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ARQUITECTOS (ASIA)

ARQUITECTOS (ASIA)

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Arata Isozaki (Japón)

1. Arata Isozaki (Japón)

Arata Isozaki (磯崎新? 23 de julio de 1931) es un arquitecto japonés. Nació en Oita, en la isla de Kyushu. Estudió en la universidad de Tokio, donde uno de sus profesores fue el conocido arquitecto Kenzō Tange. Al finalizar sus estudios trabajó con él hasta 1963, y estableció entonces su propio... Ver mas
Arata Isozaki (磯崎新? 23 de julio de 1931) es un arquitecto japonés. Nació en Oita, en la isla de Kyushu. Estudió en la universidad de Tokio, donde uno de sus profesores fue el conocido arquitecto Kenzō Tange. Al finalizar sus estudios trabajó con él hasta 1963, y estableció entonces su propio despacho.
Los primeros proyectos de Isozaki se caracterizaron por la combinación de la tradición japonesa con las modernas estructuras realizadas con tecnología muy avanzada. A partir de 1970 su estilo fue cambiando, y comenzó a sustituir los elementos tradicionales por elementos post-modernistas, es decir formas como bóvedas, esferas y otros elementos geométricos.
Isozaki introduce en sus diseños espacios bien definidos que tienen un significado determinado. La estructura del edificio se convierte en un elemento que hace de conexión entre la realidad y la ilusión que crea la contemplación de los volúmenes de la obra. Isozaki, a pesar del cambio de estilo que realizó, sigue combinando elementos orientales con elementos occidentales, algo que hace con maestría y por lo que se le valora en todo el mundo. Consigue incorporar a sus edificios originales efectos visuales, de manera que la contemplación de éstos varía según el ángulo desde el que se observan.
Isozaki ha sido distinguido con numerosos premios internacionales, como el de la Asociación de Arquitectos del Japón, el de Royal Institute of Architects británico y el de la American Academy, entre otros muchos. Isozaki es profesor visitante en varias universidades importantes, entre ellas las de Harvard, Yale y Columbia.
Obras representativas[editar]

Domus, la Casa del Hombre, La Coruña, España.

Kyoto Concert Hall, Kioto, Japón.
Edificio de Colegio de Médicos (1959-1960 Desaparecido, Oita, Japón)
Biblioteca Municipal (1962-1966 Kitakyushu, Japón)
Museo de Bellas Artes (1971-1974 Takasaki, Japón)
Casa Yano (1973-1975 Kawasaki, Japón)
Edificio Shuhosha (1974-1975 Fukuoka, Japón)
Centro Cívico (1979-1983 Tsukuba, Japón)
Museo de Arte Contemporáneo (1981-1986 Los Ángeles, California)
Palau Sant Jordi (1983-1990 Barcelona, España)
Ampliación del Museo de Arte de Brooklyn (1986-1992 Nueva York, EE. UU.)
Proyecto de Fundación Daniel Templon (1986 Valbonne, Francia)
Edificio Arch, Universidad Bond (1987-1989 Gold Coast, Australia)
Edificio de Oficinas Team Disney (1987-1991 Orlando, Florida)
Pabellón polideportivo en Palafolls "Palauet" (1987-1996 Barcelona, España)
Concurso de Museo de Arte Contemporáneo (1990 Stuttgart, Alemania)
Centre of Japanese Art and Technology (1990-1994 Cracovia, Polonia)
Kyoto Concert Hall,(1991-1995 Kioto, Japón)
Daimler Benz AG, Proyecto Potsdamer Platz (1992-1993 Berlín, Alemania)
Casa del Hombre (1993-1995 La Coruña, España)
Parc de la Muntanyeta de Sant Boi, (1994-2000 Barcelona, España)
Parque Universitario, Santiago de Compostela (1995 Santiago de Compostela, España)
Illa de Blanes(1998-2002 Girona, España)
Acceso al CaixaForum Barcelona (1999-2002 Barcelona, España)
Isozaki Atea (1999-2009 Bilbao, España)
Palacio de Hielo para olimpiada de 2006 (2000-2006 Torino, Italia)
Concurso Museo de la Evolución Humana (2000 Burgos, España)
Concurso Ordenación de la Estación de Canfranc (2001 Huesca, España)
Concurso Conjunto Arquitectónico dedicado a los Sanfermines (2001 Pamplona, España)
CMA. Ciudad del Motor de Aragón (2002-2005 Teruel, España)
D38 (2002-2011 Barcelona, España)
Planta 10 del Hotel Puerta América (2003-2005 Madrid, España)
Bahns d'Arties (2004- Val d'Aran, España)
Concurso de Puerto Triana (2006 Sevilla, España)
Concurso Gran Espacio Eecénico de la Ciudad de Granada (2008 Granada, España)
Bodegas La Horra (2008- Burgos, España)
Museo Nacional de Civilización Egipcia - Diseño de la Exposición (2010- CAIRO, EGYPT)
Concurso de Ideas para el Centro de Interpretación de la Murcia Medieval (2011-2012 Murcia, España)

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Tadao Ando (Japón)

2. Tadao Ando (Japón)

Tadao Ando (安藤忠雄? 13 de septiembre de 1941) es un arquitecto japonés. Nació en Osaka y adquirió conocimientos de arquitectura de forma autodidacta, leyendo y viajando por Europa, África y los Estados Unidos. En su juventud fue boxeador amateur, colgando luego los guantes para dedicarse a la... Ver mas
Tadao Ando (安藤忠雄? 13 de septiembre de 1941) es un arquitecto japonés. Nació en Osaka y adquirió conocimientos de arquitectura de forma autodidacta, leyendo y viajando por Europa, África y los Estados Unidos.
En su juventud fue boxeador amateur, colgando luego los guantes para dedicarse a la arquitectura. Contrario a la mayoría de los arquitectos de hoy en día, Ando no recibió formación en escuelas de arquitectura. En lugar de ello, su aprendizaje fue autodidáctico y proviene de la lectura y de viajes por África, Europa y Estados Unidos, así como de un minucioso estudio de la arquitectura tradicional japonesa en Kioto y Nara. "Cuando vi la luz proveniente del óculo del Panteón en Roma, supe que quería ser arquitecto", dice.
En 1970 se estableció en Osaka con "Tadao Ando Architect & Associates", empresa con la que comenzó su producción, primero de casas y pequeñas construcciones, y luego con edificaciones más importantes. En 1976 recibe un premio de la Asociación Japonesa de Arquitectura por su Casa Azuma, en Osaka. La opinión pública es atraída por Ando a partir de ese momento, lo que se consolida con la construcción de su diseño para el complejo de viviendas Rokko Housing I, en Kobe. En 1980 construyó la Casa Koshino en la ciudad de Asiya. Entre sus obras más importantes se encuentran la Capilla sobre el Agua (1985) en Tomanu, Hokkaido,1 la Iglesia de la Luz, en Ibaraki, Osaka,2 el Museo de los Niños (1990) en Himeji.3
Es considerado como uno de los líderes del regionalismo crítico, rechaza el empleo indiscriminado de la arquitectura moderna en todas las culturas del mundo. Su obra combina formas y materiales del movimiento moderno con principios estéticos y espaciales tradicionales japoneses, sobre todo en el modo de integrar los edificios en su entorno natural. Una de sus características es el empleo de hormigón liso, con las marcas del encofrado visibles, para crear planos murales tectónicos, que sirven como superficies para captar la luz.
En sus diseños Ando rechaza el materialismo consumista de la sociedad actual, que es visible en muchas obras arquitectónicas. Ello no le impide usar en sus proyectos los materiales característicos de la época actual, aunque empleándolos de forma que aparenten sencillez y proporcionen al mismo tiempo sensaciones positivas, lo que consigue, entre otros recursos, mediante las formas, la luz o el agua. Para ello se basa generalmente en tramas geométricas que sirven de pauta para el ordenamiento de sus espacios.
Por otra parte Ando estudia fórmulas para solucionar o mejorar el caos urbanístico existente en muchas poblaciones japonesas. Este aspecto lo aborda desde una doble vertiente, una de crítica y la otra de sensibilidad y comprensión.
Contrariamente al estilo arquitectónico tradicional japonés, Ando crea espacios interiores cerrados, y no abiertos: "Creo espacios interiores cerrados, y no abiertos. Utilizo paredes para definir los límites de estos espacios, y lo hago basándome en criterios humanos, de forma que las personas perciban esos espacios como apropiados y cómodos. Con las paredes rompo también la monotonía habitual de, por ejemplo, los edificios comerciales. Finalmente, las paredes separan el exterior, frecuentemente ruidoso y caótico, del interior, que está diseñado como remanso de tranquilidad, aislado de lo demás"
Ando ha recibido numerosos premios y distinciones, como la Medalla de Oro de la Academia Francesa de Arquitectura, y en 1995 el máximo galardón internacional de arquitectura, el premio Pritzker, comparable al premio Nobel.4 También ha sido invitado por dos prestigiosas universidades norteamericanas a impartir clases, en la Universidad de Columbia como profesor visitante, en la Universidad de Tokio y en la Universidad de Yale como catedrático.
Pensamiento de Tadao Ando[editar]
El pensamiento de Tadao Ando está basado en la construcción con formas geométricas simples las cuales con el uso de la luz y los materiales pueden crear espacios trascendentes, como él mismo dice “Pienso que la arquitectura se torna interesante cuando se muestra éste doble carácter: la máxima simplicidad posible y, a la vez, toda la complejidad de que pueda dotársela”.
Hace mucho énfasis en la incorporación de la naturaleza dentro de las construcciones para dejar fuera el caos de las ciudades y crear un espacio de meditación, serenidad y espiritualidad. Su filosofía está dirigida a pensar que el espacio puede ser una fuente de inspiración y ha logrado plasmar esto en sus construcciones. También piensa que el objetivo de todas las religiones es similar, y el de la suya es la espiritualidad, por lo tanto intenta expresar ésta espiritualidad de una forma arquitectónica.
Su arquitectura no distrae a la hora de la meditación sino contribuye a la introspección.
Influencias[editar]
Tadao Ando guarda una estrecha relación con la arquitectura tradicional, la cultura y la historia japonesa, lo cual se ve reflejado en todas sus construcciones. También vemos que ha tenido influencias de grandes arquitectos como Le Corbusier5 y Louis Kahn6 y como el mismo dice: “Me interesa un diálogo con la arquitectura del pasado pero debe ser filtrado por mi propia visión y experiencia. Estoy en deuda con Le Corbusier o Mies van der Rohe,7 pero al mismo tiempo tomo lo que ellos hicieron y lo interpretó a mi manera”.
Ha sido también notable la contribución voluntaria y propositiva de Ando tras calamidades de gran escala. Tras el terremoto de Kōbe en 1995, Ando tuvo un papel importante en el reordenamiento del nuevo frente marítimo de Hyogo. Tras el derribamiento del World Trade Center en Nueva York el 2001, Ando propuso la creación de un parque circular en la Zona Cero que simbolizara el dolor que significaba el vacío dejado por las Torres Gemelas.

