o dei Laici, una cofradía benéfica (1435).2
Además de sus obras en Toscana, trabajó mucho en Roma para el Papa Nicolás V, obras entre las que se encuentran la ampliación del transepto y ábside de la Antigua Basílica de San Pedro (1452–55), que fue destruida en las siguientes reformas, o la renovación de la iglesia de planta centralizada de Santo Stefano Rotondo (ca. 1450) donde aún puede verse el altar debido a Rossellino.

Segundo claustro o "gran claustro" de la Basílica de Santa Croce de Florencia.



Fachada del Palazzo de la Fraternita dei Laici de Arezzo.



Interior de Santo Stefano Rotondo de Roma.

Urbanización de Pienza[editar]
La obra más completa de Rossellino fue la planificación idealizada de Pienza, en el antiguo distrito de Corsignano, donde el Papa Pío II (1458-1464) quería realizar un entorno monumental en su lugar natal, diseñado conforme a nuevos principios urbanísticos y arquitectónicos renacentistas. Concibió un centro con Piazza -plaza- y construcciones principales rodeadas por el resto de la pequeña ciudad: el Duomo -catedral-, el Palazzo Pubblico, comunale o signoria -ayuntamiento-, el Palazzo Vescovile -palacio episcopal- y el Palazzo Piccolomini, donde asumió la organización de la fachada del Palazzo Rucellai.3 También incluye uno de los más antiguos jardines nobiliarios de Italia.
Véase también: Centro histórico de Pienza

Planta de la Piazza de Pienza y sus edificios aledaños.



Duomo de Pienza.



Vista parcial del Duomo desde la entrada al Palazzo Piccolomini.



Palazzo Piccolomini de Pienza.



Palazzo Comunale de Pienza.



Palazzo Vescovile de Pienza.

Palazzi en Siena[editar]

Palazzo Piccolomini de Siena.
También para el papa Pío, Rossellino diseñó el palacio sienés de los Nerucci o "de la papisa"4 y el hermoso Palazzo Piccolomini de Siena.5
Monumentos funerarios[editar]
Innovó el monumento funerario con la tumba mural de Leonardo Bruni en la basílica de Santa Croce de Florencia (1444 – 1447),6 indocumentada, pero enseguida famosa. En ella representó al último canciller florentino yaciendo en reposo en un sarcófago, en un relieve que revela la delgadez del muro, dentro de un entablamento con arco soportado por pilastras, recordando la apertura central de los arcos triunfales romanos, con un relieve de la Madonna en el tímpano. Este tipo de tumba fue repetida por otros artistas, el primero de ellos un paisano de Rossellino: Desiderio da Settignano, y se convirtió en un modelo durante todo el Renacimiento temprano o Quattrocento.7

Tumba de Leonardo Bruni.



Tumba de Filippo Lazzari.



Tumba de la Beata Villana.



Tumba de Giuliano Davanzati.

Entre otras, diseñó la tumba de la Beata Villana (Villana de'Botti)8 en Santa Maria Novella de Florencia, y la del jurista Filippo Lazzari en San Domenico de Pistoia.9
Otras esculturas[editar]
Realizó numerosos encargos escultóricos en formato arquitectónico, entre los que se encuentran un pórtico de mármol ricamente ornamentado para el Palazzo Pubblico de Siena, y un panel de terracota con la Anunciación para la catedral de Arezzo.
Dos notables piezas, ambas con el tema de la Anunciación, son un tabernáculo en bajorrelieve de la iglesia de San Egidio de Florencia,10 y un grupo escultórico en la iglesia de San Esteban de Empoli,11 con la Virgen y el ángel en bulto redondo.

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Domenico da Cortona (Italia)

64. Domenico da Cortona (Italia)

Domenico da Cortona llamado «Boccador» (h. 1465 - h. 1549) fue un arquitecto italiano, alumno de Giuliano da Sangallo; fue llevado a Francia por Carlos VIII y permaneció al servicio de Francisco I. Su diseño para el Castillo de Chambord, representado en un modelo de madera, sobrevivió hasta el... Ver mas
Domenico da Cortona llamado «Boccador» (h. 1465 - h. 1549) fue un arquitecto italiano, alumno de Giuliano da Sangallo; fue llevado a Francia por Carlos VIII y permaneció al servicio de Francisco I. Su diseño para el Castillo de Chambord, representado en un modelo de madera, sobrevivió hasta el siglo XVII1 pero la responsabilidad por el diseño también se atribuye a Leonardo da Vinci, quien estaba en la corte real en Amboise al mismo tiempo,2 y la construcción actual, durante la cual se improvisó mucho, estaba bajo la supervisión en el lugar de Pierre Nepveu.
Domenico da Cortona estuvo domiciliado en Blois. Estuvo en Amboise, responsable del planeamiento del diseño en festividades que marcaron el nacimiento del delfín en abril de 1518. También supervisó las obras de ingeniería militar en los castillos de Tournai y Ardres.
La monografía estándar es la de P. Lesueur, Dominique de Cortone dit Boccador (Paris) 1928.

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Gian Lorenzo Bernini (Italia)

65. Gian Lorenzo Bernini (Italia)

Gian Lorenzo Bernini (Nápoles, 7 de diciembre de 1598 - Roma, 28 de noviembre de 1680) fue un escultor, arquitecto y pintor italiano.1 Trabajó principalmente en Roma y es considerado el más destacado escultor de su generación, creador del estilo escultórico barroco.2 Bernini poseía la habilidad... Ver mas
Gian Lorenzo Bernini (Nápoles, 7 de diciembre de 1598 - Roma, 28 de noviembre de 1680) fue un escultor, arquitecto y pintor italiano.1 Trabajó principalmente en Roma y es considerado el más destacado escultor de su generación, creador del estilo escultórico barroco.2
Bernini poseía la habilidad de crear en sus esculturas escenas narrativas muy dramáticas, de captar unos intensos estados psicológicos y también de componer conjuntos escultóricos que transmiten una magnífica grandeza.3 Su habilidad para tallar el mármol llevó a que fuera considerado un digno sucesor de Miguel Ángel, muy por encima de sus coetáneos y especialmente de su gran rival, Alessandro Algardi. Su talento se extendió más allá de la escultura y fue capaz de sintetizar de manera brillante la escultura con la pintura y la arquitectura en un todo conceptual y visual coherente.4 Hombre profundamente religioso que puso su arte al servicio de la Contrarreforma,5 Bernini empleó la luz como un destacado recurso metafórico que completa sus obras, en ocasiones con puntos de iluminación invisibles que intensifican el foco de la adoración religiosa6 o amplifican el dramatismo de la narrativa escultórica.
Bernini fue también uno de los mejores arquitectos del barroco romano, junto con sus contemporáneos Francesco Borromini y Pietro da Cortona. Al principio de sus carreras, todos trabajaron en el Palacio Barberini, pero después compitieron por los encargos de grandes obras y desarrollaron una feroz rivalidad, particularmente Bernini y Borromini.7 8 A pesar de la indiscutible calidad de Borromini y Da Cortona, Bernini gozó del favor de los papas Urbano VIII (1623–44) y Alejandro VII (1655–65) y por tanto se aseguró el proyecto más importante de la Roma de su tiempo, la basílica de San Pedro del Vaticano. El diseño de la Plaza de San Pedro que se abre ante la basílica es uno de sus proyectos arquitectónicos más innovadores y alabados.
Durante su extensa carrera, Bernini recibió numerosos encargos de gran relevancia, varios de ellos por parte del papado. A temprana edad llamó la atención del cardenal nepote Scipione Caffarelli Borghese, sobrino del Papa, y en 1621, con sólo 23 años, fue nombrado caballero por el Papa Gregorio XV. Realizó las obras más destacadas durante el pontificado de Urbano VIII y aunque no tuvo tanta preeminencia durante Inocencio X, volvió a gozar del favor de los pontífices Alejandro VII y Clemente IX.
La reputación del legado de Bernini disminuyó durante el Neoclasicismo, que despreciaba el arte barroco. Hubo que esperar hasta el siglo XIX para que, durante la búsqueda de una comprensión del contexto en el que trabajó Bernini, se reconocieran sus logros artísticos y se restaurara su reputación. En opinión del historiador del arte Howard Hibbard, durante el siglo XVII «no hubo escultores o arquitectos comparables a Bernini».9
Orígenes y aprendizaje[editar]
Bernini nació en 1598 en Nápoles, ciudad natal de su madre, Angelica Galante. Su padre era el escultor Pietro Bernini, nacido en la Toscana, en la población de Sesto Fiorentino, que se había trasladado a Nápoles para trabajar en las obras de la Cartuja de San Martín. En la ciudad conoció a Angelica Galante, con la que se casó. La familia, cuando Gian Lorenzo tenía seis años, se trasladó a Roma, donde Pietro trabajaba bajo la protección del cardenal Scipione Caffarelli-Borghese, a quien muestra el precoz talento de Gian Lorenzo.
La Roma de inicios del siglo XVII era una ciudad de un fervor artístico excepcional, novedoso y revolucionario, que acogía artistas de toda Europa en una continua confrontación de ideas y experiencias artísticas. En este ambiente trabajaron maestros como Caravaggio, Annibale Carracci o Peter Paul Rubens, quienes abrieron la senda del Barroco.
Recibió las primeras enseñanzas de su padre, el escultor manierista Pietro, cuya influencia se notaría en las primeras obras de Gian Lorenzo. A su lado el joven Bernini aprendería la organización de un taller colectivo (en el futuro dirigirá muchos) y la fusión interna de un proyecto arquitectónico con la iconografía, la escultura y la pintura.
Pietro Bernini, se instaló en Roma el año 1605 para trabajar en las obras de Paulo V. Realizó, entre otras, el relieve de La Asunción de la Virgen en el baptisterio de la basílica de Santa María la Mayor. También participó en la construcción de la Capilla Paulina, proyectada por Flaminio Ponzio para albergar la tumba de los papas Paulo V y Clemente VIII.
Primeras obras y consagración[editar]

Apolo y Dafne (1622–25).
Las obras de Bernini revelaron ya desde un principio su enorme talento. En su primera fase estilística, Bernini demuestra un interés y un respeto absoluto por la escultura helenística, en obras que imitaban a la perfección el estilo antiguo.
Son de este período el Ángel con el dragón y el Fauno che scherza con gli Amorini. En cambio, obras creadas en solitario por Gian Lorenzo son La Cabra Amaltea en 1615, y los dos retratos en busto de Santoni y de Giovani Vigevano para sendas iglesias.
Entre 1621 y 1625 Bernini realizaría cuatro obras que lo consagrarían como un maestro de la escultura y le darían fama. Se trata de los cuatro Grupos Borghesianos, cuatro grupos escultóricos basados en temas mitológicos y bíblicos encargados por el cardenal Borghese.
Las obras en cuestión eran Eneas, Anquises y Ascanio, basado en la Eneida, el Rapto de Proserpina, el David y Apolo y Dafne. Son obras monumentales que marcarían una nueva dirección en la carrera de Bernini. Las cuatro permanecen actualmente en la Galería Borghese de Roma.
La protección de los papas[editar]
Durante su vida, Bernini gozó del favor y la protección de siete papas, para los que realizó numerosas obras. Sin embargo fueron tres los que mayores obras le encargaron.
El papado Barberini[editar]
1623 fue un año crucial para la suerte de Roma, también desde el punto de vista artístico. Maffeo Barberini fue elegido papa con el nombre de Urbano VIII, un pontífice ambicioso, amante de las artes y gran admirador de Bernini, al cual le otorgó el cargo de el arquitecto de Dios. Le consideraba el artista ideal para realizar sus proyectos urbanísticos y arquitectónicos, para dar forma y expresión a la voluntad de la Iglesia de representarse a sí misma con fuerza triunfante, a través de obras espectaculares, con un marcado carácter comunicativo, persuasivo y celebrativo.

Baldaquino de la Basílica de San Pedro.
El primer encargo de Bernini fue, en 1623, la estatua de Santa Bibiana, en la Iglesia de Santa Bibiana en Roma, que incluía el proyecto de la fachada y una estatua de la santa en un momento de éxtasis. Aquí se da un giro hacia una mayor expresividad, con efectos acentuados de claroscuro, que dialogan con la pintura de Pietro da Cortona, otro protagonista del Barroco romano.
La asociación artística de Urbano VIII con su artista predilecto, culminará en la Basílica de San Pedro: la basílica surgida sobre el lugar del martirio del apóstol San Pedro, que representaría el renacimiento de la Iglesia y su reivindicación moral y espiritual tras la crisis del siglo anterior.
El papa deseaba que el nuevo altar estuviese cubierto por un enorme baldaquino de bronce, construido entre los años 1624 y 1633, y coronado con el emblema barberiano. Se apoya en cuatro gigantescas columnas salomónicas, que acaban en volutas y racimos naturalísticos. Se inspiraba en baldaquinos provisionales utilizados durante la cuaresma u otras fiestas, pero esta vez plasmado en bronce de forma permanente.
En 1627 comienza la construcción del Mausoleo de Urbano VIII, terminado con varios años de retraso. Fue colocado en posición simétrica respecto al de Paulo III, el papa del Concilio de Trento, donde inició la reforma que el actual papa reclamaba haber concluido. Está inspirado en la Tumba Médicis de Miguel Ángel, con la estatua del papa en lo alto. La mayor innovación es que la muerte aparece representada como un esqueleto que rinde honores a la figura del papa.
En 1630 comienzan las obras del Palacio Barberini, comenzadas por Carlo Maderno. Contó con la colaboración de Francesco Borromini, que pronto se convertirá en su rival.
Inocencio X[editar]

Éxtasis de Santa Teresa, en la capilla Cornaro de la iglesia de Santa María de la Victoria de Roma.
En 1644 comienza el papado de Inocencio X, mucho más austero por la crisis económica de los Estados Pontificios tras el tratado de Westfalia. Ese mismo año sufriría la demolición del campanario de la fachada de la basílica de San Pedro, por problemas de estabilidad. Sus detractores le acusaron de incompetencia técnica, mientras el papa le daba su apoyo. Coincidiría también con el ascenso de artistas rivales como Francesco Borromini o Carlo Rainaldi.
En estos años realizaría una de sus obras cumbres, el éxtasis de Santa Teresa. También realizaría la famosa Fuente de los Cuatro Ríos, en la Plaza Navona de Roma, y la escultura La Verdad, actualmente en la Galería Borghese.
Alejandro VII[editar]
Con la elección de Fabio Chigi como Alejandro VII en 1655, vuelve a haber un papa humanista, que como Maffeo Barberini 30 años antes se rodea de arquitectos para la ejecución de ambiciosos proyectos urbanísticos, como la reordenación de la Piazza del Popolo.
En San Pedro termina la decoración interior con la espectacular Cátedra de San Pedro, situada en el fondo del ábside, un relicario que contiene la cátedra paleocristiana. Sostenida por estatuas de los Padres de la Iglesia Católica, como símbolo de la sabiduría y de la autoridad papal. La paloma simboliza el espíritu santo.

Plaza de San Pedro.
Al exterior construye una columnata elíptica, espacio dedicado a ceremonias religiosas públicas, que representa el abrazo de la iglesia a todo el pueblo. Las obras de San Pedro culminaron con la Scala Regia, la entrada oficial al palacio apostólico, utilizando una columnata fugada que, flanqueando la escalinata, corrige la irregularidad del muro y crea la ilusión visual de una escalera de mayores dimensiones.
Para la familia Chigi construye dos iglesias: la colegiata de Ariccia y la de Castel Gandolfo. También edificó la Iglesia de Sant'Andrea en el Quirinal, encargada por Camilo Pamphili, una iglesia pequeña de planta elíptica con la entrada en el eje menor y un óculo en el centro.
Bernini era ya un artista de fama internacional, y en 1664 el ministro Colbert durante el reinado de Luis XIV, convence al papa para que le ceda a su artista predilecto. Así, en 1665 Bernini parte para Francia, con el encargo de reestructurar el palacio del Louvre. Fue recibido como un príncipe, sin embargo la experiencia francesa duró tan solo seis meses. Su estilo no gustaba a los comisionados franceses, que prefirieron encargar el trabajo a Claude Perrault. Sí que realizó, a pesar de todo, un Retrato ecuestre de Luis XIV.
Uno de los últimos grandes trabajos encargados por Alejandro VII, fue la escultura del Sepulcro de Alejandro VII, un monumento meditativo e íntimo que representa a Alejandro VII, arrodillado y humilde, acosado por La Muerte, figura que le muestra un reloj de arena, recuerdo de que algún día el tiempo se acabará. Contiene cuatro figuras alegóricas: la Caridad, la Verdad, la Prudencia y la Justicia.
Obra[editar]
El retrato[editar]

Autorretrato (c. 1635), Galería Uffizi.
A lo largo de su vida realizó numerosos retratos de papas, reyes y nobles, que le reportaron fama y riqueza. Les solía retratar a la heroica, realzando la expresión y magnificencia. Él mismo confesó inspirarse para ello en Rafael.
La restauración[editar]
La base de la formación artística de Bernini fue el estudio de la tradición grecorromana. Sus restauraciones revelan el gusto por la precisión, por la interpretación original del helenismo y el respeto por la integridad de la obra, como en el Hermafrodito. En la restauración de Ares Ludovidisi en 1627 se aprecia perfectamente la intervención de Bernini por el diferente color y tratamiento del mármol.
Arquitectura[editar]

Iglesia de San Andrés del Quirinal.
Es el arquitecto más representativo de todo el barroco italiano. Sus características como arquitecto barroco fueron:
Dar mucha importancia a lo decorativo, tanto en el interior como en el exterior.
Los elementos constructivos (columnas, pilastras, etc.) se multiplican, pero con función decorativa, siendo su único fin dar ritmo arquitectónico.
Frontones, entablamientos, etc. se rompen, las curvas se compenetran con líneas rectas, buscando siempre presiones dinámicas.
En las iglesias prefiere las plantas centralizadas, fundamentalmente la planta ovalada (pequeñas iglesias).
Plaza de San Pedro
Iglesia de Sant'Andrea en el Quirinal
Capilla del marqués Raimondi en San Pietro in Montorio, Roma
Colegiata de Ariccia
Iglesia de San Tomás de Villanova (Ariccia)
Palacio Montecitorio
Palacio Chigi Odescalchi
Scala Regia del Vaticano
Escalera convexa del Atrio de la Iglesia de San Francisco, en Quito (Ecuador)10
Monumentos[editar]

Fuente de los Cuatro Ríos.
El arte de Bernini estaba basado en la arquitectura, la escultura y el urbanismo, que se fundían en el teatro. Bernini fue un escenógrafo muy apreciado, utilizaba todos los recursos disponibles para sorprender al público con efectos ilusionistas, reutilizados después en su arquitectura. Esto se aprecia en conjuntos monumentales que combinan las figuras esculpidas, ubicadas en un escenario arquitectónico.
Baldaquino de San Pedro (1624) - Bronce, en parte dorado, Basílica de San Pedro, Ciudad del Vaticano
Sepulcro de Urbano VIII (1627-1647) - Bronce dorado y mármol, figuras a tamaño mayor que el natural, Basílica de San Pedro, Ciudad del Vaticano
Sepulcro de Alejandro VI
Cátedra de San Pedro
Elefante Obeliscoforo (1667-1669) - Mármol, Plaza de Santa Maria sopra Minerva, Roma
Capilla Chigi en Santa Maria del Popolo
Capilla Cornaro
Altar del Santísimo Sacramento
Capilla Raimondi
Fuente de los Cuatro Ríos (1648-1651) - Travertino y mármol, Plaza Navona, Roma
Fuente de la Barcaccia
Fuente del Tritón
Esculturas[editar]

Busto del cardenal Richelieu (1641). Museo del Louvre.

Éxtasis de la beata Ludovica Albertoni (1671-1674).

Busto del rey Luis XIV (1665). Palacio de Versalles.
En sus primeras obras Bernini respetaba fielmente los cánones clásicos, a la vez que se observaba la influencia manierista de su padre. Sin embargo, su estilo muestra una evolución en los cuatro grupos Borghesianos, donde aparece con fuerza la creatividad del artista.
En estas composiciones el artista plasma el momento culminante del drama, mostrando la gracia y la expresión de los personajes. Pero sobre todo, lo que fascina de estas obras es el virtuosismo, la naturalidad, el efecto de materialidad y de claroscuro. Por otro lado, resulta novedosa la relación de las esculturas con el espacio circundante, ya que están concebidas para ser observadas desde un punto determinado, no para ser rodeadas y vistas desde cualquier ángulo.
Como ejemplo de su maestría con la piedra, durante los trabajos del busto de Scipione Borghese, apareció un defecto en el mármol. Borghese aceptó no posar durante varios días, ignorando que en ese tiempo esculpiría un busto idéntico desde cero.
San Lorenzo de la Retícula (Martirio de San Lorenzo) (1614-1615) - Mármol, 66 x 108 cm, Colección Contini Bonacossi, Florencia
La Cabra Amaltea (1615) - Mármol, Galería Borghese, Roma
San Sebastián (h. 1617) - Mármol, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid (depósito de la sociedad Omicron)
Eneas, Anquises y Ascanio (1618-1619) - Mármol, altura 220 cm, Galería Borghese, Roma
Rapto de Proserpina (1621-1622) - Mármol, altura 295 cm, Galería Borghese, Roma
Apolo y Dafne (1622-1625) - Mármol, altura 243 cm, Galería Borghese, Roma
David (1623-1624) - Mármol, altura 170 cm, Galería Borghese, Roma
San Longino (1631-1638) - Mármol, altura 450 cm, Basílica de San Pedro, Ciudad del Vaticano
Busto de Scipione Borghese (1632) - Mármol, altura 78 cm, Galería Borghese, Roma
Busto de Costanza Bonarelli (h. 1635) - Mármol, altura 70 cm, Museo Nacional del Bargello, Florencia
Busto del Cardenal Richelieu (1640-1641) - Mármol, Museo del Louvre, París
La Verdad (1645-1652) - Mármol, altura 280 cm, Galería Borghese, Roma
Éxtasis de Santa Teresa (1647-1652) - Mármol, capilla Cornaro, Santa Maria della Vittoria, Roma
Daniel y el león (1650) - Mármol, Santa Maria del Popolo, Roma
Busto di Francesco I d'Este (1650-1651) - Mármol, altura 107 cm, Galería Estense, Módena
Constantino (1654-1670) - Mármol, Palacios Pontificios, Ciudad del Vaticano
Habacuc y el ángel (1655) - Terracota, altura 52 cm, Museo Sacro, Museos Vaticanos, Ciudad del Vaticano
Busto de Luis XIV (1665) - Mármol, altura 80 cm, Museo Nacional de Versalles, Versalles
Ángel con la corona de espinas (1667-1669) - Mármol, tamaño mayor que el natural, Sant'Andrea delle Fratte, Roma
Busto di Gabriele Fonseca (1668-1675) - Mármol, más grande que el natural, San Lorenzo in Lucina, Roma
Luis XIV a Caballo (1669-1670) - Terracota, altura 76 cm, Galería Borghese, Roma
Éxtasis de la beata Ludovica Albertoni (1671-1674) - Mármol, capilla Altieri-Albertoni, San Francesco a Ripa, Roma
Museos que albergan sus obras[editar]
Galería Borghese en Roma
Galería Uffizi de Florencia
Museo del Louvre
National Gallery de Londres
National Gallery of Art de Washington
National Gallery of Scotland de Edimburgo
Victoria and Albert Museum
Kunsthalle de Hamburgo
Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid
Museo Metropolitano de Arte de Nueva York

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Luigi Vanvitelli (Italia)

66. Luigi Vanvitelli (Italia)

Luigi Vanvitelli (Nápoles, 12 de mayo de 1700 - Caserta, 1 de marzo de 1773) fue un ingeniero y arquitecto italiano. Su estilo barroco, caracterizado por su sobriedad y academicismo, sirvió de transición hacia el Neoclasicismo. Biografía[editar] Vanvitelli nació en Nápoles, hijo de un pintor... Ver mas
Luigi Vanvitelli (Nápoles, 12 de mayo de 1700 - Caserta, 1 de marzo de 1773) fue un ingeniero y arquitecto italiano. Su estilo barroco, caracterizado por su sobriedad y academicismo, sirvió de transición hacia el Neoclasicismo.
Biografía[editar]
Vanvitelli nació en Nápoles, hijo de un pintor holandés especializado en paisajes y vistas de ciudades (las clásicas "vedute") llamado Gaspar van Wittel, que italianizó su apellido en Vanvitelli.
Fue alumno en Roma del afamado arquitecto Nicola Salvi, con el que colaboró en la construcción de la Fontana de Trevi. Tras el fulgurante éxito que obtuvo en los concursos para diseñar la fachada de la Basílica de San Juan de Letrán (1731) y del Palazzo Poli (1732), el papa Clemente XII lo contrató y lo envió a la región de las Marcas para construir algunos edificios administrativos.
En Ancona diseñó ese mismo año el "Lazzaretto", un gigantesco edificio pentagonal con funciones defensivas. De vuelta en Roma, Vanvitelli recibió el encargo de estabilizar la cúpula de la Basílica de San Pedro y pintó los frescos de la Basílica de Santa Cecilia en Trastevere.
Las capacidades técnicas de Vanvitelli, junto con su elegante estilo escenográfico le llevaron a ser elegido por el Rey de Nápoles Carlos VII de Borbón para construir el Palacio Real de Caserta. Este proyecto pretendía crear un centro cortesano y gubernamental para el Reino de Nápoles, siguiendo la estela del Palacio de Versalles.
Vanvitelli dedicó el resto de su vida a esta tarea, aunque la combinó con otros encargos en la ciudad, como la ampliación del Palacio Real y la construcción de algunas iglesias. En Nápoles ejercitó en gran medida su faceta de ingeniero, pues diseñó todo el sistema hidraúlico del Parque de Caserta, para lo que hizo falta construir el famoso Acueducto Carolino.

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Patrick Abercrombie (Gran Bretaña)

67. Patrick Abercrombie (Gran Bretaña)

Leslie Patrick Abercrombie (1879 – 1957) fue un arquitecto y urbanista británico. Fue profesor de diseño en la Universidad de Liverpool desde 1915 hasta 1935 y maestro de urbanismo en la Universidad de Londres después de 1935. Trabajó como asesor en la remodelación y planificación de Londres... Ver mas
Leslie Patrick Abercrombie (1879 – 1957) fue un arquitecto y urbanista británico.
Fue profesor de diseño en la Universidad de Liverpool desde 1915 hasta 1935 y maestro de urbanismo en la Universidad de Londres después de 1935. Trabajó como asesor en la remodelación y planificación de Londres, Bath, Edimburgo y otras ciudades.
Recibió el título de caballero en 1945. Sus voluminosos escritos han sido de un considerable impacto en los campos de la planificación regional y el planeamiento urbano. Entre sus libros se encuentran The Preservation of Rural England de 1926 y Town and Country Planning de 1933.
Algunas publicaciones[editar]
Patrick Abercrombie, Sydney Kelly, Arthur Kelly. Dublin of the future : the new town plan, being the scheme awarded first prize in the international competition, Univ. Press of Liverpool, Liverpool, 1922
Patrick Abercrombie. The Preservation of Rural England, Hodder and Stoughton Ltd, London, 1926.1 The book that lead to the foundation of the CPRE
Patrick Abercrombie, John Archibald. East Kent Regional Planning Scheme Survey, Kent County Council, Maidstone, 1925
The Earl of Mayo, S. D, Adshead, Patrick Abercrombie. The Thames Valley from Cricklade to Staines: A survey of its existing state and some suggestions for its future preservation, Univ. of London Press, London, 1929
Patrick Abercrombie, Sydney A. Kelly. East Suffolk Regional Scheme, Univ. of Liverpool, Liverpool and Hodder & Stoughton, London, 1935 (prepared for the East Suffolk Joint Regional Planning Committee)
Patrick Abercrombie (ed.) The Book of the Modern House: A Panoramic Survey of Contemporary Domestic Design, Hodder & Stoughton, London, 1939
J. H. Forshaw, Patrick Abercrombie. County of London Plan, Macmillan & Co. 1943
J. Paton Watson, Patrick Abercrombie. A Plan for Plymouth, Underhill, (Plymouth). Ltd. 1943
Edwin Lutyens, Patrick Abercrombie. A Plan for the City & County of Kingston upon Hull, Brown (London & Hull), 1945
Patrick Abercrombie, John Owens, H Anthony Mealand. A Plan for Bath, Sir Isaac Pitman (London) 1945
Patrick Abercrombie, R. H. Matthew. Clyde Valley Regional Plan, His Majesty’s Stationery Office, Edinburgh, 1946
Patrick Abercrombie, Richard Nickson. Warwick: Its preservation and redevelopment, Architectural Press, 1949
Patrick Abercrombie (revisada por D. Rigby Childs). "Town and Country Planning", 3ª ed. Oxford Univ. Press, 1959, reimpreso 1961 y 1967

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Michael Hopkins (Gran Bretaña)

68. Michael Hopkins (Gran Bretaña)

Carrera [ editar ] Michael Hopkins nació en Poole , Dorset, y estudió en la Escuela de Sherborne [1] y se formó en la Architectural Association . Trabajó para Frederick Gibberd antes de entrar en asociación con Norman Foster , donde fue el arquitecto del proyecto de la sede de Willis Faber en... Ver mas
Carrera [ editar ]
Michael Hopkins nació en Poole , Dorset, y estudió en la Escuela de Sherborne [1] y se formó en la Architectural Association . Trabajó para Frederick Gibberd antes de entrar en asociación con Norman Foster , donde fue el arquitecto del proyecto de la sede de Willis Faber en Ipswich . Con Norman Foster , Richard Rogers y Nicholas Grimshaw , Hopkins fue una de las figuras más destacadas en la introducción de la arquitectura de alta tecnología en Gran Bretaña. [2]
En 1976 Hopkins estableció lo que se convirtió en Hopkins Architects en colaboración con su esposa, Patricia , que dirigía su propia práctica. Uno de sus primeros edificios era su propia casa en Hampstead, una estructura de acero ligero, con fachadas de vidrio. [3] Los primeros edificios Hopkins, como la cervecería Greene King en Bury St. Edmunds y las de Schlumberger laboratorios cerca de Cambridge, utilizaron nuevos materiales y técnicas de construcción . La empresa desafió la sabiduría arquitectónica convencional, demostrando que las estructuras de acero y cristal ligeros podrían ser energéticamente eficiente y pionero en el uso en Gran Bretaña de las estructuras de tejido ligero permanentes, de los cuales el Montículo Soporte en el Lords Cricket Ground es un ejemplo notable. Desde mediados de la década de 1980 la empresa comenzó a explorar lo que Hopkins llamó la "actualización de los materiales tradicionales", [4] la adición a la potencialidad expresiva de la artesanía tradicional, como la albañilería y la carpintería por su combinación con la ingeniería contemporánea. La práctica fue reconocida por su combinación de técnicas ultramodernas con arquitectura tradicional, ampliando su paleta de materiales y formas. [2] [3]
Juntos Hopkins y su esposa recibieron el Instituto Real de Arquitectos Británicos Real Medalla de Oro , otorgado en 1994 La cita describe el trabajo de la Hopkins como "no sólo una cuestión de la explotación de la tecnología para construir muy bien, ni simplemente de acomodar difícil y cambiante tareas en el más manera elegante, pero sobre todo de la captura en piedra y en bronce transmitir las mejores aspiraciones de nuestra época ", [3] elogiando su contribución al debate sobre la "delicada relación entre la modernidad y la tradición", y agregó: "Para Hopkins, el progreso ya no es una ruptura con el pasado, sino más bien un acto de continuidad donde hábilmente y de forma inteligente integra elementos tradicionales como la piedra y la madera, con tecnología avanzada y responsable con el medio ambiente ". [4]
Michael Hopkins fue elegido miembro de la Real Academia en 1992 y galardonado con el CBE y el título de caballero por sus servicios a la arquitectura. [2] [3]
Ejemplos de trabajo [ editar ]
El trabajo de Hopkins Architects incluye:
Su propia casa en 1976 Hampstead , Londres
La nueva casa de ópera en Glyndebourne
"El edificio de Ronda" en Hathersage , en Derbyshire por David Mellor , cuchillero y diseñador (1990), una fábrica en una antigua base gasómetro [5]
El Montículo Caseta en Cricket Ground de señor
El HM Revenue and Customs (antes Hacienda ) por debajo de la sede del castillo de Nottingham
Alojamiento para los miembros del Parlamento británico en Portcullis House , Londres
La primera fase del Campus Jubileo de la Universidad de Nottingham , con el Colegio Nacional de Liderazgo de la Escuela
El Foro en Norwich - Este de Inglaterra Proyecto del Milenio
Nuestra Tierra Dinámica centro de la ciencia y la conferencia en Edimburgo
una extensión de la Galería de Arte de Manchester City
El nuevo edificio de la Wellcome Trust en Londres
Edificio de la Reina en el Emmanuel College, Cambridge
El Rose Bowl en Southampton , el hogar de Hampshire County Cricket Club

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Andréi Voronijin (Rusia)

69. Andréi Voronijin (Rusia)

Andrei Nikiforovich Voronikhin, nacido el 17 (28) de octubre de 1759 en una familia de siervos de la ciudad de Novoye Usolye y fallecido el 21 de febrero (05 de marzo) de 1814 en San Petersburgo, fue un arquitecto del neoclasicismo ruso, un importante representante del estilo Imperio ruso.1... Ver mas
Andrei Nikiforovich Voronikhin, nacido el 17 (28) de octubre de 1759 en una familia de siervos de la ciudad de Novoye Usolye y fallecido el 21 de febrero (05 de marzo) de 1814 en San Petersburgo, fue un arquitecto del neoclasicismo ruso, un importante representante del estilo Imperio ruso.1
Biografía[editar]
Voronikhin nació en una familia de campesinos del conde Alexander Stroganov, mitad rusa y mitad komi.2 Algunos han afirmado sin pruebas que era un hijo natural del conde,3 quien será director de la Academia Imperial de Bellas artes.
Primero estudió con un pintor de iconos, Gabriel Yushkov, y su talento llamó la atención del conde. Le liberó de la esclavitud y le condujo a Moscú en 1777, donde parece que se relacionó con Vasily Bazhenov y Matvéi Kazakov. Dos años después fue enviado por el conde a San Petersburgo, donde acompañó a Paul Stroganov, el hijo de la familia, que fue enviado allí por su tutor, el futuro convencional Gilbert Romme. Estudió arquitectura, ingeniería y matemáticas entre los años 1786 y 1790 y viajó con Pablo Stroganov y su preceptor a Suiza, Ginebra y Francia, donde los jóvenes fueron testigos de los inicios de la Revolución Francesa. Voronikhin estudió a fondo la arquitectura francesa.
Voronikhin trabajó a su regreso como arquitecto personal del conde para sus propiedades. Le hizo entrar en la Academia Imperial de Bellas Artes, donde recibió el título de "pintor de perspectiva" en 1797 por sus cuadros Vista de la galería de las pinturas del palacio Stroganov (1793,museo del Hermitage) y Vista de la casa de campo del Conde Stroganov (1797 museo Ruso). Comenzó a enseñar en 1800.
A diferencia de la anterior generación, inspirada por el barroco de Rastrelli, Voronikhin se inspiró en el estilo más tradicional del arte antiguo. Así, remodeló en interior del palacio Stroganov en 1793, la casa de campo de Stroganov en las orillas río Chernaya, en 1795-1796 y el castillo de Gorodnié en 1798. Fue nombrado académico de la perspectiva de la pintura en 1797 y académico de la arquitectura en 1800 por un proyecto de columnata en Peterhof. En 1802 fue nombrado profesor de la academia imperial.

Vista de la Catedral de Kazan ND hacia 1895.
La obra maestra de Voronikhin es la Catedral de Nuestra Señora de Kazan en San Petersburgo, construida entre 1801 y 1811. Recibió, en el momento de la consagración de la catedral, la Orden de Santa Ana de segunda clase y fue pensionado por el emperador.
También construyó el departamento del tesoro, la fachada del instituto de minería, en la Isla Vasilevsky, quien con su pórtico, combina la perspectiva de la dársena del Almirantazgo y de la isla; así como las columnatas y la cascada de Peterhof, el interior de los palacios Strelna, Gatchina y Pavlovsk, así como los pabellones y los decorados de sus parques.
Adapta, así como Adrian Zakharov y Jean-François Thomas de Thomon, sus contemporáneos, el neoclasicismo francés de Ledoux y Boullée.4
Murió soltero en San Petersburgo en 1814. Su sobrino y heredero, Nikolai Voronikhin también fue arquitecto en Ryazan.

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Claude-Nicolás Ledoux (Francia)

70. Claude-Nicolás Ledoux (Francia)

Claude Nicolas Ledoux (Dormans, 21 de marzo de 1736 — París, 18 de noviembre de 1806), fue un arquitecto y urbanista francés, uno de los principales representantes de la arquitectura neoclásica. Fue uno de los arquitectos más activos a finales del Antiguo Régimen, protegido de Madame du Barry... Ver mas
Claude Nicolas Ledoux (Dormans, 21 de marzo de 1736 — París, 18 de noviembre de 1806), fue un arquitecto y urbanista francés, uno de los principales representantes de la arquitectura neoclásica.
Fue uno de los arquitectos más activos a finales del Antiguo Régimen, protegido de Madame du Barry, amante del rey Luis XV, y autor de dos de las más importantes obras públicas de la época: La Salina real de Arc-et-Senans (declarada patrimonio de la Humanidad en 1982) y las «Barrières» de París, el cerco fiscal que la Ferme générale levantó para recaudar impuestos —entre ellos la gabela, el impuesto de la sal—, una barrera de 24 km y 6 m de altura con 60 barreras o puestos de control que algunos autores consideran una de las causas que más contribuyó al descontento de la población que culminó en la Revolución francesa en 1789.1
Su papel como arquitecto ha suscitado mucha controversia y pasó del reconocimiento al más absoluto desprestigio en el siglo XIX: todavía en vida Quatremère de Quincy ya le acusaba de haber sometido la «arquitectura a géneros de tortura»2 y en 1832, Victor Hugo se preguntaba: «¿Acaso hemos llegado a un extremo tal de miseria tal que tengamos que admirar las barreras de París»?.3 Sin embargo, a lo largo del siglo XX su figura ha sido reinvidicada: en 1933, Emil Kaufmann, le señalaba como uno de los precursores de la arquitectura moderna;4 en los años 1960 fue considerado como un utopista;5 y, desde finales de los 1980, fue uno de los referentes de los postmodernos, que encontraron en él un antecedente y una fuente para sus propuestas.
Aunque su carrera apenas duró 25 años —tras la Revolución apenas volvió a construir—, realizó bastantes obras, pero la mayoría de ellas fueron destruidas en el siglo XIX.
Biografía[editar]
Claude-Nicolas Ledoux nació el 21 de marzo de 1736 en Dormans —pequeña aldea del Marne, en la región de Champagne—, hijo de Claude Ledoux, un modesto comerciante, y de Françoise Dominot. Su madre y su abuela, Françoise Piloy, le iniciaron en el dibujo, como él mismo recordó.6 Muy buen alumno en la escuela parroquial, obtuvo a los trece años —gracias al abad de la diócesis de Soissons— una beca de estudios para estudiar tres años en París, en el jansenita Collège de Beauvais (1749-53).
Charles Rollin, director del colegio, tenía una gran reputación en cuanto a la calidad de la enseñanza que impartía, impregnada por igual de lecciones cristianas y de la antigüedad. Esta educación —que aunaba poesía, literaturas clásicas y moderna, dibujo, retórica, historia de las ciencias y de las artes—, regida por los principios del clasicismo y racionalismo, confirió al joven interno Ledoux todas las bondades de una educación de una persona «bien née». Además, la vía espiritual y las reglas de la vida comunitaria del internado le permitieron adquirir una fuerza de carácter de la que no dejará de hacer gala a lo largo de su carrera. Reinvindicará siempre, hasta su muerte, la excelencia de esta formación fundada sobre la exaltación de las «virtudes cívicas y morales» («vertus civiques et morales») así como en la «pureza de los sentimientos» («pureté des mœurs».)
En la escuela Ledoux destacó por su destreza en el dibujo, y a partir de 1753, acabada la beca de estudios, decidió, a fin de costear sus necesidades, entrar de aprendiz en un taller de grabado; un taller muy conocido por su dedicación a las escenas militares, en el que estará casi diez años. Su fecunda imaginación, nutrida en las lecturas de Homero, Virgilio, Ovidio, César, y en los libros de historia, encontró en esta actividad el medio de expresar y profundizar sus múltiples talentos. Sin embargo, su voluntad de perfeccionar su conocimiento del dibujo le llevó, paralelamente, a interesarse por la arquitectura y a frecuentar la célebre «École des Arts» de París, creada por Jacques-François Blondel, teórico y profesor de arquitectura. Ledoux estudió en dicha escuela libre durante cuatro años (1753-58), aprendiendo matemáticas, dibujo, perspectiva, estereotomía, edificios militares, públicos y privados, y Blondel siempre le tuvo en alta estima. Profesor de la «Académie Royale d’Architecture», dispensaba una enseñanza que perpetuaba la promoción de una arquitectura llamada «à la française»: racional y clásica, respetuosa con los escritos de Vitruvio, y apoyada en el dogma de «los cinco órdenes clásicos» («des cinq ordres antiques»). Blondel impuso la doctrina de la caracterización del edificio:
«Todas las diferentes especies de producciones que dependen de la arquitectura deben de llevar la impronta del destino particular de cada edificio, todas deben de tener un carácter que determine su forma general, y que anuncie para que es la construcción.»
Jacques-François Blondel7
Sin embargo esta enseñanza —muy teórica, conservadora, impermeable al nuevo humanismo del «Siècle des Lumières»— encontró muy pronto numerosos opositores entre sus estudiantes más brillantes: Étienne-Louis Boullée, Charles De Wailly, Ledoux... Estos jóvenes, futuros arquitectos, eran particularmente sensibles al discurso de otro teórico del arte: el jesuita Marc-Antoine Laugier, autor del «Essai sur l’architecture» (1753), que abogaba por una teoría moral de las artes, en la que la arquitectura debía de educar y ser puesta al servicio del progreso de la sociedad, del bien común.
No finalizó la formación habitual de los arquitectos-artistas, más diestros con el pincel que con el buril, cuya iniciación pasaba casi siempre por la consabida estancia en la «Académie de France» en Roma (como De Wailly o Trouard). Ledoux, no se sabe si por elección propia o por carencia de medios y mecenas, nunca hizo el viaje de estudios a Italia. Sus únicas fuentes de conocimiento e inspiración de la arquitectura clásica y sus ruinas —griega y romana—, provenían del estudio de grabados, principalmente de los de Gianbattista Piranesi —que desde 1747, había comenzado a publicar Les Vues de Rome, de tuvieron gran influencia en pintores, escultores y arquitectos—, los del tratado de su maestro Jacques-François Blondel, Architecture, aparecido en en 4 volúmenes (1752-56), las láminas de la Encyclopédie —cuya primera serie se publicó entre 1751-57— y, más adelante, del Vitrubius Britannicus de Colen Campbell (1769).
Al final de sus estudios, en 1758, Ledoux entró como aprendiz-arquitecto en el despacho de Pierre Contant d'Ivry, y más adelante trabajó en los de Jean-Michel Chevotet y Louis-François Trouard, un discípulo de Jacques-Germain Soufflot, que tras su estancia en Roma, se estableció en París en 1757, y gracias a quien Ledoux descubrió la arquitectura antigua, especialmente los templos de Paestum, y la obra de Palladio. Las enseñanzas de Soufflot, que basaba el arte de construir en una simbiosis arquitectónica entre Naturaleza y Antigüedad, dejaron una profunda huella en Trouard y también en Ledoux, para quién esa lección constituirá una de las bases de las reflexiones sobre su oficio e influyo en la evolución de su estética.
Contant y Chevotet encarnaban dos de los despachos representantes del estilo Louis XV, la corriente dominante en Francia entre 1730 y 1760, que aunque en trance de pasar de moda, le procuraron relaciones útiles entre sus ricas clientelas: gracias a Contant d'Ivry, Ledoux entró en contacto con el barón Crozat de Thiers, que en 1766 le confío el acondicionamiento de un apartamento en su edificio de la plaza Vendôme; en el despacho de Chevotet, conoció al presidente Hocquart de Montfermeil8 y gracias a ello entró en su círculo y conoció a su hermana, Madame de Montesquiou.
Las obras de juventud (1762-70)[editar]
En 1762, a los 25 años, el joven Ledoux realizó su primer encargo: la redecoración del parisino Café Godeau, situado en la rue Saint-Honoré y que era muy frecuentado por oficiales (a veces por eso se le llama Café Militar). Realizó un soberbio y muy aplaudido trabajo que se conserva en el Museo Carnavalet9 desde 1969: sobre los muros, adosó unas pilastras, formadas por haces de lanzas coronadas por cascos a guisa de capiteles; entre las pilastras, alternó espejos y anchos paneles de madera ricamente tallada y ornada con trofeos de armas, según dibujos propios originales y audaces.

Château de Mauperthuis, 1763 (destruido)

Hôtel d'Hallwyll, 1766. Alzado de la fachada a la calle Michel-le-Comte.
El año siguiente, el marqués Anne-Pierre de Montesquiou-Fézensac llamó a Ledoux a su vasto dominio de Mauperthuis, en la región de Brie, a unos 60 km de París. El arquitecto reconstruyó y embelleció el castillo situado en la cima de una colina, para el que dispuso un gran pórtico jónico, creó unos juegos de agua alimentados por un acueducto, levantó varias nuevas edificaciones: una orangerie, una faisanería, un pabellón para los guardas y otras dependencias de las que solo subsisten hoy algunos vestigios. En Mauperthuis conoció a muchos de sus futuros protectores, además de artistas como el pintor Hubert Robert, el poeta abate Delille y el arquitecto Brongniart, todos francmasones y preocupados por la reforma de la agricultura y el teatro, dos temas que ocuparán la mente de Ledoux.
Para el presidente Hocquart, construyó en 1764 en la Chaussée d'Antin,10 un pabellón de estilo palladiano ornado, como el castillo de Mauperthuis, de un orden colosal, forma que Ledoux debió de declinar frecuentemente, y que condenaba en principio la estricta tradición francesa, fiel al principio de superposición de órdenes.11
El 26 de julio de 1764 en la Iglesia de Saint-Eustache de París, Ledoux se casó con Marie Bureau, hija del músico del rey, Joseph Grégoire Bureau, que le servirá para consolidar sus relaciones con el ambiente de la corte. Un amigo champenois, Joseph Marin Masson de Courcelles, le consiguió una plaza de arquitecto-ingeniero de Aguas y Bosques de la maîtrise de Sens (norte de Borgoña) (architecte-ingénieur des Eaux et Forêts) en sustitución de Claude-Louis Daviler. Por cuenta de esta administración, trabajó, entre 1764 y 1770, en reparar o construir dependencias de ámbito forestal, como iglesias, puentes, pozo, fuentes, escuelas, en la Tonnerrois, en el Sénonais y el Bassigny. Entre los testimonios conservados de esta actividad se pueden citar el puente de Marac, el puente Prégibert en Rolampont, las iglesias de la Asunción en Fouvent-le-Haut, de Roche-et-Raucourt-sur-Vannon, de Saint-Pierre-Aux-Liens en Rolampont, de Saint-Barthélémy en Cruzy-le-Châtel (nave, colaterales y primer orden de la portada) y el coro de Saint-Étienne de Auxerre.
Ledoux, dando prueba de un hacer riguroso, no puntúa menos estos edificios de arquitectura tradicional de algunas citas decorativas dóricas pero muy ligeras.
En París, Ledoux se dio a conocer en 1766 con el Hôtel d'Hallwyll, en el quartier du Marais. Los encargantes, Franz-Joseph d'Hallwyll, coronel de los Suizos y su mujer, Marie-Thérèse Demidorge, velaban de cerca los gastos. Ledoux debió de reutilizar una parte de las edificaciones existentes e ideó dos columnatas de orden dórico que conducían a un ninfeo, ornado con urnas invertidas a guisa de jardín, ya que la exigüidad de la parcela no permitía acondicionar uno. Ledoux Hizo pintar una columnata en «trompe l'œil» sobre el muro ciego del vecino convento de los Carmelitas, al otro lado de la rue de Montmorency, a fin de prolongar la perspectiva, un procedimiento ingenioso que llamó mucho la atención y sorprendió a sus contemporáneos.
Este edificio, relativamente modesto, le permitió obtener en 1767 un encargo mucho más importante, el lujoso Palacete de Uzès, encargado por François Emmanuel de Crussol, noveno duque de Uzès, para ser construido en París, en la rue Montmartre. Ledoux conservó aquí también parte de un edificio más antiguo. Las carpinterías del salón de compañía, esculpidas por Joseph Métivier y Jean-Baptiste Boiston, se conservan en el Museo Carnavalet y constituyen un ejemplo precoz de estilo neoclásico.12
El Château de Bénouville, emplazado al norte de Caen (Calvados), fue construido en 1768-69 para Hyppolite-Francçois Sanguin, marqués de Livry, que deseoso desde hacia tiempo de construir un castillo pensó en Ledoux, a quien ya conocía de París. El arquitecto le propuso adoptar de partida una ruptura con los «châteaux traditionnels» de la campaña normanda: prescindir de las mansardas y disponer las cubiertas ocultas detrás de un ático. Además realizó muchas otras innovaciones, como la la soberbia escalera de honor rematada por una cúpula que conduce al primer piso o el tratamiento de las fachadas mayores, con el progresivo retranqueo de los tramos más extremos.13 Con sus volúmenes masivos, su amplio peristilo, el Château de Bénouville es la más importante de las obras de juventud de Ledoux. Aunque Ledoux parece que solo estuvo en Bénouville, en abril de 1774, una vez que el grueso de las obras había finalizado y los trabajos de decoración y amueblamiento interior estaban en curso. Ledoux dirigió la obra, que se finalizó totalmente en 1780, desde París, por mediación de maestros de obras que se desplazaban a la capital y seguían sus precisas instrucciones.14
Ledoux hizo un viaje a Inglaterra en los años 1769-71 donde pudo familiarizarse con el palladianismo, y sus figures obligadas tales como las serlianas, que usara. Construyó numerosos pabellones de estilo palladiano, de volumen generalmente cúbico y ornados de un peristilo que daba apariencia incluso a construcciones de pequeña porte.
En 1770 Ledoux ve reconocida su fama como arquitecto de moda con el encargo de sendos palacetes para dos de las cortesanas más conocidas por entonces de París: la Guimard15 y la Du Barry, protegida del rey. La Guimard, una de las más conocidas bailarinas de todo el siglo XVIII que durante 25 años fue la estrella indiscutible de la Ópera, quiso construirse en la Chaussée d'Antin una nueva casa, en un momento en que en su teatro de Pantin se daban cita los grandes señores, los enciclopedistas, los «beaux esprits» de la época. El palacete, como ella lo llamaba "Temple de Terpsichore", fue inaugurado el 8 de diciembre de 1772, poniendo fin a los espectáculos de Pantin. Una cena prevista en el palacete fue prohibida por el arzobispo de París: las vituallas del banquete de cien cubiertos fueron entonces llevadas al cura para que las repartiera entre los pobres, y este festín no celebrado se llamó el «Souper des Chevaliers de Saint-Louis», a causa de los cinco luises, precio de la cotización… Entre otras magnificencias, el edificio tenía un teatro capaz para 500 personas. Después de las funciones de ballet de la ópera, mademoiselle Guimard daba como distracción comedias representadas por la élite de los pensionarios del rey.16
La Du Barry, recientemente promovida a favorita del rey (1765), también quiso construirse un pabellón de música en los jardines del Château de Louveciennes, que fue inaugurado el 2 de septiembre de 1771, un palacete al que Goncourt llamó «palacete-tocador» en su obra, «La Du Barry» (Flammarion, 1932). Ledoux se convirtió en el arquitecto favorito de la Du Barry y en el centro de su política cultural que intentaba romper el monopolio ejercido en las artes por Madame de Pompadour, la anterior favorita del rey. La Du Barry empleo a Ledoux en la construcción del hôtel des equipagges de Versalles, en el trazado de los planos de varios palacios en Louveciennes y en París y en 1774, después de su exilio, le encargó un más modesto castillo en Saint-Vrain de Arpajon.
Estos dos encargos permitieron a Ledoux conocer a un gran número de nuevos mecenas: el duque de Chartres, que le encargará las barreras de París; a Federico II, landgrave de Hesse-Kassel, que le invitó a conocer su capital y a José II, hermano de María Antonieta, que será el principal subscriptor de su Architecture.
Otros encargos de esta época fueron la casa de Mlle. Saint-Germain, rue Saint-Lazare, el pabellón de Attilly en el faubourg Poissonnière, el pabellón del poeta Saint-Lambert en Eaubonne.
Dos Palacetes para cortesanas
Hôtel de Mlle Guimard - Paris - Elevation.jpg Pavillon Louveciennes - 2 - Plan du RdC.jpg Pavillon de Mme du Barry - Louveciennes.jpg Madame Dubarry1.jpg
Hôtel de Mlle Guimard.
Pavillon de Mme du Barry - Louveciennes.
Pavillon de Mme du Barry - Louveciennes.
Retrato de Guimard, por Fragonard.
La madurez[editar]
Una vez afirmada su reputación, Ledoux comenzó a construir edificios mucho más ambiciosos, como el Palacete de Montmorency en la Chaussée d'Antin, que incluía en la fachada principal un gran pórtico de ocho columnas de orden jónico, sobre un basamento rústico, con un tejado a la italiana ornado de estatuas de ocho condestables. Pero, constatando el empobrecimiento relativo de la nobleza, buscaba acercarse a los círculos financieros, con medios mucho más considerables.
Al mismo tiempo, seguía de cerca las operaciones de las administraciones y pensaba ponerse a su servicio, no desdeñando trabajos en la frontera entre las competencias del arquitecto y las del ingeniero. Gracias a la protección de Madame du Barry, Ledoux se convirtió en comisario de las Salinas del Este (Franco-Condado, Lorena y los Tres Obispados), en las que la modernización estaba comprometida con la continuación de la construcción del Canal de Borgoña. Fue a continuación promovido, en 1771, a inspector de las salinas del rey para el Franche-Comté y la Lorraine («inspecteur des Salines du Roi, pour la Franche-Comté et la Lorraine»).17
La Salina real de Arc-et-Senans (1774-79)[editar]
Salina real de Arc-et-Senans (Proyecto)
Premier projet salines royales d'Arc-et-Senans.jpg Carte générale des environs de la Saline de Chaux.jpg Arc-et-Senans - Plan de la saline royale.jpg Projet pour la ville de Chaux - Ledoux.jpg
Planta general del conjunto. Primer proyecto
Planta del conjunto. Segundo proyecto.
Planta del conjunto.Proyecto final.
Vista de la ciudad de Chaux, con la salina en el centro.

Conjunto de edificios.
Salina real de Arc-et-Senans
France arc et senans saline royal entrance 1.jpg Arc-et-Senans - Pavillon du directeur et atelier.jpg Koenigliche Saline in Arc-et-Senans Bild1 800px.jpg France arc et senas saline royal main building 1.jpg SalinesRoyales-PortailMaisonDirecteur.jpg
Pabellón de entrada
Interior del recinto
pabellón del director.
pabellón del director.
Pórtico del Pabellón del director

Salina real de Arc-et-Senans, pabellón de entrada.

Salina real de Arc-et-Senans, factoría de fabricación

Salina real de Arc-et-Senans, proyecto para el pabellón del director.
La sal era, otra vez, una mercancía esencial ya que servía como conservante de ciertos alimentos como la carne o el pescado. Su consumo soportaba un elevado impuesto impopular, la gabela, percibido por la Ferme générale. En el Franche-Comté, por en el hecho de la existencia en el subsuelo de filones de sal gema, se encontraban pozos salados de los que se extraía la sal por ebullición en calderas alimentadas con madera.18
En Salins-les-Bains o en Montmorot, se habían construido las calderas cerca de los pozos y se necesitaba la madera de los bosques vecinos. Cerca del primero de estos lugares, los fermiers généraux decidieron experimentar otro método: construir una fábrica de extracción de sal en las proximidades del bosque de la Chaux, en un lugar llamado el Valle del Amor, entre las villas de Arc y de Senans, y conducir hasta allí el agua salada por una canalización.
Construida entre 1774 y 1779, la Salina real de Arc-et-Senans, de la que los planos fueron aprobados por Louis XV y por Trudaine, es la obra maestra de Ledoux. Se puede llegar a ella por una ruta rectilínea trazada a través del bosque de Chaux. La entrada, precedida por un peristilo de orden dórico, donde las proporciones masivas, de aspecto arcaizante, fueron copiadas de Paestum, es alojada en una gruta que da la impresión de penetrar en una mina de sal. La alianza de columnas, motivo arquetípico del neoclasicismo, y de la gruta ornada de concrétions, que evoca las creaciones de la Renaissance, marca la oposición, pero también la articulación, entre las fuerzas elementales de la naturaleza y el genio organizador del hombre, que traduce las reflexiones del siglo XVIII –se piensa especialmente en Jean-Jacques Rousseau– de la relación entre la técnica y la naturaleza.
La entrada conduce a un amplio espacio semi-circular rodeado de diez edificios que se ordenan en la semi-circunferencia y su diámetro. En la parte circular se encuentran la toneladora, la fragua y los dos edificios de habitaciones para los obreros; en la parte rectilínea, los talleres de extracción de sal (ou bernes) alternan con los edificios administrativos de los que, en el centro, está el pabellón del director, que albergaba originalmente la dirección y la capilla.
La significación de esta planta es ambivalente: el círculo, figura perfecta, evoca la armonía de la Ciudad ideal, el lugar de concordia en el trabajo común, pero recuerda también las teorías contemporáneas de organización y vigilancia, particularmente el panoptismo de Jeremy Bentham.
La salina tuvo dificultades para entrar en una fase de producción industrial rentable, en razón de la concurrencia de pantanos salinos. Después de algunos ensayos poco fructíferos, se debió cerrar definitivamente a causa de la Revolución francesa en 1790. El sueño de la terminación de una manufactura, concebida a la vez como una residencia real y una nueva ciudad, llegó a su fin.
El teatro de Besançon[editar]

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Los teatros
Besançon - Théâtre - Elevation.jpg Théâtre de Marseille - Plan.jpg Théâtre de Marseille - Elevation.jpg
Teatro de Besançon, 1784
Marseille, proyecto de teatro – Planta.
Marseille, proyecto de teatro – Alzado.

Proyecto de palacio de justice d'Aix-en-Provence

Hôtel de Thélusson, 1778
Gracias a sus frecuentes estancias en el Franco Condado, en razón de sus funciones, Ledoux fue elegido para construir el teatro de Besançon. Las salas de espectáculos públicos eran todavía poco numerosas en Francia.19
Hasta entonces, lo habitual era que solamente los nobles estuvieran sentados, el pueblo permanecía de pie. Esta característica fue la que levantó críticas hacia Ledoux, quien concebía el teatro como una comunión de todos los espectadores, con un carácter casi religioso. Ledoux encontró en el intendente del Franco Condado, Charles André de La Coré, un espíritu iluminado que estaba dispuesto a seguir sus propuestas innovadoras. Así el teatro de Besançon fue el primero en que el patio contó con butacas destinadas a los abonados. Los oficiales se instalaban en el primer balcón, la nobleza ocupaba los primeros palcos y la burguesía los segundos, mientras que el pueblo tenía plazas con asiento en la platea: así el teatro podía ser a la vez lugar de comunión y también reflejo de una estricta jerarquía de clases.
Con la ayuda del tramoyista Dard de Bosco, alumno de Servandoni, Ledoux da volumen a la caja escénica y le incopora todos los avances. Fue el primero en ocultar a los músicos en un foso para orquesta.
El edificio fue inaugurado en 1784 y recibió grandes elogios.Sus días terminaron el 26 de abril de 1958 tras lo que no se reconstruyó de forma idéntica. Ledoux presentó a continuación un proyecto para el teatro de Marsella que fue rechazado. En 1784, se preferirá a Pierre-Adrien Pâris para la construcción del nuevo ayuntamiento de Neuchâtel. El proyecto espectacular que concibió para el Palacio de Justicia y la prisión de Aix-en-Provence empezó a ejecutarse en 1786, tras muchas dificultades, pero fue interrumpido por la Revolución francesa cuando los muros no superaban la altura de la planta baja.20
Iniciado en la franc-maçonnerie mística,21 Ledoux participó, con su amigo William Beckford, en misteriosas ceremonias. La logia femenina de la Candeur se reunía en el palacete que él había construido, rue des Petites-Écuries, para Mme. d'Espinchal. Il était désormais bien introduit dans le milieu de la finance. Pour le trésorier des maréchaussées, Praudeau de Chemilly, il dibuja le parc de Bourneville près de la Ferté-Milon. Para la viuda del banquero genoves Thélusson, antiguo asociado de Necker, construyó en la Chaussée d'Antin un palacete que todo París fue a visitar: emplazado en el corazón de un jardín paisaje, se abría a la rue de Provence por un inmenso porche en forme de arco triunfal aux piles surbaissées; los vehículos entraban hasta el interior del palacete por un pasaje circular y el salón central, igualmente circular, tenía en su centro un roquedo que envolvía una columnata.
En la rue Saint-Georges, para el criollo Hosten, Ledoux construyó también un conjunto de inmuebles dispuestos según un principio constructivo que podía desarrollarse al infinito. En la rue Saint-Lazare, alrededor de un almacén de comercio, dibuja los jardines de Zéphyr et de Flore, de los que Hubert Robert ha fijado la apariencia.
El arquitecto de la ferme générale[editar]
Las Barreras de París
Rotonde de Chartres - Paris.jpg Barrière Saint-Martin.jpg
Rotonde de Chartres. (actual: entrdada del parque Monceau)
Barrière Saint-Martin.
Dans la suite de ses trabajos franc-comtois, Ledoux se convirtió en arquitecto de la Ferme générale. Para esta compañía, construyó un granero de sal en Compiègne y emprendió la construcción de una gran sede central en París, en la rue du Bouloi.
Con Charles Alexandre de Calonne como «contrôleur général des finances», la Ferme obtuvo, según una idea del químico y fermier général Lavoisier, la autorización para elevar una barrera alrededor de París para limitar el contrabando que ocasionaba una evasión importante de los derechos de tributo: fue el famoso muro de los fermiers generales mur des Fermiers généraux, de 6 metros de altura y que debía tener 6 leguas de contorno (24 kilómetros) y requería 60 barreras de recaudación. Ledoux fue encargado de levantar los edificios, que bautiza pomposamente «les Propylées de Paris» y a los que quiere dar un carácter de solemnidad y magnificencia poniendo en práctica sus ideas sobre las relaciones necesarias entre la forma y la función.
Para acallar las protestas de la población parisina, la operación fue emprendida a tambor batiente: 50 barreras de cobro de tributos fueron construidas entre 1785 y 1788. La mayor parte han sido destruidas en el siglo XIX; de ellas subsisten muy pocas,22 de los que la Rotonda de la Villette y la de la plaza Denfert-Rochereau son las únicas en no haber sido desnaturalizadas. En algunos casos, la puerta estaba encuadrada entre dos edificios idénticos; en otros, no requería más que un único edificio. Las formas se limitaban a algunos grandes tipos: la rotonda —Monceau, Reuilly—, la rotonde sobrepuesta a una cruz griega —La Villette, La Rapée—, el cubo de cuatro peristilos —Picpus—, el templo griego —Gentilly, Courcelles—, la columna —le Trône—. En la Étoile, los pabellones, flanqueados de columnas hcen alternar los elementos cúbicos y cilíndricos, evocando el edificio de dirección de Arc-et-Senans; en la barrera de Bonshommes, un ábside abierto por un peristilo recuerda el pabellón de la du Barry y el palacete de la Guimard. El orden empleado fue generalmente el dórico griego. Ledoux había igualmente multiplicado los almohadillados rústicos.
Las críticas de orden político dirigidas a esta construcción audaz23 se centran en críticas estéticas para el arquitecto, acusado de haberse tomado excesivas libertades con los cánones antiguos por críticos como Dulaure o Quatremère de Quincy. Bachaumont denunció un «monument d'esclavage et de despotisme».24 En su Tableau de Paris (1788), Louis-Sébastien Mercier estigmatiza «les antres du fisc métamorphosés en palais à colonnes», y exclamó: «Ah! Monsieur Ledoux, vous êtes un terrible architecte!». Ledoux, pasto de la opinión pública, fue destituido de sus funciones en 1787 cuando Necker, que sucedió a Calonne, desaprobó la empresa.
Las Barreras de París
Paris Rotonde de la Villette 2004.jpg Parc Monceau - La Rotonde 02-03-06.jpg ParisXIVEntreeCatacombe.JPG
Rotonda de la Villette.
Rotonda Parc Monceau.
Rotonda Place Denfert-Rochereau.
Los tiempos difíciles[editar]
En ese momento, los trabajos del Palacio de Justicia de Aix-en-Provence fueron suspendidos y Ledoux fue acusado de llevar al Tesoro a gastos desconsiderados. Cuando la Revolución estalla, su rica clientela toma el camino de la emigración o perece bajo la guillotina. Ledoux vio su carrera y sus proyectos parados incluso vio los primeros golpes de piqueta s'acharnaient sur l'enceinte déjà désuète des fermiers généraux: si, desde junio de 1790, la Ferme générale había podido instalar a sus empleados en los pabellones de Ledoux, el tributo fue suprimido en mayo de 1791, siendo la obra inútil. Símbolo pese a él de la opresión fiscal, Ledoux, que había conseguido una bonita fortuna y llevaba un alto tren de vida, fue arrestado el 29 de noviembre de 1793 por el comité revolucionario del Faubourg du Nord y llevado a la Prisión de la Force. Fue acusado de haber trabajado para Madame de du Barry y de no haber aplaudido sinceramente en la ejecución de Luis XVI.
Realiza todavía un proyecto de escuela de agricultura para el duque de Duras, su compañero de cautividad. Puede ser gracias a la intervención del pintor David, yerno del contratista Pécoul, considerablemente enriquecido en la construcción de las barreras, lo que le evito la guillotina. Pero perdió a su hija preferida mientras que su otra hija le demandaba en un largo proceso por la herencia de su madre.
Ledoux fue liberado, dejó de construir y se dedicó a preparar la publicación de su obra completa. Desde 1773 había comenzado a hacer grabar sus construcciones y proyectos pero, en razón de la evolución de su estilo, no cesaba de retocar sus dibujos y los grabadores debían rehacer constantemente sus planchas. Ledoux evolucionó hacia una arquitectura siempre más detallada, colosal, con amplias paredes cada vez más lisas, con huecos cada vez más y más raros, etc.
Durante su aprisionamiento, había comenzado a redactar un texto para acompañar los grabados. Solo el primer volumen apareció mientras vivió, en 1804, con el título de «L'Architecture considérée sous le rapport de l'art, des mœurs et de la législation». Presenta el teatro de Besançon, la Salina real de Arc-et-Senans y la villa de Chaux.
Claude Nicolás Ledoux murió en París 18 de noviembre de 1806, cuando contaba setenta años.
El utopista[editar]

Vivienda construida según los planos de Claude Nicolas Ledoux
Alrededor de las Salinas Reales, Ledoux formalizó sus conceptos innovadores de un urbanismo y de una arquitectura destinada a buscar una sociedad mejor, de una Ciudad Ideal cargada de símbolos y de significados. Está considerado, con Étienne-Louis Boullée y sus proyectos de Cenotafio de Newton o de basílicas, como uno de los precursores del utopismo. Él fue el precursor del Falansterio de Charles Fourier en el siglo XIX, o del Familisterio de Guise de Jean-Baptiste André Godin.
Desde 1775, él había presentado en Turgot los primeros bocetos de la villa de Chaux, en la cual la Salina Real debía formar su centro. El proyecto constantemente perfeccionado fue grabado a partir de 1780.
Utopista radical de la arquitectura, fue profesor de la Real Escuela de Bellas Artes, creó un singular Orden Arquitectónico: una nueva columna que consiste en alternar piedras, una cilíndrica y otra cúbica superpuestas para lograr un efecto plástico. Esta época se caracteriza por una vuelta a lo antiguo, al despojamiento, al gusto por un estilo más "rústico".
Arquitectura de la Ilustración[editar]
En la llamada época de la Ilustración (desde 1750) se trata de dar a la arquitectura una nueva identidad en el momento en que las revoluciones tanto social como industrial declararon la pérdida de una identidad propia, ya que las nuevas construcciones de su época imitaban a estilos del pasado. Entonces se trata de imponer un nuevo tipo de arquitectura ligada a la tecnología, se dice que "la arquitectura debe regenerarse mediante la geometría" (Fournay).
Ahora la iglesia y el palacio dejan de ser los temas principales y surgen una serie de temas: museos, viviendas, teatros, fábricas, edificios de oficinas, universidades. Cada uno de estos aporta nuevos significados existenciales que pasan a ser los principales temas de desarrollo en la arquitectura conformando el entorno humano. En estos nuevos edificios se emplean el hierro y el vidrio como nuevos medios expresivos en busca de caracteres y principios “verdaderos” en este sentido encontramos al arquitecto francés Ledoux quien establece una conciliación entre la naturaleza y el hombre, dotando de significado los nuevos temas arquitectónicos tratando de liberarse de los estilos pasados. Hay un replanteamiento sobre los límites en que se mueve la representación arquitectónica.
Voltaire escribió: “no debemos apoyarnos en simples hipótesis, no debemos comenzar por la invención de principios con los que luego trataremos de explicar todo, debemos en cambio comenzar por el análisis exacto de los fenómenos que nos llaman la atención”. Con esto se comprueba que el hombre del siglo de las luces ya no quiere aceptar dogmas preestablecidos sino que los nuevos acontecimientos deben derivar de la experiencia, la observación y el análisis es decir nuevos procesos conceptuales acorde con los tiempos vividos.
En esta época el hombre encuentra un equilibrio existencial, se siente parte integral de la naturaleza, al descubrir sus leyes, basado en el desarrollo científico y tecnológico.
Piranesi demuestra que para él, la geometría euclidiana no constituye el único medio de expresión con sus reconstrucciones arquitectónicas del mundo clásico, dice que ahora la arquitectura construye hipótesis más que ofrecer soluciones, ante lo cual nadie puede pretender que las hipótesis queden completamente resueltas, con estos pensamientos se le da un carácter experimental a la arquitectura que no necesariamente tiene que ser construida en la realidad física ya que se ha construido en la imaginación. La cual tiene un papel vital en el progreso científico como fuente de innovación en el futuro tanto científico como artístico, estableciendo un nuevo lenguaje y métodos que se anticipaban a su época
Tanto Ledoux como Piranesi si bien no aspiraban a la viabilidad de sus proyectos su objetivo final es dar a sus proyectos a la vida arquitectónica, anticipando lo que vendrá en el futuro.
Junto a Étienne-Louis Boullée fue uno de los más destacados representantes de la Arquitectura visionaria.
Catálogo de obras[editar]
Catálogo de obras Claude-Nicolas Ledoux
Planta Alzado Año Obra Dirección Observaciones
1762 Decoración del Café militar (o Café Godeau) París, calle Saint-Honoré (Museo Carnavalet, París)
Claude-Nicolas Ledoux - Château de Mauperthuis - 1763.jpg 1763-66 Château de Mauperthuis, incluía una orangerie, faisanerie, capilla, pabellones de servicio, pabellones de los guardias y del conserje y la plantación del jardín. Mauperthuis (actual département de Seine-et-Marne) Destruido.
1764 Pabellón de Hocquart (para el presidente Hocquart) París, 66 rue de la Chaussée d'Antin y rue de Saint-Lazare. Destruido.
1764-65 Château de Montfermeil (reconstrucción, para el presidente Hocquart) Seine-Saint-Denis Destruido.
1764-67 Trabajos para el servicio de Aguas y Bosques: puente de Marac, puente Prégibert en Rolampont; iglesias de la Asunción en Fouvent-le-Haut, de Roche-et-Raucourt-sur-Vannon, de Saint-Pierre-Aux-Liens en Rolampont, de Saint-Barthélémy en Cruzy-le-Châtel y el coro de Saint-Étienne de Auxerre.
1765 Castillo de brienon-L'Archevêque, para el cardenal Luynes (Yonne)
1765 Abadía de Escharlys, Villefranche-Saint-Phal (Yonne), claustro y coro
1765 Proyecto de coro y tribuna para la catedral de Auxerre.
Claude-Nicolas Ledoux - Hotel d'Hallwyll - Paris.jpg 1766 Hôtel d'Hallwyll París, calle Michel-le-Comte, 28 y calle de Montmorency, 15. Es la única construcción privada de Ledoux que subsiste en la capital.
1766 Apartamento en la plaza Vendôme, para el barón Crozat de Thiers.
1766 Casa Foucault, calle Basse-de-rempart, para la marquesa de Foucault
1767-68 Hôtel d'Uzès París, rue Montmartre destruido hacia 1870: Les boiseries du salon de compagnie sont conservées desde 1968 en el Museo Carnavalet.
1768-70 Château de Bénouville Bénouville, Calvados (cerca de Caen) Propiedad del consejo general de Calvados, alberga hoy la chambre régionale des comptes.
1769 Hôtel Gourgues, para Mme. Gourges, hermana del presidente Chrétien-François II de Lamoignon. París, 53 rue Saint-Dominique, París Reconstruido
Hôtel de Mlle Guimard - Paris - Elevation.jpg 1770-72 Maison de Mlle. Guimard París, Chaussée d'Antin Destruido
1769-70 Pabellón de Saint-Germain, para Mlle. Louise Tirmant de Saint-Germain. París, rue Saint-Lazare. Destruido
1769-72 Hôtel de Montmorency París, ángulo de la rue de la chaussée d'Antin y del actual boulevard des Capucines Destruido): Les boiseries du salon circulaire sont conservées au Boston Museum of Fine Arts.
1770 Pabellón de Saint-Lambert Eaubonne, en la propiedad de Joseph-Florent Le Normand de ezières. Destruido
Pavillon Louveciennes - 3 - Vue en coupe.jpg 1770-71 Pabellón de musique de Madame du Barry Louveciennes Subsiste, pero muy alterado: ha sido desplazado y sobreelevado un piso en los años 1930 por Charles Mewès para el perfumista François Coty)
1771 Hôtel Tabary, para Pierre Renéde Tabary París, faubourg-Poissonnière
1772 Hôtel des Equipages, para Mme. Du Barry Versailles Hoy, propiedad de la Caserne de Noailles.
1774-79 Salina real de Arc-et-Senans (classée au titre des monuments historiques de la France et au patrimoine mondial de l'UNESCO en 1982)
1778-84 Teatro de Besançon Besançon
1778-81 Hôtel Thélusson París, rue de Provence] Destruido en 1826 cuando fue prolongada la rue Laffitte)
1780 Pabellón de Attilly (de Jarnac) París, Calle del Faubourg Poissonnière Destruido
Hotel d'Espinchal - Paris.jpg Hotel d'Espinchal - Paris - Plan.jpg 1780 Hôtel de Mme. d'Espinchal París, rue des Petites-Écuries Destruido
1780 Proyecto de Casa de M. de Witt
Parc de Bourneville La Ferté-Milon (Aisne)
Grenier à sel de Compiègne Compiègne, (Oise)
Projet pour le siège de la Ferme générale.jpg Projet pour le siège de la Ferme générale - Plan.jpg 1983 Siège de la Ferme générale París, rue du Bouloi
Projet de prison - Aix-en-Provence - élévation.jpg Projet de palais de justice - Aix-en-Provence - coupe.jpg 1784-86 Proyectos de Palacio de Justicia y prisión para Aix-en Provence -
1785-89 Pabellones et barrières de l'Octroi de Paris (voir Enceinte des Fermiers généraux).
120px 1792 Maison Hosten París, calle Saint-Georges
Proyectos[editar]
Parmi ses autres conceptions « visionnaires »:
1804 Proyecto de villa de Chaux, autour de la Salina real de Arc-et-Senans, publicado en 1804 (Plan del conjunto):
Chaux - Maison de surveillants de la source de la Loue.jpg Maison de surveillants de la source de la Loue
Chaux - Projet de marché.jpg Mercado.
Chaux - Projet de cimetière.jpg Cementerio
Chaux - Projet de pont.jpg Puente
Ledoux - Projet de maison de gardes agricoles.jpg Casa del jardinero.
1792 Proyecto de «immeuble-loyer».
Publicaciones[editar]
En 1804 fue publicado un volumen que comprendía obras realizadas entre 1768 y 1789: «L'Architecture considérée sous le rapport de l'art, des mœurs et de la législation». (París, 1804, texte et 125 pl. gr. in-fol.; rééd., 1847, sans texte, mais en 2 vol, de pl., sous ce titre: l'Architecture de C.-N. Ledoux).

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Joseph-Louis Duc (Francia)

71. Joseph-Louis Duc (Francia)

Joseph-Louis Duc (pronunciación francesa: [ʒɔzɛf dyk lwi] ) (1802-1879) fue un arquitecto francés. Duc saltó a la fama temprana, con su trabajo muy bien recibida en la columna de julio en París, y pasó gran parte del resto de su carrera en un único complejo de edificios, el Palacio de Justicia... Ver mas
Joseph-Louis Duc (pronunciación francesa: [ʒɔzɛf dyk lwi] ) (1802-1879) fue un arquitecto francés. Duc saltó a la fama temprana, con su trabajo muy bien recibida en la columna de julio en París, y pasó gran parte del resto de su carrera en un único complejo de edificios, el Palacio de Justicia .
Biografía [ editar ]
Nacido en París, estudió en la École nationale supérieure des Beaux-Arts en París, Duc tomó el Premio de Roma en 1825 para un diseño de una propuesta de Ayuntamiento de París. Durante su estancia de tres años en la Villa de Medici en Roma sus asociados no incluidos Félix Duban , Henri Labrouste y Léon Vaudoyer .
A su regreso del primer encargo importante de Roma Duc fue la decoración de la Columna de Julio , construido de 1831 a 1840, nombrado como asistente de Jean-Antoine Alavoine , Duc se hizo cargo de todo el proyecto en la muerte de Alavoine en 1834 La base de la columna es El trabajo de Alavoine; la columna en sí es reconocido como el único trabajo del Duc. [1]

Columna de Julio , París, dedicada 1840
Inmediatamente después de la dedicación de la columna de julio a mediados de 1840, Duc fue otorgado el cargo de arquitecto para el Palacio de Justicia por el respetado Antoine Vaudoyer, miembro del Instituto de Francia y el padre de la amiga de Duc y asociarse Léon Vaudoyer. Con el nombramiento Duc simultáneamente fue nombrado Caballero de la Legión de Honor . Duc pasaría sus restantes treinta y nueve años la renovación y la ampliación del Palacio de Justicia, por ejemplo, el diseño de la Cour de Casación . Casi finalizada en el momento de la Comuna de París , el complejo fue quemado el 24 de mayo 1871 y parcialmente destruido.
Otras comisiones del Duc, aunque poco frecuentes, incluyen el 1862 capilla del pequeño colegio Louis-le-Grand, ahora el Lycée Michelet, en Vanves .
Duc recibió la Medalla de Oro del Instituto Real de Arquitectos Británicos en 1867, fue elevado al Comandante de la Legión de Honor , [2] y fue elegido miembro de la Académie des Beaux-Arts en 1879 Lo entierran en el cementerio de Montmartre .

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Joaquín Toesca (Italia)

72. Joaquín Toesca (Italia)

Biografía[editar] Hijo de Giuseppe Toesca y Maria Ricci, empezó sus estudios de arquitectura en el ejército, en el taller de Francesco Sabatini. A los quince años viajó con Sabatini a la corte de Madrid. Toesca estudió matemática en Barcelona. En 1780 viaja a Santiago de Chile, a petición del... Ver mas
Biografía[editar]
Hijo de Giuseppe Toesca y Maria Ricci, empezó sus estudios de arquitectura en el ejército, en el taller de Francesco Sabatini. A los quince años viajó con Sabatini a la corte de Madrid. Toesca estudió matemática en Barcelona.
En 1780 viaja a Santiago de Chile, a petición del gobernador Agustín de Jáuregui y el arzobispo de Santiago Manuel de Alday y Aspée, con el encargo de finalizar la construcción de la Catedral de dicha ciudad. Además de esta obra, también se ocupó de diseñar los planos de la Casa de Moneda de Chile, (que posteriormente seria utilizada como residencia presidencial y sede del poder ejecutivo), de corregir los errores de construcción de la Catedral de Concepción, los Tajamares del Río Mapocho y el Hospital San Juan de Dios, y otras obras de menor importancia.1
Toesca contrae matrimonio en 1782 con Manuela Fernández de Rebolledo, pero su esposa acaba ingresando en un convento, tras un intento de asesinato de su marido.
Joaquín Toesca prosiguió sus trabajos y tuvo numerosos discípulos. Su influencia en la ciudad de Santiago de Chile es muy notable.
Principales obras[editar]

Elevación del Palacio de la Moneda en Santiago de Chile, realizada por Toesca.
Palacio de La Moneda, 1805, Santiago, Chile.
Catedral de la Santísima Concepción, 1788, Concepción, Chile.
Basílica de la Merced, 1795, Santiago, Chile.
Palacio de los Tribunales de Justicia, 1802, Santiago, Chile.
Catedral Metropolitana de Santiago, 1780, Santiago, Chile.

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Jean-Louis Pascal (Francia)

73. Jean-Louis Pascal (Francia)

Jean-Louis Pascal (4 junio 1837 hasta 17 mayo 1920) fue un arquitecto francés académico. Vida [ editar ] Nacido en París, Pascal se enseña en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes por Émile Gilbert y Charles-Auguste Questel . Él ganó el Gran Premio de Roma de Arquitectura en 1866, que... Ver mas
Jean-Louis Pascal (4 junio 1837 hasta 17 mayo 1920) fue un arquitecto francés académico.
Vida [ editar ]
Nacido en París, Pascal se enseña en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes por Émile Gilbert y Charles-Auguste Questel . Él ganó el Gran Premio de Roma de Arquitectura en 1866, que lo puso en la residencia en la Villa Medici en Roma a partir de 1867 a través de 1870.
Después de un breve servicio en la guerra franco-prusiana , regresó a París para asistir a Hector Lefuel con la restauración del Louvre, y tuvo éxito Questel como la cabeza de su propio taller de edad. En 1875, su estrella en ascenso en el sistema de la academia, Pascal fue nombrado arquitecto jefe de la Biblioteca Nacional de Francia tras la muerte del anterior arquitecto, Henri Labrouste . Pascal trajo este proyecto largo casi hasta el final, contribuyendo interiores y exteriores, la Sala Oval, el Salón de Voltaire, la sala de publicaciones periódicas, y la gran escalera.
Su otra gran obra incluye numerosos monumentos y memorial en toda Francia, la residencia y estudio del pintor francés William-Adolphe Bouguereau , 75 rue Notre-Dame-des-Champs, París, terminado en 1868, y la tumba de Jules Michelet en Père Lachaise en 1893.
En 1914 Pascal se adjudicó tanto la American Gold Medal AIA en 1914 (el cuarto que ha sido otorgado) y la Medalla de Oro del Instituto Real de Arquitectos Británicos . Murió en París.
Influencia [ editar ]
Pascal pudo haber tenido su mayor influencia como profesor, tanto para los arquitectos franceses y en particular para los estudiantes internacionales que se adaptaron las lecciones de la escuela de Bellas Artes de su país de origen. Atelier de Pascal fue acreditado con un total de cuatro grandes premios y quince segundos premios, mientras que él era patrono.
Entre muchos estudiantes de Pascal fueron:
el franco-americano Paul Philippe Cret
el franco-americano- Constant-Désiré Despradelle , que educó a una generación adicional de estudiante como profesor de arquitectura en el MIT
el escocés Sir John James Burnet
el estadounidense de Guy Lowell
el canadiense William Sutherland Maxwell
el canadiense Ernest Cormier
Henri Paul Nénot
Henri Sauvage
Charles Mewes

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Benedetto Alfieri (Italia)

74. Benedetto Alfieri (Italia)

"Y un primo de mi padre, mi semi-tío, el conde llamado Benedetto Alfieri. Este fue el primer arquitecto del rey; contigua y permanecer en el mismo teatro Regio a él con tanta elegancia y artesanía diseñado, hecho y ejecutado. A veces me fui a almorzar con él, y un par de veces a visitar... Ver mas
"Y un primo de mi padre, mi semi-tío, el conde llamado Benedetto Alfieri.
Este fue el primer arquitecto del rey; contigua y permanecer en el mismo teatro Regio a él con tanta elegancia y artesanía diseñado, hecho y ejecutado.
A veces me fui a almorzar con él, y un par de veces a visitar; '
(De Vida de V.Alfieri)

Benedetto Alfieri incisión en el siglo XIX
Benedetto Alfieri ( Roma , 1699 - Turín , 6 de diciembre de 1767 ) fue un arquitecto, italiano , famoso por anotar los edificios importantes del barroco en Piamonte .
Historia [ editar | fuente editar ]
Beato Inocencio Gaspare Joseph Alfieri, nació en Roma de ' Asti Blanco Alessandro Alfieri y Lavinia Puente Romano. Perteneció a la rama de las cuentas Alfieri de Cortemilia y, por lo tanto, la misma familia que el cronista de Asti Alfieri Ogerio y el poeta Vittorio Alfieri , quien en "Life" se acuerda de él con reverencia y afecto.
Estudió primero en Roma en el Colegio de los Padres Jesuitas , y después de 1722 en Turín , donde se graduó en derecho. Al mismo tiempo se llevó a cabo estudios e investigaciones como autodidacta en la arquitectura.