Interior de Omotesando Hills en temporada navideña.
Obras representativas[editar]
Casa Azuma (Osaka, Japón)
Fundación Pulitzer (St. Louis, Missouri)
Viviendas Rokko (Hyogo, Japón)
Capilla en el Monte Rokko (Kobe, Japón)
Jardín de las Bellas Artes (Kioto, Japón)
Museo Suntory (Osaka, Japón)
Museo de Arte Moderno (Fort Worth, Tejas)
Museo de Arte Contemporáneo Naoshima (Kagawa, Japón)
Pabellón del Japón, Exposición 1992 (Sevilla, España)
Espacio de Meditación para la UNESCO (París)
Centro de Congresos (Nara, Japón)
Edificio de Conferencias de Vitra (Weil am Rhein, Alemania)
Casa Koshino (Ashiya, Japón)
Centro de Investigación de Benetton (Treviso, Italia)
Edificio de Oficinas de Raika (Osaka, Japón)
Iglesia de la Luz (Ibaraki, Japón)
Iglesia sobre el agua (Hokkaido, Japón)
Edificio Times I y II (Kioto, Japón)
Edificio Bigi Atelier (Tokio)
Templo del Agua (Tsuna, Japón)
Museo de la Madera (Japón)
Museo Suntory (Osaka, Japón)
Omotesando Hills Centro comercial en Omotesando (Tokio, Japón)
Design, un espacio para el diseño (Tokio, Japón)
Centro Roberto Garza Sada, Escuela de Arte, Arquitectura y Diseño (Monterrey, México)

Ha recibido 62 puntos

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Toyoo Ito (Japón)

3. Toyoo Ito (Japón)

Toyoo Itō (伊東 豊雄 Itō Toyo'o?) (Seúl, 1 de junio de 1941) es un arquitecto japonés. Es considerado «uno de los arquitectos más innovadores e influyentes del mundo» según la web Designboom.com.2 El 17 de marzo de 2013 fue galardonado con el premio Pritzker, considerado la distinción más importante... Ver mas
Toyoo Itō (伊東 豊雄 Itō Toyo'o?) (Seúl, 1 de junio de 1941) es un arquitecto japonés. Es considerado «uno de los arquitectos más innovadores e influyentes del mundo» según la web Designboom.com.2 El 17 de marzo de 2013 fue galardonado con el premio Pritzker, considerado la distinción más importante en el mundo de la arquitectura.3
Biografía[editar]
Nació en Seúl (Corea) durante el periodo de ocupación colonial japonesa, se graduó de la Universidad Nacional de Tokio (Japón) en 1965. Trabajó durante 4 años en la oficina de Kiyonori Kikutake Arquitectos y Asociados, más tarde abre su propia oficina llamada "Urbot" (Urban Robot) en 1971, en Tokio. En 1979, el estudio cambia su nombre al de Toyo Ito & Associates, Architects. Con el cambio inicia un periodo de expansión y difusión internacional. En la actualidad alterna una vida con un fuerte contenido lúdico, dedica parte de su tiempo a la práctica del golf, y una carrera como arquitecto global.
Obra[editar]
Unos de sus primeros trabajos comprenden la Silver Hut y el mobiliario de la Chica Nómada de Tokio, en el cual trabajó la entonces colaboradora de su oficina Kazuyo Sejima. Su trabajo ha explorado la imagen física de la ciudad de la era digital. Tal como explica en escritos como El Jardín de Microchips. La imagen de la arquitectura en la era microelectrónica o Hacia la arquitectura del viento, la experiencia urbana propia de la ciudad contemporánea que acontece en dos espacios de referencia. Un espacio físico convencional y un conjunto de espacios virtuales en los que gran parte de las expectativas, sensibilidades e intereses urbanos se administran. El espacio físico cumple además la función de dar acceso al espacio o espacios virtuales.
Muchos de sus trabajos buscan disolver el mundo físico con el virtual. Trata con tópicos que incluyen la noción contemporánea de una "ciudad simulada".
Su obra más importante, la Mediateca de Sendai explora las estructuras de conexión y producción de conocimiento actuales. En un soporte que busca la integración estructural, con un tratamiento original a los soportes verticales, los cuales pretenden la apariencia vegetal dentro de un medio acuático.
Por su obra, recibió en marzo de 2013 el premio Pritzker (considerado el Nobel de Arquitectura).
Principales obras[editar]
Casa de Aluminio, Kanagawa, Japón 1971
Casa en Nakano - White U, Tokio, Japón 1976
Casa Silver Hut (vivienda del arquitecto), Tokio, Japón 1984
Torre de los Vientos. 1.er premio, Yokohama, Japón 1986
Museo Municipal de Yatsushiro, Yatsushiro, Japón 1991
Estación de Bomberos en Yatsushiro, Yatsushiro, Japón 1995
Mediateca de Sendai. 1.er premio, Sendai, Japón 1994-2001
Cúpula en Odate. 1.er premio, Odate, Japón 1997
Apartamentos Shinonome Canal Court Bloque 2, Tokio, Japón 1999-2003
Hospital Cognacq-Jay. 1.er premio, París, Francia 1999
Pabellón para la Expo 2000, Hannover, Alemania 2000
Pabellón Brujas 2002, Brujas, Bélgica 2002
Pabellón de la Serpentine Gallery 2002, Londres, Reino Unido 2002
Parque de la Relajación en Torrevieja, Torrevieja, España 2002
Edificio TOD'S Omotesando, Tokio, Japón 2002-2004
Vivocity (Frente Marítimo y Centro Comercial), Singapur, Singapur 2003
Edificio Mikimoto Ginza 2, Tokio, Japón 2004
Nueva Biblioteca para la Universidad de Arte de Tama, Hachioji, Japón 2004
Ampliación de la Fira de Barcelona,4 Hospitalet de Llobregat, España 2008
Edificio Suites Avenue en Barcelona, España 2009
Edificios Torres Fira (Hotel Porta Fira y Torre Realia BCN), Hospitalet de Llobregat, España 2009
Premios[editar]
Toyo Ito ha ganado muchos premios, entre los que se incluyen:
Architecture Institute of Japan Award por Silver Hut en 1986.
Mainrich Art Award por el Yatsushiro Municipal Museum en 1992.
IAA 'interach ‘97' Gran preio de la Unión de Arquitectos en Bulgaria Medalla de Oro en 1997.
Premio del Ministerio de Educación Japonés, mención arte 1998.
Arnold W. Brunner Memorial Prize en arquitecture de la Academia Americana de Artes y Letras en 2000.
Medalla de Oro en el premio Japonés al diseño en 2001.
Medalla de Oro del RIBA en 2006.5
Medalla de Oro de Bellas Artes otorgada por el Círculo de Bellas Artes en 2009.6
Praemium Imperiale en 2010.
Premio Pritzker en 2013.

Ha recibido 60 puntos

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Ryue Nishizawa (Japón)

4. Ryue Nishizawa (Japón)

Ryūe Nishizawa (Tokio, 1966) es un arquitecto japonés. Se graduó en Arquitectura por la Universidad Nacional de Yokohama y obtuvo un título de máster en 1990. Al finalizar sus estudios, colaboró en el estudio de "Kazuyo Sejima & Associates", convirtiéndose en 1995 en uno de los fundadores de una... Ver mas
Ryūe Nishizawa (Tokio, 1966) es un arquitecto japonés. Se graduó en Arquitectura por la Universidad Nacional de Yokohama y obtuvo un título de máster en 1990. Al finalizar sus estudios, colaboró en el estudio de "Kazuyo Sejima & Associates", convirtiéndose en 1995 en uno de los fundadores de una nueva agencia ("SANAA", "Sejima and Nishizawa associated architectes") junto con la que había sido su jefa hasta el momento, Kazuyo Sejima.
Sin embargo, no satisfecho con las realizaciones llevadas a cabo por "SANAA", Ryue decide complementar su trabajo abriendo su propio estudio de arquitectura en 1997, la "Oficina Ryue Nishizawa".
En el año 2000 fue fichado como profesor visitante en la Escuela de Diseño de Harvard, EE.UU, por un año de duración, pues en 2001 entró a formar parte como profesor adjunto en la Universidad Nacional de Yokohama, en el área de arquitectura y diseño.
Proyectos[editar]
Casa de Fin de Semana, Usui-gun, 1997-1998, (Japón)
Casa en Kamakura, Kamakura, 1999-2001, (Japón)
Proyecto Apartamentos Ichikawa, 2001, (Chiba, Japón)
Proyecto Apartamentos Eda, 2002, (Yokohama, Japón)
Proyecto Casa Moriyama, 2002, (Tokio, Japón)
Proyecto Pabellón de Vídeo, 2002, (Naoshima, Japón)
Proyecto Museo Tomihiro, 2002, (Gunma, Japón)
Apartamentos en Funabashi, 2002-2004, (Funabashi, Japón)
Proyecto Casa en China, 2003, (Tianjin, China)
Premios[editar]
2010 - Premio Pritzker de Arquitectura.1