Asti, Palazzo Gazzelli , particularmente dell'androne
Para Asti fue concejal y luego alcalde de 1726 a 1730 .
En este periodo de actividad, diseñó la fachada y la escalera de honor del Palazzo del Comune , Palazzo Alfieri (lugar de nacimiento del primo Vittorio ), Palazzo Ottolenghi , el seminario episcopal , el ' ex Convento della Consolata , construyendo Gazzelli .
Diseños de Benedetto Alfieri se construyó el castillo de la familia Alfieri en San Martino Alfieri , y se transformó en el ejército sencillo edificio cuentas Amigo de Castell'Alfero a elegante residencia de estilo barroco.
El Govone castillo , hecho famoso por la residencia de Jean-Jacques Rousseau en el servicio de las cuentas Solaro, fue construido por diseño Benedetto Alfieri por Guarino Guarini .
En Alejandría, en 1730 , construyó el palacio de su tío el marqués Tommaso Ghilini.
En 1736 Carlo Emanuele III de Saboya lo comisionó para terminar el Teatro Regio . La habilidad del arquitecto era dar una homogeneidad arquitectónica perfecta de la fachada del teatro con los edificios que dan a la Piazza Castello . La fachada del teatro es la antigua estructura arquitectónica única superviviente construido por Alfieri y destruido por el fuego de 1936 .
En 1739 sucedió a Felipe Juvara como "el primer arquitecto civil del rey de Cerdeña."
En 1739 , para el Palacio de Caza de Stupinigi , Benedetto Alfieri diseñado dos nuevas alas, que, sin embargo, se hicieron sólo en 1759 .
En 1743 Benedetto Alfieri supervisó la restauración del Palazzo Barolo representa Falletti de Barolo , actuando tanto en la fachada externa (hall y escalera) que la planta principal.
Sus actividades en Turín continuó con numerosas reformas de interiores, entre los que se recuerda a las salas y galerías del Palacio Real , el palacio Morozzo della Rocca ( ​​1750 ), la construcción de Isnardi Caraglio ( 1756 ), la construcción de Chiablese ( 1762 ), el palacio de Asinary San Marzano ( 1767 ), e intervino en la reconstrucción del ala sur del palacio del Senado ( 1741 - 1748 ), cuya construcción comenzó en 1720 en un diseño de Filippo Juvarra .

Castello di Barolo
Además, entre 1751 y 1757 , tras la muerte de Juvarra, continuó el trabajo en el Palacio Real de Venaria Reale en Turín.
Él hizo los dibujos para la modificación de la Catedral de Turín , para una extensión de Palazzo Madama y para una reconstrucción del castillo de Chambéry .
El Alfieri también estuvo a cargo de la planificación urbana, con el proyecto en 1756 la plaza en la intersección de Via Milano y Via Garibaldi, Piazza Palazzo di Città , la antigua Piazza delle Erbe, luego completó en el ' siglo XIX con la estatua de Pelagio Palagi que representa Amedeo VI de Saboya dijo el Conte Verde.
En 1753 aceptó el proyecto para la construcción de la torre del campanario de la Basílica de San Gaudencio en Novara . La obra fue terminada sólo en 1786 , 33 años después de la apertura del sitio y 19 después de la muerte del diseñador.
También Duomo di Carignano (la iglesia parroquial de SS. Remigio y Juan el Bautista), considerada la obra maestra del arquitecto, fue completado por los arquitectos de Estudio Royal en 1771 , cuatro años después de su muerte. La fábrica tiene una increíble plan de nave curva y endonarthex circular. Vittorio Alfieri recordado como "esa iglesia extraña de Carignano hizo en la forma de un abanico." De acuerdo con la vieja lectura Brinckmann, "el semi-círculo de la iglesia era estimular al espectador a completar en su mente con la otra mitad", [ cita requerida ] existir en la realidad antes de esta arquitectura inusual y gigantesca, aún incompleta, incluyendo los bocetos para decorados de teatro en contexto Juvarra. [ cita requerida ]
Él murió de neumonía el 6 de diciembre de 1767
El estilo "Alfieriano" [ edit | fuente editar ]
"Él era el más apasionado de su arte; carácter simple, el ayuno y casi cualquier otra cosa, que no era aplicable a las bellas artes.
Entre muchas otras cosas, que el argumento de que su enorme pasión por la arquitectura, la charla a menudo, y con entusiasmo, a mí muchacho ignorante de todo lo que yo era de mi arte, la Divina Michelangelo Buonarroti , él nunca mencionó sin o bajar la cabeza, o levantarse en la tapa, con un respeto y un remordimiento que no se te ocurra salir de la mente "
(De la vida de Vittorio Alfieri)
Los edificios del arquitecto Astigiano se caracterizan por un estilo barroco de Miguel Ángel , aparentemente muy festivo, pero en realidad fría y estricta, hecha de gruesos muros y superficies duras, típicas del estilo de la corte de Carlos Manuel III [1] .
Es probable que la inspiración para su arquitectura deriva de su juventud viviendo en Roma, especialmente para obras monumentales, donde hay un fuerte intento de "provincianismo" arquitectura de Piamonte, en la medida de lo posible y acercarla a los tiempos de los romanos clásicos. [2]
Según R.Pommer, el estilo de Alfieri es mucho más similar a Vanvitelli que el Juvarra , o Vittone . De hecho, los temas conservadores y arquitecto severa casan plenamente en el estilo de la gran escalera de Vanvitelli para el Palacio de Caserta .
El rococó para Alfieri no implica nunca la arquitectura exterior, pero permanece confinado en el interior con ideas brillantes en el uso de espejos, escaleras, el dorado y el mobiliario. [2] .
Lista de intervenciones Alfieri [ edit | fuente editar ]
Asti [ edit | fuente editar ]
Convento de Santa Ana, la expansión y la construcción de la torre del campanario ( 1724 )
Coro del Monasterio de San Bernardino (hoy destruido)
Ayuntamiento , delante y extensión ( 1726 )
Palazzo Gazzelli de Rossana, renovación y ampliación ( 1726 )
Orfanato Girls '
Palazzo Alfieri , renovación y ampliación ( 1738 )
Palazzo amigo de Castell'Alfero
Palazzo Cotti Ceres
Palazzo Mazzetti , ampliación y renovación ( 1751 )
Palazzo Ottolenghi , ampliación y renovación ( 1754 )
Seminario Episcopal de Asti , parte de la biblioteca ( 1763 )
Turín [ edit | fuente editar ]

Reggia di Venaria Reale, galería de Benedetto Alfieri
Royal Academy, columnas de restauración
Iluminación del Castillo de Valentino , y la ciudad ( 1750 )
Duomo , el proyecto para la construcción de una nueva catedral ( un mil setecientos cuarenta y dos - 1 748 )
Iglesia de Corpus Christi
Iglesia de San Lorenzo , la Capilla de San Cayetano ( 1762 )
Iglesia de Santa María del Monte o Monte de los Capuchinos, altares laterales ( 1747 )
Instituto de la Providencia (ahora la Agencia Tributaria Municipal) ( 1752 )
Asinary Palazzo di San Marzano, Interior ( 1767 )
Palazzo Barolo , decoraciones de interior ( 1743 )
Palazzo Benso di Cavour , la modernización del Interior ( 1757 )
Chiablese construcción, renovación y extensión a San Lorenzo ( 1762 , 1763 )
Palazzo d'Agliano, (delantero)
Palazzo Giannazzo Pamparato (restauración)
Palazzo Isnardi Caraglio (sede de la Academia Filarmónica) ( 1753 )
Palazzo Madama , la renovación de un apartamento ( 1753 )
Marozzo Palazzo della Rocca, Reconstrucción ( 1750 )
Palacio de Piossasco Rivalba ( 1781 )
Reggia di Venaria Reale , la finalización de la granja ( 1751 ), la nueva fábrica ( 1755 )
Palacio Real , Galleria Beaumont (ahora la Real Armería ), piano Po ( 1753 ); Jardín ( 1756 ); sala de la guardia ( 1761 ); Director Curia, altar ( 1762 ); columnas baptisterio, obras de mármol / bronce
Palacio de la Prefectura ( 1739 )
Palazzo Solaro de la Iglesia, la restauración
Palazzo Turinetti Cambiano, reconstrucción interna ( 1750 )
Palacio del Senado real (ahora Tribunal de Apelaciones), Ala Sur ( 1748 )
Superga , congregación verdadera, la ampliación de la biblioteca ( 1752 , 1754 )
Príncipe de Carignano Theatre (destruido en 1782 ), ( 1752 )
Teatro Regio , la finalización de la obra ( 1752 , 1756 )
Otros lugares [ editar | fuente editar ]

El castillo de Govone

Fachada de la catedral de Saint-Pierre, Ginebra
Alejandría , proyecto Palace Ghilini (el palacio nunca fue terminado) ( 1731 )
Castell'Alfero , Villa Amico, proyecto y construcción ( un mil setecientos veinticinco - el 1730a )
Chambéry , el castillo ( 1752 )
Carignano , el borrador final de la Parroquia ( 1757 )
Casale Monferrato , la catedral, la capilla de San Evasio ( 1764 )
Casale Monferrato , Palazzo Natta Alfiano, establos ( 1765 )
Casale Monferrato , la iglesia de San Francesco, altar (destruido) ( 1744 - 1748 )
Casale Monferrato , la iglesia de San Pedro Apóstol ( 1730 )
Cavallermaggiore , la iglesia del Carmen de Santa Teresa ( 1757 , 1762 )
Ghemme , altar de la parroquia de mármol ( 1760 )
Ginebra , frente a la catedral ( 1752 )
Govone , castillo, construido ( 1733 -? 1735 ?)
Mondovi , catedral, cirugía menor ( 1752 )
Nizza Monferrato , Iglesia de San Juan Bautista
Novara , campanario de San Gaudencio ( 1753 ), un proyecto de la catedral ( 1754 )
Novara , Palacio Episcopal, la reestructuración ( 1765 )
Monastero di Vasco , la iglesia de San Pedro y San Pablo ( 1763 )
Milán , Palazzo Sormani , Suministros frente y ( 1765 )
Pecetto Torinese , Iglesia de la Ermita Calmadolesi, altar de mármol (ya no está disponible) ( 1752 )
Piovà Ama de casa , iglesia parroquial ( 1749 )
San Martino Alfieri , villa Alfieri, cambio de imagen
Trino , Sinagoga , ahora se conserva all'Eretz Museo de Tel Aviv
Varallo , Sacro Monte basílica , el altar y la tribuna ( 1740 )
Venaria Reale , iglesia parroquial, altar mayor ( 1756 )
Vercelli Iglesia - Capilla de la Santísima Amedeo ( 1755 ), el urbanismo ( 1760 )
Proyectos [ editar | fuente editar ]
Diseños para algunos de los muebles de la Basílica de Superga
Proyectos para la iglesia del Corpus Domini en Turín ( 1746 )
Diseño y renovación del Ayuntamiento y de la Piazza delle Erbe ( 1756 )
Ampliación propuesta del Senado y de la relación con la galería Beaumont
Diseño de reparación de dos casas en Contrada PO (Turín)
Los planes para el hospital y el monasterio de S. Andrea en Vercelli
Proyecto para la iglesia de los Santos Juan Bautista y Remigio, Carignano
Proyecto para la reorganización de la Piazza delle Erbe y la cesta de la calle (ahora Square y a través del Palacio de la Ciudad)
Diseño de un puente sobre el río Bórbore , (Asti)
Homenajes [ edit | fuente editar ]
La ciudad de Asti titula el Instituto Estatal de Arte de Benedetto Alfieri.

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Carlo Mollino (Italia)

75. Carlo Mollino (Italia)

Carlo Mollino (Turín, 6 de mayo 1905 - 27 de agosto 1973) fue un arquitecto y diseñador italiano. Hijo de ingeniero, durante su juventud fue interesándose por otras disciplinas tan diversas como la arquitectura, el diseño de mobiliario, la fotografía, el esquí, los coches de carreras o la... Ver mas
Carlo Mollino (Turín, 6 de mayo 1905 - 27 de agosto 1973) fue un arquitecto y diseñador italiano.
Hijo de ingeniero, durante su juventud fue interesándose por otras disciplinas tan diversas como la arquitectura, el diseño de mobiliario, la fotografía, el esquí, los coches de carreras o la aeronáutica.1 2
A Mollino se le atribuye la frase: "Todo es permisible con tal de que sea fantástico",3 frase que pareció marcar su estilo en el trabajo. Su obra se caracteriza por el predomino de la línea sinuosa, casi aerodinámica, y por la reinterpretación moderna de las técnicas artesanales.4 El estilo arquitectónico de Mollino huye del racionalismo y está influenciado por las arquitecturas de Alvar Aalto y Erich Mendelsohn. Su estilo se ha definido como neobarroco o neoliberty.4
Biografía[editar]
Inició su carrera como arquitecto en 1930, diseñando una casa en Forte dei Marmi (Italia), por la que recibió el premio G.Pistono. Entre 1933 y 1948 trabajó con su padre y participó en varios concursos de arquitectura, ganando el del monumento al partisano, diseñado junto al escultor Umberto Mastroianni, y emplazado en el cimiterio generale de Turín. Entre 1936 y 1939, Mollino diseña, en colaboración con Vittorio Baudi di Selve, el edificio de la sociedad hípica de Turín.
Mollino fue un entusiasta del esquí, y escribió el libro "Trattato sul Discesismo", donde explica su particular técnica de esquí con abundantes ilustraciones. También diseñó casas de montaña como la Casa del Sole en Cervino o la estación de invierno (Slittovia) del Lago Nero en el Valle de Aosta, de 1948.4
En 1952 diseñó el auditorio de la RAI en Turín, restaurado en 2006. También diseñó el coche de carreras "bisoluro", con el que participó en las 24 horas de Le Mans en 1954.1
En la década de los 60 dirigió al equipo de arquitectos encargados del diseño del distrito INA-Casa de Turín. También diseñará en esa época los dos edificios que le harían famoso: la cámara de comercio y el Teatro Regio; ambos en Turín.
Edificios[editar]
Società Ippica Torinese, Turín (1937, destruido en 1960)
Slittovia del lago Nero, Sauze d'Oulx (1946)
Casa eb Agra plateau (1952)
Auditorio RAI, Turín (1952)
Casa del Sole, Cervinia (1955)
Ampliación del edificio del Aeroclub Torino, Turin (1958)
Cámara de comercio, Turín (1964)
Teatro Regio, Turín (1973)
Mobiliario[editar]

Scrivania cavour (1949).
En junio de 2005, una mesa de roble y vidrio diseñada por Carlo Mollino en 1949 para la Casa Orengo fue vendida en la casa de subastas Christie's de Nueva York por un precio de 3.824.000 dólares, estableciendo un récord para piezas de mobiliario del siglo XX.
Obras que no han sido realizada[editar]
1940 Reconstrucción del refugio Kind a Sauze de Oulx
1954: Ampliación del hospital de Rivoli (Torino)
1954: Capilla del instituto Luz Nueva de Giaveno (Torino)
1966: Llano regulador de Sauze de Oulx
1968: Dépendencia Branca (garaje con anexos servicios) Lignan - Saint Barthèlemy (Nus - Aosta)

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Héctor Guimard (Francia)

76. Héctor Guimard (Francia)

Hector Guimard (Lyon, Francia, 10 de marzo de 1867 – Nueva York, 20 de mayo de 1942) fue un arquitecto francés, el representante principal del Art Nouveau en Francia. En el paisaje internacional del Modernismo, Guimard hace figura de franco tirador aislado: no deja ningún discípulo detrás de él... Ver mas
Hector Guimard (Lyon, Francia, 10 de marzo de 1867 – Nueva York, 20 de mayo de 1942) fue un arquitecto francés, el representante principal del Art Nouveau en Francia.
En el paisaje internacional del Modernismo, Guimard hace figura de franco tirador aislado: no deja ningún discípulo detrás de él, ni ninguna escuela, y por eso se intentó durante mucho tiempo considerarlo como un protagonista secundario de este movimiento; una ausencia de posteridad que contrasta con la profusión formal y tipológica extraordinaria de su obra arquitectónica y decorativa, donde el arquitecto da lo mejor de sí mismo en aproximadamente quince años de una actividad creativa que aturde.
Los años de estudio[editar]
A partir de sus estudios de arquitectura, Guimard se sensibiliza (como Gaudí) a las teorías de Eugène Emmanuel Viollet-le-Duc que sienta las bases, a partir de 1863, de los futuros principios estructurales del Modernismo. La conversión de Guimard al propio estilo está por su parte más ocasional: se hace en un viaje en Bruselas, donde visita el hotel Tassel de Victor Horta. La realización más emblemática de este tiempo, el Castel Béranger [1] (1898), ilustra este momento de transición que ve el choque entre estas dos herencias: sobre los volúmenes geométricos de inspiración medieval de la estructura se extiende a profusión la línea orgánica «en golpe de látigo» [2] importada de Bélgica.
Una gloria fulgurante[editar]
El Castel Béranger vuelve a Guimard famoso de la noche a la mañana y numerosos pedidos le permiten entonces precisar aún más sus investigaciones estéticas, la armonía y la continuidad estilísticas en particular (un ideal principal del Modernismo), que lo incitan a una concepción casi totalitaria del decorado interior, culminando en 1909 con el hotel Guimard [3] (regalo de boda a su rica esposa americana) donde partes ovoides [4] imponen únicos muebles, parte integral del edificio.
Si el pozo de luz consustancial a Victor Horta es un dato más bien ausente de su obra (excepto en el ejemplo tardío del hotel Mezzara [5], de 1910), Guimard no lleva menos experiencias espaciales asombrosas, en la volumetría de sus construcciones en particular: la casa Coilliot [6] y su curiosa doble-fachada (1898), La Bluette [7] y su bonita armonía volumétrica (1899), y sobre todo el Castel Henriette [8] (1899) y el Castel d’Orgeval [9] (1905), manifestaciones radicales de un "plan-libre" vigoroso y asimétrico, veinticinco años antes de las teorías de Le Corbusier. La simetría, sin embargo, no se proscribe: el espléndido hotel Nozal [10], en 1905, reanuda la disposición racional de un plan en escuadra propuesto por Viollet-le-Duc.
Las innovaciones estructurales no faltan tampoco, como en la extraordinaria sala de concierto Humbert-de-Romans [11] (1901), donde una estructura compleja divide las ondas sonoras para conseguir una acústica perfecta; o como en el hotel Guimard (1909), dónde la estrechez de la parcela permite al arquitecto rechazar toda función portadora sobre las paredes exteriores (como Gaudí a la Casa Milà) y liberar así la disposición de los espacios interiores, diferente de un piso al otro [12] ; etc.
Espíritu curioso y brillante, Guimard es también un precursor de la standardización industrial, en la medida en que desea difundir el nuevo arte a gran escala. Sobre este plan conoce un verdadero éxito (a pesar de los escándalos) con sus famosas entradas del Metro parisiense [13], construcciones flexibles donde triunfa el principio del ornamento estructural de Viollet-le-Duc. La idea se reanuda (pero con menos éxito) en 1907 con un catálogo de elementos en fundición aplicables a la arquitectura: "Fundiciones Artísticas, Estilo Guimard" [14].
Como para el marco arquitectónico global, la concepción intrínseca de sus objetos de arte proceden del mismo ideal de continuidad formal (que permite fusionar todas las funciones prácticas en un único cuerpo, como con el "Barro de los Binelles" [15], de 1903) y lineal, como en el dibujo de sus muebles [16], a la silueta graciosa y armoniosa.
Su vocabulario estilístico inimitable procede de un organicismo vegetal especialmente sugestivo, permaneciendo al mismo tiempo voluntariamente sobre la vertiente de la abstracción. Modelados y alborotos nerviosos invierten tanto así la piedra como la madera; sobra el plano, Guimard crea verdaderas composiciones abstractas que se adaptan con la misma facilidad a la vidriera [17] (hotel Mezzara, 1910), al panel de cerámica [18] (casa Coilliot, 1898), al hierro forjado [19] (Castel Henriette, 1899), al papel pintado [20] (Castel Béranger, 1898), o al tejido [21] (hotel Guimard, 1909).
El olvido[editar]
Pero a pesar de este fuego artificial de innovaciones y demostraciones en todos los ámbitos, la prensa y el público se desvían rápidamente de Guimard: menos que la obra, es el hombre que irrita. Y en digno representante del Art Nouveau, él mismo es víctima de las contradicciones inherentes a los ideales del movimiento: sus creaciones más perfectas son financieramente inaccesibles a la mayor parte de la gente, y al revés sus tentativas de standardización corresponden mal con su vocabulario muy personal. Es finalmente completamente olvidado cuando muere en Nueva York en 1942, dónde el temor de la guerra lo hacía exiliarse (su mujer era judía).
El redescubrimiento[editar]
Tras demasiado numerosas destrucciones, exploradores aislados (los primeros « hectorólogos ») van a redescubrimiento del artista y su universo hacia los años 1960-1970 y reconstituyen pacientemente su historia. Si lo más importante se hizo en este ámbito, sin embargo, ciento años después del "gesto magnífico" del Art Nouveau (Le Corbusier), la mayoría de los edificios de Hector Guimard siguen siendo inaccesibles al público, y aún no se inauguró un Museo Guimard en Francia.

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Dominikus Zimmermann (Alemania)

77. Dominikus Zimmermann (Alemania)

Dominikus Zimmermann (30 de junio de 1685, Gaispoint–16 de noviembre de 1766, Wies) fue un arquitecto rococó y estucador. Vida[editar] Nació en Gaispoint cerca de Wessobrunn en 1685. Como su hermano mayor, Johann Baptist Zimmermann, también arquitecto y estucador, Dominikus Zimmermann... Ver mas
Dominikus Zimmermann (30 de junio de 1685, Gaispoint–16 de noviembre de 1766, Wies) fue un arquitecto rococó y estucador.
Vida[editar]
Nació en Gaispoint cerca de Wessobrunn en 1685. Como su hermano mayor, Johann Baptist Zimmermann, también arquitecto y estucador, Dominikus Zimmermann descendía de una familia de artistas y artesanos que pertenecieron a la llamada Escuela Wessobrunner, trabajando primero como un estucador y más tarde como maestro constructor y arquitecto. Vivió en Landsberg am Lech, donde fue alcalde entre 1748 y 1753. Murió cerca de la iglesia de peregrinos de Wies cerca de Steingaden en 1766.
Obras principales[editar]
Iglesia abacial, Mödingen (1716-1725) en el distrito de Dillingen
Antiguo ayuntamiento (1719) e iglesia de San Juan (1752) en Landsberg am Lech
Iglesia de peregrinación en Steinhausen cerca de Bad Schussenried (1728-1733)
Iglesia de Nuestra Señora en Günzburg (1735-1740)
Iglesia peregrinación en Wies cerca de Steingaden (1745-54)

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Heinz M. Springmann (Alemania)

78. Heinz M. Springmann (Alemania)

Arquitecto alemán nacido en Rielasingen. Estudió arquitectura en la Universidad Técnica de Stuttgart y se graduó con un título de licenciado en ingeniería. Su enfoque profesional en las áreas de la arquitectura en el contexto urbano, son construcciones contemporáneas, basadas en la ecología y la... Ver mas
Arquitecto alemán nacido en Rielasingen. Estudió arquitectura en la Universidad Técnica de Stuttgart y se graduó con un título de licenciado en ingeniería. Su enfoque profesional en las áreas de la arquitectura en el contexto urbano, son construcciones contemporáneas, basadas en la ecología y la conservación. Especial atención del público encontraron sus proyectos en colaboración con Friedensreich Hundertwasser, como por ejemplo el Complejo Wohnen unterm Regentum en Plochingen (1991), el Complejo Residencial Waldspirale en Darmstadt (1998) y la Estación de ferrocarril de Uelzen (1999). © epdlp

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Helmut Jahn (Alemania)

79. Helmut Jahn (Alemania)

Biografía[editar] Nació el 4 de enero de 1940 en Núremberg (Alemania). Estudió en la Universidad Técnica de Múnich y a continuación trabajó en un despacho de arquitectura en esa misma ciudad. Emigró entonces a los Estados Unidos donde estudió durante un año en el Instituto de Tecnología de... Ver mas
Biografía[editar]
Nació el 4 de enero de 1940 en Núremberg (Alemania). Estudió en la Universidad Técnica de Múnich y a continuación trabajó en un despacho de arquitectura en esa misma ciudad. Emigró entonces a los Estados Unidos donde estudió durante un año en el Instituto de Tecnología de Illinois, en Chicago, teniendo como profesor a Ludwig Mies van der Rohe.
En 1967 Jahn se incorporó al estudio de arquitectos C. F. Murphy Associates, en el que seis años más tarde se convirtió en socio y director de diseño. Desde 1981 el estudio se denomina Murphy/Jahn. Durante los años 80 el despacho diseñó algunos de los más prestigiosos edificios de Chicago, inspirados en el estilo de Mies van der Rohe. Jahn fue profesor visitante de arquitectura en las universidades de Illinois, Harvard y Yale. Entre 1989 y 1993 fue profesor numerario en el Instituto de Tecnología de Illinois.
En sus trabajos más recientes, Jahn abandona su tendencia firme hacia el modernismo, y se inclina hacia un naturalismo creativo, estilo que además permite una mayor libertad en el diseño, de forma que los edificios de la misma firma son más distintos de proyecto en proyecto. En sus edificios Jahn refleja un simbolismo que es fácil de interpretar, incluso por el gran público.
Premios[editar]
Jahn ha recibido numerosos premios y distinciones. En 1991 el Instituto Americano de Arquitectura le designó como uno de los diez arquitectos contemporáneos más influyentes. Alemania le concedió en 1994 la Cruz al Mérito de la República Federal.

Messeturm.
Obras representativas[editar]
1974 Arena Kemper (Kansas City)
1980 Centro de Xerox (Chicago)
1983 Edificio en Diagonal Street (Johannesburgo)
1988 Edificio Wilshire/Westwood (Los Ángeles)
1984 Terminal Uno de United Airlines, Aeropuerto O’Hare (Chicago)
1985 Centro James R. Thompson (Chicago)
1988 Edificio Wilshire/Westwood (Los Ángeles)
1990 Torres en One Liberty Place (Filadelfia)
1991 Torre de la Feria, "Messeturm" (Fráncfort del Meno)
1993 Torre de Hitachi (Singapur)
1993 Edificio de Caltex (Singapur)
1994 Centro comercial y de negocios en Kurfürstendamm (Berlín)
1994 Hotel Kempinski (Múnich)
1999 Central en el Aeropuerto de Múnich
1999 Sede de la Unión Europea (Bruselas)
2000 Sony center (Potsdamer Platz de Berlín)
2002 Sede central del grupo Bayer (Leverkusen)
Post Tower en (Bonn)
Hotel Hyatt Regency (Aeropuerto Roissy-Charles de Gaulle, París)
Torre en Park Avenue (Nueva York)
Centro Northwestern Atrium (Chicago)
Sede del Gobierno Federal de Illinois (Chicago)
Edificio One America Plaza (San Diego)
Edificio de Principal Mutual Life Insurance Company (Des Moines, Iowa)

Ha recibido 23 puntos

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Giuseppe Mengoni (Italia)

80. Giuseppe Mengoni (Italia)

Giuseppe Mengoni (23 de noviembre de 1829, en Fontanelice - 30 de diciembre 1877) fue un italiano arquitecto . Él diseñó la Galleria Vittorio Emanuele II en Milán . Él murió por accidente, cayendo desde el techo de la galería que había construido.

Ha recibido 22 puntos

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Peter Smithson (Gran Bretaña)

81. Peter Smithson (Gran Bretaña)

Arquitecto británico nacido en Stockton-on-Tees, Dirham. Junto a su esposa Alison Smithson (Sheffield, 1928-1993), fueron figuras líderes en la arquitectura internacional y la escena de planificación urbana en las décadas de los 50 y 60, además de ser promotores de un enfoque intelectual... Ver mas
Arquitecto británico nacido en Stockton-on-Tees, Dirham. Junto a su esposa Alison Smithson (Sheffield, 1928-1993), fueron figuras líderes en la arquitectura internacional y la escena de planificación urbana en las décadas de los 50 y 60, además de ser promotores de un enfoque intelectual pragmático, anti-retórico y experimental, ejemplificado en su trabajo con el Equipo X. Se casaron en 1949 y abrieron un estudio en Londres. La casa de Colville Place, 46 en el Soho, es una de las primeras casas que diseñaron para sí mismos. El edificio de la Escuela Hunstanton en Norfolk (1954), considerada como el manifiesto del Movimiento Brutalista, es recordado como el proyecto en el que ese término fue usado por primera vez, como la única salida para el movimiento modernista. Este edificio destacó por su extraordinaria austeridad y su claridad formal. Las fachadas se estructuraron mediante paneles acristalados de la talla de las habitaciones. Los suelos se realizaron con losas de hormigón y las paredes, tanto en el exterior como en el interior, con ladrillo visto. Todos los materiales aparecían tal como eran, sin pintar, y se dejaron incluso las instalaciones eléctricas y las tuberías a la vista. Otro edificio importante es el Economist Building de Londres (1967). Los Smithson buscaron la fuerza que conducía sus emociones, ejercieron una influencia significativa en el arte pop de Inglaterra, y con ellos la arquitectura tomó todo su tiempo. © epdlp

Ha recibido 22 puntos

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Paulo David (Portugal)

82. Paulo David (Portugal)

Paulo Abreu David Andrade ( Funchal , 1959) es un arquitecto portugués galardonado en 2012 con la Medalla Alvar Aalto . [1] Se graduó en 1989 en la Facultad de Arquitectura de la Universidad Técnica de Lisboa , después de haber trabajado en las oficinas de Gonçalo Byrne y João Luís Carrilho da... Ver mas
Paulo Abreu David Andrade ( Funchal , 1959) es un arquitecto portugués galardonado en 2012 con la Medalla Alvar Aalto . [1]
Se graduó en 1989 en la Facultad de Arquitectura de la Universidad Técnica de Lisboa , después de haber trabajado en las oficinas de Gonçalo Byrne y João Luís Carrilho da Graça . En 1996 regresa a Funchal , después de haber establecido su oficina allí en 2003. [2]
Obras [3] [ editar | código fuente editar ]

Arts Centre - Inicio de plántulas
Arts Centre - Inicio de las plántulas , Calheta , Madeira
Restaurante Salinas, Câmara de Lobos , Madeira
Casa 05 en Funchal, Funchal, Madeira
Volcán Pavilion, São Vicente, Madeira
Cuevas de San Vicente, Sao Vicente, Madeira
Piscinas Salinas, Câmara de Lobos, Madeira
Premios / reconocimientos [ editar | editar el fuente ]
2008
Premio Klippan - Cerámica Hispalyt Presidente, finalista, Arts Centre - Inicio de plántulas | Calheta
Câmara de Lobos | Europeo Espacio Público, Finalista, Premio Complejo Salinas de
2007
Premio Enor, Finalista, Complejo de Salinas | Câmara de Lobos
Premio Fad - arquitectura ibérica, Winner, Complejo de Salinas | Câmara de Lobos
International Architecture Award en Stone, "Telefonica", 42a Edición Padova, Winner, piscinas de Salinas | Câmara de Lobos
Premio Internacional de Arquitectura en Piedra, Verona, Winner, Complejo de Salinas | Câmara de Lobos
AICA / MC | Career Award de la sección portuguesa de la Asociación Internacional de Críticos de Arte | Ministerio de Cultura
2005
Premium "Barbara Cappochin" Obra seleccionada, el Centro de las Artes - Inicio de plántulas | Calheta
Premio Enor, primera edición, Premio Enor Portugal, Winner, Arts Centre - Inicio de plántulas | Calheta
Premio Fad - arquitectura ibérica, Finalista, Arts Centre - Inicio de plántulas | Calheta
Premio "La Piedra en la Arquitectura", 7 ª edición, el ganador, Arts Centre - Inicio de plántulas | Calheta
Premio Europeo de Arquitectura Mies Van der Rohe Contemporânea_Prémio, Obras Escogidas, Arts Centre - Inicio de plántulas | Calheta
1996
Premio de Arquitectura de Funchal, 1 ª Edición, Winner, Creche "resortes" de la Asociación de Jóvenes Empresarios de Madeira | Funchal

Ha recibido 21 puntos

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Giorgio Vasari (Italia)

83. Giorgio Vasari (Italia)

Giorgio Vasari (Arezzo, 30 de julio de 1511 – Florencia, 27 de junio de 1574) fue un arquitecto, pintor y escritor italiano. Es célebre sobre todo por sus biografías de artistas italianos, colección de métodos, anécdotas, rumores y leyendas recogidas en su libro Vida de los mejores arquitectos... Ver mas
Giorgio Vasari (Arezzo, 30 de julio de 1511 – Florencia, 27 de junio de 1574) fue un arquitecto, pintor y escritor italiano.
Es célebre sobre todo por sus biografías de artistas italianos, colección de métodos, anécdotas, rumores y leyendas recogidas en su libro Vida de los mejores arquitectos, pintores y escultores italianos (Vite de' più eccellenti architetti, pittori, et scultori italiani, da Cimabue insino a' tempi nostri — 1542–1550; segunda edición ampliada en 1568), fuente primordial para el conocimiento de la historia del arte italiano.
Aprendizaje[editar]
A edad muy temprana se convirtió en alumno de Guglielmo da Marsiglia —destacado pintor de vidrieras— a quien fue recomendado por su pariente el pintor Luca Signorelli. A los dieciséis años el cardenal Silvio Passerini lo envió a estudiar a Florencia donde frecuentó el estudio del escultor Baccio Bandinelli y trató con el círculo de Andrea del Sarto y de sus alumnos Rosso Fiorentino y Jacopo Pontormo. En Florencia conoció a Miguel Ángel —a quien reverenció toda la vida— que preparaba su marcha a Roma y cuyo estilo de pintura influyó en el suyo poderosamente.
En 1529 visitó Roma y estudió las obras de Rafael y de otros artistas romanos de la generación anterior. Fue empleado regularmente por patronos de la familia Médicis en Florencia y Roma, trabajando también en Nápoles, Arezzo, Pisa, Bolonia y Módena.
Fama[editar]
Vasari disfrutó de una alta reputación durante su vida y amasó una considerable fortuna. También disfrutó de la consideración de sus paisanos de Arezzo, ciudad dependiente de Florencia, donde terminó de construir en 1547 una bella casa a cuya decoración dedicó mucho esfuerzo y que actualmente es un museo consagrado a él. Fue nombrado representante del consejo municipal de su ciudad natal y finalmente ostentó el cargo supremo de confaloniero. Fue también coleccionista de dibujos que en algunos casos le sirvieron para formular los juicios artísticos que incluyó en sus Vidas.
El manierismo de Vasari fue más admirado durante su vida que después. Se debe entender que Vasari era en cierto modo un romántico, lúcido y entusiasta ante el papel novedoso que estaba desempeñando en el arte el movimiento realista en el que participaba y al que puso nombre, en cierto modo de ruptura con el pasado. No era un manierista imitador sino un artista tan legítimo como otros.
Obra de arquitectura[editar]

Villa Julia, cuya construcción fue supervisada por Vasari.
Como arquitecto, su obra principal fue el Palacio de los Uffizi en Florencia, edificio de un clasicismo simétrico y muy elegante.1 También levantó en 1559 el Corredor vasariano, un largo pasaje que conecta los Uffizi con el Palacio Pitti a través del Puente Vecchio. También hizo obras en las iglesias medievales de Santa Maria Novella y Santa Croce (algunos consideran que estropeándolas), en las que no respetó el coro y el trascoro y que remodeló al gusto manierista de la época. En Roma colaboró en la construcción de la Villa del Papa Julio III, Villa Giulia, iniciada en 1552, con Giacomo Barozzi da Vignola y Bartolomeo Ammanati. Varios edificios de Pistoia fueron diseñados por él.
Obra de pintura[editar]
Comenzó los frescos de la cúpula de la catedral de Florencia que no completó. Se le deben también los frescos del gran salón del palacio de la Cancillería en Roma y especialmente algunos de los frescos decorativos del Palazzo Vecchio en Florencia2 (Cronos castrando a su padre Urano). En 1563 fundó la Accademia delle Arti del Disegno en Florencia bajo la protección del duque Cosme I de Médicis y con Miguel Ángel como cabeza de la institución y treinta y seis artistas elegidos como miembros.
La obra pictórica de Vasari se muestra en todo su esplendor en el interior del Palacio Vecchio, en la conocida Sala de los Quinientos. En 1563 la sala es encomendada a Vasari a fin de llevar a cabo una remodelación decorativa acorde a la grandeza del palacio. Como resultado tenemos un impresionante salón de 52x23 metros, cuyas paredes están decoradas con obras del pintor: la conquista de Siena, la toma de Porto Ercole, la victoria de Cosme I de Marciano della Chiana, la derrota de Pisa en San Vincenzo, el ataque de Mazimiliano de Austria en Livorno, y Pisa atacada por las tropas de Florencia. La decoración del techo representa, en 39 paneles, los episodios más importantes de la vida de Cosme I, los barrios de la ciudad y, en el centro, la escena de su nombramiento como Gran Duque de Toscana. A ambos lados, junto a las paredes, encontramos seis estatuas, incluyendo el Genio de la Victoria de Miguel Ángel.
Existe una polémica por la existencia de una obra de Leonardo Da Vinci conocida como La batalla de Anghiari, que se encontraría pintada al fresco en estos muros pero que actualmente está perdida. Se baraja la posibilidad de que al redecorar la sala, Vasari la ocultase bajo sus pinturas. Uno de los elementos que refuerza esta teoría es la existencia de una expresión italiana situada en la bandera de uno de los frescos de Vasari que dice Cerca Trova (literalmente: busca y hallarás).
Las vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos[editar]
Artículo principal: Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori

Portada de la segunda edición de Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori.
Como primer historiador del arte italiano, inició el género con una enciclopedia de biografías artísticas que continúa hoy. Vasari acuñó el término Renacimiento («rinascita»), consciente del continuo renacer en las artes desde los tiempos de Alberti. Publicada su primera edición en 1550, y dedicado al duque Cosme I, fue parcialmente ampliado y reescrito en 1568 y dotado de retratos en grabado de artistas —algunos inventados— titulado Le Vite de' più eccellenti architetti, pittori et scultori italiani. El libro comienza con un prólogo técnico sobre arquitectura, escultura y pintura, agrupadas bajo la denominación de «artes del diseño» e incluía un tratado informativo y valioso sobre las técnicas empleadas en las artes. Continúa con una introducción sobre el origen de las artes desde los pueblos antiguos hasta la Edad Media(como decadencia del arte) y presenta el Renacimiento como la etapa de renovación.
Utilizó como documentación tanto los escritos sobre arte anteriores al suyo, como las notas, los recuerdos sobre artistas antiguos y todo el material que había recogido en sus viajes a través de Italia.
Sus biografías están salpicadas de historias entretenidas. Muchas de sus anécdotas tienen el espíritu y la apariencia de la verdad; aunque otras parecen demasiado buenas como para ser ciertas. Algunas son puras ficciones, como el cuento del joven Giotto que pintaba una mosca en la superficie de una pintura de Cimabue, la cual el viejo maestro intentaba espantar repetidas veces; famoso cuento que tiene su eco en una anécdota que se contaba del pintor griego Apeles. Con pocas excepciones, el juicio estético de Vasari es perspicaz e imparcial. La concepción renacentista de la historia como relato de los hombres y sus obras, dota a sus biografías de un toque humano y teatral, mientras que las obras de arte se analizan como expresión absoluta de un temperamento o de un pensamiento, como resultado del impulso que lleva a todo artista a crear arte.
Vasari no investigaba en archivos para encontrar las fechas exactas, como harían los modernos historiadores del arte, y naturalmente sus biografías son más seguras para los artistas de su propia generación y de la precedente. La crítica moderna —con todos los nuevos materiales descubiertos por la investigación— ha corregido buena parte de sus fechas y atribuciones tradicionales. Pero el resultado es una tendencia a subestimar la exactitud de Vasari.
La obra sigue siendo un clásico. Vasari escribió una pequeña autobiografía al final de las Vidas, y añadió noticias de sí mismo y de su familia en las vidas de Lazaro Vasari y Francesco Salviati.

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Pirro Ligorio (Italia)

84. Pirro Ligorio (Italia)

Pirro Ligorio, pintor, arquitecto, anticuario y paisajista italiano nacido en Nápoles en 1510 ó 1513 y fallecido en Ferrara el 30 de octubre de 1583. Biografía[editar] Villa d’Este en Tívoli obra maestra de Pirro Ligorio Ogro en el Parque de los monstruos de Bomarzo. En 1534 Ligorio se... Ver mas
Pirro Ligorio, pintor, arquitecto, anticuario y paisajista italiano nacido en Nápoles en 1510 ó 1513 y fallecido en Ferrara el 30 de octubre de 1583.
Biografía[editar]

Villa d’Este en Tívoli obra maestra de Pirro Ligorio

Ogro en el Parque de los monstruos de Bomarzo.
En 1534 Ligorio se fue a Roma, donde se interesó por las antigüedades y fue nombrado superintendente de los monumentos antiguos por los Papas Pío IV y Pablo IV. En 1549 comenzó las excavaciones en Villa Adriana en Tívoli y diseñó su obra maestra, los juegos de agua de Villa d'Este, para el Cardenal Hipólito II de Este. También diseñó las fuentes de Villa Lante en Bagnaia, en colaboración con Vignola.
En 1552, por encargo del Príncipe Pier Francesco Orsini termina el parque - jardín de la "Villa delle meraviglie" de Bomarzo (más conocido como el Parque de los monstruos de Bomarzo) que pretendía ser algo único en el mundo.
Su gusto Manierista también está presente en la Casina di Pio IV (conocida como Villa Pia) en el Vaticano (1559-1562).
A la muerte de Miguel Ángel en 1564, es nombrado arquitecto de la Basílica de San Pedro, y termina la cúpula en colaboración con Giacomo della Porta, pero al querer cambiar varios diseños y criticar a Miguel Ángel, es despedido en 1568 por el Papa Pablo V. Esto le empuja a dejar Roma y se va a Ferrara, donde fue huésped del Duque Alfonso II de Este.
Como erudito de antigüedades, una de sus más famosas publicaciones fue un mapa de la Antigua Roma (Antiquae Urbis Imago) de 1561.

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Alberto Cavos (Rusia)

85. Alberto Cavos (Rusia)

Primeros años [ editar ] Alberto Cavos nació en San Petersburgo a Venecia compositor de ópera Catterino Cavos (ver Cavos familia), y su esposa, Camilla Baglioni, que se habían asentado en Rusia en 1798, tras la caída de la República de Venecia . Alberto Cavos se educó en la Universidad de Padua... Ver mas
Primeros años [ editar ]
Alberto Cavos nació en San Petersburgo a Venecia compositor de ópera Catterino Cavos (ver Cavos familia), y su esposa, Camilla Baglioni, que se habían asentado en Rusia en 1798, tras la caída de la República de Venecia . Alberto Cavos se educó en la Universidad de Padua y luego regresó a Rusia para completar la formación práctica en Carlo Rossi taller 's. Su hermano Giovanni (Ivan, 1805-1861) se formó en la música y ayudó a su padre en San Petersburgo ópera.
Bolshoi Theatre (San Petersburgo) [ editar ]
En 1826 Cavos recibió su primer encargo - la reconstrucción de la antigua Kamenny Teatro Bolshoi (Teatro de Piedra). Construido por Antonio Rinaldi en 1770, [1] el teatro se quemó en 1811; restauración fue interrumpido por la muerte de su supervisor, Jean-François Thomas de Thomon , en 1813, y poco a poco arrastró hasta 1818. Cavos dedicado diez años para este proyecto; el teatro reabrió sus puertas como principal escenario de la Ópera de San Petersburgo en 1836. [1] Sin embargo, el arte de la ópera encontró poca atención en la corte; óperas de compositores rusos fueron prohibidos en 1843 y en 1846 la compañía de ópera rusa emigraron a Moscú Bolshoi Theatre , [2] construido en el mismo período por José Bové . Sin embargo, el teatro mantuvo su compañía italiana y se convirtió en un escenario hogar para Marius Petipa ballet y funcionó hasta 1886, cuando fue reconstruido en la Conservatorio de San Petersburgo .
Teatro Mariinsky (San Petersburgo) [ editar ]

Teatro Mariinsky.
En 1847-1848 Cavos diseñado y construido una madera Teatro Circo Ecuestre en San Petersburgo, en una plaza que hoy se conoce como Plaza del Teatro. El circo se abrió el 20 de enero de 1849, y pronto se convirtió en un escenario hogar para la compañía de ópera ruso que regresó de Moscú en 1850, nueve años más tarde, el 26 de enero de 1859, el Circo se quemó; Alejandro II ordenó Cavos para reconstruir el teatro "con todas las mejoras que se habían necesarios para realizar cuando el edificio del circo se convirtió en un theatre.The zar nuevas órdenes que el Arquitecto preservar la decoración interior como lo que solía ser". [3] Cavos retuvo el románico fachada del Circo rediseñado, pero completamente los interiores, en sustitución de la antigua pista circular con una herradura-formas "italiano" sala de ópera. El nuevo teatro se abrió en octubre de 1860 como Imperial del Teatro Mariinsky , el nombre de la emperatriz Maria Alexandrovna , e inmediatamente se convirtió en escenario de la ópera principal de San Petersburgo.
Teatro Bolshoi (Moscú) [ editar ]

Teatro Bolshoi en tiempos Cavos

Sala principal del Teatro Bolshoi en Moscú
El 11 de marzo de 1853, Teatro Bolshoi en Moscú fue destruida por un incendio que sólo dejó en pie la pared exterior. Cavos obtuvo el contrato para reconstruir el teatro y ampliado sustancialmente y alteró el plan original de Bove, creando Bolshoi como era conocido antes de cerrar para la restauración en 2005. [4] A pesar de la recesión económica que acompañó a la desastrosa guerra de Crimea , la obra corrió a través de, sobre todo después de la muerte del zar Nicolás I de Rusia - de acuerdo con Alexander Benois ., para volver a abrir el teatro a tiempo para la coronación de su sucesor [4] [5] Bolshoi de hecho volvió a abrir en presencia de Alejandro II de Rusia el 20 de agosto de 1856, con una nueva gran sala para 2.150 espectadores. En línea con el eclecticismo de la época, Cavos describió su trabajo como "hacer el auditorio tan magnífico como sea posible y para producir un efecto de luz, si es posible, en el Renacimiento estilo en combinación con el estilo bizantino . Color blanco, las colgaduras carmesí brillantes , overstrewn con la decoración interior de oro de los cuadros, diferente en cada planta, los arabescos de yeso y el efecto principal del auditorio - su gran lámpara de araña ... ". [4] Cavos conservan un personal "caja de ahorros" en el Bolshoi, que más tarde pasó a sus descendientes de la familia Benois . [6]
Henry Sutherland Edwards , periodista británico contemporáneo, elogió Cavos como "no sólo un arquitecto, sino también un especialista en acústica , si se nos permite el término ... él entiende lo que no parece ser entendido en Londres ... ". [7 ] Según Edwards, Cavos ridiculizaron la idea de que las propiedades acústicas de un edificio que no puedan garantizarse por diseño; él deliberadamente diseñado, construido y equipado sus teatros para el sonido. "Es (el Bolshoi) se construye como un instrumento musical", comentó Cavos. [7]
Los arquitectos modernos poner una nota sobria: a pesar de una excelente acústica, el Bolshoi sufrió de mala calidad de construcción y la mala planificación de las zonas comunes. El primero puede ser en parte atribuido a los contratistas locales, el horario pico de 16 meses y un presupuesto modesto de 900.000 rublos. [8] Ivan Rerberg , que restauró Bolshoi en 1920/32, comentó amargamente de la decisión del arquitecto para cerrar y rellenar con tierra . las galerías de planta baja originales que albergaban los vestuarios antes del incendio 1853 [8] Los grandes tramos de muros de ladrillo de carga se colocan sin mortero ; cimientos débiles debajo, colocados en la curva del subterráneo Río Neglinnaya , estaban cambiando de manera irregular desde siglo 19. A finales del siglo 20, salvando Bolshoi requiere un reemplazo completo de las fundaciones. [8]
La vida privada y el legado [ editar ]
En 1859 Cavos completó la reconstrucción de Mikhaylovsky Theatre en San Petersburgo. Última obra del arquitecto era un concurso convocado para el diseño de la ópera de París; según Alexander Benois, sus borradores fueron aprobados por Napoleón III de Francia [9] pero cuando Cavos murió, en Peterhof , el trabajo fue otorgado a Charles Garnier . [5] Además de teatros, Cavos se acredita con el diseño de decenas de edificios en San Petersburgo y sus suburbios. La mayoría de estos edificios fueron posteriormente ampliadas y modificadas, perdiendo a sus adornos arquitectónico original.
La vida privada de Alberto Cavos y su familia ha sido hecho público por su nieto, Alexander Benois. Según Benois, Cavos fue abrumado por contratos lucrativos y rápidamente hizo una fortuna que le permitió, además de San Petersburgo estilo de vida, para mantener una casa de lujo en el gran canal de Venecia y amasar una gran colección de arte allí. Después de su muerte estos tesoros fueron llevados a San Petersburgo y se dividieron entre sus numerosos herederos. [5]
La primera esposa de Alberto, Aloysia Carolina (née Carobio), murió de tuberculosis en 1835. [10] [11] Ella y Alberto tuvo cuatro hijos. Alberto Cavos casó Xenia, su segunda esposa, cuando ella tenía sólo 17 años; tuvieron tres hijos. Sin embargo, sus aventuras extramaritales destruyeron el matrimonio; al final, Alberto Cavos legó sus intereses comerciales a su nueva amante, después de haber casi arruinado su legítima esposa y sus hijos. [12] Entre estos niños,
César Cavos (1824-1883) también se convirtió en un notable arquitecto de San Petersburgo y el empresario;
Constantin Cavos (1826-1890) fue un diplomático al servicio de Rusia Imperial;
Camilla Cavos (1828-1891) se casó con Nicholas Benois (entonces un socio menor de Alberto Cavos) y dio a luz a nueve hermanos de la familia Benois , incluyendo Albert Benois (1852-1936), Leon Benois (1856-1928), Alexander Benois ( 1870-1960) y Yekaterina Benois que se casó con Eugene Lanceray (Sr.) y se convirtió en la madre de Eugene Lanceray y Zinaida Serebriakova . Sir Peter Ustinov fue el nieto de Leon Benois.
Notas [ editar ]

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León Battiista Alberti (Italia)

86. León Battiista Alberti (Italia)

Leon Battista Alberti (Génova, Italia, 18 de febrero de 1404 - Roma, 20 de abril de 1472) fue un sacerdote, secretario personal (abreviador apostólico) de tres Papas —Eugenio IV, Nicolás V y Pío II—, humanista, arquitecto, tratadista, matemático y poeta italiano. Además de estas actividades... Ver mas
Leon Battista Alberti (Génova, Italia, 18 de febrero de 1404 - Roma, 20 de abril de 1472) fue un sacerdote, secretario personal (abreviador apostólico) de tres Papas —Eugenio IV, Nicolás V y Pío II—, humanista, arquitecto, tratadista, matemático y poeta italiano. Además de estas actividades principales, también fue criptógrafo, lingüista, filósofo, músico y arqueólogo. Es una de los humanistas más polifacéticos e importantes del Renacimiento.
Alberti fue el primer teórico artístico del Renacimiento, una figura emblemática, por su dedicación a las más variadas disciplinas. Se mostró constantemente interesado por la búsqueda de reglas, tanto teóricas como prácticas, capaces de orientar el trabajo de los artistas; en sus obras menciona algunos cánones. Por ejemplo, en De statua expone las proporciones del cuerpo humano, en De pictura proporciona la primera definición de la perspectiva científica y por último en De re ædificatoria (obra que termina en 1450) describe toda la casuística relativa a la arquitectura moderna, subrayando la importancia del proyecto, los diversos tipos de edificios siguiendo las funciones que deben desempeñar.
El aspecto más innovador de sus propuestas consiste en mezclar lo antiguo y lo moderno propugnando de ese modo la praxis antigua y la moderna, que había iniciado Filippo Brunelleschi. Además, según Alberti: "...el artista en este contexto social no debe ser un simple artesano, sino un intelectual preparado en todas las disciplinas y en todos los terrenos". Una idea heredera del enciclopedismo medieval de los doctos, pero adaptada a la vanguardia humanista.
La clase social con la que Alberti se relacionará es la alta burguesía culta florentina. Trabajó al servicio de los mecenas más importantes de su época: el papado, los Este en Ferrara, los Gonzaga en Mantua, los Malatesta en Rímini.
Biografía[editar]

Estatua de Alberti en la Galleria degli Uffizi.
La formación humanística[editar]
Alberti nació en Génova. Era hijo natural de Lorenzo Alberti, miembro de una rica familia de comerciantes y banqueros florentinos, desterrados de la ciudad toscana en 1401 por motivos políticos. De hecho, Alberti no conocerá la ciudad de la que su familia era originaria hasta 1434.
Sus primeros estudios los dedicó a las Letras, primero en Venecia y luego en Padua, pero los abandonó al trasladarse a la Universidad de Bolonia, donde empezó a estudiar Derecho (y tal vez griego), a la vez que desarrollaba otras disciplinas artísticas, entre las que hay que señalar la música, la pintura, la escultura, las ciencias físicas y matemáticas, y la filosofía.
Alberti se dedicó a la literatura desde muy joven, incluso antes de inicar sus estudios. En Bolonia escribió una comedia autobiográfica en latín, una lengua que dominaba con gran maestría, la Philodoxeos fabula (Amante de la Gloria), con la que consiguió engañar a todos los expertos de su época, que la consideraron original y la atribuyeron a Lépido, el nombre que usó para firmar Alberti. También en latín compuso diálogos, los Intercœnales, que algunos atribuyeron a Luciano de Samosata a causa de su circulación anónima y su carácter satírico, y en 1428, una obra titulada Deifira, en la que explicaba el modo de escapar de un amor que se hubiera iniciado con mal pie, inspirado con toda probabilidad en vivencias personales.
Tras la muerte de su padre en 1421, Alberti tuvo fuertes diferencias con la familia, a lo que se unieron problemas de tipo económico. En esta época Alberti fue ordenado sacerdote, y comenzó una exitosa carrera eclesiástica en la diplomacia vaticana. En 1431 se convirtió en secretario del patriarca de Grado, en 1432 se trasladó a Roma, en donde fue nombrado "abreviador apostólico" (su cargo eclesiástico era el de rubricar los "breves apostólicos", las disposiciones papales enviadas a los obispos). Durante 34 años trabajó como abreviador, viviendo entre Roma, Ferrara, Bolonia, Florencia, Mantua y Rímini.
En 1433 Alberti empieza a redactar cuatro libros en lengua vulgar, en el dialecto italiano de la época hablado en la región toscana, una importante elección, los Libros de la Familia, que están considerados como su obra maestra, y que finaliza en 1441. Se trata también en esta ocasión de un tratado que "reproduce" un diálogo apócrifo desarrollado en Padua, en 1421. En el debate participan varios componentes de la familia Alberti, personajes reales. En el diálogo se enfrentan dos visiones opuestas: por una parte aparece la mentalidad emergente, burguesa y moderna, por otra la tradición, una mentalidad clásica unida al pasado. El análisis del libro es una visión de los principales aspectos de la vida social de la época, el matrimonio, la familia, la educación, la gestión económica de la familia, las relaciones sociales.
A pesar de haber escrito numerosos textos en latín, lengua a la que reconocía un gran valor cultural y unas cualidades expresivas superiores, Alberti fue un ferviente preconizador de la lengua vulgar, a la que consideraba más adecuada a las exigencias de una sociedad naciente en permanente transformación. La experiencia del Certame coronario, una competición de poesía dedicada al tema de la amistad, desarrollada en Florencia en 1441, sirvió como afirmación de la importancia y valor de la lengua vulgar. A la idea de este concurso hay que atribuir las pruebas de diversas líricas desarrolladas por Alberti, recogidas y publicadas sucesivamente con el título de Rimas, casi todas de tema amoroso, pero muy originales e innovadoras tanto en su estilo como en la métrica. Se trata de uno de los primeros ejemplos en la literatura italiana del recurso a una métrica "bárbara".
La actividad como arquitecto[editar]

Palacio Rucellai, Florencia.

Santa María Novella, Florencia.
Trabajó como arquitecto sobre todo para Giovanni di Paolo Rucellai, comerciante y humanista, amigo íntimo suyo y de su familia.
Por encargo de Rucellai en 1456 proyecta la finalización de la fachada de la iglesia de Santa Maria Novella, que había quedado inacabada en 1365 en el primer nivel de arcadas. Alberti se encontró con el problema de tener que integrar elementos de épocas anteriores: debajo estaban las tumbas flanqueadas por arcos apuntados y las portadas laterales, también apuntadas, en cambio en la parte superior ya estaba establecida la altura del rosetón en el que, en la parte inferior insertó en el centro una portada clásica, y colocó una serie de arquitos, con una franja de mármol para separar y enmascarar las contradicciones entre los dos niveles. El factor de unificación más poderoso entre ambas partes fue completar la composición con incrustaciones de mármol inspiradas en el románico florentino, como en la fachada de la iglesia florentina de San Miniato.
De hecho, la fachada se inscribe perfectamente en un cuadrado cuyo lado coincide con la línea de base de la iglesia. Dividiendo en cuatro, dicho cuadrado, se obtienen cuatro cuadrados menores equivalentes a las partes fundamentales de la fachada: dos de ellos comprenden la zona inferior; mientras uno comprende la parte superior.
En 1447 se le encarga la construcción del Palacio de la familia Rucellai. Su intervención en él se centra en la fachada, sobre una base que imita el opus reticulatum romano, realizada entre 1450 y 1460, y formada por tres planos superpuestos, separados horizontalmente por cornisas; la superposición de filas de columnas con distintos órdenes tiene origen clásico, y se basa en el Coliseo: en el piso inferior dóricas, jónicas en el piso noble y corintias en el segundo piso. El palacio pasará a ser modelo para todas las siguientes construcciones de residencias señoriales.
En Mantova construyó la iglesia San Andrés.[1]
Alberti en Fiesole[editar]
Estudios recientes1 creen que la Villa Médicis de Fiesole (edificada entre 1451 y 1457), es fruto de un proyecto ideado por Leon Battista Alberti, y rechazan la anterior atribución a Michelozzo (derivadas de Vasari).
Comparando la villa fiesolana con los edificios descritos en el libro V del De re ædificatoria (que termina de redactar en 1450), haciendo especial mención a la villa campestre y al jardín suburbano, la villa tiene una serie de requisitos que parecen estar inspirados de (o haber inspirado) la obra de Alberti:
La posición de cercanía a la residencia urbana;
La visibilidad "nada más salir de la ciudad";
Contar con un magnífico panorama;
"Vistas sobre la ciudad, la fortaleza, el mar o una amplia llanura";
La existencia de una sala central, el ‘sinus’ de Alberti, en lugar del patio que utiliza Michelozzo;
La proyección al exterior, por medio de la terraza y el soportal que filtra la luz del jardín.
Además de la belleza del edificio no se basa en la decoración de tipo medieval, sino en la sencillez de la estructura que le confiere economía, necesidad y belleza y, sobre todo, en la armonía de las proporciones. La villa resulta proporcionada en todas sus partes, tanto internas como externas, según los conceptos de Alberti que remiten a los números, a la música y a la geometría.
La Villa Médicis de Fiésole tenía numerosos elementos innovadores que hacen de ella probablemente el primer modelo de residencia suburbana y de jardín totalmente renacentista.
Arquitectura fuera de Florencia[editar]

Entrada de la Iglesia de San Francisco de Rímini, también llamado el Templo Malatestiano.
En 1450, Segismundo Malatesta lo llama y le solicita que vaya a Rímini. El objetivo es transformar la iglesia de San Francisco en un templo cristiano (el llamado Templo Malatestiano) a mayor gloria suya y de su familia. A la muerte del señor el templo permaneció inacabado en la parte superior de la portada, en la parte izquierda y en la tribuna. Se sabe del proyecto de Alberti por una medalla acuñada por Matteo de Pasti. Alberti creó, para integrar la antigua iglesia, para no estropearla, un muro inspirado en modelos romanos, pero también en parte tomando modelos gótico-venecianos, elevándolo sobre una tarima, siguiendo el modelo de los templos griegos. Para la fachada utilizó la forma de un arco de triunfo que encuadraba la puerta central, que había tomado del arco de Rímini, situando en los lados dos arcos menores que tendrían que haber enmarcado los sepulcros de Segismundo e Isotta, su mujer; en la parte superior de la fachada, la parte central debía realzarse y acabarse en forma semicircular, junto a dos volutas semicirculares. En los lados estaba prevista teóricamente una columnata, inspirada en los acueductos romanos. En el debían haberse alojado las tumbas de los hombres ilustres de Rímini. Para el ábside quería desarrollar una gran rotonda cubierta de una bóveda hemisférica, solución tomada del Panteón. Una particularidad de esta obra era que el revestimiento no tiene en cuenta las anteriores oberturas góticas, de hecho, los arcos laterales no tienen la misma medida que las ventanas ojivales.

San Sebastián, en Mantua.
En 1459 es requerido en Mantua a instancias de Ludovico Gonzaga. Su primera intervención en dicha ciudad es la iglesia de San Sebastián, que empieza en 1460. Esta iglesia era privada para los Gonzaga; tiene planta de cruz griega, dividida en dos pisos, uno de ellos enterrado, con tres brazos absidiados alrededor de un cuerpo cúbico. El brazo anterior tiene delante un pórtico con cinco aberturas. En la fachada el arquitrabe con tímpano dividido sobrevolado por un arco siriaco, inspirado en el arco de Orange.
Su segunda intervención, también por encargo de los Gonzaga, es la iglesia de San Andrés, erigida para reemplazar una capilla anterior en la que se veneraba una reliquia de la sangre de Cristo. Alberti presentó su proyecto, inspirado en un modelo etrusco que toma de Vitruvio, en oposición al anterior, de Antonio Manetti. La iglesia, que se empieza a construir en 1472, tiene planta de cruz latina y una nave única, con capillas laterales rectangulares, inspirándose en el arco de triunfo clásico como el arco de Trajano en Ancona. La fachada se puede inscribir en un cuadrado, y todas las medidas de la nave, tanto en su planta como en su alzado, tienen un preciso módulo métrico. La tribuna y la cúpula se completaron siguiendo un diseño diferente del de Alberti.
De 1467 data otra de las obras que lleva a cabo para los Rucellai: se trata del templete del Santo Sepulcro en la iglesia de San Pancracio de Florencia, construido siguiendo un paralelepípedo corintio, decorado con mármol, con figuras geométricas en proporción áurea, decoraciones geométricas, al igual que en la fachada de Santa Maria Novella, y que según Alberti, llevan a meditar acerca de los misterios de la fe.
Alberti también trabajó en Ferrara, en donde crea la parte trasera del Palacio Municipal, por aquella época sede de los Este y el campanario de la catedral con su característica bicromía de mármoles rosa y blanco.
Alberti trabajó para la curia romana hasta 1464, cuando se suprimió el colegio de los abreviadores, pero permaneció en la capital hasta su muerte, sucedida el 25 de abril de 1472, a los 68 años, Tras una intensa vida en la que había destacado en múltiples disciplinas. En el momento en que muere, ya hay un relevo: Leonardo Da Vinci tiene 20 años.
Alberti teórico[editar]
Una de las facetas más importantes en Alberti son sus tratados teóricos, por los que hoy conocemos su pensamiento artístico. Es curioso el concepto que tiene del arte y definición de la idea. La función del arquitecto es matemática, crear, dar proporciones. La labor de aparejador la hacen sus discípulos, que son los que resuelven los problemas a pie de obra. El arquitecto es el que la inventa.
De Pictura (1436)[editar]
De regreso a Florencia en 1434 Leon Battista Alberti, se acercó a la obra de los innovadores florentinos (Filippo Brunelleschi, Donatello y Masaccio). De 1436 data De Pictura , que el propio Alberti tradujo a toscano con el título "Della pittura", obra que dedica a Brunelleschi. En este tratado trata de dar reglas sistemáticas a las artes figurativas. El tratado se basa principalmente en Euclides. En su introducción marca la distinción entre la forma presente, la palpable y la forma aparente, es decir, la que aparece ante la vista, que varía según la luz y el lugar, a la que se unió la teoría de los rayos visivos. Luego trata de los colores: el rojo, el azul, el verde y el amarillo (en correspondencia con los cuatro elementos) que Alberti define como colores fundamentales. El blanco y el negro no los define como colores, sino como modificación de la luz. Sigue la descripción del método prospectivo siguiendo principios geométricos.
El II libro habla de teoría artística. Alberti divide la pintura en tres partes:
Circumscriptione, es decir, contorno de los cuerpos, en donde trata del llamado velo, del sistema para trazar contornos precisos.
Compositione, es decir, composición de los planos, en donde trata de la teoría de las proporciones basándola en la anatomía.
Receptione di lumi, que trata de tonos y tintas, se habla fundamentalmente del relieve, y en este apartado reprueba también el uso excesivo del oro puro para los fondos.
El libro III trata de la formación y del modo de vida del artista, que ya no es artesano como antes, en tanto en cuanto su arte se basaba en la técnica, sino intelectual puesto que su arte se basa en las matemáticas y la geometría. En este tratado Alberti diferencia entre copia y variedad, diferencia que se expresará durante todo el Renacimiento. Mientras la copia es la abundancia de temas presentes en una composición, la variedad, en cambio, es la diversidad, tanto en la decoración como en los colores, de los temas. A este principio de variedad se adaptarán artistas diversos como Fra Filippo Lippi y Donatello.
En 1437 escribe, en latín, los Apologi, una especie de breviario de su filosofía vital. De 1450 es el Momus, sive De principe, una sátira alegórica construida según el modelo de Luciano de Samosata, que trata con bastante amargura las relaciones entre literatura y política.
De re ædificatoria (1452)[editar]
De re ædificatoria es un completo tratado de arquitectura en todos los aspectos teóricos y prácticos relativos a la profesión. La obra no fue publicada hasta unos años después de su muerte en 1485.
En Roma, durante el papado de Nicolás V, restauró las iglesias de Santa María la Mayor y Santo Stefano Rotondo. En dicha ciudad escribió De re ædificatoria en latín. Se trata de una obra no dirigida a especialistas, sino al gran público con formación humanística, tomando como modelo los diez libros de arquitectura de Vitruvio, que en aquel momento circulaba en copias manuscritas sin corregir filológicamente. La obra también está dividida en diez libros.
I- Lineamenta. (Regio (zona), Área (parcela), Partitio (ordenación), Paries (muros), Tectum (cubiertas) y Aperitio (huecos)
II- Materia
III- Opus (técnica constructiva)
IV- Universorum opus (obras generales)
V- Singuiorum opus (obras específicas)
VI- Ornamentum
VII- Sacrorum ornamentum
VIII- Publici profani ornamentum
IX- Privati ornamentum
X- Operitium instauratio (por primera vez un arquitecto se ocupa de la restauración, antes si alguien intervenía en una obra era para destruirla)
En los tres primeros, trata de la elección del terreno, de los materiales que deben utilizar y de los cimientos (lo que Vitrubio llama firmitas). Los libros IV y V se centran en diversos tipos de edificios (utilitas). El libro VI sobre la belleza arquitectónica (venustas), y en él habla de la belleza como una armonía que se puede expresar matemáticamente gracias a la ciencia de las proporciones. Este libro incluye, además un tratado acerca de la construcción de máquinas. Los libros VII, VIII y IX tratan de la construcción de iglesias, edificios públicos y privados. El libro X trata de restauración. En el tratado parte siempre del estudio de la antigüedad, un estudio basado sobre medidas de los monumentos antiguos, para proponer nuevos tipos de edificios modernos, y también edificios nuevos por la diferencia cronológica pero inspirados en el estilo antiguo, entre los que se incluían las prisiones, que trata de hacer más humanas, los hospitales y otros lugares de utilidad pública.
El tratado fue una obra imprescindibile para muchos hombres cultos: Pellegrino Prisciani escribió su Spectacula (que dedicó a Ercole I de Este) entre 1486 y 1502, tratando de explicar mejor las partes de texto de Alberti que tratan sumariamente del teatro antiguo, uniéndolo a fragmentos de Vitruvio que éste había omitido.
El término usado en el libro "concinnitas" se puede traducir como la justa medida, cuando no sobra ni falta nada. Es el concepto que hace que veamos algo bello y no sepamos porqué.
De statua (1464)[editar]

El definitor, instrumento inventado por Leon Battista Alberti.
De 1464 es su tratado De statua, en el que define la escultura tanto poniendo como quitando, dividiéndola en tres modos según la técnica utilizada:
Quitar y poner, esculturas con materiales blandos: tierra y cera;
Quitar, escultura en piedra;
Añadir, o sea, el realce sobre metal.
Más adelante Alberti fija sus reglas de procedimiento con los dos métodos: dimensio y definitio. El primero utiliza escuadra y regla y la teoría de las proporciones. El segundo, que utiliza un instrumento que el mismo Alberti había inventado, el definitor, cuyo objetivo es calcular las variables temporales producidas por el movimiento del modelo.
Escritos[editar]
Nº Título Año de redacción Características
1º Philodoxeos 1424 Comedia en latín, falso histórico que hace circular como obra de Lepido, inexistente cómico latino, bulo creído hasta 10 años más tarde, cuando Alberti reivindica la obra
2º Deifira 1428 Diálogo en italiano
3º Ecatonfilea 1428 Diálogo en italiano
4º De commodis literarum atque incommodis 1429-1430 Disertación sobre los estudios literarios
5º Amator 1429-1430 Discurso en latín sobre la naturaleza del amor, traducido al italiano por su hermano Carlo, con el título de Ephoebia.
6º POESÍAS, elegías: Agiletta, Mirzia; eglogas: Corinto, Tirsia; sonetos; un madrigal; una "frotola d'amore" 1429-1430 todas las poesías en italiano
7º Vita Sancti Potiti 1433
8º Della Famiglia 1433-1434: libros I-III, libro IV de 1440-1441 titulado De amicitia
9º Comentarium Philodoxo fabulae 1434
10º De pictura 1435 En latín.
11º Elementos de Pintura 1436 Traducción De pictura al italiano dedicado a Filippo Brunelleschi, tratado técnico didáctico con ejercicios prácticos de geometría.
12º Elementa picturae 1436 La versión latina de Elementos de Pintura fue dedicado a Teodoro Gaza.
13º Pontifex 1437 sobre la vida eclesiástica, en latín.
14º Apologi 1437 Cien fábulas breves en latín, dedicadas a Francesco Marescalchi.
15º De iure 1437 Opúsculo latino
16º Sofrona 1437 Diálogo sobre el amor, en italiano.
17º Cartas sobre el amor 1437 Lattera consolatoria, Avvertimenti matrimoniali traducción al italiano de la intercenale Uxoria, dedicada a P. Codagnello.
18º Vita anonima 1438 Autobiografía que relata la vocación de un literatus.
19º Theogenius 1439 Diálogo en italiano, sobre el Estado y los ciudadanos, sólo la rectitud y las virtudes son el verdadero fundamento de la sociedad. Lo dedicó a Lionello d'Este.
20º Intercoenales 1439 Diez libros de diálogos, apólogos y narraciones breves, en latín. Escritos entre 1420-1421 y 1439. Quedan sólo los libros I, II y IV: Defunctus, Uxoria y Anuli. Defunctus está dedicado a Paolo Toscanelli; Uxoria dedicado a Leonardo Bruni, Anuli dedicado a Poggio Braciolini.
21º Villa 1439 Opúsculo sobre agricultura, en italiano.
22º De equo animante 1441 Sobre la educación de los caballos, en latín.
23º De amicitia 1441 (IV libros del tratado Della famiglia), en italiano. lo presentó al Certamen Coronario premiado con una corona Láurea, como en la Antigüedad, celebrado en Florencia el 22/10/1441, el cual Alberti había organizado, con el apoyo de Piero Mdicis, en Santa María del Fiore, para levantar la literatura toscana de su decadencia.
24º Della tranquillità del'animo 1441-1442 Diálogo en italiano.
25º Canis 1441-1442 Elogio del perro tras la muerte del suyo, en latín.
21º Passer 1441-1442 Carmen latino (perdido).
22º Navis 1446 Escrito en el que se discutía sobre la forma de las naves de la Antigüedad, y las mejores formas (perdido).
23º Navis aeraria 1447 .
24º Historia numeri et linearum 1447 .
25º Quid conferat architectus in negotio 1447 .
26º Momus 1447 Tratado satírico político-moral sobre el príncipe y el Estado, en latín, gozó de gran éxito en los ambientes humanistas.
27º Ludi matematici 1448-1449 Juegos matemáticos que contienen la solución de interesantes problemas de mecánica, física, óptica, etc.
28º De mortibus ponderis 1448-1449 en latín.
29º Grammatica della lingua toscana 1450 .
30º De lunularum quadratura 1450 Sobre el cálculo de los sectores circulares, en latín.
31º Descriptio urbis Romae 1450 Exposición del método usado para el levantamiento topográfico de Roma, en latín.
32º De statua 1451 Tratado sobre escultura, poco extenso, sólo atiende a ser complemento de los incluido en De pictura .
33º De re aedificatoria 1452 Tratado sobre arquitectura en 10 libros, en latín (escrito probablemente de 1443 a 1445 y de 1447 a 1452). Aunque el tratado fue conocido, no se editó hasta 1485, en Florencia, con prologo de Angelo Poliziano y dedicado a Lorenzo el Magnifico.
34º De Porcaria coniuratione 1453 Epístola latina a propósito de la conjura organizada por Stefano Porcari contra el papa Nicolás V .
35º Mosca 1455 Improvisación sobre el Elogio de las moscas de Luciano.
36º Trivia 1455 Sobre la oratoria, dedicado al joven Lorenzo de Medici.
37º Comentari 1458 Incluye los paseos arqueológicos por las ruinas de Roma.
38º Trivia senatoria 1460 Sobre la oratoria, dedicado al joven Lorenzo de Medici.
39º Cena Familiaris 1460-1462 Diálogo sobre la familia, en italiano.
40º Sentenze pitagoriche 1460-1462 Aforismo sobre la conducta virtuosa, en vulgar.
41º Epistolae septem Epidemendis nomine Diogeni inscriptae 1462-1465 Respuesta imaginaria a Diógenes.
42º Epistola Leonem ad Craten philosophum 1462-1465 .
43º De componendis cifris 1467 .
44º De Iciarchia 1468 Se razona sobre la dirección del Estado y se presenta la Príncipe como un hombre sabio, virtuoso y justo.
Apologías y elogios
Historieta amorosa entre Leonora de Bardi e Ippolito Bondelmonti
Profugiorum ab ærumna libri III

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Miguel Ángel Buonarotti (Italia)

87. Miguel Ángel Buonarotti (Italia)

Michelangelo Buonarroti (Caprese, 6 de marzo de 1475-Roma, 18 de febrero de 1564), conocido en español como Miguel Ángel, fue un arquitecto, escultor y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra... Ver mas
Michelangelo Buonarroti (Caprese, 6 de marzo de 1475-Roma, 18 de febrero de 1564), conocido en español como Miguel Ángel, fue un arquitecto, escultor y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.1 Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médicis de Florencia y los diferentes papas romanos.
Fue el primer artista occidental del que se publicaron dos biografías en vida: Le Vite de' più eccellenti pittori, scultori, ed architettori, de Giorgio Vasari, publicada en 1550 en su primera edición, en la cual fue el único artista vivo incluido,2 y Vita de Michelangelo Buonarroti, escrita en 1553 por Ascanio Condivi, pintor y discípulo de Miguel Ángel, que recoge los datos facilitados por el mismo Buonarroti.3 Fue muy admirado por sus contemporáneos, que le llamaban el Divino.4 Benedetto Varchi, el 12 de febrero de 1560, le envió una carta en nombre de todos los florentinos diciéndole:
...toda esta ciudad desea sumisamente poderos ver y honraros tanto de cerca como de lejos... Vuestra Excelencia nos haría un gran favor si quisiera honrar con su presencia su patria.5
Triunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo.6 La escultura, según había declarado, era su predilecta y la primera a la que se dedicó; a continuación, la pintura, casi como una imposición por parte del papa Julio II, y que se concretó en una obra excepcional que magnifica la bóveda de la Capilla Sixtina; y ya en sus últimos años, realizó proyectos arquitectónicos.
Biografía[editar]

Vista de Florencia, según un grabado del Liber chronicarum (1493), en los primeros años de Miguel Ángel.
Familia[editar]
Nació el 6 de marzo de 1475, en Caprese, una villa de la Toscana cerca de Arezzo.7 Fue el segundo de cinco hijos varones de Ludovico di Leonardo Buonarroti di Simone y de Francesca di Neri del Miniato di Siena.8 Su madre murió en 1481, cuando Miguel Ángel contaba con seis años. La familia Buonarroti Simone vivía en Florencia desde hacía más de trescientos años y habían pertenecido al partido de los güelfos; muchos de ellos habían ocupado cargos públicos. La decadencia económica empezó con el abuelo del artista, y su padre, que había fracasado en el intento de mantener la posición social de la familia, vivía de trabajos gubernamentales ocasionales,2 como el de corregidor de Caprese en la época en que nació Miguel Ángel. Regresaron a Florencia, donde vivían de unas pequeñas rentas procedentes de una cantera de mármol y una pequeña finca que tenían en Settignano,9 pueblo donde Miguel Ángel había vivido durante la larga enfermedad y muerte de su madre; allí quedó al cuidado de la familia de un picapedrero.8
El padre le hizo estudiar gramática en Florencia con el maestro Francesco da Urbino. Miguel Ángel quería ser artista, y cuando comunicó a su padre que deseaba seguir el camino del arte, tuvieron muchas discusiones, ya que en aquella época era un oficio poco reconocido. Ludovico di Leonardo consideraba que aquel trabajo no era digno del prestigio de su linaje. Gracias a su firme decisión, y a pesar de su juventud, consiguió convencerlo para que le dejara seguir su gran inclinación artística, que, según Miguel Ángel, le venía ya de la nodriza que había tenido, la mujer de un picapedrero. De ella comentaba: «Juntamente con la leche de mi nodriza mamé también las escarpas y los martillos con los cuales después he esculpido mis figuras».10
Mantuvo buenas relaciones familiares a lo largo de toda su vida. Cuando su hermano mayor, Leonardo, se hizo monje dominico en Pisa, asumió la responsabilidad en la dirección de la familia. Tuvo a su cargo el cuidado del patrimonio de los Buonarroti y lo amplió con la compra de casas y terrenos, así como también concertó el matrimonio de sus sobrinos Francesca y Leonardo con buenas familias de Florencia.11
Aprendizaje[editar]

Retrato de Miguel Ángel, por Daniele da Volterra, donde se aprecia su nariz chata.

Retrato de Miguel Ángel Buonarroti, por Giulio Bonasone, 1546.
Desde muy joven manifestó sus dotes artísticas para la escultura, disciplina en la cual empezó a sobresalir. En abril de 1488, con doce años de edad y gracias al consejo de Francesco Granacci, otro joven que se dedicaba a la pintura, entró en el taller de los famosos Ghirlandaio (Domenico y Davide); su familia y los Ghirlandaio formalizaron un contrato de estudios durante tres años:12
1488.Yo, Ludovico di Lionardo Buonarota, en este primer día de abril, inscribo a mi hijo Michelangelo como aprendiz de Domenico y Davide di Tomaso di Currado, durante los próximos tres años, bajo las condiciones siguientes: que el dicho Michelangelo ha de permanecer durante el tiempo convenido con los anteriormente citados para aprender y practicar el arte de la pintura y que ha de obedecer sus instrucciones, y que los nombrados Domenico y Davide habrán de pagarle en estos años la suma de veinticuatro florines de peso exacto: seis durante el primer año, ocho el segundo año y diez el tercero, en total una suma de noventa y seis liras.13
Allí permaneció como aprendiz durante un año, pasado el cual, bajo la tutela de Bertoldo di Giovanni, empezó a frecuentar el jardín de San Marcos de los Médicis, donde estudió las esculturas antiguas que había allí reunidas. Sus primeras obras artísticas despertaron la admiración de Lorenzo el Magnífico, que lo acogió en su Palacio de la Via Longa, donde Miguel Ángel se habría de encontrar con Angelo Poliziano y otros humanistas del círculo de los Médicis, como Giovanni Pico della Mirandola y Marsilio Ficino.14 Estas relaciones lo pusieron en contacto con las teorías idealistas de Platón, ideas que acabaron convirtiéndose en uno de los pilares fundamentales de su vida y que plasmó tanto en sus obras plásticas como en su producción poética.
Según Giorgio Vasari, un día, saliendo del jardín de los Médicis -o, según Benvenuto Cellini, de la capilla Brancacci, donde él y otros alumnos aprendían a dibujar delante de los frescos de Masaccio-, fue cuando Pietro Torrigiano le dio un puñetazo y le rompió la nariz; como consecuencia, le quedó la nariz chata toda la vida, tal como se aprecia claramente en todos sus retratos.15 16
Recorrido artístico[editar]

Retrato de Lorenzo el Magnífico, primer mecenas de Miguel Ángel, por Giorgio Vasari.
Tras la muerte de Lorenzo el Magnífico, en 1492, Miguel Ángel huyó de Florencia y pasó por Venecia, instalándose después en Bolonia. Allí esculpió diversas obras bajo la influencia de la labor de Jacopo della Quercia. Pero en el año 1496 decidió partir hacia Roma, ciudad que había de verle triunfar. Allí inició una década de gran intensidad artística, después de la cual, con treinta años, fue acreditado como un artista de primera línea. Después del Bacus del Bargello (1496),17 esculpió la Piedad del Vaticano a los veintitrés años, y posteriormente realizó el Tondo Pitti. De la misma época es el cartón de La batalla de Cascina, actualmente perdido, pintado para la Señoría de Florencia, y el David, obra cumbre de la escultura, de una gran complejidad por la escasa anchura de la pieza de mármol, que fue colocado delante del palacio del Ayuntamiento de Florencia y se convirtió en la expresión de los supremos ideales cívicos del Renacimiento.18
En marzo de 1505, Julio II le encargó la realización de su monumento fúnebre: Miguel Ángel proyectó un complejo arquitectónico y escultórico monumental en el cual, más que el prestigio del pontífice, se loaba el triunfo de la Iglesia. El escultor, entusiasmado con esta obra, permaneció en Carrara durante ocho meses para ocuparse personalmente de la elección y la dirección de la extracción de los mármoles necesarios. Desgraciadamente, al regresar a Roma, el papa había dejado a un lado el proyecto del mausoleo, absorbido como estaba con la reforma de Bramante en la Basílica de San Pedro. Miguel Ángel, contrariado, abandonó Roma y se dirigió a Florencia, pero a finales de noviembre de 1506, después de numerosas llamadas del pontífice que, hasta le llegó amenazar con la excomunión, se reunió con él en Bolonia.19
En mayo de 1508 aceptó dirigir la decoración de la bóveda de la Capilla Sixtina, cuyos frescos concluyó cuatro años más tarde, después de un trabajo solitario y tenaz. En esta obra ideó una grandiosa estructura arquitectónica pintada, inspirada en la forma real de la bóveda. En el tema bíblico general de la bóveda, Miguel Ángel interpuso una interpretación neoplatónica del Génesis y dio forma a un tipo de interpretación de las imágenes que conseguirían ser un símbolo del arte del Renacimiento.