Ha recibido 58 puntos

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Kazuyo Sejima (Japón)

5. Kazuyo Sejima (Japón)

Kazuyo Sejima (妹島 和世 Sejima Kazuyo?) (1956, Ibaraki, Japón), es una arquitecta contemporánea japonesa. En 1981 se gradúa como arquitecto en la Universidad de Mujeres de Japón, entrando a trabajar en el estudio de Toyō Itō. En 1987 funda su propio estudio, llamado Kazuyo and Associates y, en... Ver mas
Kazuyo Sejima (妹島 和世 Sejima Kazuyo?) (1956, Ibaraki, Japón), es una arquitecta contemporánea japonesa.
En 1981 se gradúa como arquitecto en la Universidad de Mujeres de Japón, entrando a trabajar en el estudio de Toyō Itō. En 1987 funda su propio estudio, llamado Kazuyo and Associates y, en 1995 y con base en la ciudad de Tokio funda, junto con Ryue Nishizawa, el estudio de arquitectura SANAA (Sejima + Nishizawa and Associates).
Kayuzo ha sido profesora en varias escuelas de arquitectura:
Profesora en la Universidad de Keiō, Tokio, Japón 2001.
Profesora visitante en la Escuela Politécnica Federal de Lausana, Suiza. 2006.
Profesora visitante en la Universidad de Princeton, EE.UU. 2006.
Vinculación con la Arquitectura diagramàtica[editar]

1 Breve introducción
En los años noventa, los diagramas adquirieron protagonismo en la obra de arquitectos como Rem Koolhaas, Kazuyo Sejima, MVRDV y Ben van Berkel. Todos ellos propusieron maneras diferentes de usar los diagramas, pero todos estaban apelando a las mismas promesas: liberar la arquitectura de sus limitaciones de representación y presentar nuevas formas de mediación entre lo virtual y lo real.1
Esta generación de arquitectos no fue la primera en trabajar con diagramas; se podría argumentar que el diagrama es tan antiguo como la arquitectura misma, pero no se le da una importancia teórica hasta que Toyo Ito se refiere a la arquitectura de Kazuyo Sejima como Arquitectura Diagramática en 1991, creando un nuevo concepto en la teoría de la arquitectura. 2

2 Aportaciones iniciales de Toyo Ito
La figura clave para Kazuyo Sejima fue Toyo Ito con quien trabajó sus primos años como arquitecta. Las ideas claves de Toyo Ito partían de la reflexión sobre la era de las imágenes y el mundo caótico en el que vivimos, las cuales son:
la desaparición del muro para juntar el mundo interior y el exterior - “blurring architecture” 3
la arquitectura flexible y cambiante 4
el edificio polifuncional 5
la asimilación de la arquitectura con el jardín 6
los “morfemas” 7
Como Kazuyo Sejima aplica estas ideas claves en su arquitectura:
Toyo Ito menciona en sus escritos que “hace falta producir una corriente de aire entre el espacio real y el ficticio." Para crear esta arquitectura, "haría falta describir algún otro sistema que supere el orden y racionalidad arquitectónicos del clasicismo.“ Kazuyo Sejima, adopta esta posición también para definir una horizontalidad que deja fluir los espacios, como ya lo hacía la cultura japonesa tradicional.
Esta arquitectura, "Blurring Architecture“, cuyos límites son oscilantes y sinuosos intenta difuminar o hacer desaparecer el límite entre interior y exterior. Este interior-exterior ya no es solo físico, sino también metafísico.
Esta, interiormente, es flexible y cambiante según las necesidades de los usuarios. Aparece en los dos autores una arquitectura en constante metamorfosis. Esta defiende el edificio polifuncional como reflejo de la sociedad moderna donde la información fluye con rapidez, y para conseguir hacer un espacio donde no haya un límite exacto diseñado para una función concreta, sino que sea la sociedad la que le de forma.
Toyo Ito busca una arquitectura que se asimilé a jardín por su fluidez y carácter fenomenológico como el espacio urbano. "Arquitectura donde la gente va uniendo los espacios fenomenológicos que van sucediendo en cada una de las escenas, surgiendo al final la imagen total como un continuo..."
El último de los conceptos principales de Toyo Ito es el “morfema”. Es el elemento arquitectónico que configura el perímetro de un halo de luz. Este recurso arquitectónico se repite en la mayoría de las obras de Kazuyo Sejima.

3 Rotura con Toyo Ito
Kazuyo Sejima ha sido fiel a los principios de Toyo Ito hasta que rompe con su arquitectura a causa del proyecto de “Las viviendas de Pao” de 1985. Kazuyo Sejima dijo en una entrevista: “Trabajé durante varios años en el estudio de Toyo Ito. Como miembro de su equipo estaba convencida de que la mayoría de sus diseños eran de buena calidad. Sin embargo, empecé a sentirme incómoda cuando presentó su proyecto para Pao, una especie de espacio provisional hecho en tela. Recuerdo que me preguntaba por qué estaría intentando envolver y atar su diseño en tela. Me pareció el reflejo de viejos conceptos arquitectónicos que de algún modo Ito estaba intentando perpetuar.” 8
Después de dicha rotura en 1985, Sejima se encuentra con la arquitectura que apuesta por la horizontalidad, la desaparición del muro, los morfemas, el jardín y la plurifuncionalidad, produciendo una arquitectura difícil de distribuir y organizar por su propia naturaleza. Frente a esta complejidad recurre a los diagramas como herramienta de proyecto. No es hasta el 1991, que Toyo Ito constata que Sejima está haciendo una arquitectura diagramática. 9
Mientras para Toyo Ito los diagramas sirven para introducir medios de climatización, flujos de salud y estímulos sensoriales orgánicos, para Kazuyo Sejima los diagramas sirven para relacionar los espacios con las actividades. 10

4 Aplicación del diagrama en la arquitectura de Kazuyo Sejima
Con su obra, Sejima funda una nueva arquitectura, radicalmente moderna y abstracta, puro presente y percepción de los sentidos, rompiendo con cualquier continuidad histórica.
“Los conceptos invariantes no tienen validez en una sociedad que cambia de manera tan rápida. Aquello a lo que aspiro es a prescindir de estereotipos pasados de moda que definen lo que es una vivienda precisamente para poder empezar de nuevo. Encuentro que ese tipo de supuestos son bastante arbitrarios, y no están basados en la realidad.”
“El hecho de ser tan joven hace pensar a cierta gente que me he liberado del pasado. Sin embargo también tengo en cuenta la historia y la tradición. La diferencia está en que yo no las acepto en bloque sino que trato de replantearme los supuestos que con frecuencia se han dado por sentados”.
“La historia, la tradición y la sociedad no deberían ser entendidas como algo definitivo y no deberían ser aceptadas ciegamente”.
Aspiración minimalista:
”Un espacio homogéneo al que se le han asignado diversas funciones”.
“…Algo que no solo se pueda recorrer, sino un lugar con mucha fuerza y sustancia”.
Existe la voluntad de refundar la arquitectura a partir de una fidelidad matemática al programa.
Las viviendas Gifu (SANNA) son un claro ejemplo de la coincidencia entre diagrama y espacio, planteando las viviendas a través de células o módulos individuales.
La arquitectura de Kazuyo Sejima es modular y diagramática, no propone una forma definida, sino una modulación.
11

5 Primera obra diagramática de Kazuyo Sejima
La idea del diagrama espacial igualándose a la arquitectura no se le ocurre desde el principio. Durante el proceso de diseño del Dormitorio de Mujeres Saishunkan (terminado 1991) descubre su propio estilo personal.
Es la oportunidad de plasmar de forma simbólica nuestra sociedad moderna. Un diagrama de la sociedad del futuro. Consigue representar de forma esquemática, la forma de vida moderna (la de la sociedad del futuro).
12