El papa Julio II, el otro gran mecenas de Miguel Ángel, por Rafael.
Después de la muerte de Julio II, en mayo de 1513, el artista hizo un segundo intento de seguir con la obra del mausoleo del pontífice. Con este propósito esculpió las dos figuras de los Esclavos y el Moisés, que reflejan una atormentada energía, la terribilitá de Miguel Ángel. Pero este segundo intento tampoco prosperó.
Finalmente, después de la muerte de Bramante (1514) y de Rafael Sanzio (1520), Miguel Ángel consiguió la total confianza del papado.
El gran retardo con que Miguel Ángel obtiene en Roma el reconocimiento oficial ha de ser atribuido a la heterodoxia de su estilo. Le faltaba lo que Vitruvio llamaba decòrum, es decir, el respeto por la tradición.
Ackerman, (1968), p. 7
En 1516, por encargo de León X, inició la fachada de la Basílica de San Lorenzo, trabajo que en el año 1520 debió abandonar con gran amargura. Del proyecto original se conservan numerosos dibujos y una maqueta de madera. A partir de 1520 y hasta 1530, Miguel Ángel trabajó en Florencia y construyó la Sacristía Nueva de San Lorenzo y la Biblioteca Laurenciana, en especial su escalera. Después del saqueo de Roma (1527) y de la expulsión de los Médicis de Florencia, Miguel Ángel formó parte, como hecho meramente anecdótico, del gobierno de la nueva República Florentina, de la cual fue nombrado «gobernador y procurador general de la fabricación y fortificación de las murallas», y participó en la defensa de la ciudad asediada por las tropas papales. En el año 1530, después de la caída de la República, el perdón de Clemente VII lo salvó de la venganza de los partidarios de los Médicis.20 A partir de este año reemprendió los trabajos de la Sacristía Nueva y del sepulcro de Julio II.
En 1534, al encontrarse a disgusto con la nueva situación política que se había instaurado en Florencia, abandonó la ciudad y se estableció en Roma, donde aceptó el encargo de Clemente VII para trabajar en el altar de la Capilla Sixtina y donde, entre 1536 y 1541, realizó el magnífico Juicio Final. Hasta el año 1550 fue haciendo obras para la tumba de Julio II, y los frescos de la Capilla Paulina que representan La conversión de san Pablo y el Crucifixión de san Pedro.
Vida amorosa[editar]

Tumba de Cecchino dei Bracci diseñada por Miguel Ángel.
Miguel Ángel pretendía interiorizar las teorías neoplatónicas del amor, haciendo grandes esfuerzos para conseguir un equilibrio emotivo que pocas veces logró. Su inclinación natural por la materia, por las formas físicas -era por encima de cualquier cosa, un escultor de cuerpos-, unida a su fascinación por todo lo joven y vigoroso, emblemas de la belleza clásica,21 lo llevaron a decantarse por la belleza humana y el amor más sensual hasta muy avanzada su vida. Esta conflictividad enriquecedora con la que el artista vivió su deseo carnal, también afloró en el enfrentamiento con una supuesta homosexualidad.22
El artista mantuvo relación con diversos jóvenes, como Cecchino dei Bracci, por el que sentía un gran afecto. Cuando en 1543, Bracci falleció, Miguel Ángel le diseñó la tumba, en la iglesia de Santa María in Aracoeli de Roma, y encargó que la realizase su discípulo Urbino.23 También Giovanni da Pistoia, joven y bello literato, fue durante un tiempo íntimo amigo, y algunos estudiosos plantean que mantuviera una relación amorosa con Miguel Ángel en la época que empezó a pintar la bóveda de la Capilla Sixtina; esta relación queda reflejada en unos sonetos muy apasionados que Giovanni le dedicó.22
Tommaso Cavalieri[editar]

El rapto de Ganímedes, dibujo realizado para Tommaso Cavalieri, conservado en el Castillo de Windsor.
En un viaje realizado a Roma en 1532, conoció al joven Tommaso Cavalieri, un patricio de inteligencia poco común y amante de las artes que dejó en el artista una viva impresión. Poco después de conocerlo, le envió una carta en la cual le confesaba: «El cielo hizo bien impidiendo la plena comprensión de vuestra belleza... Si a mi edad no me consumo aún del todo, es porque el encuentro con vos, señor, fue muy breve».24
Hace falta recordar que la Academia Platónica de Florencia quiso imitar la ciudad griega de Pericles. Esta asociación cultural de carácter filosófico, promovía el díalogo intelectual y la amistad entre hombres en un tono idealista, semejante a la relación de Sócrates con sus discípulos en la antigua Grecia. Dentro de este contexto es donde se puede entender la psicología, el gusto y el arte de Miguel Ángel. El artista creía que la belleza del hombre era superior a la de la mujer y, por lo tanto, el amor que sentía por Tommaso era una forma que tenía de rendirse ante la «belleza platónica».25
Tommaso Cavalieri era un muchacho de 22 años; de buena familia, aficionado al arte, ya que pintaba y esculpía. Varchi decía de él que tenía «un temperamento reservado y modesto y una incomparable belleza»; era, pues, muy atractivo a la vez que ingenioso. En su primer encuentro, ya causó una profunda impresión en Miguel Ángel, y al pasar el tiempo la relación se transformó en una gran amistad, con una pasión y una fidelidad que se mantuvo hasta la muerte.26
Miguel Ángel, por el contrario, era un hombre de 57 años, que se encontraba en el cenit de su fama; contaba con el soporte de los diversos papas y Tommaso lo admiraba profundamente. Parece que la amistad tardó cierto tiempo en producirse, pero cuando se consolidó llegó a ser muy profunda hasta el punto que Cavalieri, ya casado y con hijos, fue su discípulo y amigo mientras vivió Miguel Ángel y lo asistió en la hora de su muerte.27
Vittoria Colonna[editar]

Retrato de Vittoria Colonna dibujado por Miguel Ángel.
Vittoria Colonna era descendiente de una familia noble, y una de las mujeres más notables de la Italia renacentista. De joven se casó con Fernando de Ávalos, marqués de Pescara, un hombre poderoso que murió en la batalla de Pavía cuando luchaba en el bando español al servicio de Carlos I. Después de la muerte de su esposo se retiró de la vida cortesana y se dedicó a la práctica religiosa. Se unió al grupo de reformistas erasmistas de Juan de Valdés, Reginald Pole y Ghiberti, que seguían una doctrina que apostaba por una contrarreforma.28
En Roma, en el año 1536 y en el convento de San Silvestro a Montecavallo, el artista conoció a esta dama y desde el principio hubo una empatía mutua, quizá porque los dos tenían las mismas inquietudes religiosas y ambos eran grandes aficionados a la poesía. Según Ascanio Condivi, Miguel Ángel «estaba enamorado de su espíritu divino» y, como era un gran admirador de Dante, ella representaba lo que el personaje de Beatriz significaba para el poeta.29 Esto se desprende de la lectura de los poemas dedicados a Vittoria, así como de los dibujos y los versos que le regaló, todos de temática religiosa: una Piedad, una Crucifixión y una Sagrada Familia.30
Vittoria murió en el año 1547, hecho que dejó a Miguel Ángel sumido en el dolor más profundo. Tal como él mismo confesó a Ascanio Condivi, «No había tenido dolor más profundo en este mundo que haberla dejado partir de esta vida sin haberle besado la frente, ni el rostro, como le besó la mano cuando fue a verla en su lecho de muerte».31
Últimos años[editar]

Sepulcro de Miguel Ángel diseñado por Vasari en la Basílica de la Santa Croce de Florencia.
Durante los últimos veinte años de su vida, Miguel Ángel se dedicó sobre todo a trabajos de arquitectura: dirigió las obras de la Biblioteca Laurenziana de Florencia y, en Roma, la remodelación de la plaza del Capitolio, la capilla Sforza de Santa María Mayor, la finalización del Palacio Farnese y, sobre todo, la finalización de la Basílica de San Pedro del Vaticano. De esta época son las últimas esculturas como la Piedad Palestrina o la Piedad Rondanini, así como numerosos dibujos y poesías de inspiración religiosa.32
El proyecto de la basílica vaticana, en el que trabajó durante los últimos años de su vida, simplifica el proyecto que concibió Bramante, si bien mantiene la estructura con planta de cruz griega y la gran cúpula. Miguel Ángel creaba espacios, funciones que engloban los elementos principales, sobre todo la cúpula, elemento director del conjunto.
Murió el año 1564 en Roma, antes de ver acabada su obra, a la edad de ochenta y ocho años, acompañado por su secretario Daniele da Volterra y por su fiel amigo Tommaso Cavalieri; había dejado escrito que deseaba ser enterrado en Florencia. Hizo testamento en presencia de su médico Federigo Donati, «dejando su alma en manos de Dios, su cuerpo a la tierra y sus bienes a los familiares más próximos». Su sobrino Leonardo fue el encargado de cumplir con esta última voluntad del gran artista, y el 10 de marzo de 1564 recibió sepultura en la sacristía de la iglesia de la Santa Croce; el monumento funerario fue diseñado por Giorgio Vasari el año 1570. El 14 de julio se celebró un funeral solemne; fue Vasari quien describió estos funerales, donde participaron, además de él mismo, Benvenuto Cellini, Bartolomeo Ammannati y Bronzino.33
Obra escultórica[editar]
Véase también: Categoría:Esculturas de Miguel Ángel
Véase también: Anexo:Obras de Miguel Ángel
Primeras obras[editar]

Crucifijo del Santo Spirito, de madera policromada (1492-1494).
Entre los años 1490 y 1492 hizo sus primeros dibujos, estudios sobre los frescos góticos de Masaccio y Giotto; entre las primeras esculturas se cree que hizo una copia de una Cabeza de fauno, en la actualidad desaparecida.
Los primeros relieves fueron la Virgen de la escalera y La batalla de los centauros, conservados en la Casa Buonarroti de Florencia, en los que ya hay una clara definición de su estilo. Se muestra como el claro heredero del arte florentino de los siglos XIV y XV, a la vez que establece una vinculación más directa con el arte clásico. En el relieve de mármol de La batalla de los centauros se inspiró en el libro XII de Las Metamorfosis de Ovidio y se muestran los cuerpos desnudos en pleno furor del combate, entrelazados en plena tensión, con una anticipación de los ritmos serpenteantes tan empleados por Miguel Ángel en sus grupos escultóricos.34 Ascanio Condivi, en su biografía sobre el artista, refirió haberle oído decir:

...que cuando volvió a verla, se dio cuenta hasta qué punto se había portado mal con la naturaleza al no seguir su inclinación en el arte de la escultura, y juzgo, por aquella obra, todo cuanto podría haber llegado a hacer.17

Otra escultura de la misma época (hacia 1490) es también un relieve con tema mariano, la Virgen de la escalera, que presenta un cierto esquema parecido a las de Donatello, pero en la cual se muestra toda la energía de la escultura de Miguel Ángel, tanto en la forma del tratamiento de los planos de la figura como en su contorno tan vigoroso y la anatomía del niño Jesús con la insinuación del contrapposto.
Después de la muerte en 1492 de Lorenzo el Magnífico, y por iniciativa propia, realizó la escultura de un Hércules de mármol en su casa paterna; escogió este tema porque Hércules era, desde el siglo XIII, uno de los patrones de Florencia. La estatua fue comprada por los Strozzi, que la vendieron a Giovan Battista Palla, a quien la adquirió el rey de Francia Enrique III y fue colocada en un jardín de Fontainebleau, donde Rubens hizo un dibujo antes de su desaparición en 1713. Sólo queda dicho dibujo y un esbozo conservado en la casa Buonarroti.5
A continuación permaneció un tiempo alojado en el convento del Santo Spirito, donde realizaba estudios de anatomía con los cadáveres provenientes del hospital del convento. Para el prior Niccolò di Giovanni di Lapo Bichiellini ejecutó un Crucifijo de madera policromada, donde resolvió el cuerpo desnudo de Cristo, como el de un adolescente, sin resaltar la musculatura, a pesar de que el rostro parece el de un adulto, con una medida desproporcionada respecto al cuerpo; la policromía está pintada con unos colores tenues y con unas suavísimas líneas de sangre, que consiguen una unión perfecta con la talla de la escultura. Fue dado por perdido durante la dominación francesa, hasta su recuperación el año 1962, en el mismo convento, cubierto con una gruesa capa de pintura que lo mostraba prácticamente irreconocible.35

Ángel de la basílica de Santo Domingo de Bolonia (1495).
La Florencia gobernada por Piero de Médici, hijo de Lorenzo el Magnífico, no satisfacía a Miguel Ángel, que viajó a Bolonia en octubre de 1494, donde descubrió los plafones en relieve de la puerta de San Petronio de Jacopo della Quercia, un maestro escultor del gótico tardío, del cual integra en su estilo los amplios pliegues de las vestiduras y el patetismo de sus personajes. Recibió el encargo de parte de Francesco Aldovrandi, de realizar tres esculturas para completar la sepultura del fundador del convento de San Domenico Maggiore, llamada Arca de Santo Domingo, para la que esculpió un Ángel porta candelabro, arrodillado que forma pareja con otro realizado por Niccolò dell'Arca, además un San Próculo y un San Petronio, que actualmente se conservan en la basílica de Santo Domingo de Bolonia. Acabadas estas obras, en el término de poco más de un año, volvió a Florencia.36
Por estas fechas el dominico Girolamo Savonarola reclamaba la república teocrática, y con sus críticas consiguió la expulsión de los Médicis de Florencia en 1495. Savonarola reclamaba la vuelta del arte sacro y la destrucción del arte pagano. Todos estos sermones ocasionaron grandes dudas en Miguel Ángel, entre la fe y el conocimiento, entre el cuerpo y el espíritu, e hicieron que se planteara si la belleza era pecado y si, tal como decía el monje, se había de eliminar del arte la presencia del cuerpo humano. En su prédica contra el absolutismo papal, el 7 de febrero de 1497 organizó en la plaza de la Señoría, una gran hoguera (Hoguera de las vanidades), donde ordenó quemar imágenes, joyas, instrumentos musicales y también libros de Boccaccio y Petrarca; a raíz de esta acción recibió la excomunión por parte del papa Alejandro VI. El año siguiente Savonarola repitió la acción, por lo que finalmente fue detenido y quemado en la hoguera el 23 de mayo de 1498.37
En Florencia, entre 1495 y 1496, talló dos obras perdidas: un San Juan Niño y un Cupido durmiente. Del San Juan no se tienen más noticias que las atribuciones que se han ido haciendo en diversos lugares: se ha especulado que podría ser una escultura que se encontraba en el Kaiser Friedrich Museum de Berlín, o bien otra, que hay en la capilla del Salvador en Úbeda,38 o finalmente, otra que se encuentra sobre la puerta de la sacristía de San Giovanni dei Fiorentini en Roma.39 Del Cupido durmiente, realizado según el modelo helenístico más clásico, se explica que fue enterrado para conseguir darle una pátina antigua y venderlo al cardenal de San Giorgio, Raffaele Riario, como pieza auténtica, sin saberlo Miguel Ángel. Más tarde, fue comprado por César Borgia y regalado finalmente a Isabel de Este; más adelante, en 1632, fue enviado a Inglaterra como presente para el rey Carlos I, momento a partir del cual se pierde el rastro.40
Primera estancia en Roma[editar]

El Bacus del Museo del Bargello, en Florencia, (1496-1498).
Su salida hacia Roma tuvo lugar el 20 de junio de 1496. La primera obra que realizó fue un Bacus de medida natural, con gran parecido a una estatua clásica, y encargada por el cardenal Riario, que al ser rechazada, fue adquirida por el banquero Jacopo Galli. Más adelante fue comprado por Francisco I de Médici y actualmente se conserva en el museo del Bargello, en Florencia.41 Ascanio Condivi fue el primero que comparó la estatua con las obras de la Antigüedad clásica:
...esta obra, por su forma y manera, en cada una de sus partes, corresponde a la descripción de los escritores antiguos; su aspecto festivo: los ojos, de mirada furtiva y llenos de lascivia, como los de aquellos que son dados excesivamente a los placeres del vino. Sostiene una copa con la mano derecha, como quien está a punto de beber, y la mira amorosamente, sintiendo el placer del licor que inventó; por este motivo se le representa coronado con un trenzado de hojas de vid... Con la mano izquierda sostiene un racimo de uva, que hace las delicias de un pequeño sátiro alegre y vivo que hay a sus pies.
Es ésta claramente primera gran obra maestra de Miguel Ángel, donde se muestra la característica constante de la sexualidad en su escultura y donde se simboliza el espíritu del hedonismo clásico que Savonarola y sus seguidores estaban dispuestos a suprimir de Florencia.42
Al mismo tiempo que realizaba el Bacus, por encargo de Jacopo Galli esculpió un Cupido de pie, que pasó a pertenecer, más tarde, a la colección de los Médicis y que hoy en día está desaparecido.40
Por medio de dicho coleccionista Galli, en 1497 recibió del cardenal francés Jean Bilhères de Lagraulas el encargo de una Piedad como monumento para su mausoleo en la capilla de Santa Petronila de la antigua basílica de San Pedro, y que más tarde fue instalada en la nueva construcción de Bramante.
La originalidad con la que trató esta pieza Miguel Ángel se nota en la ruptura con el dramatismo con el que hasta entonces se trataba esta iconografía, que siempre mostraba el gran dolor de la madre con el hijo muerto en sus brazos. Miguel Ángel, sin embargo, realizó una Virgen, serena, concentrada y extremadamente joven, y un Cristo que parece que esté dormido y sin muestras en su cuerpo de haber padecido ningún martirio: el artista desplazó toda clase de visión dolorosa con tal de conseguir que el espectador reflexionase delante del gran momento de la muerte.43 Es la única obra de Miguel Ángel que firmó: lo hizo en la cinta que atraviesa el pecho de la Virgen:
MICHAEL. ANGELVS. BONAROTVS. FLORENT[INVS].FACIEBAT

La Piedad de la basílica de San Pedro del Vaticano, de 1,74 m de altura x 1,95 m de longitud en la base (1496).
Un Crucifijo de marfil, datado hacia los años 1496-1497, ha estado atribuido recientemente a Miguel Ángel. Esta imagen se encuentra en el monasterio de Montserrat y representa según el historiador Anscari M. Mundó, la última agonía de Cristo, con la cabeza inclinada hacia la derecha, la boca abierta y los ojos casi cerrados; está coronado de espinas, de cuerpo joven con los brazos abiertos, desnudo, protegido con un paño de pureza doblado con pliegues irregulares que sujeta un cordón doble. Presenta una buena anatomía muy realista y muestra la herida a la derecha de las costillas. Mide 58,5 cm de altura. Se cree que fue adquirido por el abad Marcet en el año 1920 durante un viaje a Roma, creyendo que era una obra de Ghiberti. Desde el año 1958 se encuentra sobre el altar mayor de la basílica de Montserrat.44
Retorno a la Toscana[editar]

El Tondo Taddei, en la Royal Academy of Arts de Londres.

El David, Galería de la Academia, Florencia.
Vuelve a Florencia en la primavera de 1501, después de cinco años ausente de la Toscana. Con Savonarola muerto, en Florencia se había declarado una nueva república gobernada por un gonfaloniere, Piero Soderini, un admirador de Miguel Ángel que le hace uno de los encargos más importantes de su vida: el David. Pone a su disposición un gran bloque de mármol abandonado que había sido empezado por Agostino di Duccio en 1464 y que se encontraba en Santa María del Fiore. Vasari explica que cuando recibió el encargo, el gobernante pensaba que el bloque era inservible y le pidió que hiciera todo lo posible en darle forma. Miguel Ángel realizó un modelo en cera y se puso a esculpir en el mismo lugar donde estaba ubicado el bloque sin dejar que nadie viera su trabajo durante más de dos años y medio, que fue el tiempo que tardó en acabarlo.45
Hizo la representación de la escultura en la fase anterior a la lucha con Goliat, con una mirada cargada de incertidumbre y con la personificación simbólica de David defendiendo la ciudad de Florencia contra sus enemigos. Los florentinos vieron el David como símbolo victorioso de la democracia.46 Esta obra muestra todos los conocimientos y estudios del cuerpo humano conseguidos por Miguel Ángel hasta esa fecha. La técnica empleada fue descrita así por Benvenuto Cellini:
El mejor método empleado jamás por Miguel Ángel; después de haber dibujado la perspectiva principal en el bloque, empezó a arrancar el mármol de un lado como si tuviera la intención de trabajar un relieve y, de esta manera, paso a paso, sacar la figura completa.47

La Madonna de Brujas en la iglesia de Nuestra Señora de Brujas.
Tan pronto estuvo terminada, por consejo de una comisión formada por los artistas Francesco Granacci, Filippo Lippi, Sandro Botticelli, Giuliano da Sangallo, Andrea Sansovino, Leonardo da Vinci y Pietro Perugino, entre otros, se decidió colocarla en la Plaza de la Señoría enfrente del Palazzo Vecchio.48
Desde allí, en 1873 se trasladó para una mejor conservación al museo de la Galleria dell'Accademia, mientras que en la plaza se colocó una copia, también de mármol.49
Por estas mismas fechas, estuvo trabajando en el Tondo Taddei, un relieve de mármol de 109 cm de diámetro que muestra la Virgen con el Niño y san Juan Bautista también niño, colocado a la izquierda sujetando un pájaro en sus manos. La figura de Jesús y la parte superior de la Virgen están acabadas, pero el resto no. El relieve fue adquirido por Taddeo Taddei, protector del pintor Raffaello Sanzio, y actualmente se conserva en la Royal Academy of Arts de Londres. Otro alto relieve, el Tondo Pitti, también de mármol, empezado para Bartolomeo Pitti, muestra la Virgen sentada con Jesús apoyado sobre un libro abierto encima de las rodillas de su madre. Se encuentra en el museo del Bargello desde el año 1873; como el anterior se encuentra inacabado.50
En el año 1502, la Señoría de Florencia le encargó un David de bronce para Pierre de Rohan, mariscal de Gié, que había pasado por Italia con el séquito de Carlos VIII de Francia y había hecho una solicitud de una imagen del David. Miguel Ángel empezó a diseñarlo, pero a causa de su tardanza se tuvo que recurrir a la fundición por parte del escultor Benedetto da Rovezzano para acabar la obra. Posteriormente se ha perdido el rastro.48
Hacia 1503 realizó, por encargo de unos mercaderes flamencos, los Mouscron, una Virgen con Niño para una capilla de la iglesia de Nuestra Señora de Brujas. Aunque se puede apreciar el movimiento de la ropa como en la Piedad del Vaticano, el resultado es diferente, sobre todo por la verticalidad de la escultura. Está representada en un momento de abandono, donde la mano derecha de la Virgen parece que sólo tiene la fortaleza para evitar que el libro no caiga y la izquierda está sujetando suavemente al niño Jesús, en contraposición con la vitalidad de movimiento que demuestra el Niño.51
El 24 de abril de 1503, el escultor firmó el contrato con los representantes del gremio de la lana (Arte della Lana), en virtud del cual se comprometía a realizar doce imágenes de los apóstoles para Santa María del Fiore. Sólo empezó la de san Mateo, una obra de mármol de 261 cm de altura que dejó inconclusa y que se encuentra en la Galería de la Academia de Florencia.48
Para la capilla de los Piccolomini de la catedral de Siena, realizó entre 1503 y 1504, cuatro imágenes, las de san Pablo, san Pedro, san Pío y san Gregorio (este último de autoría incierta), con una gran riqueza de pliegues en las vestiduras y un buen equilibrio entre las sombras y las luces. En la parte posterior están solo esbozadas, ya que se esculpieron para ser colocadas dentro de unas hornacinas del altar realizado por Andrea Bregno entre 1483 y 1485.48
La tragedia de la sepultura[editar]

Parte baja de la sepultura de Julio II en San Pietro in Vincoli, en Roma, con las esculturas de Moisés, Raquel y Lía.
El año 1505 fue llamado a Roma por el papa Julio II para proponerle la construcción de la sepultura papal, que se habría de poner bajo la cúpula de la basílica de San Pedro del Vaticano. Toda la sucesión de hechos durante los cuarenta años que se tardó para la realización de la tumba fue llamada por Ascanio Condivi «la tragedia de la sepultura», como será conocido desde entonces todo el desfile de infortunios de esta obra.
El artista consideró el sepulcro de Julio II la gran obra de su vida. El primer proyecto presentado fue un monumento aislado de planta rectangular y de forma piramidal escalonada de tres pisos, con una gran cantidad de figuras escultóricas. Una vez el papa le dio el visto bueno, Miguel Ángel pasó cerca de ocho meses en las canteras de Carrara escogiendo los bloques de mármol para la obra. Por indicación de Bramante, Julio II, cambió de idea y solicitó al escultor que parara la ejecución del mausoleo y emprendiera la de la pintura de la bóveda de la Capilla Sixtina.
El 17 de abril de 1506 Miguel Ángel, contrariado, abandonó Roma y se dirigió a Florencia, pero a finales de noviembre, tras las numerosas llamadas del Pontífice que le amenazó con excomulgarle, se reunió con él en Bolonia. El papa le asignó un trabajo en esta ciudad: una colosal estatua de bronce del papa Julio, que fue entregada en febrero de 1508, y fue instalada en la fachada de la Basílica de San Petronio. Esta escultura fue destruida en diciembre de 1511 por rebeldes boloñeses.52
En 1513, cuando terminó la pintura de la bóveda de la Capilla Sixtina y Miguel Ángel creía que ya podría esculpir los mármoles del sepulcro, falleció el papa Julio II y se aplazó la ejecución durante dos décadas más. Se realizaron seis proyectos diferentes y finalmente en 1542 el sepulcro fue construido como un retablo con solo siete estatuas, y se instaló en la iglesia de San Pietro in Vincoli y no en la basílica del Vaticano.53 La gran escultura del sepulcro es la figura del Moisés, la única de las ideadas en el primer proyecto que llegó al final de la obra. La estatua colosal, con la terribilitá de su mirada, demuestra un dinamismo extremo. Está colocada en el centro de la parte inferior, de manera que se convierte en el centro de atención del proyecto definitivo, con las estatuas de Raquel y Lía situadas una en cada lado. El resto del monumento fue realizado por sus ayudantes.54
El Esclavo moribundo del Museo del Louvre, de 229 cm de altura.
El Esclavo moribundo del Museo del Louvre, de 229 cm de altura.
El Esclavo rebelde del Museo del Louvre, de 215 cm de altura.
El Esclavo rebelde del Museo del Louvre, de 215 cm de altura.
Para el primer proyecto, había realizado durante los años 1513-1516 el Esclavo moribundo y el Esclavo rebelde (ambos en el Museo del Louvre), con la simbología de representar los pueblos paganos en su reconocimiento de la fe verdadera.55 El Esclavo moribundo recuerda las imágenes de san Sebastián; el tronco del cuerpo hace una torsión, con un movimiento contenido hacia atrás, que se acentúa con el brazo izquierdo sobre la cabeza y se encuentra equilibrado por el derecho que cruza el cuerpo sobre el pecho. Presenta también un acusado contrapposto.43
En el Esclavo rebelde, comparado con los dibujos iniciales de Miguel Ángel (guardados en Oxford), se aprecia la transformación que hizo, obligado por la forma primitiva del bloque de mármol: la pierna derecha, que en el dibujo quedaba medio escondida, en la escultura se ve completamente apoyada en el bloque; los brazos en el dibujo estaban atados detrás, en la espalda, mientras que en la estatua se muestran: el derecho, verticalmente que sube por el borde del bloque, y el izquierdo en ángulo recto hacia atrás; finalmente, la cabeza está girada hacia arriba, en un claro recuerdo de la expresión de la escultura del Laocoonte y sus hijos, de cuyo descubrimiento en Roma, fue testimonio Miguel Ángel.43
Desde el año 1520, continuó esculpiendo cuatro estatuas más de esclavos, con una medida más grande que la pareja anterior y menos acabados en su realización, con aspecto de atlantes, conocidos como el Joven esclavo, Esclavo atlante, Esclavo despertándose y Esclavo barbudo.56 Permanecieron en el taller del escultor hasta el año 1564, cuando su sobrino Leonardo los donó a Cosme I de Médici y fueron colocados en la gruta de Buontalenti del jardín de Bóboli hasta su traslado definitivo, en 1908, a la Galería de la Academia de Florencia.57
Esculpió la estatua del Genio de la Victoria, que entraba dentro del quinto proyecto realizado para la tumba de Julio II. Se trata de un grupo escultórico colocado en el Salón del Cinquecento del Palazzo Vecchio, aunque Vasari la relacionaba con el primer proyecto, donde las Victorias que había diseñadas estaban todas vestidas y, en cambio, solo desde el quinto proyecto se muestran desnudas; en lo que sí coincide es que se trata de una obra realizada para el mausoleo del papa.
Por unas cartas intercambiadas entre Vasari y el sobrino de Miguel Ángel, Leonardo, se sabe que estaba en el taller del escultor cuando ocurrió su fallecimiento en 1564; el sobrino había llegado a proponer colocarla en la tumba de Miguel Ángel; al final, fue donada al duque Cosme I de Médici y fue colocada en la Palazzo Vecchio. Se ha dicho de esta escultura que es la representación del victorioso vencido, la inevitable victoria de la juventud sobre la vejez, según Tolnay.
Las tumbas de los Médici[editar]
El papa Clemente VII, hacia el año 1520, le encargó el proyecto para las tumbas de sus familiares Lorenzo el Magnífico, padre de León X, y su hermano Juliano, (padre de Clemente VII), y dos tumbas más para otros miembros de la familia: Juliano II y Lorenzo II, en la sacristía de la basílica de San Lorenzo de Florencia. El papa le propuso cuatro sepulcros, uno en cada pared de la planta cuadrada de la sacristía, una Virgen con Niño y las imágenes de los santos Cosme y Damián, que tenían que estar colocados en el centro de la estancia sobre un altar.58
Una vez aprobado el proyecto, no se empezó a realizar hasta 1524, cuando llegaron los bloques de mármol de Carrara. Miguel Ángel aplicó las esculturas al lado de la arquitectura de las paredes; todas las molduras y cornisas cumplen la función de sombra y luz y, se componen de un sarcófago curvilíneo sobre las que hay dos estatuas con la simbología del tiempo. En la de Lorenzo, el Crepúsculo, con los trazos de un hombre que envejece pero que aún tiene plena posesión de su fuerza, el cual tiene una actitud simétrica a la Aurora, que se encuentra a la derecha y por encima de ambas, dentro de una hornacina, la estatua de Lorenzo, sobrino de León X, que tiene la cabeza cubierta con el casco de los generales romanos; su actitud de meditación hizo que enseguida se le conociera con el nombre de «el pensador».59
Encima de la tumba de Juliano están las alegorías de la Noche, que a pesar de simbolizar la muerte anuncia la paz suprema y el Día que muestra la cabeza inacabada de un hombre, siendo muy singular esta representación de una persona mayor. Simboliza la imagen del cansancio de empezar un día sin desearlo. Sobre ellas la estatua de Juliano, hermano de León X, con un gran parecido a la escultura del Moisés de la tumba de Julio II; a pesar de la coraza con la que lo vistió, se aprecia el cuerpo de un joven atleta. En definitiva, los retratos de estos personajes de la casa Médicis son más espirituales que físicos, se muestra más el carácter que no la apariencia material. Cuando se le dijo al escultor que se parecían poco a las personas reales, contestó: «¿Y quién se dará cuenta de aquí a diez siglos?».60
Miguel Ángel realizó también la escultura de la Virgen y el Niño, que es símbolo de vida eterna y está flanqueada por las estatuas de san Cosme y san Damián, protectores de los Médici, ejecutadas sobre modelo de Buonarroti, respectivamente por Giovanni Angelo Montorsoli y Raffaello da Montelupo. Aquí están enterrados Lorenzo el Magnífico (primer mecenas de Miguel Ángel) y su hermano Juliano.61 Estos últimos sepulcros quedaron incompletos, así como las esculturas que representan los ríos, que tenían que ir en la parte baja de las otras tumbas ya realizadas, por la marcha definitiva de Miguel Ángel a Roma, en el año 1534 a causa de la situación política de Florencia.62
Para estas tumbas esculpió también un Joven en cuclillas de mármol, que representa un joven desnudo, doblado sobre sí mismo; seguramente quería representar las almas de los «no nacidos». Fue una de las esculturas que se quedaron en la sacristía el año 1534, cuando Miguel Ángel viajó a Roma. Esta estatua se encuentra en el Museo del Hermitage de San Petersburgo.63
Otras obras escultóricas[editar]

El Cristo de la Minerva de Santa Maria sopra Minerva, en Roma.
Una nueva versión del Cristo de la Minerva, realizado para Metello Vari, es consecuencia de la que empezó durante el año 1514, y que fue abandonada a causa de los defectos del mármol; en el contrato de la escultura se precisa que será «una estatua de mármol de un Cristo, de medida natural, desnudo, con una cruz entre los brazos y los símbolos de la pasión, en la posición que Miguel Ángel juzgue más adecuada». La obra se envió a Roma en 1521, donde fue acabada por su ayudante Pietro Urbano, el cual cambió la línea y le dio una terminación muy diferente de la que solía hacer Miguel Ángel, que inicialmente la había tratado como un joven atleta adolescente y que acostumbraba a dejar sus esculturas con planos voluntariamente inacabados. Fue colocada en la iglesia de Santa Maria sopra Minerva en Roma.64
Hacia 1530, Baccio Valori, comisario del papa Clemente VII y nuevo gobernador de Florencia, le encargó una estatua de Apolo o de David. Se cree que en principio Miguel Ángel se inclinó hacia la ejecución de un David, ya que la forma redonda que se aprecia debajo del pie derecho se considera un esbozo para hacer la cabeza de Goliat. La figura, está definitivamente dedicada a Apolo, con la imagen del cuerpo que evoca la forma de una mujer, tratado como Narciso enamorado de sí mismo; muestra un claro contrapposto. Se encuentra en el museo florentino del Bargello.
El busto de Brutus fue realizado hacia 1539 en Roma y se encuentra también en el Bargello. Fue un encargo del cardenal Niccolò Ridolfi, ejecutado en un estilo antiguo, parecido a los bustos romanos de los siglos I y II de nuestra era; lo acabó su discípulo Tiberio Calcagni, sobre todo en la parte de las vestiduras. Tiene una altura de 74 cm sin contar la peana. Giorgio Vasari fue el primero que relacionó su iconografía con la Antigüedad clásica y Tolnay observó reminiscencias de un busto romano de Caracalla que se encuentra en el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles.56

La Piedad florentina a Santa Maria del Fiore, Florencia.
La Piedad florentina, llamada así porque se encuentra en el Duomo de Florencia, se cree que fue empezada a partir del año 1550. Según Vasari y Condivi, Miguel Ángel proyectó este grupo escultórico con la idea que lo sepultaran a sus pies, dentro de la basílica de Santa María la Mayor en Roma. Más tarde, abandonó este deseo, por el de ser enterrado en Florencia, y también por la oportunidad de su venta, en 1561, a Francesco Bandini, que colocó la escultura en los jardines romanos de Montecavallo, donde permaneció hasta su traslado a la basílica de San Lorenzo de Florencia por parte de Cosme III en 1674; finalmente el año 1722 se colocó en Santa Maria del Fiore y desde 1960 se encuentra en el museo de la catedral.65
El grupo escultórico de la Piedad florentina consta de cuatro personajes: el Cristo muerto que está sostenido por la Virgen, María Magdalena y Nicodemo, los rasgos del cual son un autorretrato de Miguel Ángel. La estructura es piramidal, con Nicodemo como vértice, y el Cristo se muestra como una figura serpentinata propia del manierismo.43 El año 1555, no se sabe exactamente, si por accidente o porque la obra no le parecía bien al autor, la rompió en diversos trozos. Explica Vasari:
Quizá porque la piedra era dura y estaba llena de esmeril y el cincel sacaba chispas, o quizá por su autocrítica severa, no estaba nunca contento con nada de lo que hacía... Tiberio Calcagni le preguntó porque había roto la Piedad y se habían perdido así todos sus maravillosos esfuerzos. Miguel Ángel le respondió que una de las razones era porque su criado le había estado importunando con sus sermones diarios para que la acabase, y también porque se había roto una pieza del brazo de la Madonna. Y todo esto dijo, así como otras desgracias, como que había descubierto una fisura en el mármol, habiéndole hecho odiar la obra, había perdido la paciencia y la había roto.
La Piedad Palestrina de Florencia.
La Piedad Palestrina de Florencia.
La Piedad Rondanini de Milán.
La Piedad Rondanini de Milán.
Posteriormente, la Piedad florentina, fue restaurada por Tiberio Calcagni, a pesar de ello aún se puede observar algún desperfecto en el brazo y en la pierna del Cristo.66
Otra obra sobre el mismo tema y realizada durante la misma época (1556) es la Piedad Palestrina, un grupo escultórico con el Cristo, la Virgen y María Magdalena, de dos metros y medio de altura. Miguel Ángel empleó para su elaboración un fragmento de una construcción romana; en la parte posterior se puede apreciar un trozo de decoración antigua de un arquitrabe romano. Se encuentra inacabada y, después de estar en la capilla del Palazzo Barberini de Palestrina, actualmente se puede ver en la Galería de la Academia de Florencia.67
Miguel Ángel empezó también la Piedad Rondanini, que sería la última escultura en la cual trabajaría hasta la vigilia de su muerte. La religiosidad que muestran estas últimas esculturas es el resultado de una crisis interna del autor. Las imágenes de la Piedad Rondanini son alargadas y tanto el Cristo como la Virgen se encuentran completamente unidos como si se tratase de un solo cuerpo, se aprecia una frontalidad dramática de origen medieval. La dejó, inacabada, como legado, en 1561, a su fiel servidor Antonio del Franzese. Se mantuvo durante siglos en el patio del Palazzo Rondanini y en 1952 fue adquirida por el Ayuntamiento de Milán y colocada para su exposición en el centro cívico del Castillo de los Sforza.68
La Piedad Rondanini es, de todas sus esculturas, la más trágica y misteriosa. En el inventario de su casa de Roma, se refiere como «otra estatua iniciada de un Cristo con otra figura encima, juntas, esbozadas y sin acabar».69
Obra pictórica[editar]
Véase también: Categoría:Cuadros de Miguel Ángel
El tormento de San Antonio[editar]
La primera obra pictórica atribuida a Miguel Ángel, de cuando este contaba con 12 años de edad, fue un «Tormento de San Antonio». La pintura, citada por los primeros biógrafos del artista, era un copia con variantes de un conocido grabado del alemán Martin Schongauer. Una pintura de este tema fue subastada como obra «del taller de Ghirlandaio», adquirida por un marchante norteamericano y sometida a diversos análisis en el Metropolitan Museum de Nueva York en el año 2009. Varios expertos en la obra de Miguel Ángel la identifican como la pintura que el florentino realizó durante su aprendizaje con Ghirlandaio, aunque existen dudas al respecto.70 Finalmente, fue adquirida por el Kimbell Art Museum de Estados Unidos.71
Santo Entierro[editar]

Santo Entierro, en la National Gallery de Londres (1500-1501).
Hasta el reciente hallazgo de Las tentaciones de san Antonio, eran el Santo Entierro y la Madonna de Mánchester las primeras pinturas atribuidas a Miguel Ángel. El Santo Entierro se trata de una tabla al temple inacabada, datada hacia 1500-1501, que se encuentra en la National Gallery de Londres. Gracias a unos documentos publicados en 1980, se sabe que durante su estancia en Roma recibió el encargo de hacer un retablo para la iglesia de Sant'Agostino de esa ciudad y que el artista devolvió el pago recibido a cuenta, ya que no había podido acabarlo debido a su retorno a Florencia en 1501.
Esta tabla, que durante muchos años se ha dudado si pertenecía a Miguel Ángel, finalmente se ha reconocido como obra suya.72 Las figuras de Cristo y san Juan son las que muestran más fuerza, y su composición es soberbia; la figura de José de Arimatea, situada detrás de Jesucristo se puede observar un curioso parecido con la de san José del Tondo Doni.73
Tondo Doni[editar]

Tondo Doni, en los Uffizi de Florencia (1504-1505).
Artículo principal: Tondo Doni
El Tondo Doni, conocido también como La Sagrada Familia (1504-1505), se encuentra hoy en la Galería Uffizi, Florencia. Esta pintura al temple, la pintó para Agnolo Doni, como regalo de bodas a su esposa Maddalena Strozzi. En primer plano está la Virgen con el Niño y detrás, san José, de grandiosas proporciones y dinámicamente articulado; llaman la atención las imágenes tratadas como esculturas dentro de una disposición circular de 120 cm de diámetro y con una composición en forma piramidal de las figuras principales. La base de la línea triangular es la marcada por las piernas de la Virgen colocada de rodillas, con la cabeza girada hacia la derecha, donde se encuentra el Niño sostenido por san José, con el cuerpo inclinado hacia la izquierda; esta parte superior de la pintura junto con la línea que marcan los brazos, denota un movimiento en forma de espiral.74
Separados por una balaustrada, se encuentran Juan el Bautista y un grupo de ignudi. Esta pintura puede verse como la sucesión de las diversas épocas en la historia del hombre: los ignudi representarían la civilización pagana, san Juan y san José la era mosaica y la Virgen con el Niño la era de la Redención, a través de la encarnación de Jesús. Esta interpretación está sostenida, incluso en las cabezas esculpidas sobre la cornisa original: dos sibilas (representa la edad pagana), dos profetas (representa la edad mosaica) y la cabeza de Cristo (representa la era de la redención), con frisos intermedios de animales, máscaras de sátiros y el emblema de los Strozzi.
El artista demostró que, con la pintura era capaz de expresarse con la misma grandiosidad que en la escultura; el Tondo Doni, de hecho, se considera el punto de partida para el nacimiento del manierismo.75
Bóveda de la Capilla Sixtina[editar]
Artículo principal: Bóveda de la Capilla Sixtina

Imagen de Adán en la escena de La Creación de Adán de la bóveda de la Capilla Sixtina, en los Museos Vaticanos.
Entre marzo y abril de 1508, el artista recibió de Julio II el encargo de decorar la bóveda de la Capilla Sixtina; en mayo aceptó y concluyó los frescos cuatro años más tarde, tras un solitario y tenaz trabajo. El proyecto del papa era la representación de los doce apóstoles, que Miguel Ángel cambió por uno mucho más amplio y complejo. Ideó una grandiosa estructura arquitectónica pintada, inspirada en la forma real de la bóveda. Al tema bíblico general de la bóveda, Miguel Ángel interpuso una interpretación neoplatónica con la representación de nueve escenas del Génesis, cada una rodeada por cuatro jóvenes desnudos (ignudi), junto con doce profetas y las sibilas. Un poco más abajo se encuentran los antepasados de Cristo. Todas estas escenas están diferenciadas magistralmente por medio de la imitación de arquitecturas. Estas imágenes se convirtieron en el símbolo mismo del arte del Renacimiento.41

Bóveda de la Capilla Sixtina, vista parcial (1512). Para Goethe al contemplarla se comprende de lo que es capaz el hombre. Para ver la Bóveda en formato panorámico, pulse con el ratón sobre la imagen y vuelva a hacerlo sucesivamente sobre las nuevas imágenes que aparecerán. Si vuelve y no aumenta la imagen, vuelva a pulsar. Para desplazar la imagen emplee el cursor en los bordes de la pantalla.
Empezó el trabajo el día 10 de mayo de 1508, rechazando la colaboración de pintores expertos en frescos; también hizo quitar los andamios que había colocado Bramante y puso unos nuevos diseñados por él. Mientras trabajaba en su primer fresco (El Diluvio), tuvo problemas con la pintura, la humedad alteró los colores y el dibujo, tuvo que recurrir a Giuliano da Sangallo para su solución y volver a empezar; Miguel Ángel aprendió a fuerza de sufrimiento la técnica del fresco, ya que según Vasari, hacía falta:
...realizar en una única jornada toda la escena...La obra se ejecuta sobre la cal aún fresca, hasta concluir la parte prevista... Los colores aplicados sobre el muro húmedo producen un efecto que se modifica cuando se seca...Lo que se ha trabajado al fresco queda para siempre, pero lo que ha estado retocado en seco se puede quitar con una esponja húmeda...
La superficie pintada en un día se llama «jornada»; la escena de La Creación de Adán, una de las más espectaculares de la bóveda, se realizó en dieciséis jornadas.76
El artista también estuvo bajo la tensión de las continuas discusiones con el papa, las prisas por acabar la pintura y los pagos que no recibía. Finalmente, la gran obra de la pintura de la bóveda se presentó públicamente el 31 de octubre de 1512.77
Juicio Final[editar]
Artículo principal: El Juicio Final
Por encargo del papa Clemente VII y más tarde confirmado por Pablo III, Miguel Ángel aceptó pintar en la pared del altar de la Capilla Sixtina el Juicio Final, o Juicio Universal, iniciado en 1536 y finalizado en 1541.
Detalle del Juicio Final, con Jesucristo y su madre, María.
Detalle del Juicio Final, con Jesucristo y su madre, María.
Detalle del Juicio Final, con san Bartolomé aguantando la piel con el autorretrato de Miguel Ángel.
Detalle del Juicio Final, con san Bartolomé aguantando la piel con el autorretrato de Miguel Ángel.
El tema se basa en el Apocalipsis de san Juan. La parte central está ocupada por un Cristo con gesto enérgico, que separa los justos de los pecadores, y a su lado tiene a su madre María, temerosa por el gesto tan violento de su Hijo.78 A su alrededor están los santos, fácilmente reconocibles ya que la mayoría muestran los atributos de su martirio, entre los que se encuentra san Bartolomé, que en su martirio fue despellejado; este santo lleva colgada en su mano su propia piel, donde se reconoce el autorretrato de Miguel Ángel. Justo debajo hay un grupo con ángeles con trompetas, anunciadores del Juicio. Todas las escenas están rodeadas por una multitud de personajes, unos al lado derecho de Cristo, los que ascienden al cielo, y a la izquierda los condenados que bajan a las tinieblas, algunos de los cuales se encuentran encima de la barca de Caronte, presente en La Divina Comedia de Dante. En los semicírculos de la parte superior del mural aparecen unos ángeles con los símbolos de la Pasión de Cristo, en un lado la cruz donde murió y en el otro la columna donde fue flagelado.79
A pesar de la admiración que despertó esta obra, también las protestas por los desnudos y por las aptitudes de los personajes fueron importantes, ya que se consideraron inmorales. El maestro de ceremonias papal, Biagio da Cesena, dijo que la pintura era deshonesta, pero uno de los que más críticas contrarias lanzó contra los desnudos, argumentando que se había de «hacer una hoguera con la obra», fue Pietro Aretino. En 1559, se consiguió que Daniele da Volterra, por orden del papa Pablo IV, cubriese las «vergüenzas» de las figuras desnudas, por lo que sería conocido con el sobrenombre de il Braghettone; el pintor murió al cabo de dos años, sin haber podido completar su trabajo.
Después de la restauración empezada el año 1980, las pinturas vuelven a lucir tal y como las realizó Miguel Ángel.80
Capilla Paulina[editar]

El Martirio de san Pedro.

La conversión de san Pablo.
Terminado el Juicio Final, el papa Pablo III le encargó para la Capilla Paulina (que había sido construida por Antonio da Sangallo el Joven), la pintura de dos grandes frescos en los que Miguel Ángel trabajó desde 1542 a 1550: La conversión de san Pablo y El Martirio de San Pedro. Fueron diversos los motivos que alargaron la ejecución de estas obras, entre ellos el incendio del año 1544, una enfermedad del artista que retardó el segundo fresco hasta 1546, así como los fallecimientos de sus amigos Luigi del Riccio en 1546 y más tarde el de Vittoria Colonna en 1549.81
Parece que el primer fresco que terminó fue La conversión de san Pablo, que es el que más se parece en estilo al Juicio Final, sobre todo por la imagen del san Pablo, cabeza abajo con los brazos que apuntan uno a la tierra y otro hacia las nubes, que recuerdan el remolino de los escogidos y los condenados alrededor de Jesús en el Juicio. En este fresco también se aprecia la partición entre el mundo celestial y el terrenal, con el contraste entre el objeto principal de la parte inferior: el caballo que mira hacia la derecha, y la parte superior: Jesucristo mirando hacia el lado contrario.82
Este gran dinamismo se encuentra mucho más contenido en el siguiente fresco El martirio de san Pedro, donde se aprecia el ritmo compositivo equilibrado, enfrente del desorden existente en La conversión de san Pablo. La línea principal, en diagonal, la representa la cruz aún no izada, y las figuras que describen un gran arco de medio punto cerca del centro. Gracias al movimiento de la cabeza de san Pedro, Miguel Ángel consigue el punto de atención principal de la escena.83
Crucifixión[editar]

La Crucifixión de Logroño, copia de una pintura para Vittoria Colonna.
En 1540 Vittoria Colonna le pidió un pequeño cuadro de la Crucifixión que le ayudara en sus oraciones privadas. Tras presentarle varios bocetos, que se conservan en el British Museum y en el Louvre, el artista gustoso le pintó un pequeño Calvario quedando Vittoria muy complacida por la espiritualidad de las figuras. En ese momento sólo aparecían Cristo, la Virgen, San Juan y unos angelotes. Vasari lo describe así:
... y Miguel Ángel le dibujó una Piedad, donde se ve a la Virgen con dos angelitos y un Cristo clavado en la cruz, que, levanta la cabeza y encomienda su espíritu al Padre, que es cosa divina.
Aunque habla de un dibujo, el artista acabó haciendo una pintura.84 Se tiene noticia de esta pintura también por una carta de Vittoria a Miguel Ángel:
Confiaba yo sobre manera que Dios os daría una gracia sobrenatural para hacer este Cristo; después de verlo tan admirable que supera, en todos los aspectos, cualquier expectación; porque, animada por vuestros prodigios, deseaba lo que ahora veo maravillosamente realizado y que es la suma de la perfección, hasta el punto que no se podría desear más, y ni tan siquiera a desear tanto.
En 1547 falleció Vittoria y tal era el afecto que Miguel Ángel le profesaba que recuperó el cuadro y la incluyó como María Magdalena abrazada a la cruz de Cristo y sobre los hombros un pañuelo símbolo de su viudedad.85
Aunque el cuadro original se ha perdido, se conservan muchos dibujos y copias hechas por discípulos de Miguel Ángel, entre ellas la que se guarda en la Concatedral de Santa María de la Redonda de Logroño.86
Obra arquitectónica[editar]
La fachada de San Lorenzo[editar]

Reconstrucción de un diseño de Miguel Ángel sobre la fachada de la Basílica de San Lorenzo de Florencia, por medio de una proyección luminosa, el año 2007.
La familia Médici había financiado la construcción de la basílica de San Lorenzo de Florencia, según diseño de Brunelleschi. Empezada en 1420, durante la visita en 1515 del papa León X la fachada estaba aún sin realizar con solo un cerramiento a base de obra vista de piedra picada, y para la ocasión, se recubrió la inacabada fachada de la iglesia, con una construcción efímera realizada por Jacopo Sansovino y Andrea del Sarto. El pontífice decidió entonces realizar un concurso para dicha fachada, patrocinado siempre por los Médici. Miguel Ángel triunfó en el concurso frente a diseños de Raffaello Sanzio, Jacopo Sansovino y Giuliano da Sangallo. Proyectó realizar un frente en el que se representara toda la arquitectura y toda la escultura de Italia, ideando una fachada semejante a un retablo contrarreformista pero que en realidad estaba inspirado por los modelos de la arquitectura profana, realzada con numerosas estatuas de mármol, bronce y relieves. Realizó una maqueta en madera hecha por Baccio d'Agnolo; como no fue de su gusto, se realizó una segunda maqueta con veinticuatro figuras de cera, en base a la cual se firmó el contrato para su construcción el 19 de enero de 1518.87

Ventanas inginocchiate en el Palacio Medici Riccardi, en una fotografía de 1908.
Según escribió Miguel Ángel, lleno de entusiasmo: «me he propuesto hacer, de esta fachada de San Lorenzo, una obra que sea el espejo de la arquitectura y de la escultura para toda Italia...» Entre los años 1518-1519 Miguel Ángel revisó los mármoles en Carrara, un trabajo inútil, ya que el papa propuso que el mármol fuera del territorio florentino, en las pedreras de Pietrasanta y Serravezza. Con fecha 10 de marzo de 1520, el papa dio por finalizado el contrato,88 cuando el artista se había quejado que el mármol destinado para la fachada se estaba utilizando en otras obras. La segunda maqueta de madera presentada y realizada por su ayudante Urbano, se conserva en la Casa Buonarroti.89
Mejoras del Palacio Médici Riccardi[editar]
Hacia el año 1517, efectuó unas obras de mejora en la planta baja del Palacio Medici Riccardi, donde se cerraron los arcos de la loggia (galería) que se habían construido en la esquina de la Via Longa y la Vía de'Gori, con lo que resultaba una arquitectura más cerrada y más compacta del edificio. Se colocaron también unas ventanas que Vasari denominaba inginocchiate (arrodilladas). En la Casa Buonarroti se conserva un dibujo que debió servir para la maqueta de este palacio.90
Sacristía Nueva[editar]
Artículo principal: Sacristía Nueva de San Lorenzo
Empezada por encargo de León X en 1520, fue bajo el mandato de Clemente VII cuando se dio un nuevo impulso a la construcción de la «Sacristía Nueva» en 1523, situada en la Basílica de San Lorenzo de Florencia, destinada a acoger las tumbas de los capitanes Juliano, duque de Nemours y Lorenzo, duque de Urbino, muertos hacía poco, y la de los Magníficos, Lorenzo y su hermano Juliano de Médici, en el lado contrario del crucero donde se encontraba la antigua sacristía construida por Brunelleschi y decorada por Donatello. La nueva construcción se había de adecuar a la planta de la precedente, que consistía en dos cuadrados de diferente anchura comunicados a través de un arco y con una cúpula; los paramentos eran lisos, enmarcados por pilastras y molduras hechas en pietra serena, la piedra gris de la región. Miguel Ángel agrandó la parte central, para poder dar más espacio a los sepulcros y altar.
En el diseño vertical cambió la arquitectura del Quattrocento y colocó ventanas ciegas sobre las puertas; las ventanas junto a la cúpula las hizo en forma de trapecio para conseguir una óptica de ascensión más grande. La cúpula está realizada con un artesonado de casetones radiales.91 Estos casetones se distribuyen en cinco hileras de medida decreciente, que imitan, incluso en el número, a las del Panteón de Roma; acaban en una corona radiada, donde se inicia la linterna, de delicada forma y perfecta belleza; es la contribución más importante en el exterior de la capilla. Vista desde el exterior, la reforma de la sacristía de San Lorenzo realizada por Miguel Ángel presenta una gran cúpula con cubierta de tejas, un conjunto de molduras y de grandes ventanales que favorecen los juegos de luz y sombra en el interior. Descartado el primer proyecto, donde el artista destinaba el espacio central para los monumentos funerarios, estos acabaron, en los siguientes diseños, desplazados a los muros, donde quedaron completamente integrad

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Joseph Paxton (Gran Bretaña)

88. Joseph Paxton (Gran Bretaña)

Sir Joseph Paxton ( 3 de agosto de 1803 – 8 de junio de 1865), fue un ilustrador, naturalista, y paisajista inglés, reconocido por ser el autor del Crystal Palace, obra construida para la primera Gran Exposición celebrada en Londres en 1851. Vale aclarar que el pensar de mucha gente en Paxton... Ver mas
Sir Joseph Paxton ( 3 de agosto de 1803 – 8 de junio de 1865), fue un ilustrador, naturalista, y paisajista inglés, reconocido por ser el autor del Crystal Palace, obra construida para la primera Gran Exposición celebrada en Londres en 1851. Vale aclarar que el pensar de mucha gente en Paxton como arquitecto, se debe sólo a sus aportes como pionero y visionario en esta rama del arte; él no fue arquitecto más que de manera autodidáctica, pues nunca realizó estudios de la arquitectura más que por sí mismo.
Trabajó como jardinero a las órdenes de William George Cavendish (sexto duque de Devonshire) en Chatsworth, Derbyshire, en donde comenzó sus construcciones de grandes invernaderos; lo cual le ayudaría en la proyección del Crystal Palace. Esta obra es una sala de hierro y vidrio de 600 m de longitud, y fue la primera estructura construida en su totalidad con piezas prefabricadas. Paxton también fue uno de los arquitectos paisajistas más importantes de su época y entre sus obras se encuentran numerosos jardines públicos y privados, como los de Chatsworth, el Crystal Palace y Birkenhead.
En 1831, Paxton publica una revista mensual, The Horticultural Register; a lo que le sigue en 1834 el Magazine of Botany. En 1840 sale su Pocket Botanical Dictionary, y en 1850 el Flower Garden, y Calendar of Gardening Operations.
En 1841, es cofundador del periodico más famoso, The Gardeners' Chronicle con John Lindley, Charles Wentworth Dilke y William Bradbury, y más tarde sería su editor.
Honores[editar]
Eponimia[editar]
Género
(Orchidaceae) Paxtonia Lindl.1
Especies
(Amaryllidaceae) Crinum paxtonii Herb.2
(Asclepiadaceae) Hoya paxtonii G.Nicholson3
(Bromeliaceae) Billbergia paxtonii Beer4
(Ericaceae) Erica paxtonii Gentilh. & Carrière5
Abreviatura[editar]
La abreviatura Paxton se emplea para indicar a Joseph Paxton como autoridad en la descripción y clasificación científica de los vegetales. (Véase listado de todos los géneros y especies descritos por este autor en IPNI).

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Giotto di Bondone (Italia)

89. Giotto di Bondone (Italia)

Giotto di Bondone (Colle di Vespignano, 1267 - Florencia, 8 de enero de 1337), más conocido solo por su nombre de pila, fue un notable pintor, escultor y arquitecto italiano del Trecento. Se lo considera el primer artista de los muchos que contribuyeron a la creación del Renacimiento italiano y... Ver mas
Giotto di Bondone (Colle di Vespignano, 1267 - Florencia, 8 de enero de 1337), más conocido solo por su nombre de pila, fue un notable pintor, escultor y arquitecto italiano del Trecento. Se lo considera el primer artista de los muchos que contribuyeron a la creación del Renacimiento italiano y uno de los primeros en romper las limitaciones del arte y los conceptos medievales. Se dedicó fundamentalmente a pintar temas religiosos, siendo capaz de dotarlos de una apariencia terrenal, llena de sangre y fuerza vital.
Biografía[editar]
Infancia y aprendizaje[editar]
Giotto nació, según las fuentes más creíbles, en Colle de Vespignano, en las cercanías de Vicchio del Mugello, un pueblo cercano a Florencia. Según su principal biógrafo, Giorgio Vasari, era hijo de un campesino llamado Bondone, y pasó su infancia como pastorcillo en los campos. Si bien la mayoría de los autores cree que se llamaba en realidad Giotto di Bondone, otros opinan que su verdadero nombre de pila era Ambrogio o Angelo, y que el nombre por el que es conocido, Giotto, no sería más que un diminutivo, derivado de Ambrogiotto o Angelotto.
Existen controversias acerca de su año de nacimiento, aunque lo más probable es que naciera en 1266 o 1267. Estas fechas se deducen de la afirmación del cronista florentino Antonio Pucci, que dice que Giotto murió a los setenta años de edad en 1337 (año del calendario florentino, que se iniciaba el 25 de marzo). El día exacto se desconoce.
Según sus biógrafos, fue discípulo del pintor florentino Cimabue, el artista más conocido de su época. Vasari relata el modo en que el pequeño de once años demostró por primera vez su talento artístico: cuenta que, estando el niño al cuidado de unas ovejas, mataba el tiempo dibujando a una de ellas sobre una piedra plana con una tiza. Acertó a pasar por allí Cimabue, quien, impresionado por el talento natural de Giotto —que había dibujado una oveja tridimensional, tan natural y perfecta que parecía viva—, lo acompañó hasta su cabaña y consiguió convencer al padre de que le dejara hacer del muchacho su aprendiz.1
Otra versión de la biografía de Giotto2 manifiesta que su padre lo mandó a Florencia para que trabajase como aprendiz con un mercader de lanas. El joven, muy interesado en el arte, tomó la costumbre de visitar el estudio de Cimabue para ver a los artistas trabajar. Ansioso de incorporarse al taller, insistió tanto a su padre que al fin se le permitió aprender con el gran maestro.
Vasari refiere que Giotto era un aprendiz divertido y bromista, a tal punto que en una ocasión pintó una mosca en la nariz de un retrato. Su técnica era tal que Cimabue intentó espantarla con la mano antes de darse cuenta de que estaba pintada. Esta anécdota de juventud presagia ya la técnica característica de Giotto, que lo capacitaba para pintar figuras casi reales.
Primeras obras conocidas[editar]

Escenas de la vida de San Francisco, en Asís: La expulsión de los diablos de Arezzo.
Cuando Giotto promediaba la treintena, su fama había trascendido las fronteras de Florencia y se extendía ya por toda Italia, a tal punto que el papa Bonifacio VIII le envió un mensajero para pedirle algunas muestras de su arte, con la intención de ver por sí mismo si el renombrado pintor era digno de recibir propuestas para trabajar en Roma. Según Vasari, Giotto tomó un lienzo blanco en presencia del recadero, hundió su pincel en pintura roja y, con un solo trazo continuo, dibujó a mano alzada un círculo geométricamente perfecto, diciendo al hombre: «La valía de este trabajo será reconocida». Escribe Vasari: «El papa vio el lienzo, percibió instantáneamente que Giotto era superior a todos los demás pintores de su tiempo».
Provisto de su talento natural y de las enseñanzas de Cimabue, Giotto comenzó pronto a ocuparse de encargos de terceros, principalmente trabajos religiosos. Así, se le atribuyen como primeras obras dos series de frescos en la Basílica de San Francisco de Asís. Un primer ciclo, en la parte alta de las paredes del templo, realizado posiblemente en la primera mitad de la última década del siglo XIII, y de atribución bastante dudosa, desarrolla temas bíblicos. Más adelante, entre 1297 y 1299, una nueva serie de frescos fue muy probablemente ejecutada por Giotto en la parte inferior de los muros de la iglesia, acerca de la vida de San Francisco de Asís. Vistos los excelentes resultados, se le solicitó que pintara —entre 1305 y 1306— los extraordinarios frescos de la Capilla de la Arena en Padua.
Viajes por Italia y cargos públicos[editar]

Maestà di Ognissanti (c. 1310). Témpera sobre madera, 325 x 204 cm. Galería Uffizi, Florencia.
Giotto viajó por casi toda Italia, ejecutando docenas de retratos de príncipes, nobles y dignatarios eclesiásticos en su ciudad natal, Nápoles y Roma. Las capillas Peruzzi y Bardi de la Iglesia de la Santa Cruz muestran sus frescos.
En el año 1334, la ciudad de Florencia decidió honrar al gran pintor. Se le otorgó el título de magister et gubernator (‘maestro y gobernador’) de la Obra de Santa Reparata, que se encargaba de las obras de la catedral, así como arquitecto en jefe de la ciudad y superintendente de obras públicas. En esta última etapa de su vida, Giotto diseñó el famoso campanile (‘campanario’) de la catedral de Florencia, cuya construcción se inició en ese mismo año de 1334, pero que no pudo ver concluido. Según Ghiberti, los bajorrelieves del cuerpo inferior del campanario fueron también obra suya. Curiosamente, aunque finalmente el campanile no se construyó de acuerdo con sus proyectos, es universalmente conocido como «campanile di Giotto».
Muerte[editar]
Falleció el 8 de enero de 1337, antes de poder ver terminadas las obras del campanile. Fue enterrado en Santa Reparata, con grandes honores por parte del comune (ayuntamiento) de la ciudad, lo cual era muy inusual en la época. Se trata de un caso prácticamente único entre los pintores de su tiempo. El reconocimiento de que gozaba era tan grande que fue enterrado con honores de noble y dignatario político, algo impensable para un artista, a los que en aquel tiempo se consideraba meros artesanos.
Carácter y costumbres[editar]
Giotto era un hombre campechano y de vida hogareña, gran conversador y de ánimo bromista. Casado, dejó seis hijos que lo sobrevivieron. Fue poco amigo de dispendios y gastos inútiles. Esta costumbre, junto con los buenos precios que obtuvo por sus obras, le permitió ahorrar su dinero —al revés que la mayor parte de sus colegas— y morir como hombre rico.
Se relacionaba con soltura tanto con los ricos y nobles como con los hombres del pueblo. Se sabe que tuvo mucha confianza con el papa Bonifacio, y el rey Roberto I de Nápoles escribió de él que era su «gran amigo». Existe una tradición según la cual Dante Alighieri fue también su amigo, y lo habría visitado durante la realización de los frescos de la capilla de los Scrovegni, pero no ha podido ser confirmada por fuentes fiables. En todo caso, en la Divina Comedia, Dante afirma que Giotto fue superior a su maestro Cimabue. Boccaccio lo retrata en el Decamerón3 y en el año 1400 Cennino Cennini escribió que «Giotto tradujo el arte de la pintura del griego al latín».
Su pintura[editar]

La desesperación, Capilla de la Arena.
El arte de Giotto fue extremadamente innovador y es considerado precursor de la evolución que poco después llevó al Renacimiento. Sus obras fueron el punto de inflexión entre el arte bizantino de la Baja Edad Media y el mucho más realista y humanista que floreció en el Renacimiento.
Las figuras planas y simbólicas del Bizantino dieron lugar a las modeladas e individuales en perspectiva. Giotto adoptó el lenguaje visual de la escultura al darles volumen y peso. La comparación entre la Madonna de Giotto y la de su maestro Cimabue nos muestra por qué sus contemporáneos consideraban sus pinturas como «milagros del naturalismo».
Al igual que los demás artistas de su tiempo, Giotto carecía de los conocimientos técnicos de anatomía y teoría de la perspectiva que los pintores posteriores se acostumbraron a aprender. Independientemente de ello, los que sí poseía eran infinitamente superiores a los de los que lo precedieron e imitaron.
Con sus composiciones de profunda emotividad, Giotto es el gran iniciador del espacio tridimensional en la pintura europea, tratando con un nuevo espíritu los temas religiosos que dominaron el arte medieval. Su estilo se caracteriza por una frescura y una vida inesperadas, por lo que los críticos hablan de la emoción humana y una carga de todo lo que es importante para el ser humano como las más claras peculiaridades de sus trabajos.
Al concentrarse en estos conceptos esenciales, Giotto fue capaz de crear impresionantes imágenes de gente bajo presión, personas en crisis y hombres en los que se percibe claramente que están tomando gravísimas decisiones espirituales. Los pintores modernos, que a menudo han utilizado las obras del florentino como fuente de inspiración, dicen haber encontrado en él una forma de aproximación directa a la más íntima e intrincada experiencia del espíritu humano. Esta característica es intemporal y ha seguido siendo válida para todas las épocas posteriores a la suya.
Obras[editar]
A despecho de su fama y la increíble demanda que sus servicios como pintor, arquitecto, decorador y escultor tuvieron en vida de Giotto, ninguna de sus obras sobrevivientes puede ser documentada como suya más allá de toda duda razonable. En efecto, se trata de uno de los pintores que presentan mayores problemas de atribución.
La Capilla de los Scrovegni[editar]
Artículo principal: Capilla de los Scrovegni

"Joaquín expulsado del Templo", primera escena del ciclo narrativo de la Capilla de los Scrovegni.
Sin embargo, hay unanimidad en atribuir a Giotto el notable ciclo de frescos de la Capilla de los Scrovegni, en Padua, ya que existen varios testimonios del mismo siglo XIV que así lo confirman. Los frescos de esta capilla son considerados por los críticos el momento culminante de la madurez artística de Giotto.
El edificio, también conocido por el nombre de Capilla de la Arena, por estar construido sobre las ruinas de una "arena" o anfiteatro, fue construido por Enrico Scrovegni como penitencia para expiar los pecados de su padre, un conocido usurero —que también fue retratado por Dante en la Comedia en términos no muy halagüeños—. La construcción de la capilla comenzó en 1303. La opinión más extendida es que Giotto empezó a pintar los frescos dos años más tarde y los concluyó en 1306. Los frescos cubren por entero la única nave de la capilla: la pared occidental, a los pies del templo, está cubierta con un "Juicio Final", el arco de la cancela muestra una "Anunciación" y las áreas principales de las paredes tienen tres filas de pinturas que representan escenas de la vida de la Virgen y sus padres —Santa Ana y San Joaquín— y escenas de la vida de Cristo. Bajo estas escenas pueden verse alegorías, es decir, figuras humanas que personifican las Virtudes y los Vicios, pintadas en monocromía, simulando ser esculturas.
Las figuras de la secuencia narrativa principal están hechas a media escala, pero el concepto de Giotto es tan grandioso y potente que, en la reproducción de un libro, por ejemplo, parecen de tamaño natural. Presentan un sentido tridimensional y una presencia física completamente desconocidas en la época en que fueron realizadas, evidenciando la capacidad del artista para retratar un sentimiento de "peso moral" más que el esplendor religioso o divino.
Es muy posible que Giotto basara su trabajo en experiencias personales, y ningún otro artista ha conseguido mostrarse tan convincente en la tarea de dirigirse directamente al núcleo de la historia que relata y expresarla con gestos y expresiones tan perfectamente claras y reconocibles. La Capilla de los Scrovegni posee una réplica oficial que ha sido expuesta en muchos países; y, por ejemplo, llegó al Perú, en el 2004, y se expuso en el Museo de Arte Italiano
La Vida de San Francisco[editar]

«El homenaje de un hombre sencillo», primera escena de los frescos de la Vida de San Francisco, en Asís.

«La donación de la capa», segunda escena, 1297-1299, fresco, 270 x 230 cm, iglesia superior, basílica de San Francisco, Asís.
El segundo ciclo de frescos de importancia asociado o atribuido a Giotto es la "Vida de San Francisco" en la iglesia superior de San Francisco de Asís. Si el autor fue en verdad Giotto no es solamente uno de los mayores problemas que enfrentan los expertos, sino también una de las mayores controversias de la historia del arte. Los frescos de San Francisco son, evidentemente, obra de un pintor de enorme talento. Sus retratos íntimos y humanos han definido, en realidad, la imagen popular que se tiene del santo. Pero existen, sin embargo, grandes diferencias técnicas y estilísticas entre estas obras y las de la Capilla de los Scrovegni. Ellas han hecho que muchos críticos se nieguen, aún hoy en día, a aceptarlas como obras del mismo artista. Los intentos de atribuir a Giotto otros frescos de la ciudad de Asís han producido disputas similares entre los estudiosos de su obra.
Véase también: Escuela romana de pintura
En la actualidad, sin embargo, son mayoría los estudiosos que consideran segura la autoría de Giotto, si bien admiten que habría contado con amplia colaboración de los miembros de su taller. No hay acuerdo en cuanto a la cronología de la obra, pues, aunque es mayoritaria la datación en los primeros años del siglo XIV, hay autores que retrotraen la fecha hasta 1291-1292. Hay acuerdo en cuanto a que se trata de una obra anterior a la de la Capilla de los Scrovegni.
Los frescos cubren la parte inferior de tres de las paredes del templo, las dos laterales y la interior de la fachada, a ambos lados de la puerta. Se trata de 28 episodios de la vida del recientemente canonizado Francisco de Asís, siguiendo el relato de la Legenda maior de San Buenaventura.
La Santa Croce de Florencia[editar]
Las pinturas de la basílica de la Santa Croce (Santa Cruz) de Florencia, por el contrario, gozan de mayor consenso entre los expertos, que coinciden en general en atribuirlas al pincel de Giotto. Posiblemente las cuatro capillas sean suyas, y los frescos de las capillas Peruzzi y Bardi han sido fechadas en o alrededor de 1320, cuando el pintor estaba en la ciudad. Algunos de los frescos no se encuentran bien conservados, ya que se intentó lavarlos en el siglo XVIII, pero algunos de la capilla de los Bardi siguen siendo tan impresionantes como en la fecha en que se hicieron.
En la capilla Peruzzi están representadas escenas de la vida de San Juan Bautista y de San Juan Evangelista. En la capilla Bardi, en cambio, los frescos representan escenas de la vida de San Francisco de Asís.
Otras piezas[editar]

Crucifijo de la iglesia de Santa Maria Novella, en Florencia.
Lamentablemente, las pinturas que Giotto realizó para Roberto de Anjou en Nápoles no conservan nada del trabajo del artista. Lo mismo sucede con el gigantesco mosaico que diseñó para la Navicella (la nave de la Antigua Basílica de San Pedro, en Roma), que ha sido tan alterado, reformado y cambiado que no puede decirnos absolutamente nada acerca de su estilo.
Ciertas obras llevan la firma de Giotto: tal es el caso del políptico Stefaneschi, actualmente en la Pinacoteca Vaticana, hecho por encargo del cardenal de ese nombre, que también había encargado las pinturas de la Navicella, para el altar mayor de la antigua basílica de San Pedro. Algunos expertos afirman, empero, que la firma no es prueba de la mano del autor, sino más bien una "marca registrada" que solo indicaba que la obra había sido realizada por el taller de Giotto. Por otro lado, La madona de Ognissanti (también llamada «Virgen entronizada»), que actualmente se custodia en la Galleria degli Uffizi de Florencia, aunque no está firmada ni puede documentarse su autoría, es un trabajo de grandeza y humanidad tan patentes que se la acepta universalmente como proveniente del pincel del gran maestro.
Una de las piezas más soberbias atribuidas a Giotto es el crucifijo de Santa Maria Novella en Florencia, que pintó alrededor de 1290, siendo arquitecto mayor de la ciudad. En la Iglesia de San Francisco de Rimini, se encuentra otro crucifijo que fue pintado antes de 1309. En octubre de 2010 se confirmó la atribución a Giotto del crucifijo, de 5 m de longitud, existente en la Iglesia de Todos los Santos de Florencia, realizado entre 1310-20.4
Influencia[editar]
La obra de Giotto ha trascendido en el tiempo y en la generación posterior a su muerte se extendió la influencia de su estilo, cristalizando en las obras de todos los pintores que le siguieron. La estrella del florentino no declinó sino hasta el gran auge del gótico, pero, aún pasado éste, siguió influyendo e inspirando la obra de otros formidables artistas como Masaccio y Miguel Ángel. Fue citado como ejemplo de excelencia pictórica por el Marqués de Santillana en una Canción dedicada a la reina Isabel de Portugal, esposa de Juan II de Castilla ("qual Ioto (sic) non vos pintara").
Giotto y el cometa Halley[editar]

"La adoración de los Reyes Magos". Obsérvese el cometa.
Uno de los frescos de la Capilla de la Arena es la "Adoración de los Reyes Magos", que se encuentra entre los más reputados y admirados de la serie. En el cielo, encima del techo del pesebre, puede observarse la Estrella de Belén, la que, en la iconografía católica, representa la guía divina que condujo a los Reyes Magos hasta Belén. La imagen representada por Giotto tiene forma de cometa (con su cabeza y cola), y ha dominado la idea colectiva que todos tenemos acerca de este episodio bíblico.
Giotto vio el cometa Halley en su aparición de 1301 en el cielo italiano, y es muy probable que este objeto astronómico haya sido el modelo para la sobrenatural estrella de su "Adoración". Lo que Giotto no tenía forma de saber es que el cometa Halley, con su período de entre 76,5 y 79,3 años, apareció en 11 o 10 a. C., es decir, entre 4 y 7 años antes del nacimiento de Cristo. No puede asegurarse que el Halley haya inspirado el episodio de la Estrella de Belén, pero sí resulta interesante que casi con certeza, tanto la estrella del relato bíblico como la pintada por el maestro florentino sean el mismo cometa en dos apariciones separadas por trece siglos.
Por esta circunstancia, la Agencia Espacial Europea bautizó como "Misión Giotto" a la sonda que en 1986 se aproximó al cometa para estudiarlo. No es el único homenaje que Giotto recibió de las ciencias del espacio: en Mercurio (planeta poblado de accidentes geográficos con nombres de artistas) se encuentra un cráter que ha sido bautizado en su honor.

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Jacopo Sansovino (Italia)

90. Jacopo Sansovino (Italia)

Jacopo d'Antonio Sansovino (Florencia, 2 de julio de 1486 - Venecia, 27 de noviembre de 1570) fue un arquitecto y escultor renacentista italiano, conocido sobre todo por sus obras alrededor de la Plaza de San Marcos en Venecia. Andrea Palladio, en el Prefacio de sus Quattro Libri opinaba que la... Ver mas
Jacopo d'Antonio Sansovino (Florencia, 2 de julio de 1486 - Venecia, 27 de noviembre de 1570) fue un arquitecto y escultor renacentista italiano, conocido sobre todo por sus obras alrededor de la Plaza de San Marcos en Venecia. Andrea Palladio, en el Prefacio de sus Quattro Libri opinaba que la Biblioteca Marciana de Sansovino era el mejor edificio erigido desde la Antigüedad. La Vita de Sansovino es la única de las escritas por Giorgio Vasari que imprimió separadamente.
Biografía[editar]
Nació en Florencia y fue alumno de Andrea Sansovino, cuyo nombre adoptó cambiando el suyo de nacimiento, Iacobo Tatti o Jacopo Tatti. En 1506 se trasladó a Roma donde se formó con Rafael y se inspiró en Miguel Ángel. En Roma llamó la atención de Bramante y de Rafael e hizo un modelo en cera de la Deposición de Cristo para que usase Perugino.
Regresó a Florencia en 1511 donde recibió encargos para esculturas en mármol de Santiago el Mayor para el Duomo y un Baco, hoy en el Bargello. Sus propuestas para esculturas que adornasen la fachada de la Basílica de San Lorenzo de Florencia, sin embargo, fueron rechazadas por Miguel Ángel, que estaba encargado del proyecto, a quien escribió una amarga carta de protesta en 1518.
Durante el periodo 1510-1517 compartió estudio con el pintor Andrea del Sarto, con quien compartió modelos. Como todos los arquitectos del siglo XVI, Sansovino dedicó considerable energía para elaborar estructuras temporales en relación con los rituales de la corte. La entrada triunfal del papa León X en Florencia en 1515 fue un punto álgido de este género.

La loggetta del Campanario de San Marcos, Venecia.

Iglesia de San Salvador (Venecia).

Biblioteca Marciana.
Posteriormente, volvió a Roma donde pasó nueve años más, hasta que el año del Saco de la misma (1527) abandonó la ciudad camino de Venecia, ciudad en la que terminó instalando su taller. Allí trasladó los modos de hacer romanos. En 1529 Sansovino fue nombrado primer arquitecto y superintendente de propiedades (Protomaestro o Proto) de los Procuradores de San Marcos, haciendo de él uno de los más influyentes artistas de Venecia. El nombramiento conllevaba un salario de 80 ducados y un apartamento cerca del campanario de San Marcos. En un año, su salario alcanzó los 180 ducados al año.1 Dicha posición le permitió actuar en la configuración de los alrededores de la Plaza de San Marcos, específicamente la zona en torno a la Zecca (la Ceca pública), la muy decorada Loggetta y sus esculturas junto al Campanario, y varias estatuas y relieves para la Basílica de San Marcos. También ayudó a construir y reconstruir una serie de edificios, iglesias, palacios, y edificios institucionales que incluían las iglesias de San Zulian, San Francesco della Vigna, San Martino, San Geminiano (hoy destruida), Santo Spirito in Isola, la iglesia de los Incurabili y la iglesia de San Salvador. Entre los palacios y edificios están la Scuola Grande della Misericordia (primeros planos), Ca' de Dio, Palacio Delfín, Palacio Corner, Palacio Moro, y las Fabbriche Nuove de Rialto.2
Mantuvo su privilegio como arquitecto de la ciudad hasta su muerte, marcando la influencia artística de la época en la arquitectura y escultura.
Su obra maestra es la Biblioteca de San Marcos, la Biblioteca Marciana, una de las estructuras renacentistas de Venecia más ricamente ornamentadas, que está enfrente del palacio de los Dogos, al otro lado de la piazzeta. La construcción se demoró durante cincuenta años, y costó más de 30.000 ducados.3 En ella logró hacer que el lenguaje arquitectónico del clasicismo, tradicionalmente asociado con la severidad y el comedimiento, fuese del gusto de los venecianos, con su amor por la decoración de superficies. Esto abrió el camino a la graciosa arquitectura de Andrea Palladio.
Murió en Venecia y su sepulcro está en el Baptisterio de la Basílica de San Marcos. Su seguidor más importante en el campo de la escultura fue Alessandro Vittoria.

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Pellegrino Tibaldi (Italia)

91. Pellegrino Tibaldi (Italia)

Pellegrino Tibaldi, también llamado Il Pellegrini, (Puria, Valsolda, 1527 - Milán, 1596) fue un pintor y arquitecto italiano que también trabajó en España. Formación en Bolonia[editar] Se forma en Bolonia, como pintor en la escuela de Bagnacavallo y como arquitecto en un ambiente en el que... Ver mas
Pellegrino Tibaldi, también llamado Il Pellegrini, (Puria, Valsolda, 1527 - Milán, 1596) fue un pintor y arquitecto italiano que también trabajó en España.
Formación en Bolonia[editar]
Se forma en Bolonia, como pintor en la escuela de Bagnacavallo y como arquitecto en un ambiente en el que dominan las ideas novedosas de Giulio Romano y de Sebastiano Serlio.
Roma[editar]

Fachada del Collegio Borromeo en Pavía.
Sin embargo, será fundamental para su personalidad artística la estancia en Roma entre 1547 y 1549, cuando conocerá la obra de Miguel Ángel y de otros artistas del Manierismo como Perin del Vaga. La influencia de estos se hace evidente ya en sus primeras obras, como la decoración del apartamento de Pablo III en el Castillo de Sant'Angelo.
Su asimilación del estilo miguelangelesco caracteriza las obras posteriores a su etapa boloñesa: así, los frescos sobre Ulises en el Palacio Poggi (1549) o los que realizó sobre 1555 en la capilla de los Poggi en San Giacomo Maggiore. Como arquitecto, algunos le atribuyen la obra del palacio y la capilla de los Poggi. Trabajó también como ingeniero militar en Ancona y Rávena.
Lombardía[editar]
Posteriormente se trasladó a Lombardía, donde recibió importantes encargos de Carlos Borromeo: el Colegio Borromeo de Pavía (1564) y, ya en Milán, el patio de la Canónica de los Ordinarios de la Catedral (1565), la iglesia de San Fedele (1569), prototipo de las iglesias contrarreformistas lombardas, el templo octagonal de San Carlos al Lazzaretto (1576-1592) y la iglesia de San Sebastián (1577).
Otras obras suyas de este momento son la Basílica de San Gaudenzio en Novara, 1577; la fachada de la Madonna dei Miracoli en Saronno, 1583 y el santuario de Rho, 1584). En todas ellas Tibaldi acentúa los caracteres de una arquitectura intelectual que modifica con mesurada libertad los modelos clásicos. Por decirlo con palabras de Giorgio Vasari emplea una "licenza... ordinata nella regola" ("licencia... ordenada de la regla"). Su arquitectura se distingue profundamente de la de sus contemporáneos, como por ejemplo, de la de Vignola, incluso en la aplicación del esquema de iglesia contrarreformista (así, contrasta el experimentalismo de la iglesia de San Fedele de Tibaldi comparada con el Gesù romano de Vignola).
En Milán también construyó edificios civiles, como el Palacio Erba-Odescalchi o el Palacio Spinola. Suyo es el diseño del Palacio de Prospero Visconti, aunque no dirigió su construcción. Nombrado arquitecto del Duomo de Milán, realizó numerosos trabajos para el templo, entre otras el baptisterio, 1567).
El Escorial[editar]
Reclamado como pintor por el rey Felipe II, Tibaldi lleva a cabo en España una importante obra en el Monasterio de El Escorial, pintando los frescos del claustro y de la biblioteca (1588-1595).