6 Proceso proyectual de Kazuyo Sejima
“Un edificio es en el fondo el equivalente al diagrama del espacio que se usa para describir de forma abstracta las actividades cotidianas que se presuponen en el edificio”.
La conversión de un edificio concreto en un diagrama es un complicado proceso ya que la multiplicidad de condiciones del programa deben ser leídas en términos espaciales. Parte del programa que se convierte en organigrama y éste en un diagrama que se mantiene como base esencial del proyecto.
El proyecto produce el cambio a las tres dimensiones. Es un cambio que depende de la propia expresión individual y por tanto, la visión personal introduce distorsiones importantes en el diagrama establecido.
Se trata de un proceso proyectual breve que ordena las condiciones funcionales que ha de llevar el edificio en un diagrama último del espacio, e inmediatamente convierte este esquema en realidad. El proceso proyectual es prácticamente inexistente en su trabajo.
Defiende que una arquitectura definida y precisa en su estructura funcional diagramática tendrá más capacidad de ser adaptable y transformable.
“Diseñar es un proceso continuo de descubrimientos. Escojo una serie de elementos diversos y los organizo según los deseos del cliente, las condiciones del terreno y las ¬ideas que yo misma pueda tener. Junto estos elementos en un sistema e intento avanzar hasta la fase de diseño.”
“Tengo en consideración el modo en el que la gente pueda usar el edificio una vez haya sido terminado. Obviamente la gente puede moverse de forma diferente dentro de un espacio arquitectónico dad. Yo procuro tener en cuenta toda la variedad de formas que generarán estos movimientos.”
13
Proyectos[editar]
Edificio de Apartamentos Gifu Kitagata, Motosu, Japón (1994-1998)
Edificio-U, Ushiku, Japón (1996-1998)
Casa Pequeña, Tokio, Japón (1999-2000)
HHStyle.com, Tokio, Japón (1999-2000)
Casa en un Huerto de Ciruelos, Tokio, Japón (2003)
Edificio Asahi Shimbun Yamagata, Yamagata, Japón (2003)
Complejo Multiuso “Public Hall” en Onishi, Onishi, Japón (2003-2005)
Residencia de Estudiantes Kozankaku, Ibaraki, Japón (2004)
Proyecto Jardines Yu-xi, Taipei, Taiwan (2005)
Clínica Dental, Tsuyama, Japón (2005-2006)
Viviendas Seijo, Tokio, Japón (2005-2007)
Proyecto Edificio Toyota Aizuma, Toyota, Japón (2006)
Toledo Museum of Art, Toledo, EE. UU. (2001-2006)
Apartamentos Okurayama, Yokohama, Japón(2006-2008)
Pabellón de la Serpentine Gallery, Londres, Reino Unido (2009)
Edificio de Apartamentos Gifu Kitagata, Motosu, Japón (1994-1998)[editar]
Esta obra que forma parte de un proyecto de vivienda social se adapta a la parcela creando una forma que consigue generar mayor número de viviendas que una pieza longitudinal, dejando espacios libres en su interior.
Para un tiempo de incertidumbre, Sejima considera, paradójicamente, que una arquitectura que sea definida y precisa en su estructura funcional diagramática tendrá más capacidad de ser adaptable y transformable.
Como toda arquitectura urbana de Kazuyo Sejima el volumen es simple y ortogonal, muy estrecho y su fachada va variando con sucesivos huecos.
No propone una forma definida como resultado, sino una modulación formada por la suma de pequeñas células individuales también llamadas “pixeles”. La mayor parte dúplex, que se van combinando de forma libre en sección, con el objetivo de amoldarse a los hábitos residenciales japoneses; fiel a sus principios, los diagramas sirven para relacionar los espacios con las actividades.
Cada célula de vivienda consta de varios módulos de 3m x 4m, que pueden servir de habitación, cocina-comedor y terraza respectivamente. La vivienda mínima dispone de estos tres módulos y para las demás se van agregando más módulos de habitación dependiendo del tamaño de la vivienda. En la vivienda, todas las habitaciones dan a un corredor privado, el cual proporciona toda la luz, y por el cual se conectan. Las terrazas dan a un corredor común siendo la unión con lo público.
Debido a la estrecha crujía y a la continuidad de los módulos casi cuadrados, las comunicaciones, no se realizan entre las viviendas, se realizan a través de unas escaleras exteriores comunitarias por el lado público que le dan dinamismo a la fachada posterior y van llegando a los corredores públicos dando acceso a todas y cada una de las viviendas. Los dúplex disponen de una escalera privada en la franja de la fachada principal.
La fachada es un reflejo de la propia composición de módulos, quedando como huecos las terrazas de cada vivienda.
En planta la composición es simple y flexible, dos corredores, uno público y uno privado con los módulos de vivienda entre ellos.
La estandarización de los módulos habitacionales facilita la construcción de la obra a través de un sistema prefabricado.
Este proyecto, utiliza el módulo como unidad habitacional, compositiva y constructiva y así consigue múltiples variaciones en una fachada aparentemente continua y un bajo costo para la vivienda social.
Su obra parte del programa, se convierte en organigrama y éste en un diagrama que se mantiene como base esencial del proyecto. En toda su obra existe esta voluntad de refundar la arquitectura a partir de una fidelidad matemática al programa, relacionando los espacios con sus actividades.
Complejo Multiuso “Public Hall” en Onishi, Onishi, Japón (2003-2005)[editar]
El complejo multiusos Onishi Town Hall de Kazuyo Sejima (SANAA) en Japón (2005) es una arquitectura característica de la cultura japonesa, en la que el diagrama se insinúa ya de forma más sutil.
En este proyecto SANAA explora la sociedad contemporánea japonesa como a un contexto para la arquitectura, considerando su particular perspectiva del espacio tanto privado como público.
“Onishi es una pequeña ciudad con una población de menos de mil habitantes, en su mayoría personas mayores. En un lugar como éste, no quería construir un edificio que fuera mayor que un edificio de viviendas y que la gente lo viera vacío y sin uso la mayor parte del tiempo. Pensé en cual podría ser la manera de que un gran edificio pudiera ser atractivo para la gente y que fuera casi tangible, incluso cuando no estuviera en uso. Así que dividí el edificio en 3 componentes, de forma que la circulación entre medias fuera la continuación de los caminos alrededor del edificio.”14
Este complejo está formado por tres cuerpos de la misma altura y transparencia que se extienden al paisaje inmediato, multiplicando el juego de perspectivas exteriores e interiores.
Las formas curvas y transparentes de estos tres pabellones, se organizan para definir un conjunto de espacios equivalentes pero diferenciados en forma y tamaño, como tres gotas de agua. El programa consiste en diversos equipamientos de carácter cívico: un centro administrativo, un polideportivo y un auditorio.
El pabellón deportivo, de una envergadura de 19m y una altura libre de 8m, esta revevestido por la madera local llamada ”Onishi-Sugi”, un requisito del cliente. Con el fin de abarcar la distancia de 19m se introdujo un sistema de viga de madera laminada reforzada. Se realizaron varias pruebas en el laboratorio para confirmar su fuerza y comportamientos.
La composición y cercanía de las tres piezas permite que se establezca un recorrido de calles interiores o patios longitudinales, con los que se resuelven las conexiones entre los pabellones, una coincidencia entre diagrama y espacio.
Premios[editar]
1988 - Premio Kazuma, revista SD 1988 (Platform I & II).
1989 - Premio Especial de Arquitectura Residencial de la Asociación de Arquitectos de Tokio (Platform I)
1989 - Premio Yoshizaka, Japan Architect (Platform I).
1990 - Mención de Honor, Concurso La Maison de la Culture de Japón, París.
1990 - 2º Premio revista SD 1990 (Residencia Femenina Saishunkan Seiyaku).
1991 - 2º Premio Concurso para el Diseño del Nasunogahara Harmony Hall.
1992 - Arquitecto Joven del Año, Instituto de Arquitectos de Japón (Residencia Femenina Saishunkan Seiyaku).
1992 - 2º Premio, Premio '92 al Diseño de Espacios Comerciales (Tienda de Deportes Castelbajac).
1994 - 1.er Premio, Premio '94 al Diseño de Espacios Comerciales (Pachinko Parlor I & II).
1994 - Premio Obra de Arquitectura del año '94 (Villa en el Bosque).
1995 - Seleccionada para el concurso de la Terminal Internacional de Yokohama.
1995 - 1.er Premio Kenneth F. Brown a la Cultura y Arquitectura del Pacífico Asiático, Universidad de Hawaii (Residencia Femenina Saishunkan Seiyaku).
1996 - 2º Premio Concurso para el Diseño de la Estación de Bomberos Nishi en Hiroshima.
1996 - 2º Premio Concurso para el Diseño del Forum Nagaoka Bunnka Souzou.
2000 - Premio de Arquitectura Erich Schelling, Karlsruhe, Alemania.
2010 - Premio Pritzker de Arquitectura.15
Obras Publicadas[editar]
Kazuyo Sejima en Gifu, 2001 Actar Editorial, ISBN 978-84-89698-99-4
SANAA Houses, 2007 Actar Editorial, ISBN 978-84-96540-76-7

Ha recibido 51 puntos

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Sou Fujimoto (Japón)

6. Sou Fujimoto (Japón)

Biografía[editar] Se graduó en Arquitectura en la facultad de ingeniería de la Universidad de Tokio en 1994. Al finalizar, en vez de trabajar para alguno de los grandes estudios de arquitectura, optó por reflexionar por sí mismo mediante la realización de pequeñas obras, lo que le da un... Ver mas
Biografía[editar]
Se graduó en Arquitectura en la facultad de ingeniería de la Universidad de Tokio en 1994. Al finalizar, en vez de trabajar para alguno de los grandes estudios de arquitectura, optó por reflexionar por sí mismo mediante la realización de pequeñas obras, lo que le da un carácter muy personal a sus proyectos.1 Fundó su propio estudio Sou Fujimoto Architects en Tokio en el año 2000.
Docencia[editar]
Ha impartido clases como Profesor Adjunto en:2
Universidad de Ciencias de Tokio (2001-)
Universidad de Mujeres de Showa (2004-2008)
Universidad de Tokio (2004)
Universidad de Kioto (2007-)
Universidad de Keio (2009-)
Y como Profesor Asociado en:
Universidad de Tokio (2009-)
Proyectos[editar]

Casa de madera definitiva, Kumamoto

Casa N, Oita, 2008
Centro infantil de rehabilitación psiquiátrica (Hokkaido), 2006 [1]
Casa de madera definitiva (Kumamoto) [2]
Casa del futuro primitivo 2008 (Basilea)
Casa N, Oita, 2008
Edificio de viviendas en Tokio
La casa antes de la casa (Tochigi)
Casa H (Tokio)
Casa N (Oita) [3]
Casa T (Gunma) [4]
Biblioteca para la Musashino Art University (Tokio)3 [5]
Premios y distinciones[editar]
2000 2º Premio Concurso para el Museo de Arte de la Prefectura de Aomori
2002 Mención Honorífica en el Concurso para el Ayuntamiento de Ora
2003 1.er Premio Concurso para el Foro de Arte Ambiental para Annaka
2004 Premio JIA New Face
2005 1.er Premio Concurso de Vivienda de Madera en Kumamoto (Casa de Madera Definitiva)
2006 'Gold Prize' - Categoría Vivienda, Asociación de Arquitectos e Ingenieros de Tokio
2007 Premio de Arquitectura Kenneth F. Brown - Mención Honorífica (Centro Infantil de Rehabilitación Psiquiátrica)
2008 World Architectural Festival - Premio Categoría Vivienda Privada
2008 Gran Premio Instituto de Arquitectura Japonés (Centro Infantil de Rehabilitación Psiquiátrica)
2009 Premios de Diseño Wallpaper - Mejor Vivienda Privada (Casa de Madera Definitiva)

Ha recibido 40 puntos

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Kenzo Tange (Japón)

7. Kenzo Tange (Japón)

Biografía[editar] Nació en Sakai, pero pasó la mayor parte de su infancia en la ciudad natal de su padre, Imabari, en la Prefectura de Ehime de Japón. De adolescente no había pensado en ser arquitecto, pero tuvo ocasión de conocer la obra de Le Corbusier, que le impresionó y le llevó a la... Ver mas
Biografía[editar]
Nació en Sakai, pero pasó la mayor parte de su infancia en la ciudad natal de su padre, Imabari, en la Prefectura de Ehime de Japón. De adolescente no había pensado en ser arquitecto, pero tuvo ocasión de conocer la obra de Le Corbusier, que le impresionó y le llevó a la determinación de ser arquitecto. Estudió en la facultad de arquitectura de la Universidad de Tokio. Su tesis doctoral versó sobre la estructuración de los espacios en las grandes ciudades, considerando los desplazamientos que se producen entre los lugares de trabajo y los de residencia.
En 1946 se convirtió en profesor adjunto en esta misma universidad y organizó el llamado Laboratorio Tange, donde él y sus alumnos diseñaban proyectos. Entre sus estudiantes se encontraban arquitectos que más tarde también serían famosos, como Arata Isozaki. En esta época se le encargó a Tange dirigir la reconstrucción de Hiroshima. Diseñó el Parque y el Centro de la Paz, que constituyen símbolos de la aspiración humana por la paz. El Centro de la Paz (1949) tiene gran influencia modernista. Su construcción, efectuada en hormigón armado expuesto, y su porte monumental, apoyado sobre pilares, evocan los principios planteados por Le Corbusier. A sus costados se ubican dos edificios más pequeños, correspondientes a la Biblioteca y el centro de conferencias.
En 1967, cuando su prestigio ya había trascendido las fronteras de Japón, Tange recibió el encargo de diseñar en Italia el recinto de la feria de Bolonia y una nueva ciudad con capacidad para 60.000 habitantes en Sicilia. Aunque realizó obras en diversos lugares del mundo, la mayor parte se encuentran en su Japón natal, sobre todo en Tokio.
Para diseñar la nueva catedral de Tokio, Tange visitó numerosas catedrales medievales y góticas en Europa. Al ver su grandiosidad apuntando hacia el cielo y sus espacios místicos, dice el propio Tange, se imaginó la nueva catedral con grandes espacios diseñados según el estilo moderno. Una de las grandes realizaciones de Tange es el conjunto de edificios y espacios abiertos entorno al nuevo ayuntamiento de Tokio. Consta de dos torres, una plaza y un parque. El Plan de 1960 para Tokyo llamó poderosamente la atención de la comunidad de arquitectos en todo el mundo por su concepto innovador que dirige el crecimiento de la ciudad hacía la bahía, utilizando puentes, islas artificiales y aparcamientos flotantes.
Tange fue profesor invitado en el Instituto de Tecnología de Massachusetts (Boston, Estados Unidos), e impartió seminarios en las universidades de Yale, Princeton, Berkeley y Washington, entre otras, así como en el Instituto de Tecnología de Illinois. Ganó en 1987 el premio Pritzker, el galardón internacional más prestigioso de arquitectura.
Los proyectos de Tange reflejan su convicción de que la arquitectura debe tener algo que llega al corazón de las personas. Aun así, las formas, los espacios y el aspecto deben responder a una lógica. Tange creía que el diseño de nuestro tiempo debe combinar tecnología y humanidad. La tradición puede estar presente de alguna manera en la creación de un nuevo proyecto, pero ya no es visible en la obra terminada.
Obras representativas[editar]

Museo Memorial de la Paz de Hiroshima.

Fuji Television building en Odaiba.
Sede principal de Olivetti en Japón (Tokio, Japón)
Conjunto del nuevo Ayuntamiento (Tokio)
Centro cultural (Nichinan, Japón)
Expansión de Tokio, Plan de 1960 (Tokio, Japón)
Centro de radiodifusión y prensa (Kofu, Japón)
Catedral de Santa María (Tokio, Japón)
Torre del Overseas Union Bank (Singapur)
Estadio Olímpico (Tokio, Japón)
Viviendas pareadas (Ichinomiya, Japón)
Torre de GB (Singapur)
Ayuntamiento (Kurashiki, Japón)
Centro de telecomunicaciones (Singapur)
Centro de Arte Sogetsu (Tokio, Japón)
Instituto Tecnológico Nanyang (Singapur)
Hotel Akasaka Prince (Tokio, Japón)
Museo de Historia Prefectural de Hyogo (Kobe, Japón)
Ampliación del Museo de Arte (Minneápolis, Estados Unidos)
Conjunto monumental por la Paz (Hiroshima, Japón)
Escuela Tohin (Tokio, Japón)
Museo de Arte (Yokohama, Japón)
Sede central de la Universidad de las Naciones Unidas (Tokio, Japón)
Recinto de la Feria (Bologna, Italia)
Nueva ciudad en Catania (Sicilia, Italia)
Embajada de Japón en México (Ciudad de México, México)
Embajada de Japón en España (Ciudad de Madrid, España)

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Kengo Kuma (Japón)

8. Kengo Kuma (Japón)

Kengo Kuma (隈 研吾, Kuma Kengo) es un arquitecto contemporáneo japonés nacido en la prefectura de Kanagawa (Japón), en 1954. Ha sido autor de obras de gran importancia, entre ellas el Teatro de la Ópera de Granada.

Ha recibido 35 puntos

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Konstantin Mélnikov (Rusia)

9. Konstantin Mélnikov (Rusia)

Konstantín Stepánovich Mélnikov (Ruso: Константин Степанович Мельников; (3 de agosto de 1890, Moscú - 28 de noviembre de 1974, id.) fue un arquitecto ruso y la mayor figura del constructivismo ruso del siglo XX (véase en:Constructivist architecture). Mélnikov nació en una familia de clase... Ver mas
Konstantín Stepánovich Mélnikov (Ruso: Константин Степанович Мельников; (3 de agosto de 1890, Moscú - 28 de noviembre de 1974, id.) fue un arquitecto ruso y la mayor figura del constructivismo ruso del siglo XX (véase en:Constructivist architecture).
Mélnikov nació en una familia de clase obrera en Hay Lodge, un barrio suburbano cercano a Moscú. Desde 1910 a 1914 estudió pintura en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú. Desde 1914 a 1917 fue un estudiante de arquitectura en la escuela en la que se graduó en Arquitectura. Su primer trabajo, por encargo de la AMO Fabrica de coches en Moscú, donde estuvo trabajando en la revolución de Octubre, es clásica, conservadora y académica. Después de asistir a la Escuela del Estado de Moscú en 1923 el estilo de Mélnikov cambia radicalmente.
Comenzando con un pabellón para la Exposición de la agricultura y artesanía de todas las Rusias (1923), Mélnikov se embarca en un línea de innovación y encargos de alto nivel: el sarcófago en el Mausoleo de Lenin en 1924 y el Pabellón Soviético en la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas en París (1925). El edificio de París atrajo la atención internacional, y fue mirado como uno de los más progresistas edificios de la feria.
En París, a donde viajó para dirigir las obras de construcción del pabellón, tuvo la oportunidad de contactar con algunos de los autores de la arquitectura de vanguardia centroeuropea. Conoció a Le Corbusier, que le enseñó algunas de sus obras en un paseo en el coche del arquitecto suizo y entabló amistad con Robert Mallet-Stevens. Su esposa y sus dos hijos se reunieron con él en París en el verano del 1925. Recibió el encargo del ayuntamiento de París para realizar una propuesta de aparcamiento para 1.000 autos. Del que Mélnikov realizó una primera versión sobre el Sena y una segunda versión, que desarrolló en una estancia vacacional junto a su familia en San Juan de Luz, contenida en un prisma regular de 50 metros de lado. Finalmente ninguna de ellas despertó el interés de las autoridades municipales.
Después de la Revolución de 1917, Mélnikov desarrolla un nuevo plan urbano para Moscú. Desde 1921 a 1923 enseño a tiempo parcial en su vieja escuela, renombrada Vjutemás. La principal parte de su trabajo, en ese tiempo, consistía enteramente en diseñar clubes obreros fuera de Moscú.
El estilo de Mélnikov es difícil de categorizar. En sus experimentales usos de materiales y formas más su atención a la funcionalidad, tiene algo en común con los auto-denominados Expresionistas anteriores a la Primera Guerra Mundial , arquitectura de los alemanes Erich Mendelsohn y Bruno Taut, ambos trabajaron brevemente en Rusia en esa época. Es frecuentemente referenciado como Constructivista porque la influencia en Mélnikov de Vladímir Tatlin, y porque el deseo de Mélnikov era que sus edificios pudieran expresar los valores sociales soviéticos revolucionarios, aunque al mismo tiempo defendió públicamente en numerosas ocasiones el derecho y la necesidad de la expresión personal, que reivindicó como única fuente del diseño delicado. Uno de los mejores ejemplos existentes del trabajo de Mélnikov es su propia residencia en Moscú, que data de 1929, consiste en dos torres cilíndricas decoradas con un patrón de ventanas hexagonales. Estas torres están formadas por una cáscara a modo de enrejado hecho con ladrillo.
Mélnikov salió de los favores políticos en 1937, cuando fue seleccionado por la Unión de arquitectos como un arquitecto "formalista" (un dañino epíteto muy usado en su tiempo) y apartado de la enseñanza o de la práctica. Sobrevivió a las purgas estalinistas pero, rechazado el admitir las falsas acusaciones, nunca fue rehabilitado. Vivió en reclusión en su casa, donde trabajaba como un pintor de retrato a comisión hasta su muerte en 1974. Este largo silencio fue roto únicamente por un único pabellón para la Expo de Montreal en 1967. El hijo de Mélnikov, Víktor, quien como su padre, era pintor, también vivía y trabajaba en esa casa, y luchó por preservarla como museo hasta su muerte en febrero de 2006. La casa todavía contiene una importante porción del archivo de Konstantín Mélnikov. Un archivo disputado durante años por sus dos herederos, del que existen fotografías realizadas por el fotógrafo Ígor Palmín tomadas en los años 60.
Selección de obras[editar]
1923 - Proyecto (denominado Nerv) del concurso para el Palacio del Trabajo que ganó Noi Trotski, Moscú
1923 - Pabellón Majorka para la Exposición de la agricultura y artesanía de todas las Rusias, Moscú.
1924 - Diseño para el sarcófago de Lenin (ejecutado)
1924–1925 - Concurso para la oficina en Moscú del diario Leningrádskaya Pravda.
1924–1925 - Concurso para el pabellón de la URSS en la Exposición Internacional de las Artes Decorativas e Industriales Modernas, París (ejecutado)
1927–1931 - Club para los obreros de la fábrica Kauchuk (en:Kauchuk Factory Club), calle Plyuschija, 64, Moscú.
1927–1931 - Palacio de Cultura Svoboda (también denomiado de Maksim Gorki), calle Vyátskaya, Moscú.
1927–1931 - Club de la fábrica Burevéstnik, Moscú
1927–1931 - tres garajes para autobuses, incluido el Garaje Bajmétievski, Moscú.
1928 - Club de obreros Rusakov, calle Stromynka, 6, Moscú.
1928 - Casa Mélnikov, residencia propia (calle Krivoarbatski pereúlok, 10), Moscú.[1]
1929 - diseño del Parque Gorki, Moscú
1929 - Garaje para camiones en la calle Novoryazánskaya, Moscú
1929 - Concurso para el Palacio de los Sóviets (la propuesta de Mélnikov fue ignorada por el jurado), Moscú
1934 - Concurso para el edificio del Narkomtyazhprom, Plaza Roja, Moscú