Biblioteca de El Escorial



«Salomón y la Reina de Saba», Biblioteca


«Presentación de la Virgen en el Templo», claustro


«Los desposorios de la Virgen», claustro


«Jesús ante los doctores», claustro
Milán[editar]
Los últimos años de su vida los pasó de nuevo en Milán, para cuya catedral proyectó una fachada monumental caracterizada por el orden gigante de las columnas, dos campanarios y un coronamiento de estatuas y obeliscos que nunca se llegó a construir.

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Domenico Fontana (Italia)

92. Domenico Fontana (Italia)

Biografía[editar] Nació en Melide, en el Ticino, cerca del Lago de Lugano, territorio actualmente perteneciente a Suiza. Viajó a Roma, antes de la muerte de Miguel Ángel (1564), donde realizó profundos estudios de la arquitectura antigua y de la época, y se convierte en confidente del cardenal... Ver mas
Biografía[editar]
Nació en Melide, en el Ticino, cerca del Lago de Lugano, territorio actualmente perteneciente a Suiza. Viajó a Roma, antes de la muerte de Miguel Ángel (1564), donde realizó profundos estudios de la arquitectura antigua y de la época, y se convierte en confidente del cardenal Montalto, que en 1585 sería elegido Papa con el nombre de Sixto V. Este le encarga en 1584 la construcción de una Capilla Sixtina en la Basilica di Santa Maria Maggiore, que no debe ser confundida con la homónima del Vaticano.
Para el mismo cardenal, Fontana construye el Palazzo Montalto, cerca de la basílica. Después de su nombramiento como papa, Sixto V lo nombra arquitecto de la Basílica de San Pedro. En ese cargo, agrega la linterna de la cúpula y propone la prolongación del interior en una nave bien definida.

Re erección del obelisco en la Plaza de San Pedro, 1586.

San Juan de Letrán.

Palacio Real de Nápoles.

Sepulcro de Fontana en la Iglesia de Sant'Anna dei Lombardi, Nápoles.
De mayor importancia son las modificaciones que realiza en la Basílica de San Juan de Letrán (1586), donde agrega en la galería de la fachada norte una arcada doble de gran amplitud, y el pórtico de dos pisos de la "Escalera santa". Esta predilección por las arcadas constituye una característica fundamental de la arquitectura de Fontana, quien junto con su hermano Juan, traslada también al diseño de fuentes, en especial la Fontana dell'Acqua Paola, o la Fontana di Termini.
Entre sus diseños vernáculos, su estilo muy estricto, con influencias de la escuela de Vignola, puede ejemplificarse en obras como el Palacio de Letrán, comenzado en 1586.
Fontana también diseñó los brazos transversales que separan los patios del Vaticano. En 1586 erigió el obelisco de 327 toneladas en la Plaza de San Pedro. Esta prueba de ingeniería significó el esfuerzo de 900 hombres, 75 caballos, innumerables poleas y centenares de metros de cuerda.1
Fontana también utilizó sus conocimientos de estática, que lo hicieron famoso en su época, para la erección de otros tres antiguos obeliscos, en la Piazza del Popolo, Plaza de Santa María la mayor y Plaza de San Juan de Letrán, respectivamente.
Después de la muerte de Sixto V, continúó por algún tiempo prestando servicios para su sucesor, Clemente VIII. Sin embargo, en 1592 por insatisfacción con su estilo, envidias, y acusaciones de malversación de fondos públicos, se vio obligado a mudarse a Nápoles, donde estuvo al servicio del virrey español Conde de Miranda, ocupado en obras de gran importancia urbanística y de ingeniería, como los "Regi Lagni" (obra hidráulica de canales a Norte de Nápoles) y la red hídrica de la ciudad.
Las comisiones de mayor prestigio fueron el proyecto del nuevo Palacio Real, cuya construcción fue comenzada en 1600, la edificación del Palazzo Carafa della Spina y la realización de la Fontana del Nettuno (Fuente de Neptuno). Además fue encargado de la sistematización de los puertos de Nápoles y Bari y del trazado de las calles Chiaia y Santa Lucia.
En la arquitectura religiosa, reelaboró el Complejo de Jesús y Maria (con la construcción de la iglesia homónima), proyectó la ermita de los Camaldulenses, la iglesia de Santa Maria de la Estrella, la decoración escultórica de la Catedral y la cúpula de la Basílica de la Santísima Anunciada Mayor.
Al término del siglo XVI, durante las obras de construcción del canal entre el río Sarno y Torre del Greco, encontró numerosos vestigios de época romana: sin saberlo, había abierto una brecha en el corazón de la antigua Pompeya, ciento cincuenta años antes de las primeras excavaciones.
En 1606 participó en el concurso para la fachada de la Basílica de San Pedro, luego ganado por su connacional Carlo Maderno.
Fue enterrado en la iglesia napolitana de Sant'Anna dei Lombardi, en la capilla diseñada por él mismo.
Obras en Roma[editar]
Villa Montalto - Massimo, llamada también Villa Perretti (1570).
Sistematización de San Luis de los franceses (1589).
Fuente dell'Acqua Felice o de Moisés (1587).
Palazzo de Letrán con la Loggia delle Benedizioni - Scala Santa al Letrán (1586-1588).
Los palacios papales en el Vaticano (1587).
Erección de los obeliscos de: Plaza de San Pedro, Plaza del Pueblo, Plaza de San Juan y Plazoleta Esquilino.
Sistematización de las columnas: Columna de Trajano y Columna de Marco Aurelio.
Capilla Sixtina en la Basílica de Santa Maria la mayor.
Palacio del Quirinal (parte sobre la Piazza Montecavallo).
Construcción de la Via Felice con el cruce de las Quattro Fontane.
Obras en Nápoles[editar]
Recualificación urbana de la ciudad.
Palacio Real.
Complejo de Jesús y Maria (reelaboración).
Iglesia de Jesús y Maria.
Complejo de la Ermita de los Camaldulenses.
Iglesia de Santa Maria de la Estrella.
Fuente de Neptuno (dibujo).
Esculturas en la Catedral.
Palazzo Carafa della Spina.
Cúpula de la Basílica de la Santísima Anunciada Mayor.
"Regi Lagni", obra hidráulica de canales a Norte de Nápoles.
Otras obras[editar]
Villa Sforzesca, en los alrededores de Castell'Azzara (Grosseto) (1576).

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Pietro da Cortona (Italia)

93. Pietro da Cortona (Italia)

Pietro da Cortona, cuyo auténtico nombre era Pietro Berettini (*Cortona, 1 de noviembre de 1596 – †Roma, 16 de mayo de 1669) fue un pintor y arquitecto italiano. Pietro de Cortona pertenece al período inicial del Barroco. Es conocido fundamentalmente por su trabajo en el terreno de los frescos... Ver mas
Pietro da Cortona, cuyo auténtico nombre era Pietro Berettini (*Cortona, 1 de noviembre de 1596 – †Roma, 16 de mayo de 1669) fue un pintor y arquitecto italiano.
Pietro de Cortona pertenece al período inicial del Barroco. Es conocido fundamentalmente por su trabajo en el terreno de los frescos decorativos y de la pintura. Durante el pontificado de Urbano VIII (de quien hizo un retrato), fue uno de los principales artistas establecidos en Roma, junto a Bernini y Borromini. Se puede decir que representa el máximo exponente del arte decorativo del Barroco pleno, haciendo olvidar a artistas anteriores como Giovanni da San Giovanni y oscureciendo a competidores como Giovanni Lanfranco.
Biografía[editar]
Pietro Berrettini fue discípulo del florentino Andrea Commodi hasta 1611, fecha en la que pasó al taller de Baccio Carpi. Se establece en Roma en 1612 y estudia y copia a los grandes maestros (Rafael, Annibale Carracci).
Empieza su carrera al servicio de la familia Sacchetti quien le confía en 1623 las obras de la villa de Pigneto.
En 1624 decora el Palazzo Mattei con El sacrificio de Polissena y El triunfo de Baco (hoy en la Pinacoteca Capitolina de Roma). En el palacio Sacchetti conoce al caballero Marin y al cardenal Barberini, que se convierte en su protector. Gracias a él consiguió su primer gran encargo de pintura, el ciclo de frescos decorativos de Santa Bibiana en Roma (1624-1626), cuya fachada es obra de Bernini. El éxito obtenido le abre una carrera activa: en 1629 pinta El rapto de las sabinas que se convierte en el manifiesto de la pintura barroca romana.
En 1633-1639, lleva a cabo por encargo del papa Urbano VIII (Maffeo Barberini) su fresco más famoso: Alegoría de la Divina Providencia (conocida como Gloria de los Barberini), que se encuentra en el techo del gran salón del Palacio de los Barberini, en Roma. Se trata de una alegoría de la Providencia y del poder divino de los Barberini. Este gran fresco tiene mucho movimiento, cuenta con muchos personajes vistos desde un contrapicado extremado (de abajo hacia arriba), que caracteriza sus efectos ilusionistas. Se considera la obra cumbre del Barroco romano de este siglo.
Entre 1637 y 1647 decoró numerosas salas del Palacio Pitti de Florencia. En este trabajo contó como discípulo con Pierre Puget. En sus últimos años de vida decoró la Galería de Eneas en el Palacio Pamphili de la Piazza Navona (actual sede de la Embajada de Brasil) y las bóvedas de la nueva iglesia de los Filipenses en Roma.
Se convertirá en príncipe de la Academia de San Lucas.
Obra[editar]
Proyectos arquitectónicos más conocidos[editar]

San Lucas y Santa Martina. Cúpula de Pietro da Cortona.
Una de las mayores consecuciones arquitectónicas del Barroco es la Iglesia de San Lucas y Santa Martina cerca del Foro (1635-1650). Para la forma de cruz griega de esta iglesia tomó como punto de referencia la planta circular de Miguel Ángel en la Basílica de San Lorenzo de Florencia. Acentuó el espacio central, apeando la cúpula sobre columnas enteras, de modo que las capillas posteriores forman divisiones radiales, dejando un deambulatorio continuo. También es obra suya el notable embellecimiento del exterior de Santa Maria della Pace (1656-1667) su obra más completa por su ambientación en un entorno medieval, en la que colaboró con Carlo Fontana, y la fachada de Santa Maria in Vía Lata (hacia 1660) en cuyo pórtico realizó una disposición semejante a la de San Andrés en el Quirinal de Bernini y San Carlos al Corso (1668).
Pietro da Cortona es el autor de los planos de Castel Gandolfo tal y como lo conocemos hoy. De entre sus obras de carácter civil sólo se pueden apreciar los restos de la villa de Pigneto, que edificó cerca de Ostia en 1630 para el cardenal Barberini y el Casino al Pigneto del Marchese Sacchetti.
Láminas de anatomía[editar]
Antes de alcanzar fama como arquitecto, Pietro dibujó láminas anatómicas que no se publicarían hasta un siglo después de su muerte en el año 1741. Las láminas de Tabulae anatomicae (Tablas de anatomía) fueron elaboradas con toda seguridad hacia 1618. Las poses dramáticas y finamente estudiadas se encuentran en el estilo de otros artistas de este tipo del Renacimiento y del Barroco, pero son especialmente expresivas.
Obras características[editar]

Santa Maria della Pace, Roma.

Retrato de Urbano VIII
El triunfo de Baco, 1624, Museos Capitolinos, Roma
Paisaje con puente, 1625, Museos Capitolinos, Roma
El rapto de las sabinas, 1629, Museos Capitolinos, Roma
El triunfo de la Divina Providencia, 1633-1639, palacio Barberini, Roma
Venus cazadora se aparece a Eneas, 1630-1635, Museo del Louvre, París
Las cuatro edades de la humanidad, 1637-1641, palacio Pitti, Florencia
Rómulo y Remo recogidos por Fáustulus, 1643, Museo del Louvre, París
Cúpula de la iglesia de Santa María in Vallicella, llamada la Chiesa Nuova, 1648-1651, Roma
La historia de Eneas, 1651-1654, palacio Doria, Roma
La Asunción de la Virgen, 1655-1660, Chiesa Nuova, Roma
La Natividad, h. 1656, pintada sobre venturina, Museo del Prado, Madrid
La visión de san Felipe Neri durante la construcción de la iglesia, 1664-1665, Chiesa Nuova, Roma
San Carlos llevando el santo clavo entre los apestados, 1667, iglesia de San Carlos ai Catinari, Roma

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Giacomo Della Porta )Italia)

94. Giacomo Della Porta )Italia)

Giacomo della Porta (c. 1540 -Roma, 1602) fue un escultor y arquitecto italiano que trabajó en muchos edificios importantes en Roma, incluyendo la Basílica de San Pedro en el Vaticano. Biografía[editar] Della Porta nació en Porlezza, Lombardía. Colaborador de Miguel Ángel y alumno de Vignola... Ver mas
Giacomo della Porta (c. 1540 -Roma, 1602) fue un escultor y arquitecto italiano que trabajó en muchos edificios importantes en Roma, incluyendo la Basílica de San Pedro en el Vaticano.
Biografía[editar]
Della Porta nació en Porlezza, Lombardía. Colaborador de Miguel Ángel y alumno de Vignola, fue influenciado por ambos maestros. Después de 1563 trabajó sobre los planos de Miguel Ángel para la reconstrucción de los espacios abiertos de la capital: en la colina del Capitolio intervino en el diseño de la fachada y las escalinatas del Palacio senatorial.
Tras la muerte de Vignola en 1573, continuó la construcción de la Iglesia del Gesù, y en 1584 modificó su fachada con su propio diseño. Desde 1573 lideró la reconstrucción de la Basílica de San Pedro, y posteriormente, en colaboración con Domenico Fontana, completó la cúpula (1588-1590).
Della Porta completó la mayoría de las fuentes romanas del siglo XVI, incluyendo las de Neptuno y del Moro.
Principales obras[editar]
Oratorio del Santísimo Crucifijo (1562-1568)
Iglesia del Gesù (1571-1575)
Fuentes en el Palacio Borghese (1573)
Fuentes en la Plaza Colonna (1574)
Pequeña fuente en Piazza Navona (1574)
Una fuente en el Piazza della Rotonda
Palacio de los senadores del Capitolio (1573-1602)
Palazzo della Sapienza (1578-1602)
Palazzo Capizucchi (1580)
Santa Maria dei Monti (1580)
Sant'Atanasio dei Greci (1581)
Fachada de San Luis de los Franceses (1589)
Fuente de las tortugas (1584)
Santa Maria Scala Coeli
Palazzo Marescotti (1585)
Palazzo Serlupi (1585)
Trinità dei Monti (1586)
Fontana de la Piazza alli Monti (1589)
Cúpula de la Basílica de San Pedro (1588-90)
Fuentes en la Piazza di Santa Maria in Campitelli (1589)
Fuentes en Santi Venanzio e Ansovino (1589)
Fontana della Terrina (1590)
Escultura de Cristo entregando las llaves a san Pedro (1594), altar de la capilla San Pedro, Basílica de Santa Pudenciana.
Palazzo Fani (1598)
San Paolo alle Tre Fontane (1599).
San Nicola in Carcere (1599).
Palazzo Albertoni Spinola (1600).
Villa Aldobrandini, (1600-02) en Frascati.
Cappella Aldobrandini (1600-02) en Santa Maria sopra Minerva

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Francesco Sabatini (Italia)

95. Francesco Sabatini (Italia)

Francesco Sabatini (n. Palermo; 1722 — f. Madrid; 19 de diciembre de 1797), conocido también como Francisco Sabatini, fue un arquitecto italiano que desarrolló la mayor parte de su trayectoria profesional en España al servicio de la Casa Real. Su estilo, que ha sido calificado de barroco... Ver mas
Francesco Sabatini (n. Palermo; 1722 — f. Madrid; 19 de diciembre de 1797), conocido también como Francisco Sabatini, fue un arquitecto italiano que desarrolló la mayor parte de su trayectoria profesional en España al servicio de la Casa Real.
Su estilo, que ha sido calificado de barroco clasicista cosmopolita, y que responde a su aprendizaje en Roma con Ferdinando Fuga y Luigi Vanvitelli,1 es identificable con la transición entre la arquitectura barroca y la neoclásica. Tiene un fuerte componente clasicista que, no obstante su interés por el estudio de las ruinas romanas, es más próximo a la arquitectura del renacimiento que a los rasgos puros del periodo posterior (representado por Juan de Villanueva).
Biografía[editar]
Natural de Palermo (en Sicilia, entonces parte del reino de Nápoles y Sicilia), estudió Arquitectura en Roma. Sus primeros contactos con la monarquía española se remontaban a su participación bajo la dirección de su suegro, Luigi Vanvitelli, en la construcción del Palacio Real de Caserta para el rey de Nápoles, Carlos VII, el futuro rey Carlos III de España. Entre 1745 y 1750 levantó la planimetría de las ruinas y templos de Paestum en el proyecto de investigación arqueológica dirigido por el conde Gazzola.
Al subir Carlos III al trono español, lo llamó a Madrid en 1760 y lo encumbró por encima de los arquitectos españoles más destacados de la época. Se le nombró Maestro Mayor de las Obras Reales, con rango de teniente coronel del Cuerpo de Ingenieros, a la vez que se le designaba como académico honorífico de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.
Su talento como arquitecto y el favor que le profesaba el rey le reportaron numerosos trabajos y encargos. Su trayectoria profesional se vio premiada en repetidas ocasiones. Fue ascendido a teniente general del Cuerpo de Ingenieros, se le otorgó hábito de caballero de la Orden de Santiago, y tuvo acceso directo al círculo de confianza del rey tras su designación como gentilhombre de cámara.
Obras[editar]
Madrid[editar]
Véase también: Arquitectura de Madrid
Entre sus numerosas obras destacan, en Madrid:
Sustituye a Sacchetti en las obras del Palacio Real de Madrid hasta su conclusión (1760-1764).
Realiza las Instrucciones de alcantarillado, empedrado y limpieza de la corte (1761-1765) para el adecentamiento de la ciudad de Madrid.
Construye la Real Casa de la Aduana en la calle de Alcalá (1761-1769), actual sede del Ministerio de Hacienda.
Realiza junto con Francisco Gutiérrez los sepulcros de Fernando VI y Bárbara de Braganza, que se encuentran ubicados en la iglesia de las Salesas Reales.
Construye el Convento de San Pascual de Aranjuez (1765-1770).
Dirige las obras de remodelación de la Cuesta de San Vicente (1767-1777).
Comienza la prolongación del ala sureste del Palacio Real (1772).
Reedifica el monasterio de las Comendadoras de Santiago (1773).
Proyecta y construye la Puerta de Alcalá (1774-1778).
Proyecta y construye la traza primitiva y la Puerta Real del Real Jardín Botánico de Madrid (1774–1781).
Construye la Puerta de San Vicente (1775).
Construye la Casa de los Secretarios de Estado y del Despacho (calle de Bailén, al noreste del Palacio Real), también conocida como Palacio del Marqués de Grimaldi y Palacio de Godoy (1776).
Continúa las obras (que había iniciado José de Hermosilla durante el reinado de Fernando VI) del Hospital General, un enorme edificio en la zona de Atocha, parte del cual ocupan hoy el Centro de Arte Reina Sofía, el Conservatorio y el Colegio de Médicos (1776-1781).
Finaliza la construcción de la Real Basílica de San Francisco el Grande (1776-1784). Su trabajo se centró en la fachada, pues la gran cúpula de Francisco Cabezas y Antonio Plo se había concluido en 1770.
Construye el convento de franciscanos de San Gil en el Prado de Leganitos (1786-1797), transformado poco tiempo después en Cuartel de Leganitos por Manuel Martín Rodríguez.
Cambia la orientación de la escalera principal del Palacio Real por deseo de Carlos IV.
Participa en las obras de reconstrucción de la plaza Mayor tras el incendio de 1790, junto a Juan de Villanueva.
Diversas obras en la Casa de Campo, entre ellas el Puente de la Culebra.

Retablo de la Virgen de la Paz o retablo del altar mayor de la catedral de Segovia.
Como nota de interés, hay que decir que los Jardines de Sabatini (situados frente a la fachada norte del Palacio Real de Madrid, entre la calle Bailén y la cuesta de San Vicente) no fueron diseñados por él, sino que fueron creados en los años treinta del siglo XX en el lugar que ocupaban las caballerizas construidas por Sabatini para servicio del palacio.
Fuera de la Corte[editar]
Fuera de la corte:
La Real Fábrica de Armas de Toledo.
El cuartel de la Guardia Valona en la localidad madrileña de Leganés (actualmente parte de la Universidad Carlos III de Madrid).
El Real Monasterio de San Joaquín y Santa Ana (Valladolid).
El Convento de las Comendadoras de Santiago (Granada).
La Capilla de la Inmaculada en la Catedral del Burgo de Osma, también llamada de Palafox.
El Retablo de la Virgen de la Paz o retablo del altar mayor de la catedral de Segovia, en el último tercio del siglo XVIII (ya finalizado en 1775).

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Mario Palanti (Italia)

96. Mario Palanti (Italia)

Mario Palanti (Milán, 1885 - Milán, 1978) fue un arquitecto y pintor italiano. Comenzó su formación artística en 1905 cuando estudió pintura en la Academia de Brera, para después graduarse de arquitecto en la Escuela de Arquitectura del Politécnico de Milán. Llegado a la Argentina en 1909... Ver mas
Mario Palanti (Milán, 1885 - Milán, 1978) fue un arquitecto y pintor italiano. Comenzó su formación artística en 1905 cuando estudió pintura en la Academia de Brera, para después graduarse de arquitecto en la Escuela de Arquitectura del Politécnico de Milán.
Llegado a la Argentina en 1909, trabajó primero en el estudio de Arturo Prins y Oskar Razenhofer, para los cuales colaboró por ejemplo en el diseño de la nueva sede de la Facultad de Derecho, un icónico edificio del estilo neogótico. Entre sus primeros trabajos independientes se destacan por su singular decoración dos cercanos edificios, ambos en la Avenida Rivadavia y construidos en 1914: uno, por los dos atlantes que sostienen los balcones del segundo piso, y el otro por su fachada conformada por tres robustos arcos de cuatro pisos de altura. Entre sus obras más importantes figura la construcción del Palacio Barolo, en la Ciudad de Buenos Aires y su edificio gemelo, el Palacio Salvo en la ciudad de Montevideo.
Entre otros trabajos se destacan el Hotel Castelar en la Avenida de Mayo, el edificio residencial de Avenida Santa Fe y Callao, el concesionario de Resta Hermanos con pista de pruebas en la azotea en la Avenida Figueroa Alcorta (transformado en edificio residencial por MSGSSS) y la casa matriz en Buenos Aires del Banco Francés e Italiano para la América del Sur (luego Banco Sudameris, actual Banco Patagonia).
Obras destacadas[editar]
1914: Edificio de los Atlantes. Avenida Rivadavia 1916, Buenos Aires.
1914: Edificio de viviendas, propiedad de Bernardo Vila. Avenida Rivadavia 2625, Buenos Aires.
1914: Cine Presidente Roca. Avenida Rivadavia 3736, Buenos Aires. (Demolido)
1915: Chalet propiedad de Alberto Grimoldi. Avenida Rivadavia 5050, Buenos Aires. (Demolido)
1919/23: Palacio Barolo, propiedad de Luis Barolo. Avenida de Mayo de 1370, Buenos Aires.
1919/24: Edificio de viviendas, propiedad de Juan Uboldi. Avenida Rivadavia 2460, Buenos Aires.
1919/24; Palacio Comercial, propiedad de Emilio Valsechi. San José esq. Adolfo Alsina, Buenos Aires.
1919/24: Casa Matriz del Banco Francés e Italiano para la América del Sur. Teniente General Perón esq. San Martín, Buenos Aires.
1920: Edificio de viviendas, propiedad de Andrés Rocatagliata. Avenida Santa Fe esq. Avenida Callao, Buenos Aires.
1921: Edificio de viviendas, propiedad de Andrés Rocatagliata. Avenida Santa Fe 1769/71, Buenos Aires.
1922: Residencia particular. Eduardo Costa 3079/99, Buenos Aires. (Asociado: Alguier)
1922: Palacio Salvo, propiedad de los hermanos Salvo. Avenida 18 de Julio entre Plaza Independencia y Andes, Montevideo.
1927: Tienda London París entre calles Av. 18 de Julio, Zorrilla de San Martín y Rincón. Paysandú, Uruguay
1927: Palacio Automotor, propiedad de Resta Hermanos. Avenida Figueroa Alcorta 3351, Buenos Aires.
1927/8: Hotel Excelsior (actualmente Castelar Hotel). Avenida de Mayo 1142, Buenos Aires.

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Iñigo Jones (Gran Bretaña)

97. Iñigo Jones (Gran Bretaña)

Biografía[editar] Nacido en el barrio londinense de Smithfield, Íñigo Jones era hijo de un alfayate católico galés y fue bautizado en la Iglesia de San Bartolomé el Menor. Estos son los pocos datos que se conocen de sus primeros años. A finales del siglo XVI, Jones fue uno de los primeros... Ver mas
Biografía[editar]
Nacido en el barrio londinense de Smithfield, Íñigo Jones era hijo de un alfayate católico galés y fue bautizado en la Iglesia de San Bartolomé el Menor. Estos son los pocos datos que se conocen de sus primeros años.
A finales del siglo XVI, Jones fue uno de los primeros ingleses en estudiar Arquitectura en Italia, haciendo dos viajes a ese país. El primero (c. 1598-1603) fue posiblemente patrocinado por Roger Manners, V conde de Rutland. El segundo (1613-1614) lo hizo en compañía del conde de Arundel. Él pudo haber estado también en 1606 en Italia y por contactos con el embajador Henry Wotton, adquirió una copia de las obras de Andrea Palladio con anotaciones (según lo referido por el propio Wotton en el estudio Wotton And His Worlds de 2004 por Gerald Curzon). Estos viajes, junto al interés por estos tratados puede ser el punto de unión entre Jones y Palladio. La obra de Jones se vio particularmente influida por el maestro véneto. Siguió los pasos de Palladio y se guio por los principios descritos por el tratadista romano Marco Vitruvio, en la Antigüedad.
Como aparejador oficial del rey Carlos I de Inglaterra, Jones trabajó para la reina Enriqueta María de Francia en el diseño de una capilla católica en el Palacio de Somerset (hecho que levantó las sospechas del sector protestante de la corte). Su carrera definitivamente se vino abajo con el advenimiento de la Guerra Civil Inglesa en 1642 y la toma del Palacio Real en 1643. Posteriormente sus propiedades requisadas en el conflicto le fueron devueltas (c. 1646). Jones pasó sus últimos años en el Palacio de Somerset y fue enterrado en la Iglesia de St Benet Paul's Wharf en Londres. John Denham y después Christopher Wren le sucedieron en el cargo de aparejador real.
Obra arquitectónica[editar]

Queen's House en Greenwich.
Los dos edificios más significativos de la obra de Jones son la Queen's House en Greenwich (Londres) (comenzada en 1616, su obra más temprana aún en pie) y la Banqueting House (Casa de Banquetes) del Palacio de Whitehall (1619) – como parte de la modernización de este palacio londinense– , y cuyos techos fueron pintados por Peter Paul Rubens.
La Casa de Banquetes fue uno de los muchos proyectos que realizó en colaboración con su asistente personal y yerno John Webb.
Otro proyecto en los que Jones estuvo involucrado fue el diseño de Covent Garden. Fue encargado por Francis Russell, IV conde de Bedford para construir una plaza residencial siguiendo las líneas de las piazzas italianas.1 El aristócrata se vio obligado a proveer a la plaza de una iglesia por lo que tendría que economizar y sólo permitía a Jones levantar un edificio de establos. Jones, ante esta exigencia, contestó que haría el "establo más bello de Europa". Los restos de la iglesia original aún se conservan actualmente en la parte oriental de la plaza.
Su obra supuso una gran influencia en los arquitectos del siglo XVIII, en especial para el Palladianismo inglés.
Escenografía[editar]
Compaginando su faceta de arquitecto, Íñigo Jones también tuvo un papel importante en el campo de la escenografía. Diseñó el vestuario para las mascaradas escritas por Ben Jonson, y son conocidos sus debates sobre si la escenografía o la literatura eran lo más importante para el Teatro. Jones triunfó en este ámbito por su introducción de los escenarios movibles y el clásico proscenio del Teatro inglés.

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John Nash (Gran Bretaña)

98. John Nash (Gran Bretaña)

John Nash (Lambeth, 18 de enero de 1752 – Cowes, 13 de mayo de 1835) fue un arquitecto inglés, conocido por ser el encargado de desarrollar el urbanismo de la ciudad de Londres durante la época del Rey Jorge V. Era hijo de un diseñador de molinos galés de la zona de Lambeth. Nash comenzó a... Ver mas
John Nash (Lambeth, 18 de enero de 1752 – Cowes, 13 de mayo de 1835) fue un arquitecto inglés, conocido por ser el encargado de desarrollar el urbanismo de la ciudad de Londres durante la época del Rey Jorge V.
Era hijo de un diseñador de molinos galés de la zona de Lambeth. Nash comenzó a trabajar con el arquitecto Robert Taylor, pero sus inicios en la arquitectura fueron breves y sin ningún éxito. Más tarde, tras heredar una importante fortuna, se retiró a vivir en Gales, donde terminaría dilapidando gran parte de su fortuna, como consecuencia de sus malas inversiones y declarándose en ruina en 1783. Esto forzó su regreso al trabajo como arquitecto, centrándose inicialmente en el diseño de casas. En una época influenciado por las ideas del paisajista Humphry Repton, terminó colaborando con él adaptando sus argumentos de diseño en sus propios edificios. En 1792 Nash se sintió capaz de volver de nuevo a trabajar en Londres.
Su obra arquitectónica más importante fue el Pabellón Real de Brighton, recreado con lenguajes arquitectónicos del pasado europeo o de otras culturas, con un espíritu que encajaba muy bien con el romanticismo de la época. También es responsable de parte del Palacio de Buckingham y del diseño inicial del Marble Arch. Diseñó también el Regent's Park en Londres, un gran parque donde a su alrededor se establecieron las terraces, primeras viviendas colectivas de lujo estilo palacete, siendo quizás la más bella Cumberland Terrace. Junto con este parque Regent Street se parcela parte del terreno de Londres y se abre una calle hasta la residencia real. Esta calle, donde también se encuentran estas terraces, era una calle de élite, y se podría decir que era una frontera entre el Londres rico y el pobre.

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Charles Percier (Francia)

99. Charles Percier (Francia)

Charles Percier (París, 22 de agosto de 1764 – París, 5 de septiembre de 1838) fue un arquitecto francés. Colaboró con su colega Pierre François Léonard Fontaine a partir del año 1794, trabajando con él en el desarrollo estilístico que culminó con el llamado Estilo Imperio. Intervino en la... Ver mas
Charles Percier (París, 22 de agosto de 1764 – París, 5 de septiembre de 1838) fue un arquitecto francés.
Colaboró con su colega Pierre François Léonard Fontaine a partir del año 1794, trabajando con él en el desarrollo estilístico que culminó con el llamado Estilo Imperio.
Intervino en la construcción de estructuras de prestigio como el Museo del Louvre, el Palacio de las Tullerías y el Arco de Triunfo del Carrusel.

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Antonio Averlino "Filarete" (Italia)

100. Antonio Averlino "Filarete" (Italia)

Trayectoria[editar] «Filarete», como es conocido universalmente, nació probablemente en Florencia y comenzó su carrera artística en la misma ciudad, seguramente en el taller de Lorenzo Ghiberti. El papa Eugenio IV le hizo su primer encargo como escultor, que le llevaría doce años: las puertas... Ver mas
Trayectoria[editar]
«Filarete», como es conocido universalmente, nació probablemente en Florencia y comenzó su carrera artística en la misma ciudad, seguramente en el taller de Lorenzo Ghiberti. El papa Eugenio IV le hizo su primer encargo como escultor, que le llevaría doce años: las puertas centrales de bronce para la Basílica de San Pedro. Lo llevó a cabo entre los años 1433 y 1445; en esta obra Filarete esperaba rivalizar con las grandes puertas de bronce de Ghiberti para el baptisterio de la catedral de Florencia. En el siglo siguiente, las puertas de Filarete se conservaron cuando se demolió la vieja basílica de San Pedro y se reinstalaron en la nueva.
Luego, recibiría encargos para mansiones en Florencia (1448) y Venecia de parte de personajes tan renombrados como Pedro de Cosme de Médici.
Dejó Roma para trabajar para Francesco Sforza en Milán. Allí construyó el Ospedale Maggiore (alrededor de 1456), que fue planeado racionalmente como una cruz dentro de un cuadrado, con la iglesia del hospital, de planta central, en el centro del plano. Las secciones originales que han sobrevivido de la estructura, muy reformada, muestran el detalle gótico de las tradiciones artesanales del Quattrocento milanés chocando con el diseño de Filarete all' antica (Murray 1963). También trabajó en el Castillo Sforzesco, y en la catedral de Milán.

Autorretrato en una medalla.
Filarete fue decisivo en el proyecto urbanístico desarrollado en Milán, plan que buscaba modificar el carácter medieval de dicha ciudad. Dicho plan y su muy signficativo Trattato d'architettura (Tratado de arquitectura), en 25 volúmenes, ratifican su importancia dentro de los arquitectos del Renacimiento.
Dicho Trattato d'architettura lo acabó en torno a 1465; tuvo una amplia divulgación en manuscrito. Un manuscrito profusamente ilustrado del Trattato —el Codex Magliabechiano, de hacia 1465, dedicado a Pedro de Médicis y conservado en Florencia—, sugiere que Filarete había perdido el favor en Milán poco después de completar este libro. El estilo que Filarete llamaba el «bárbaro estilo moderno», que instaba a los lectores a que abandonasen, es el estilo gótico del Norte de Italia.
Sforzinda[editar]
Gran parte de su Trattato, en el que favoreció la forma dialogada —aquí, entre el mecenas y su arquitecto— es un relato detallado de una ciudad imaginaria y en cierto modo mágica, Sforzinda, bautizada así en honor del mecenas de Filarete.

Plano de la ciudad ideal de Sforzinda, 1457.
La ciudad, que él comparaba con un cuerpo humano ideal, se inscribía dentro de una estrella de ocho puntas de muros inscritos dentro de un perfecto foso circular, el primero de muchos planos de ciudades ideales con forma de estrella que reaccionaron contra los espacios populosos e irracionales de la ciudad medieval. Ocho torres se colocan como bastiones en los puntos salientes de la estrella, y ocho puertas eran la salida de avenidas radiales, cada una de las cuales pasaba por una plaza de mercado, dedicadas a distintos géneros. Otras calles radiales tenían las iglesias parroquiales y los conventos.
Un sistema de canales conectados con el río y el mundo exterior, proporcionaba transporte para las mercancías. En el centro de Sforzinda estaba la piazza formalmente compuesta, un cuadrado doble que era un stadio de largo y medio stadio de ancho, con la catedral en su cabeza y una torre vigía. Los edificios de Sforzinda y su decorado altamente simbólico se describían detalladamente, junto con los cálculos astrológicos requeridos para la armonía, otras materias perfectamente prácticas como fortificaciones, al lado del descubrimiento de un Libro Dorado que detallaba los edificios de la Antigüedad.
Los aspectos de romance cortesano tardo-gótico de este tratado sobre la arquitectura no fueron del gusto del, más racional, siglo XVI: Giorgio Vasari despreció el tratado de Filarete como «el más ridículo y quizás el más estúpido libro que se haya escrito nunca». Sin embargo, su eco es tal que no ha podido desligarse de la Utopía de Moro.
La primera publicación del Trattato de Filarete tuvo que esperar a que el manuscrito del Codex Magliabechiano fuese editado por W. von Ottigen, en 1894.

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Benedetto da Maiano (Italia)

101. Benedetto da Maiano (Italia)

Benedetto da Maiano, de verdadero nombre Benedetto de Leonardo, natural de Maiano, lugar próximo a Florencia (1442 - 24 de mayo de 1497) fue un destacado arquitecto y escultor de la escuela florentina. Altar de Santa Fina. Su obra encaja de un modo perfecto en el tono propio de la Florencia... Ver mas
Benedetto da Maiano, de verdadero nombre Benedetto de Leonardo, natural de Maiano, lugar próximo a Florencia (1442 - 24 de mayo de 1497) fue un destacado arquitecto y escultor de la escuela florentina.

Altar de Santa Fina.
Su obra encaja de un modo perfecto en el tono propio de la Florencia del siglo XV y, sin ser el mayor de los artistas del momento, cabe ser considerado como arquetipo; su sobriedad y reserva expresiva, su neto y puro concepto de la forma, su depurada elegancia es muy florentina. Su más perfecto y equilibrado ejemplo es el Palacio Strozzi que Benedetto hizo en el corazón de la ciudad.
Trayectoria[editar]
En los primeros tiempos colaboró con su hermano Giuliano de Maiano: las primeras obras de Benedetto fueron altares y tumbas en el interior de capillas realizadas por su hermano. El altar de Santa Fina (1475) en la capital de San Gimignano; el púlpito de Santa Croce de Florencia (terminado en 1475), de curiosa disposición en su escalera que atraviesa el pilar a que va adosada. De 1476 es la tumba de San Sabino en la catedral de Faenza. La tumba de María de Aragón, comenzada por Bernardo Rossellino, para Santa Ana de los Lombardos en Nápoles fue concluida por Benedetto y en 1489 hizo el altar de Mastrogiudice en la misma iglesia. Para Santa María Novella llevó a cabo la tumba de Filippo Strozzi (1491).
Tenía por costumbre trabajar con bocetos, o modelos, ejecutados en tierra cocida. En el momento de su muerte abundaban en su taller este tipo de obras, entre ellas las realizadas para la Puerta Capuana de Nápoles, cuyas estatuas comenzó y no acabó. Sus retratos ofrecen relación con los bustos romanos antiguos, como ocurre destacadamente en el que hizo a Pietro Mellini (Museo Nazionale, Florencia), pero más característicamente florentinos y de la época son otros, de los que puede ser considerado ejemplo mayor el de Filippo Strozzi (Museo del Louvre), severo, elegante y con ese aire cortante, muy florentino; Benedetto, satisfecho de su obra,la firmó-
Como decorador, aparte de su labor en las capillas de su hermano, intervino en el Santuario de Loreto y en el Palazzo Vecchio de Florencia.
Su producción arquitectónica resplandece sobre todo en dos piezas de primer orden: el Palacio Strozzi, citado anteriormente, comenzado en 1489 y concluido después de su muerte por el Cronaca, quien hizo la magnífica cornisa; el edificio ha sido atribuido alguna vez a Giuliano da Sangallo, que influyó claramente en Benedetto; sin embargo, éste logra aquí una composición más monumental y simétrica, más equilibrada y perfectamente calculada en sus proporciones: altura y anchura, de los pisos entre sí y el acertado reparto de huecos y macizos. La otra obra es muy diferente y una de las más gráciles y bellas de todo el Quattrocento italiano: la logia de la iglesia de Santa María delle Grazie, en Arezzo, obra que partiendo de lo brunelleschiano alcanza una elegancia, un ritmo de proporciones, una exquisitez decorativa, pocas veces superada; la quebradiza finura y gracia, la casi inmaterialidad de las arquitecturas y pórticos que los pintores de la época nos ofrecen en los fondos de sus composiciones, se hacen aquí insospechada e insuperable realidad, gracias a una poco común sensibilidad poética y a una indudable sabiduría y maestría de oficio.

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Mauro Codussi (Italia)

102. Mauro Codussi (Italia)

Actividad artística[editar] Se desconoce prácticamente todo del período de aprendizaje de este artista. Se sabe que en el año 1468 se encontraba en Venecia, donde permanecerá hasta su muerte. Su carrera en la ciudad de los canales está marcada por la progresiva importancia de los proyectos... Ver mas
Actividad artística[editar]
Se desconoce prácticamente todo del período de aprendizaje de este artista. Se sabe que en el año 1468 se encontraba en Venecia, donde permanecerá hasta su muerte. Su carrera en la ciudad de los canales está marcada por la progresiva importancia de los proyectos arquitectónicos que se le encargan, lo que demuestra que su trabajo tuvo éxito y reconocimiento. Algunas de sus creaciones son hoy iconos insustituibles en el paisaje veneciano.
La Venecia de finales del siglo XV era una gran potencia en el campo de la economía, la milicia y también en las artes. Sin embargo, en lo referido a la arquitectura, se mantenía como un centro muy secundario, toda vez que el Gótico, estilo muy identificado con su imagen urbana (Palacio de los Dux, Ca' d'Oro) aún no había dejado paso a las novedades renacentistas que ya se habían impuesto en lugares como Florencia. Fue precisamente Mauro Codussi, junto a los hermanos Pietro y Tullio Lombardo, que trabajaban en Venecia en la misma época, los responsables de situar a la ciudad lagunar como un centro arquitectónico creativo en la Italia del Renacimiento.
Se ha señalado que el estilo de Codussi sigue de cerca la línea marcada por Leon Battista Alberti, artista conocido y estudiado en toda Europa ya que sus tratados teóricos (entre ellos, uno dedicado a la arquitectura, De re aedificatoria) alcanzaron gran difusión. Lo cierto es que a este influjo, indudable en ciertos aspectos (gusto por las fachadas planas, órdenes clásicos, sencillez y claridad esctructural) une Codussi ciertos elementos tomados bien de la tradición local, bien de su propia inventiva, que caracterizan y definen sus creaciones y singularizan la arquitectura renacentista veneciana. Quizá el más reconocible de estos elementos es el uso de remates semicirculares, casi siempre acompañados de aletones de perfil igualmente circular, en las fachadas de muchos de sus edificios.
Obras[editar]

Iglesia de san Michele in isola. La lisa y austera fachada de Codussi contrasta con la capilla Emiliana, añadida posteriormente.
La práctica totalidad de las obras de Mauro Codussi se sitúan en la ciudad de Venecia o en islas adyacentes. Las fechas que se citan para los edificios corresponden, salvo indicación contraria, al año de inicio de las obras.
Iglesia de san Michele in Isola (1469). Se trata de la primera gran obra encargada al artista en Venecia, y uno de los primeros edificios plenamente renacientes de la ciudad. Formaba parte de un monasterio de monjes camaldulenses situado en una isla en medio de la laguna. Codussi emplea en este edificio soluciones de gran sencillez y belleza. El interior se estructura en tres naves separadas por arcos de medio punto sostenidos por elegantes columnas. La fachada es muy novedosa, e inaugura una tipología llamada a tener mucho éxito; la simetría preside la composición, caracterizada por el almohadillado irregular del primer cuerpo, dividido en tres calles separadas por pilastras. Dos ventanas de medio punto rasgan el muro. El acceso se realiza por una portada muy clasicista, rematada por frontón triangular. El segundo cuerpo de la fachada es liso, y presenta un grácil ritmo curvilíneo por la yuxtaposición de formas derivadas del círculo (rosetón, frontón, aletones laterales) así como una rica molduración, con frisos compuestos por dobles hileras de gotas con remate liso. La arquitecura de esta fachada es tan simple y armónica que casa perfectamente con elementos tan dispares como la capella Emiliana, adosada a ella en época posterior, y la portada goticista que se abre en un lateral.
Fachada de la iglesia de san Zacarías (san Zaccaria). Se trata de un gran edificio gótico situado en el centro de la ciudad. El arquitecto Antonio Gambello inició en 1458 la imponente fachada, que fue realizada no obstante en su mayor parte por Mauro Codussi. Repite aquí el arquitecto el módulo empleado en la iglesia de san Michele, dotándolo de mayor monumentalidad (presenta 4 cuerpos) y desnudez. La decoración es austera, pero el juego de volúmenes y la disposición de los vanos, así como la presencia de semicolumnas casi exentas, ofrecen un efecto de claroscuro y movimiento muy audaces.
Campanile de san Pietro di Castello. El edificio fue la antigua catedral de Venecia. El campanario se sitúa exento respecto al templo como es usual en Italia; su diseño presenta rasgos que recuerdan el estilo Románico, revisado desde la óptica renacentista, en una auténtica lección de integración con el edificio preexistente (modificado de todos modos en fechas posteriores).

Fachada de la Scuola Grande di san Marco, en Venecia, una de las obras más destacadas de Mauro Codussi.
Palacio Vendramin-Calergi (1481). La contribución de Mauro Codussi al avance de la arquitectura civil fue muy notable. En esta mansión nobiliaria, una de las más lujosas de Venecia, el arquitecto se muestra cercano a los presupuestos del Cinquecento, que serían desarrollados después por autores como Jacopo Sansovino en edificios similares. Destaca en la fachada la superposición de órdenes y la reiteración del módulo compuesto por una ventana bífora con óculo en el remate. En este palacio murió el músico Richard Wagner en 1883.
Scuola grande di san Marco. Inmediato a la basílica de los santos Juan y Pablo (san Zanipolo en dialecto veneciano), una de las más grandes y suntuosas y primera de la Orden de los Dominicos en Venecia, se levantó el edificio de esta scuola (especie de fraternidad o cofradía dedicada a obras de caridad, entre otros menesteres). El diseño de la nueva fachada había pasado por manos de diversos arquitectos, Pietro Lombardo entre ellos, pero finalmente se hará cargo de su finalización Mauro Codussi, que inició los trabajos en 1490. El edificio era un encargo de la máxima importancia por la relevancia social de la institución que daba cabida y la excelente ubicación del edificio, junto a una de las iglesias más concurridas de la ciudad. Codussi respondió a las expectativas creando una de sus obras maestras. Resalta en la fachada el efecto general de suntosidad, logrado por la combinación de relieves en stiacciato simulando perspectivas, placados de mármol y estatuas. Quizá la parte mas llamativa es el remate, donde el artista toma el motivo del frontón semicircular, repetido rítmicamente.
Iglesia de santa María Formosa. En el año 1492 le fue encomendada la reedificación de esta iglesia, una de las más tradicionales de la ciudad. Codussi respetó la estructura básica del edificio medieval y dio al interior un aire sobrio y austero, resolviendo la separación entre naves mediante pilares prismáticos. La depuración formal y el contraste entre la piedra y las superficies enlucidas remiten claramente a ciertos diseños de Brunelleschi. Las dos fachadas del templo fueron terminadas después de la muerte del arquitecto.
Torre dell'orologio en la Plaza de San Marcos. Prueba del prestigio ganado por el arquitecto es el encargo en 1496 de uno de los edificios de la plaza principal de Venecia. El edificio repite las disposición rítmica de las formas curvas en el paño donde se encuentra la esfera del reloj y el gran arco que se sitúa debajo. El resto de la fachada se resuelve mediante la alternancia de vanos cuadrados y otros rematados con arcos de medio punto.
Iglesia de san Juan Crisóstomo (san Giovanni Crisostomo) (1497). Situada en el barrio (sestiere) de Cannaregio, fue una de las creaciones postreras del arquitecto. En la fachada retoma la composición de la iglesia de san Michele, despojándola de cualquier concesión decorativa. A la impresión de severidad y sencillez contribuye también el liso enfoscado que sustituye a la piedra de Istria que el arquitecto utilizó en casi todas sus obras.
Iglesia de Sant Iago a Sedrina en Lombardía.

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Guido Cirilli (Italia)

103. Guido Cirilli (Italia)

Guido Cirilli ( Ancona , 09 de febrero 1871 - Venecia , 30 de enero 1954 ) fue un arquitecto italiano . Trabajó principalmente en las tres ciudades del Adriático de Venecia , Ancona y Trieste , donde se enfrentó a problemas arquitectónicos y urbanísticos de gran importancia y tamaño; También... Ver mas
Guido Cirilli ( Ancona , 09 de febrero 1871 - Venecia , 30 de enero 1954 ) fue un arquitecto italiano . Trabajó principalmente en las tres ciudades del Adriático de Venecia , Ancona y Trieste , donde se enfrentó a problemas arquitectónicos y urbanísticos de gran importancia y tamaño; También trabajó en el capital de y Monza , la ciudad en la que continuó la obra de su maestro, Giuseppe Sacconi , el arquitecto diseñador del Vittoriano .
Fue uno de los principales representantes de la última fase del ' Eclecticismo arquitectura [1]
Biografía [ editar | fuente editar ]
Formación [ editar | fuente editar ]
Nació en Ancona, una ciudad que siempre estuvo vinculado, a pesar del trabajo que a menudo había llevado a vivir y trabajar lejos. Se graduó en la Academia de Bellas Artes de Roma, donde fue instruido por Giuseppe Sacconi , de la que era el alumno favorito. En la misma ciudad, en 1896 se graduó en arquitectura en la Escuela de ingenieros de aplicaciones. Para el gran talento en el dibujo, se acaba de graduar y fue llamado por el Sacconi en 1897 le siguió en el gran patio del Vittoriano . Heredó de amor de su maestro por la atención al detalle y la seguridad en el maestro, la interpretación y también en la reinvención de las formas de la tradición arquitectónica de siglos anteriores [1] .

Monza: la capilla expiatoria
Cuando el Sacconi cayó enfermo, el Cirilli fue la estrecha, involucrándolos en las decisiones que tenían que operar en el campo de la arquitectura. Después de la muerte del maestro, que se produjo en 1905, organizado para Ascoli Piceno una exposición que celebra la obra. Se hizo cargo de la Sacconi en los principales sitios (pero no en la del Vittoriano) en Roma que la tumba del rey de Italia Umberto I de Saboya al Panteón y el alojamiento de la Piazza Venezia , en Monza que la Capilla Espiatoria a Umberto I Rey de 'Italia a Loreto le sustituyó en el papel de "arquitecto de la Santa Casa "; todos los proyectos fueron parcialmente reinterpretados por Cirilli en el curso de su ejecución [1] .

Roma: Palazzo delle Assicurazioni Generali
Continuador de la obra del Sacconi en Roma, Monza y Loreto [ edit | fuente editar ]
Como parte de la disposición de la Piazza Venezia, además de dibujar la forma de la plaza de acuerdo con las instrucciones del profesor, en 1906 se diseñó el Palazzo delle Assicurazioni Generali , junto con Alberto y Arturo Pazzi Manassei. El edificio fue construido de acuerdo con las directrices dejadas por el Sacconi, que había predicho que sería repetir las características básicas del edificio que estaba delante de Venecia, incluyendo la torre de la esquina. La fachada de Seguros se caracteriza por los arcos de la planta baja, curso de la secuencia por un friso pintado en claroscuro, por una larga serie de ventanas geminadas románica y coronada por un león del Cinquecento original, de San Marcos que viene de un bastión de los muros de Padua [2] .
En 1910 inaugura es la tumba del Panteón, y la capilla expiatoria de Monza, hizo una mucho más delgada de lo que se espera de su amo; Cirilli supervisó este último monumento también la inclusión urbana, con espacios verdes auspiciosos y artísticas eliminados (estos dibujos de Mazzucotelli) [1] . El año siguiente, 1911 , tuvo el honor de hacer el Pabellón Marche para la Exposición de 1911 regiones etnográficas organizado con motivo del quincuagésimo aniversario de la unificación de Italia .
Fue un arquitecto de la Santa Casa de Loreto 1905-1926, años en los que la basílica fue objeto de una amplia renovación y rediseño de las capillas, que se dedicaban a las principales naciones católicas. El Cirilli dio muchos diseños especialmente para la reconstrucción de la capilla del coro alemán y capillas para el polaco y francés, además del nuevo altar dentro de la propia Santa Casa, que había sido dañado por un incendio en 1921 .
Presidente de la Academia de Bellas Artes y director del Instituto de Arquitectura de Venecia [ edit | fuente editar ]

La cabaña Cirilli en Roma

La Catedral de Cavan
En 1913 diseñó su residencia romana, la casa Cirilli en Viale Regina Margherita; Roma fue también el autor de villa Battistoni y otra colonia en el distrito de Monteverde . También en 1923 fue llamado, por renombre, en Venecia para enseñar arquitectura en la Academia de Bellas Artes, de la que fue una figura clave y llegó a ser presidente. En 1914 se construyó el Palacio de exposiciones internacionales de arte en los Giardini di Castello, sede de la Bienal ; el palacio fue demolido en 1932 para adaptarlo a las nuevas corrientes artísticas. Proyectos de Venecia que no fueron hechas para los hogares IUAV, para el puente Scalzi y de la estación de Santa Lucía [3] .
En 1918 se trasladó a Trieste , pero regresó a Venecia en 1926 para fundar, con Giovanni Bordiga , la Escuela de Arquitectura , IUAV presente, de la que fue director hasta 1943 Su conexión con Venecia se evidencia por el hecho de que en este ciudad, en la Academia, que todavía mantiene la mayoría de sus proyectos: 1.286 dibujos relacionados con los proyectos realizados o creados en Roma, Ancona, Venecia y Friuli Venezia Giulia [4] . En 1947 supervisó la reconstrucción de la catedral de Cavan , que había sido distrutt durante la Segunda Guerra Mundial [5] .
Director de la Oficina de Bellas Artes de Venecia Giulia [ edit | fuente editar ]
En Venecia Julia tuvo durante seis años (1918-1914) la posición de director general de Bellas Artes y Monumentos, también se trata de la protección de los monumentos.
En esta región, diseñó numerosos espacios consagrados a la memoria de la Gran Guerra : a Aquileia Cementerio de los Héroes (o " Soldado Desconocido | Tumba de los diez soldados desconocidos ", el Bouches Timava el monumento al Lupi di Toscana , en Gorizia y San Dona di Piave [4] . En esta última ciudad construyó el Monumento a la Piave, el río sagrado de la Patria, un monumento conmemorativo de la batalla del Piave . En 1921 supervisó la construcción del ferrocarril coche fúnebre del soldado desconocido [6] [5] .

Trieste: el castillo de San Giusto y la zona arqueológica, en la disposición de Cirilli
En la región planeó y llevó a cabo importantes obras de restauración en las provincias de Trieste, Udine y Pola de Aquileia supervisó la disposición de la zona monumental, en Trieste desarrollado el plan para la reconstrucción del Castillo de San Giusto , que había sido severamente dañado durante la Primera Guerra Mundial , y fue el autor de la planta de la disposición de la zona arqueológica de San Giusto ; en Gorizia y Duino supervisó la restauración (en el caso de la reconstrucción Gorizia) de sus castillos, que también son dañados por la guerra; un grado restauró la basílica de Santa Eufemia ; en Pola restaurado el templo de Augusto , la iglesia de San Francesco y " Arco de la Sergii . También supervisó la restauración de los principales monumentos de Porec , la ciudad donde dirigió las excavaciones sacaron a la luz los mosaicos de la basílica y las excavaciones de la prehistoria [5] .
En Trieste era la estrella del debate sobre la construcción del Faro della Vittoria (1919-1927), diseñado por Arduino Berlam : El Cirilli, que estaba supervisando la obra de construcción, se cambió el diseño de la Berlam, no encontrando afín al valor simbólico que el nuevo monumento fue tomar. A Gorizia fue uno de los protagonistas de aquellos años, el cuidado de la reconstrucción de la Catedral , la restauración de la iglesia de San Ignacio y el proyecto para el Museo Provincial de Historia y Arte. A Zara fue en cambio el autor del alivio y la restauración de la Iglesia de San Donato [5] .
Se fue en 1924, Venezia Giulia para ocupar el puesto de Director del Instituto de Arquitectura de Venecia [7] .
Expansión Protagonista del siglo XX de Ancona [ edit | fuente editar ]
En 1923 comenzó una serie de logros en su ciudad natal, Ancona, donde fue un brillante intérprete del diseño urbano de la ciudad, que en ese momento se estaba expandiendo hacia el este. El Cirilli marcó con sus obras los puntos nodales del eje que va desde el puerto hasta el mar otra vez, en el lado opuesto del promontorio sobre el que se levanta la ciudad. Al final de la carretera de la arteria en 1923, de hecho, plantea la primera piedra del monumento , que por su fuerza expresiva pronto se convirtió en uno de los símbolos de la ciudad. En el punto donde el camino de mar a mar cambia de orientación en vez realizado el monumental palacio de Correos y Telégrafos (1926), inspirado por todos " Altar de Pérgamo como la victoriana ; estudiado también la totalidad del proyecto de desarrollo cerca del palacio, incluyendo un nuevo diseño para el siglo XIX Piazza Cavour , y luego hizo cambios. Por último, en el punto donde el eje tiene su principio, en los muelles, en 1921 el Cirilli diseñó la ampliación y la nueva cara del Palacio del Banco de Italia, desgraciadamente destruido durante la Segunda Guerra Mundial.
Para su ciudad natal también creó en 1931 la sala principal del Palacio de la Provincia (ahora Palacio del Rector), en 1938 un columbario en el cementerio de Tavernelle , donde también diseñó la tumba Santilli, y, finalmente, la villa Ascoli Cesaroni. Trabaja anconitane de Cirilli entonces destruida por la guerra fueron: la capilla de los caídos en el interior del Duomo , y en la estación central , la sala de espera, el monumento a los caídos ferroviarios y la sala de entrada [5] .
Ancona también estaba a cargo de las restauraciones que se encargó de la Catedral y, en 1926, el Palazzo Benincasa , que trajo las formas del siglo XV.
En la Marche , en 1923, también diseñó la placa en honor a los caídos de la Primera Guerra Mundial Recanati , ubicado en la Torre del Borgo y, Montecassiano , la restauración del Palazzo dei Priori (1937) y la iglesia de Santa María de la Asunción (1938) , ahora un monumento a los caídos, y, en Osimo , la capilla de la preventorio provincial [5] . En la vecina región de Abruzzo se hizo cargo del Duomo di Chieti , donde entre 1934 y 1937 supervisó la terminación de la reconstrucción de la fachada y el chapitel de la torre, que se había derrumbado en 1703.
Herencia [ editar | fuente editar ]
Uno de sus alumnos fue el prestigioso arquitecto Carlo Scarpa , que trabajó en su taller veneciano de 1926 a 1931 y luego unirse a él como profesor asistente. Scarpa heredado de la atención de su maestro al detalle y la calidad de los materiales de construcción [8] . En cuanto a su relación con el profesor y con tan gran tradición del arquitecto veneciano tuvo esto que decir:
"Yo desciendo, tradiciones culturales, desde el monumento a Vittorio Emanuele II, en Roma. Yo estaba, de hecho, el mejor estudiante de mi profesor en la academia, que a su vez era el mejor alumno del autor de ese monumento ... La pobreza espiritual de la época era debido al hecho de que los profesores de las academias bellas artes comparten los gustos eclécticos del siglo XIX. Para ello hemos tenido que hacer un esfuerzo para liberarnos de nuestra educación ".
(Carlo Scarpa, Conferencia celebró en la Academia de Bellas Artes en Viena 16 de noviembre 1976)
Referencias [ editar | fuente editar ]
Corrado Balistrieri Tricanato, Guido Cirilli arquitecto de la Santa Casa de Loreto, en: Ileana Di Sorio Chiappini, Laura De Rossi, Venecia, Las Marcas y la civilización Adriático: para celebrar el 90 aniversario de Peter Zampetti, Edizioni della Laguna, 2003 (con detallada introducción sobre la vida y obra de Cirilli); Volúmenes 17-19 del documento Artes, ISSN 11210524
Claudia Fabbbricatore, arquitecto Guido Cirilli entre instituciones y profesión (1896-1943), tesis en Historia de la Arquitectura, IUAV, Departamento de Historia de la Arquitectura, el año académico 2002-2003, ponente Guido Zucconi.
Fabio Mariano, La edad de eclecticismo. Arte y arquitectura en la región de Marche, entre los siglos XIX y XX. Florencia, Nerbini Editions, 2004 (páginas 43 a 72).
Fabio Mariano, Guido Cirilli y arquitectura Eclecticismo en la Marche, en "Los Cien Ciudades", 26, Ancona 2005.
Fabio Mariano, arquitecto Guido Cirilli y eclecticismo en Italia Viviendo el '900. Centofinestre collar; Centro Studi Antonelli, 2006.
Rebecca Spinsanti, El Palacio de Correos y Telégrafos de Ancona: el análisis y la hipótesis de la intervención, la tesis en Ingeniería de Edificación-Arquitectura de la Universidad Politécnica de Marche, Facultad de Ingeniería, el año académico 2007-2008, el orador Plácido Munafò, co Giacomo Moriconi
Paul Santoboni, Guido Cirilli y los problemas de la herencia cultural de Venezia Giulia (1919-1924), en "Archeografo Trieste", serie IV, LXXII (2012), pp. 219-291.
Evelina Piera Zanon - Archivo Guido Cirilli Diana Ferrara en la Accademia di Belle Arti de Venecia, "La arquitectura en los archivos de guía a los archivos de la arquitectura en las Marcas.", Editado por Mauro Antonello Alici y Tosti Croce, Roma, Gangemi Editore , 2011, pp. 154-155., Págs. 154-155
Evelina Piera Zanon, proyecta Guido Cirilli conservado en el Archivo Histórico de la Accademia di Belle Arti de Venecia, "Anuario Accademia di Belle Arti en la Bienal de Venecia 2011 & Academy: Pasado, Presente y Futuro", editado por Alberto Cassani, Padova, el polígrafo, 2012, pp. 365-381
Obras y comisiones [ edit | fuente editar ]
Monza
gestión del sitio de la capilla expiatoria en la memoria de Umberto I , después de la muerte de G.Sacconi , Monza 1905-1910
Roma
Conservatorio de Santa Cleta ,
Palazzo delle Assicurazioni Generali
Loreto
Restauración del Santuario de Loreto
Ancón
Monumento a los Caídos en Passetto , 1927-1933
Palacio de la Oficina Royal Post, 1926
Restauración de la fachada del Palazzo Benincasa , 1926
Chieti
Restauración de la Catedral de San Giustino , 1920-1936
Restauración del Palazzo dei Priori, Montecassiano
Catedral de San Mauro , Cavan
Palacio del Banco de Italia , Ancona
hacia el lugar de la tumba del rey de Italia Umberto I del Panteón, Roma , después de la muerte de G.Sacconi ,
Salón de Honor del Palacio de la Provincia, Ancona
Cottage Cirilli, Roma
Villa de Beniamino Gigli , Recanati
Trazado urbano de Piazza Roma, Ancona
Trazado urbano de la Piazza Venezia , Roma
Proyecto para gestionar la entrada del ' Arco de Trajano , Ancona
Proyecto para la Iglesia de los Salesianos, Ancona
Restauración de la Catedral de San Ciriaco , Ancona
Iglesia del cementerio de Tavernelle, Ancona
Monumento a los Caídos, Offagna
Monumento a los Caídos, Chiaravalle
Diseño y disposición de las puertas de la Capilla de San Cirilo y Metodio Basílica de Loreto
Placa a los Caídos, Recanati
Ahora situado en Piazza Fontana Nardone, San Benedetto del Tronto
Iglesia Renovación de la Anunciación en la capilla de los Caídos, Montecassiano

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Gae Aulenti (Italia)

104. Gae Aulenti (Italia)

Gaetana Aulenti (Palazzolo dello Stella, Udine, 1927 - Milán, 31 de octubre de 2012) fue una arquitecta italiana.1 En 1954 se licencia en la Facultad de Arquitectura del Politécnico de Milán, y empieza su decenal colaboración con la redacción de la revista Casabella dirigida por Ernesto Nathan... Ver mas
Gaetana Aulenti (Palazzolo dello Stella, Udine, 1927 - Milán, 31 de octubre de 2012) fue una arquitecta italiana.1
En 1954 se licencia en la Facultad de Arquitectura del Politécnico de Milán, y empieza su decenal colaboración con la redacción de la revista Casabella dirigida por Ernesto Nathan Rogers.
Aulenti es una de las pocas mujeres que han dejado un profunda huella, a veces polémica, en la arquitectura internacional, así como en la escenografía teatral y en el diseño industrial. Entre sus proyectos arquitectónicos más destacados cabe señalar las reformas del Palazzo Grassi de Venecia y del Museo de Orsay de París, que propiciaron muchos encargos posteriores, como el Pabellón de Italia en la Exposición Universal de Sevilla 1992 y la reforma del Palacio Nacional de Montjuïc (Barcelona), actual sede del MNAC.

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Marcel Breuer (Hungría)

105. Marcel Breuer (Hungría)

Biografía[editar] Primeros años[editar] Nació en Pécs (Hungría) el 21 de mayo de 1902. Estudió en la Bauhaus de Weimar, Alemania, en la época en que Walter Gropius dirigía esta escuela de diseño y arte donde catalizaron las ideas estéticas más importantes del movimiento moderno. Breuer se hizo... Ver mas
Biografía[editar]
Primeros años[editar]
Nació en Pécs (Hungría) el 21 de mayo de 1902. Estudió en la Bauhaus de Weimar, Alemania, en la época en que Walter Gropius dirigía esta escuela de diseño y arte donde catalizaron las ideas estéticas más importantes del movimiento moderno. Breuer se hizo cargo más tarde del taller de muebles de la Bauhaus.

La silla B3, más conocida como Silla Wassily, diseñada en 1925.

El sillón modelo B55 diseñado en 1928.
Allí diseñó la silla B3, realizada en 1925, la primera de tubo de acero en la historia, que combinaba las condiciones flexibles de este material con su facilidad para la producción industrial a gran escala. Ésta silla fue el diseño más ampliamente reconocido de Breuer, que más tarde fue conocida como la Silla Wassily. Estaba inspirada en parte, por el tubo de acero curvado del manubrio en la bicicleta Adler que Breuer había adquirido recientemente. A pesar de la difundida creencia de que la había diseñado para el pintor Wassily Kandinsky, por entonces colega de Breuer en la escuela de Bauhaus, esto no fue así; Kandinsky admiró el diseño final de Breuer, y sólo cuando la terminó, Breuer hizo una copia adicional para que Kandinsky la usara en su casa. Cuando la silla fue re-lanzada al mercado en la década de los 60s, fue nombrada "vassily"
Continuó en la Bauhaus hasta 1928, año en que se estableció en Berlín para dedicarse a la arquitectura, donde recibió su primer encargo arquitectónico, un proyecto para la casa Harnischmacher (en Wiesbaden, 1932), una vivienda modular construida en hormigón con estructura de acero. También diseñó los almacenes de muebles Wohnbedarf de Zúrich.
En 1930, la Deutscher Werkbund le encargó el diseño de interiores para la sección alemana de la exposición Société Artistes Décorateurs Fraçais.
Exilio[editar]
Con la llegada del partido nazi al poder Breuer tuvo que exiliarse debido a su religión (judaísmo), primero en Inglaterra (1933) y más tarde en Estados Unidos (1937). Allí, junto con Gropius, impartió clases en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Harvard, además de continuar su carrera arquitectónica con proyectos como el de su propia casa en Lincoln, Massachusetts (1939), donde utilizó materiales autóctonos.

Museo Whitney de Arte Americano.
Breuer disolvió su sociedad con Gropius en mayo de 1941 y más tarde, en 1945 realizó por cuenta propia el diseño de La Casa Geller I, la primera en usar el concepto de Breuer de la vivienda binuclear, caracterizada por tener en alas separadas y divididas por el hall de entrada, los dormitorios por un lado y la cocina/sala/comedor por el otro.
En 1946 abrió un estudio en Nueva York, donde proyectó, junto con el italiano Pier Luigi Nervi y el francés Bernard Zehrfuss, el nuevo edificio de la Unesco en París.
En 1956 fundó en Nueva York la Marcel Breuer Associates, y en aquella época adoptó el cemento como material de construcción, y con él un nuevo lenguaje arquitectónico, el brutalismo. Es así como en 1966 diseñó el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York.
Obra[editar]
Arquitectura[editar]
Sus edificios se caracterizan por el empleo de materiales naturales, como grandes bloques de piedra sin pulimentar, madera u hormigón rugoso. Entre sus obras más destacadas se encuentran:
Edificio de viviendas de Bijenkorf en Róterdam (1961)
Iglesia de St John's Abbey en Collegeville, Minnesota (1967)
Universidad de Nueva York (ahora Bronx Community College)
Tiendas de mobiliario Wohnbedarf, Zúrich.
Doldertal Houses (apartamentos), Zúrich.
Pabellón Gane, Bristol. 1936
Pabellón de Pensilvania, Exposición Mundial de Nueva York. 1939
Sede de la Unesco, París, Francia. 1953 (con Pier Luigi Nervi y Bernard Zehrfuss).
Embajada de los Estados Unidos, Países Bajos. 1958
El Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York. 1966
Edificio de oficinas HUD, Washington
Escuela Secundaria Litchfield, Litchfield.
Museo de Arte de Cleveland ampliación, Cleveland, Ohio.
Torre AT, Cleveland, Ohio.
Flaine, Francia.
Embajada Australiana en París (arquitecto consultor). 1973
Instituto de Prensa Americana, Reston. 1974
Campus IBM en Boca Ratón, Florida.
Laboratorio IBM en La Gaude, Francia
Parador Ariston, Mar del plata, Argentina
Mobiliario[editar]
Silla africana, Colaboración con Gunta Stölzl en la Bauhaus.
Tumbona de sol, Modelo No. 301
Silla Wassily No. B3. 1925
Mesas Laccio, grande y pequeña. 1927
Silla Wassily plegable. 1927
Silla y sillón Cesca. 1928
Escritorio de tipógrafo Thornet. 1928
Mesa de café. 1928
Mobiliario de acero tubular. 1928–29
Tumbona con ruedas F 41. 1928–30
Armario de escobas. 1930
Librería. 1931
Sillón, Modelo No.301. 1932–34
Silla en aluminio. 1933
Sillas Isokon. 1935
Tumbona en aluminio. 1935–36
Mobiliario en madera curvada (cinco piezas). 1936–37

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Ralph Erskine (Gran Bretaña)

106. Ralph Erskine (Gran Bretaña)

Biografía[editar] Nació en el condado de Northumberland (Inglaterra), y pasó su juventud en Londres. En los años 30 estudió arquitectura en la Universidad de Westminster. En 1939 emigró a Suecia atraído por el funcionalismo de Erik Gunnar Asplund, Sven Markelius y Sigurd Lewerentz, país en el... Ver mas
Biografía[editar]
Nació en el condado de Northumberland (Inglaterra), y pasó su juventud en Londres. En los años 30 estudió arquitectura en la Universidad de Westminster. En 1939 emigró a Suecia atraído por el funcionalismo de Erik Gunnar Asplund, Sven Markelius y Sigurd Lewerentz, país en el que trabajó y vivió la mayor parte de su vida. En 1983 recibió el Premio de la Fundación Wolf de las Artes y en 1987 la Medalla de Oro del RIBA como reconocimiento a su actividad creativa. Perteneció al grupo conocido como Team 10, que tuvo una gran influencia en la arquitectura europea de la segunda mitad del siglo XX.
Obras[editar]
En Suecia y el Reino Unido, diseñó varios ejemplos de edificios representativos de su particular visión de la arquitectura:
Gyttorp, Nora, Suecia, 1945 a 1955, casas en un entorno fabril.
El Brittgården de Tibro, Suecia, 1956 to 1959
Svappavaara, en Kiruna, Suecia, 1962.
Clare Hall, Universidad de Cambridge, Cambridge, 1969.
Resolute, Nunavut, Canadá
El Byker redevelopment, en Newcastle upon Tyne, de 1973 a 1978.
El Nya Bruket, área en Sandviken, Suecia , 1973 a 1978.
La Universidad de Estocolmo y su biblioteca.
Ekerö centrum (Tappström) de Ekerö Municipality, a las afueras de Estocolmo, 1983 a 1989.
La terminal de ómnibus de Estocolmo, con Bengt Ahlqvist y Anders Tengbom
El London Ark, Hammersmith, Londres, 1990.
Greenwich Millennium Village, Londres, de 2000 a 2005.

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Otto von Spreckelsen (Dinamarca)

107. Otto von Spreckelsen (Dinamarca)

Johan Otto von Spreckelsen (1929 - 1987) fue un arquitecto danés. Vangede Kirke, Gentofte. Licenciado en la Copenhagen Royal Academy of Fine Art and Architecture en 1953, Johan-Otto von Spreckelsen se convirtió en director del departamento de arquitectura de esta escuela en 1978. Su especial... Ver mas
Johan Otto von Spreckelsen (1929 - 1987) fue un arquitecto danés.

Vangede Kirke, Gentofte.
Licenciado en la Copenhagen Royal Academy of Fine Art and Architecture en 1953, Johan-Otto von Spreckelsen se convirtió en director del departamento de arquitectura de esta escuela en 1978. Su especial interés por la arquitectura monumental le permitió proyectar algunas de las iglesias danesas, como la de Vangede, al norte de Copenhague, en 1974 y la de Stavnsholt, en Farum, en 1981.
En 1982 ganó el concurso promovido por iniciativa del presidente François Mitterrand para la construcción de la futura Grande Arche en París. Von Spreckelsen fallecerá sin haber podido ver acabada la obra con la que obtendría fama y reconocimiento internacional.

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Konstantin Mélnikov (Rusia)

108. Konstantin Mélnikov (Rusia)

Konstantín Stepánovich Mélnikov (Ruso: Константин Степанович Мельников; (3 de agosto de 1890, Moscú - 28 de noviembre de 1974, id.) fue un arquitecto ruso y la mayor figura del constructivismo ruso del siglo XX (véase en:Constructivist architecture). Mélnikov nació en una familia de clase... Ver mas
Konstantín Stepánovich Mélnikov (Ruso: Константин Степанович Мельников; (3 de agosto de 1890, Moscú - 28 de noviembre de 1974, id.) fue un arquitecto ruso y la mayor figura del constructivismo ruso del siglo XX (véase en:Constructivist architecture).
Mélnikov nació en una familia de clase obrera en Hay Lodge, un barrio suburbano cercano a Moscú. Desde 1910 a 1914 estudió pintura en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú. Desde 1914 a 1917 fue un estudiante de arquitectura en la escuela en la que se graduó en Arquitectura. Su primer trabajo, por encargo de la AMO Fabrica de coches en Moscú, donde estuvo trabajando en la revolución de Octubre, es clásica, conservadora y académica. Después de asistir a la Escuela del Estado de Moscú en 1923 el estilo de Mélnikov cambia radicalmente.
Comenzando con un pabellón para la Exposición de la agricultura y artesanía de todas las Rusias (1923), Mélnikov se embarca en un línea de innovación y encargos de alto nivel: el sarcófago en el Mausoleo de Lenin en 1924 y el Pabellón Soviético en la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas en París (1925). El edificio de París atrajo la atención internacional, y fue mirado como uno de los más progresistas edificios de la feria.
En París, a donde viajó para dirigir las obras de construcción del pabellón, tuvo la oportunidad de contactar con algunos de los autores de la arquitectura de vanguardia centroeuropea. Conoció a Le Corbusier, que le enseñó algunas de sus obras en un paseo en el coche del arquitecto suizo y entabló amistad con Robert Mallet-Stevens. Su esposa y sus dos hijos se reunieron con él en París en el verano del 1925. Recibió el encargo del ayuntamiento de París para realizar una propuesta de aparcamiento para 1.000 autos. Del que Mélnikov realizó una primera versión sobre el Sena y una segunda versión, que desarrolló en una estancia vacacional junto a su familia en San Juan de Luz, contenida en un prisma regular de 50 metros de lado. Finalmente ninguna de ellas despertó el interés de las autoridades municipales.
Después de la Revolución de 1917, Mélnikov desarrolla un nuevo plan urbano para Moscú. Desde 1921 a 1923 enseño a tiempo parcial en su vieja escuela, renombrada Vjutemás. La principal parte de su trabajo, en ese tiempo, consistía enteramente en diseñar clubes obreros fuera de Moscú.
El estilo de Mélnikov es difícil de categorizar. En sus experimentales usos de materiales y formas más su atención a la funcionalidad, tiene algo en común con los auto-denominados Expresionistas anteriores a la Primera Guerra Mundial , arquitectura de los alemanes Erich Mendelsohn y Bruno Taut, ambos trabajaron brevemente en Rusia en esa época. Es frecuentemente referenciado como Constructivista porque la influencia en Mélnikov de Vladímir Tatlin, y porque el deseo de Mélnikov era que sus edificios pudieran expresar los valores sociales soviéticos revolucionarios, aunque al mismo tiempo defendió públicamente en numerosas ocasiones el derecho y la necesidad de la expresión personal, que reivindicó como única fuente del diseño delicado. Uno de los mejores ejemplos existentes del trabajo de Mélnikov es su propia residencia en Moscú, que data de 1929, consiste en dos torres cilíndricas decoradas con un patrón de ventanas hexagonales. Estas torres están formadas por una cáscara a modo de enrejado hecho con ladrillo.
Mélnikov salió de los favores políticos en 1937, cuando fue seleccionado por la Unión de arquitectos como un arquitecto "formalista" (un dañino epíteto muy usado en su tiempo) y apartado de la enseñanza o de la práctica. Sobrevivió a las purgas estalinistas pero, rechazado el admitir las falsas acusaciones, nunca fue rehabilitado. Vivió en reclusión en su casa, donde trabajaba como un pintor de retrato a comisión hasta su muerte en 1974. Este largo silencio fue roto únicamente por un único pabellón para la Expo de Montreal en 1967. El hijo de Mélnikov, Víktor, quien como su padre, era pintor, también vivía y trabajaba en esa casa, y luchó por preservarla como museo hasta su muerte en febrero de 2006. La casa todavía contiene una importante porción del archivo de Konstantín Mélnikov. Un archivo disputado durante años por sus dos herederos, del que existen fotografías realizadas por el fotógrafo Ígor Palmín tomadas en los años 60.
Índice [ocultar]
1 Selección de obras
2 Referencias
2.1 Bibliografía
3 Véase también
4 Enlaces externos
Selección de obras[editar]
1923 - Proyecto (denominado Nerv) del concurso para el Palacio del Trabajo que ganó Noi Trotski, Moscú
1923 - Pabellón Majorka para la Exposición de la agricultura y artesanía de todas las Rusias, Moscú.
1924 - Diseño para el sarcófago de Lenin (ejecutado)
1924–1925 - Concurso para la oficina en Moscú del diario Leningrádskaya Pravda.
1924–1925 - Concurso para el pabellón de la URSS en la Exposición Internacional de las Artes Decorativas e Industriales Modernas, París (ejecutado)
1927–1931 - Club para los obreros de la fábrica Kauchuk (en:Kauchuk Factory Club), calle Plyuschija, 64, Moscú.
1927–1931 - Palacio de Cultura Svoboda (también denomiado de Maksim Gorki), calle Vyátskaya, Moscú.
1927–1931 - Club de la fábrica Burevéstnik, Moscú
1927–1931 - tres garajes para autobuses, incluido el Garaje Bajmétievski, Moscú.
1928 - Club de obreros Rusakov, calle Stromynka, 6, Moscú.
1928 - Casa Mélnikov, residencia propia (calle Krivoarbatski pereúlok, 10), Moscú.[1]
1929 - diseño del Parque Gorki, Moscú
1929 - Garaje para camiones en la calle Novoryazánskaya, Moscú
1929 - Concurso para el Palacio de los Sóviets (la propuesta de Mélnikov fue ignorada por el jurado), Moscú
1934 - Concurso para el edificio del Narkomtyazhprom, Plaza Roja, Moscú

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Gerrit Rietveld (Holanda)

109. Gerrit Rietveld (Holanda)

Gerrit Thomas Rietveld (24 de junio de 1888 en Utrecht , Países Bajos – 25 de junio de 1964), fue carpintero, diseñador, arquitecto. Hijo de ebanista aprendió el oficio en el taller de su padre.En 1918, Rietveld puso en marcha su propia fábrica de muebles, mientras estudiaba arquitectura. En el... Ver mas
Gerrit Thomas Rietveld (24 de junio de 1888 en Utrecht , Países Bajos – 25 de junio de 1964), fue carpintero, diseñador, arquitecto.
Hijo de ebanista aprendió el oficio en el taller de su padre.En 1918, Rietveld puso en marcha su propia fábrica de muebles, mientras estudiaba arquitectura. En el verano de 1918 diseña la Silla Roja y Azul,aunque en un principio su acabado es en madera natural,no es hasta 1924 que influenciado por el movimiento De Stijl,del cual formaba parte desde1919,cambia el acabado de la misma por los colores que ahora conocemos,siendo además el año en que se graduaría como arquitecto. En 1919 empieza a colaborar con Truus Schröder - Schräder (interiorista) En 1923 participa en la exposición de arquitectura Stiljiana de L'Effort Moderne en París, y colabora con Vilmos Huzar en el diseño para la exposición de arte de Berlín. En 1924 proyectó junto Schröder su obra arquitectónica más conocida la Casa Rietveld Schröder, en Utrecht.La casa tiene una planta baja convencional,siendo radical la parte alta ,en la que las paredes son correderas,para poder modificar el espacio.El diseño parece una realización tridimensional de una pintura de Mondrian.
Rietveld rompió con el movimiento De Stijl en 1928 y se unió al Nieuwe Zakelijkheid. Ese mismo año se adhirió al Congreso Internacional de Arquitectura Moderna (CIAM).
En 1934 diseñó la silla Zig-Zag y comenzó el proyecto del Museo van Gogh en Ámsterdam.Proyecto del cual solo realizará bocetos,periodo muy implicado socialmente,sobre todo con su arquitectura social y tambień en el diseño de mobiliario barato y fácil de realizar (serie Krat). En 1951 diseña una exposición retrospectiva sobre el movimiento De Stijl en Ámsterdam, Venecia, Nueva York.En 1954 se realiza su primera exposición retrospectiva en el Centraal Museum dedicada a su arquitectura. Es considerado uno de los arquitectos más importantes de Holanda.

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Christopher Wren (Gran Bretaña)

110. Christopher Wren (Gran Bretaña)

Sir Christopher Wren (20 de octubre de 1632 - 25 de febrero de 1723) fue un científico y arquitecto del siglo XVII, famoso por sus trabajos de reconstrucción de las iglesias de Londres tras el gran incendio de 1666. Fue miembro de la Royal Society. Wren es conocido por su diseño de la catedral... Ver mas
Sir Christopher Wren (20 de octubre de 1632 - 25 de febrero de 1723) fue un científico y arquitecto del siglo XVII, famoso por sus trabajos de reconstrucción de las iglesias de Londres tras el gran incendio de 1666. Fue miembro de la Royal Society.
Wren es conocido por su diseño de la catedral de San Pablo de Londres, una de las pocas catedrales de Inglaterra edificadas después de la época medieval y la única de estilo renacentista de todo el país. Se inspiró en la Basílica de San Pedro de Roma para el diseño.
Biografía[editar]
Nacido en Wiltshire, Wren era el hijo del diácono de Windsor, un cargo real que causó privaciones a la familia durante la época de la Commonwealth (1649 - 1660). De niño conoció al joven príncipe Carlos que más tarde se convirtió en el rey que empleó a Wren como arquitecto. Estudió en el Westminster School y en el Trinity College de Oxford. En 1657 se convirtió en profesor de astronomía, primero en el Gresham College y más tarde en Oxford, cargo del que dimitió en 1673. Fue reconocido como un científico brillante incluso por Isaac Newton, quien no tenía costumbre de elogiar a los demás. Wren fue también miembro fundador de la Royal Society de la que fue presidente entre 1680 y 1682.
Es recordado tambien como un precursor de los tratamientos médicos con fluidos intravenosos por sus experimentos con diferentes fluidos como vino, cerveza y otras soluciones preparadas por el mismo, que infundio inicialmente a animales y posteriormente a seres humanos.
Su primer proyecto arquitectónico fue el Teatro Sheldonian, que aún se puede ver en Oxford; también diseñó otros edificios universitarios, tanto en Oxford como en Cambridge, incluyendo las capillas del Pembroke College y del Emmanuel College.
Tras el gran incendio de Londres fue escogido para ser el arquitecto de San Pablo ya que el anterior edificio había quedado destruido. El diseño y la construcción de la nueva catedral empezaron en 1675 y no se terminaron hasta 1710; durante este tiempo, Wren, junto a sus asociados, diseñó numerosos edificios, incluyendo 51 iglesias para sustituir a las 87 destruidas. Además, también colaboró en el diseño del Monumento al Gran Incendio de Londres, el Observatorio de Greenwich, el Hospital de Chelsea, el Hospital de Greenwich, Marlborough House y otros muchos edificios destacados.
Christopher Wren fue nombrado caballero en 1673 y sirvió como miembro del Parlamento en 1685-1688 y 1702-1705. Está enterrado en la catedral de San Pablo.
Christopher Wren fue el último Gran Maestre Masón de la vieja francmasonería operativa de Inglaterra, abandonó su cargo en 1702. Quince años después los pastores protestantes Anderson y Desaguliers fundarían la actual masonería especulativa en la nueva Gran Logia de Inglaterra 1717

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