Ha recibido 34 puntos

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C.Y. Lee (China)

10. C.Y. Lee (China)

Arquitecto chino nacido en la provincia de Guangdong. Recibió su licenciatura en la Universidad Nacional Cheng Kung de Taiwan y su maestría en la Universidad de Princeton (Nueva Jersey, EEUU). Es famoso por la construcción de edificios de grandes dimensiones, entre ellos, el Taipei 101 (2004... Ver mas
Arquitecto chino nacido en la provincia de Guangdong. Recibió su licenciatura en la Universidad Nacional Cheng Kung de Taiwan y su maestría en la Universidad de Princeton (Nueva Jersey, EEUU). Es famoso por la construcción de edificios de grandes dimensiones, entre ellos, el Taipei 101 (2004), considerado como el rascacielos ecológico más alto del mundo. El edificio puede soportar terremotos de hasta 7 grados en la escala de Richter y vientos de más de 450 km/h. C. Y. Lee diseñó una importante capacidad de absorción de movimiento de masas en esta estructura, residiendo en un amortiguador de masa formado por una gigante bola dorada de acero de 680 toneladas de peso compuesta de planchas metálicas en el piso 92 que se suspende sobre tensores desde su parte alta y en su base sujeta con bombas hidráulicas, siendo el más grande y pesado a nivel mundial. Otras obras de este arquitecto son, el Hung Kuo Building (Taipei, 1989), el Grand 50 Tower (Kaohsiung, 1993), el Tuntex 85 Sky Tower (Kaohsiung, 1998), el Taoyuan International Airport (Taoyuan, 2000) y el monasterio de Chung Tai Chan Nantou (2001). © epdlp

Ha recibido 33 puntos

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Kisho Kurokawa (Japón)

11. Kisho Kurokawa (Japón)

Biografía[editar] Nacido en Nagoya, Aichi, Kurokawa estudió en la Universidad de Kioto, se graduó con una licenciatura del Departamento de Arquitectura en 1957. Continuó sus estudios en la Escuela de Arquitectura Universidad de Tokio bajo la supervisión de Kenzō Tange, consiguiendo un master en... Ver mas
Biografía[editar]
Nacido en Nagoya, Aichi, Kurokawa estudió en la Universidad de Kioto, se graduó con una licenciatura del Departamento de Arquitectura en 1957. Continuó sus estudios en la Escuela de Arquitectura Universidad de Tokio bajo la supervisión de Kenzō Tange, consiguiendo un master en 1959 y el doctorado en 1964.
Junto a algunos colegas, cofundó el Movimiento Metabolista en 1960; sus miembros eran conocidos como los Metabolistas. Éste fue un movimiento radical avant-garde japonés que perseguía la combinación y el reciclaje de los estilos de la arquitectura alrededor de una filosofía asiática. El movimiento fue muy exitoso, destacando cuando sus miembros recibieron la alabanza por el Takara Beautillion de la Expo Universal de Osaka de 1970. El grupo se rompió pronto después de eso.
Kurokawa tenía una hija de su primer matrimonio, que trabaja como arquitecta del paisaje. Su segundo matrimonio fue con Ayako Wakao (若尾 文子 Wakao Ayako), una actriz con algunas películas notables en los años 50 y los 60. El hermano de Kurokawa, más joven que él, trabaja en el diseño industrial, pero también había cooperado con Kurokawa en algunos proyectos de arquitectura.
Kurokawa fue el fundador y presidente de la compañía Kisho Kurokawa Architect & Associates, creada el 8 de abril de 1962. La compañía tiene su oficina principal en Tokio, y delegaciones en Osaka, Nagoya, Astaná, Kuala Lumpur y Pekín. La compañía está registrada por el gobierno japonés como Oficina de Arquitectos de Primera Clase.
Sus ideas sobre la Arquitectura[editar]
Kisho Kurokawa, nacido en Nagoya en 1934 es uno de los arquitectos japoneses más aclamados internacionalmente. Él fue fundador del Movimiento Metabolista en los años 60. Tiene escrita una extensa cantidad de trabajos referidos a la filosofía y a la arquitectura. Kurokawa escribió que hay dos tradiciones inherentes a cualquier cultura: la visible y la invisible. Su trabajo, según él, lleva la tradición invisible de Japón. Mirando su arquitectura, el metabolismo, la tradición no parece estar presente, pero por debajo de la piel dura de la superficie, su trabajo es japonés. Es difícil demandar que las tecnologías y el material modernos usados hayan heredado la tradición japonesa, y que las formas tradicionales de arquitectura japonesa pueden ser reconocidas en tus torres modernas de acero. Sin embargo, la arquitectura de Kurokawas se desarrolla desde la tradición japonesa y uno puede detectar el detrás de la estética japonesa en su trabajo. El trabajo de Kurokawa se centró en guardar las tradiciones japonesas de los conceptos invisibles, especialmente materialidad, impermanencia, receptividad y detalle. Estos 4 puntos fueron discutidos específicamente por Kurokawa en su explicación para una nueva onda de la arquitectura japonesa:
Impermanencia[editar]
Kurokawa observó que a excepción de Kioto y de Kanazawa, la mayoría de las ciudades japonesas fueron destruidas durante la Segunda Guerra Mundial. Cuando se destruyen las ciudades occidentales, el ladrillo y la piedra permanecen como prueba de su última existencia. Tristemente, las observaciones de Kurokawa nos muestran que las ciudades de Japón fueron construidas sobre todo de los elementos de madera y naturales que se convierten fácilmente en cenizas desapareciendo totalmente. Él también observa que tanto Edo (ahora Tokio) como Kioto fueron destruidas casi enteramente en varias ocasiones durante batallas del período de los Reinos Combatientes en el siglo XV y XVI. El cambiar de poder hizo que partes de Japón debieran ser destruidas. En el mismo apartado, hablando históricamente, las ciudades de Japón se han golpeado casi anualmente con desastres naturales tales como terremotos, tifones, inundaciones y erupciones volcánicas. Esta destrucción repetida continua de edificios y de ciudades ha dado a Japón "mucha incertidumbre sobre su existencia, una carencia de fe en lo visible, una suspicacia de lo eterno". Además las cuatro estaciones están marcadas claramente en Japón, y los cambios en el año de éstas son extremos y dramáticos. El tiempo es, en la cultura japonesa, una entidad preciosa que fuerza muchas velas, muchos seres, muchas entidades que se descolorean en un punto. La idea de que los edificios y las ciudades deben parecer tan naturales como sea posible y que deben estar en armonía con el resto de la naturaleza, puesto que está solamente temporalmente allí, ha creado la tradición de hacer el edificio y las ciudades con una estructura "temporal".
Esta idea de la impermanencia se refleja en el trabajo de Kurokawa durante el Movimiento Metabolista. Los edificios fueron hechos tan sólo para ser desprendibles, permutables y adaptables. El concepto de la impermanencia provino de su trabajo para hacer sistemas abiertos al tiempo y espacio.
Materialidad[editar]
Kurokawa explica que los japoneses intentaban explotar las texturas y colores naturales de los materiales usados en una edificación. La tradicional habitación del té fue intencionalmente construida de sólo materiales naturales como tierra y arena, papel, hojas de plantas, y pequeños árboles. Para la maderas que se necesitaban se preferían los árboles de sus propios patios traseros. Se rechazaron todos los colores artificiales y los tonos y texturas naturales de los materiales fueron demostrando sus mejores ventajas. Esta honradez de la materialidad proviene de la idea de que la naturaleza es hermosa en sí misma ya. El japonés siente que su comida sabe mejor, que su madera parece mejor, que lo material es mejor, cuando es natural. Se cree en el máximo disfrute de todo aquello que está en su estado natural.
Esta tradición de la materialidad está viva en el trabajo de Kurokawa que trata el hierro como hierro, el aluminio como aluminio y hacer que la mayor parte de lo inherente finalice en algo concreto. La tradición de la honradez de la materialidad está presente en el edificio de la cápsula de Kurokawa. En él, Kurokawa demostró tecnología con “ningún color artificial.” La cápsula, la unidad de la escalera móvil, la unidad del elevador, y la canalización eran toda exteriores y expuestas. Kurokawa tenía estructuras abiertas enseñadas tal y como eran sin tentativa de ocultar los elementos de los conectadores, creyendo que la belleza era inherente en cada parte por sí misma. Este movimiento en negrilla creó una textura de los elementos que se convirtieron en la materialidad verdadera del conjunto.
Receptividad[editar]
La noción o la receptividad es una idea crucial japonesa. Algunos incluso aventurarían decir que es una “tradición.” Japón, dice Kurokawa, es un país pequeño. Durante más de mil años, Japón ha vivido con un conocimiento sus vecinas China y Corea; y en la edad moderna de los imperios de Portugal, Gran Bretaña, Estados Unidos, por nombrar algunos. La única manera para un país pequeño como Japón de evitar ser atacada por estos imperios era hacer tentativa continua de absorber culturas extranjeras, para estudiarlas, y, mientras establecía relaciones amistosas con la nación más grande, preservaba su propia identidad. Esta receptividad es lo que a Japón le ha permitido pasar de ser una isla que cultiva a una nación imperial usando los primeros sistemas políticos y adelantos chinos, y después las técnicas y conocimiento occidentales. Japón eventualmente sobrepasó a China y tropezó consigo misma durante la Segunda Guerra Mundial. Después de la guerra, Japón, usando esta misma perspectiva absorbió la cultura americana y la tecnología, sobrepasándola también.
La arquitectura de Kurokawa sigue la secuencia de la receptividad, pero en un punto, el intento para divergir y para encontrar su propia identidad. Al principio, el trabajo de Kurokawa siguió el movimiento moderno que fue introducido por Tange, Isozaki y sus contemporáneos. Tange demostró al mundo que Japón podía construir edificios modernos. Sus contemporáneos lo siguieron y continuaron. Entonces en un punto, en los años 60, Kurokawa y un grupo pequeño de arquitectos comenzaron una onda nueva de la arquitectura japonesa contemporánea que creía que la solución anterior y sus imitaciones no eran satisfactorias a la nueva era: la vida no estaba presente en el modernismo. Acuñaron su trabajo con la palabra “metabolismo.” El trabajo de Kurokawa llegó a ser receptivo “a su propia filosofía, el principio de la vida.” (Allí él vio arquitectura y ciudades como proceso dinámico donde las piezas necesitaron estar listas para el cambio. Él utilizó sobre todo el marco y las unidades abiertas de acero que eran prefabricados y permutables.)
Detalle[editar]
Kurokawa explica que la atención prestada para detallar el trabajo japonés deriva esencialmente de la tentativa típica de expresar individualidad y maestría. En Japón la ejecución de detalles era un proceso del trabajo, no trabajaban del conjunto a las piezas sino de las piezas al conjunto. Cada conexión de madera en una casa era hecha a mano cuidadosamente desde adentro hacia el exterior. Japón es un país que se movió desde la total desindustrialización hasta la completa industrialización en menos de 50 años durante la revolución Meiji. Este gran salto de producir mercancías de artesanía a usar la industria fue tan rápido que no permitió la desaparición de una tradición profundamente arraigada de hacer un buen arte verdadero como declaración del creador. Consecuentemente el fabricante japonés todavía lleva una preocupación cuidadosa con el detalle que se puede ver en el arte y la fabricación de la arquitectura contemporánea. La atención al detalle, una parte invisible de su tradición, formas una inequívoca estética japonesa.
Semejantemente, la arquitectura de Kurokawa tiene detalles cuidadosos de conexiones y de finales. Kurokawa dijo, “esta atención al detalle es también una llave importante para entender mi propia arquitectura. La creencia en la importancia de los detalles también sugiere una nueva jerarquía.” Kurokawa cree que mientras que la arquitectura y las ciudades occidentales se han organizado con una jerarquía de la infraestructura a las piezas y al detalle, su onda nueva de la arquitectura japonesa contemporánea se centró en la autonomía de las piezas. El metabolismo se basa en la noción de la vida y de cada aspecto intrincado y pequeño de la vida.
Conclusión[editar]
En conclusión el trabajo de Kurokawa es una tentativa de usar tecnología muy moderna para adaptarse a una sociedad siempre cambiante. Su trabajo puede por una parte nunca parecer “japonés,” pero por otra parte, después de un análisis cuidadoso, uno se dará cuenta de que la tradición japonesa fundamental está expresada en sus obras. Como él dijo, él está persiguiendo las tradiciones “invisibles” y las está practicando como orgulloso japonés.

Ha recibido 33 puntos

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Fumihiko Maki (Japón)

12. Fumihiko Maki (Japón)

Fumihiko Maki (槇 文彦,Maki Fumihiko) Arquitecto, nacido en Tokio el 6 de septiembre de 1928. Este arquitecto japonés fue reconocido en el año 1993 con el Premio Pritzker de arquitectura. Formación[editar] Estudió arquitectura en la Universidad Nacional de Tokio donde se diplomó en el año 1952... Ver mas
Fumihiko Maki (槇 文彦,Maki Fumihiko) Arquitecto, nacido en Tokio el 6 de septiembre de 1928. Este arquitecto japonés fue reconocido en el año 1993 con el Premio Pritzker de arquitectura.
Formación[editar]
Estudió arquitectura en la Universidad Nacional de Tokio donde se diplomó en el año 1952. Posteriormente continuó su formación en Estados Unidos realizando un Master en arquitectura en la Cranbook Academy of Art en 1953 y completando sus estudios en la Universidad de Harvard (1954). Permaneció en Estados Unidos hasta el año 1965 donde trabajó y colaboró con Skidmore, Owings & Marrill, además de Sert Jackson and Associates.
En 1988 recibió el Premio de la Fundación Wolf de las Artes de Jerusalén.

Ha recibido 30 puntos

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Mimar Sinán (Turquía)

13. Mimar Sinán (Turquía)

Koca Mimar Sinan AGA ( Turco Otomano : معمار سينان; moderna turca : Mimar Sinan, pronunciado [sinan miːmaːɾ] , "Sinan del arquitecto") (. c 1489/1490 - 17 de julio 1588) fue el jefe Otomano arquitecto (Turco : mimar) e ingeniero civil por sultanes Solimán el Magnífico , Selim II y Murad III... Ver mas
Koca Mimar Sinan AGA ( Turco Otomano : معمار سينان; moderna turca : Mimar Sinan, pronunciado [sinan miːmaːɾ] , "Sinan del arquitecto") (. c 1489/1490 - 17 de julio 1588) fue el jefe Otomano arquitecto (Turco : mimar) e ingeniero civil por sultanes Solimán el Magnífico , Selim II y Murad III . Fue el responsable de la construcción de más de 300 grandes estructuras y otros proyectos más modestos, como los islámicos escuelas primarias (mektebs sibyan). Sus aprendices diseñaría más adelante la Mezquita del Sultán Ahmed , en Estambul , Stari Most de Mostar, y ayudar a diseñar el Taj Mahal en el Imperio Mughal .
El hijo de un cantero, recibió una educación técnica y se convirtió en un ingeniero militar. Se levantó rápidamente a través de las filas para convertirse en un oficial de primera y, finalmente, un jenízaro comandante, con el título honorífico de ağa . [1] Él refinó sus habilidades de arquitectura e ingeniería, mientras que en la campaña con los jenízaros, convirtiéndose en experto en la construcción de fortificaciones de todo tipo, así como los proyectos de infraestructuras militares, tales como carreteras, puentes y acueductos . [2] A la edad de cincuenta años, fue nombrado como jefe arquitecto real, aplicando los conocimientos técnicos que había adquirido en el ejército para la "creación de multa religiosa edificios "y las estructuras cívicas de todo tipo. [2] Él se mantuvo en el post desde hace casi cincuenta años.
Su obra maestra es la Mezquita de Selimiye en Edirne , aunque su obra más famosa es la Mezquita de Solimán en Estambul . Se dirigió un extenso departamento gubernamental y entrenó a muchos asistentes que, a su vez, se distinguieron, incluyendo Sedefkar Mehmed Agha , arquitecto de la Mezquita del Sultán Ahmed . Se le considera el más grande arquitecto del período clásico de la arquitectura otomana , y se ha comparado con Miguel Ángel , su contemporáneo en Occidente. [3] [4] Miguel Ángel y sus planes para San Basílica de Pedro en Roma eran bien conocidos en Estambul, desde Leonardo da Vinci y que había sido invitado, en 1502 y 1505, respectivamente, por la Sublime Puerta a presentar planes para un puente que atraviesa el Cuerno de Oro . [5]
Primeros años y antecedentes [ editar ]
Según el biógrafo contemporáneo, Mustafa Sai Çelebi, Sinan nació en 1489 (c. 1490 de acuerdo con la Enciclopedia Británica, [6] 1491 de acuerdo con el Diccionario de la arquitectura islámica [7] y en algún momento entre 1494 y 1499, de acuerdo con el turco profesor y el arquitecto Reha Günay) [8] con el nombre de José. Nació ya sea un armenio , [9] [10] [11] [12] [13] [14] Capadocia griega , [15] [16] [17] [18] [19] Albania , [20] [21 ] [22] o un cristiano Turk [23] en un pequeño pueblo llamado Ağırnas cerca de la ciudad de Kayseri en Anatolia (como se indica en un orden por el sultán Selim II ). [24] Uno de los argumentos que da crédito a su fondo de Armenia es un decreto por Selim II de fecha Ramadán 7 981 (ca. 30 de diciembre 1573), que concede la petición de Sinan para perdonar y salvar a sus familiares desde el exilio en general de la comunidad armenia de Kayseri a la isla de Chipre ; [25] [26] mientras que Godfrey Goodwin dijo que "después de la conquista de Chipre en 1571, cuando Selim decidió repoblar la isla mediante la transferencia de las familias griegas de la beylik Karaman, Sinan intervino en nombre de su familia y obtuvo dos órdenes del sultán en consejo exonerarlos de deportación." [18] De acuerdo con Herbert J. Muller que "parece haber sido un -aunque armenio es casi un delito en Turquía hoy hablar de esta probabilidad". [27] Lucy Der Manuelian de la Universidad Tufts , sugiere que "él puede ser identificado como un armenio a través de un documento en los archivos imperiales y otras pruebas ". [28]
Los eruditos que apoyan la tesis de su griego Capadocia fondo han identificado a su padre como albañil y carpintero por el nombre de Christos ( griego "Χρήστος"), un nombre griego común. [29] [30] Es cierto que sus padres eran de la Ortodoxa Oriental de Cristo la fe, ya que los archivos otomanos de la época registran sólo información acerca de la religión de la población, como el concepto de etnicidad era irrelevante para el Otomano basado en la religión del sistema Millet . Es posible que sus padres cristianos ortodoxos (padre y madre) eran de diferentes orígenes étnicos, como las áreas cercanas a Ağırnas en el Sanjak de Kayseriyye (correspondiente a la actual provincia de Kayseri ) dentro del Karaman Eyalet del Imperio Otomano tuvo una gran comunidad de griegos y armenios durante el período otomano, y los matrimonios mixtos no eran infrecuentes.
Varios estudiosos han citado posible origen albanés de Sinan. [20] De acuerdo con el británico estudioso Percy Marrón y el indio estudioso Vidya Dhar Mahajan, el emperador mogol Babur estaba muy satisfecho de la arquitectura india local y la planificación, así que invitó a "algunos alumnos de la arquitecto otomano Sinan líder, el genio de Albania, para llevar a cabo sus proyectos arquitectónicos ". [22] [31]
Sinan (Joseph) creció ayudando a su padre en su trabajo, y por el tiempo que él fue reclutado habría tenido una buena base en los aspectos prácticos de las obras de construcción. [7] Hay tres registros breves en la biblioteca del Palacio de Topkapi , dictada por Sinan a su amigo Mustafa Çelebi Sai. (Texto anónimo; Architectural maestras; Libro de Arquitectura). En estos manuscritos, Sinan divulga algunos detalles de su juventud y de la carrera militar. Su padre es mencionado como "Abdülmennan". [8]
Carrera militar [ editar ]
En 1512, Sinan fue reclutado en el servicio otomano bajo el devshirme sistema. [2] [24] y fue enviado a Constantinopla para ser entrenado como oficial el jenízaro Cuerpo y convertido al Islam. [24] que era demasiado viejo para ser admitido en la imperial Escuela Enderun en el Palacio de Topkapi , pero fue enviado en cambio a una escuela auxiliar. [24] Algunos registros dicen que podría haber servido al gran visir Ibrahim Pasha Pargalı como novicio de la Escuela de Ibrahim Pasha. Posiblemente, se le dio el nombre islámico Sinan allí. Él inicialmente aprendió carpintería y las matemáticas, sino a través de sus cualidades intelectuales y ambiciones, pronto ayudó a los principales arquitectos y obtuvo su formación como arquitecto. [24]
Durante los próximos seis años, también entrenó para ser un oficial jenízaro (acemioğlan). Él posiblemente se unió a Selim I en su última campaña militar, Rodas , según algunas fuentes, pero cuando el sultán murió, terminó este proyecto. Dos años más tarde fue testigo de la conquista de Belgrado . Bajo el nuevo sultán, Solimán el Magnífico , que estaba presente, como miembro de la Caballería, en la batalla de Mohács . Fue ascendido a capitán de la Guardia Real y luego le dio el mando del Cuerpo de Cadetes de Infantería. Más tarde fue destinado en Austria, donde comandó la 62 ª Orta del Cuerpo de Fusileros. [24] Se convirtió en un maestro de tiro con arco, mientras que al mismo tiempo, como un arquitecto, el aprendizaje de los puntos débiles de las estructuras cuando haciendo fuego hacia abajo. En 1535 participó en la campaña de Bagdad como un oficial al mando de la Guardia Real. En 1537 se fue en expediciones a Corfú y Apulia y Moldavia . [32]
Durante estas campañas demostró ser un arquitecto capaz e ingeniero. Cuando el ejército otomano capturó Cairo , Sinan fue ascendido a arquitecto en jefe y se le dio el privilegio de derribar cualquier edificio en la ciudad capturada que no estaban de acuerdo con el plan de la ciudad. [ cita requerida ] Durante la campaña en el Este, él asistió a la construcción de defensas y puentes, como un puente sobre el Danubio . Convirtió iglesias en mezquitas. Durante el persa campaña en 1535 construyó naves para el ejército y la artillería para cruzar el lago Van . Para ello se le dio el título Haseki'i, Sargento de Armas en el cuerpo de guardia del sultán, un rango equivalente al de la Janissary Ağa.
Cuando Chelebi Lütfi Pasha se convirtió en Gran Visir en 1539, nombró a Sinan, que había servido previamente bajo su mando, a la oficina de Arquitecto de la Morada de la Felicidad. Este fue el comienzo de una carrera notable. El trabajo implicó la construcción de infraestructura de supervisión y el flujo de suministros dentro del imperio otomano. También fue responsable del diseño y construcción de obras públicas, como carreteras, obras hidráulicas y puentes. A través de los años transformó su oficina en la de arquitecto del Imperio, un departamento gubernamental elaborado, con mayores poderes que su ministro supervisor. Se convirtió en el jefe de todo un cuerpo de arquitectos, la formación de un equipo de asistentes, los diputados y los alumnos.
Trabaje [ editar ]
Su formación como ingeniero militar dio Sinan una aproximación empírica a la arquitectura y no un teórico. Pero lo mismo puede decirse de los grandes arquitectos renacentistas occidentales, como Brunelleschi y Miguel Ángel .
Varias fuentes afirman que Sinan fue el arquitecto de al menos 374 estructuras que incluyeron 92 mezquitas ; 52 pequeñas mezquitas ( Mescit ); 55 escuelas de teología ( madrasa ); 7 escuelas de Corán recitadores (darülkurra); 20 mausoleos ( turbe ); 17 cocinas públicas ( Imaret ); 3 hospitales ( darüşşifa ); 6 acueductos ; 10 puentes ; 20 caravanserais ; 36 palacios y mansiones ; 8 bóvedas ; y 48 baños . [33] Sinan ocupó el cargo de arquitecto jefe del palacio, lo que significaba ser el supervisor de todo el trabajo de construcción del Imperio Otomano, durante casi 50 años, trabajando con un gran equipo de ayudantes que consta de arquitectos y maestros de obras .
El desarrollo y etapas de maduración de la carrera de Sinan se pueden ilustrar con tres obras principales. Los primeros dos de ellos se encuentran en Estambul: la Mezquita Şehzade, que él llama un trabajo de su período de aprendizaje, y la Mezquita de Solimán, que es la obra de su etapa de calificación. La mezquita de Selimiye en Edirne es el producto de su etapa principal. Mezquita Şehzade es la primera de las grandes mezquitas creadas por Sinan. La Mezquita del Sultán Mihrimah, que también se conoce como la mezquita de Üsküdar Quay, fue completado en el mismo año y cuenta con un diseño original, con su principal cúpula sostenida por tres cúpulas de media. Cuando Sinan llegó a la edad de 70, él había terminado el complejo de la Mezquita de Solimán. Este edificio, situado en una de las colinas de Estambul que se enfrenta el Cuerno de Oro, y construida en el nombre de Solimán el Magnífico, es uno de los monumentos simbólicos de la época. El diámetro de la cúpula, que es superior a los 31 m (102 pies) de la mezquita Selimiye que Sinan terminó cuando tenía 80 años, es el ejemplo más notable del nivel de logro alcanzado por Sinan. Mimar Sinan alcanzó su cima artística con el diseño, la arquitectura, decoración de azulejos y piedra de la tierra de mano de obra que se muestra en Selimiye.
Otra área de la arquitectura donde Sinan produjo diseños únicos son sus mausoleos. El Mausoleo de Şehzade Mehmed es notable por con sus decoraciones exteriores y la cúpula en rodajas. [ aclaración necesaria ] El mausoleo Rustem Pasa es una estructura muy atractiva en estilo clásico. El mausoleo de Solimán el Magnífico es un experimento interesante, con un cuerpo octogonal y cúpula plana. El Selim II Mausoleo con es de planta cuadrada y es uno de los mejores ejemplos de la arquitectura turca mausoleo. Propio mausoleo de Sinan, que se encuentra en la parte noreste del complejo de Süleymaniye, por otro lado, es una estructura muy simple.
Sinan magistralmente combina el arte con el funcionalismo en los puentes que construyó. El mayor de ellos es los cerca de 635 m (2.083 pies) de largo puente Büyükçekmece. Otros ejemplos importantes son el Puente Ailivri, el Puente Viejo en Svilengrad en el Maritsa, el Lüleburgaz (Sokullu Mehmet Pasha) puente sobre el río Lüleburgaz, el puente sobre el río Sinanlı Ergene y el Puente de Drina. [34]
Mientras que Sinan fue mantener y mejorar el sistema de abastecimiento de agua de Estambul, construyó acueductos arqueadas en varios lugares dentro de la ciudad. El Arco Maglova sobre el río Alibey, que es de 257 m (843 pies) de largo y 35 m (115 pies) de 35 metros de altura, tiene dos niveles de arcos, y es uno de los mejores ejemplos de su tipo.
Al inicio de la carrera de Sinan, la arquitectura otomana era muy pragmática. Los edificios eran repeticiones de antiguos tipos y se basan en los planes rudimentarios. Eran más un conjunto de piezas que una concepción de conjunto. Un arquitecto podría esbozar un plan para un nuevo edificio y un asistente o capataz sabía qué hacer, porque se evitaron nuevas ideas. Por otra parte, los arquitectos utilizan un margen extravagante de seguridad en sus diseños, resultando en un desperdicio de material y mano de obra. Sinan cambiaría gradualmente todo esto. Él era transformar establecido prácticas arquitectónicas, ampliando y transformando las tradiciones añadiendo innovaciones, tratando de acercarse a la perfección.
Los primeros años (hasta mediados de los 1550s): período de aprendizaje [ editar ]

Mezquita Shah Osman en Trikala
Durante estos años, continuó el patrón tradicional de la arquitectura otomana, pero poco a poco comenzó a explorar otras posibilidades, ya que durante su carrera militar que había tenido la oportunidad de estudiar los monumentos arquitectónicos de las ciudades conquistadas de Europa y el Medio Oriente.
Su primera oportunidad de diseñar un edificio principal fue la mezquita Hüsrev Pasha y su doble medresse en Aleppo , Siria. Fue construido en el invierno de 1536-1537 por su comandante en jefe y el gobernador de Alepo entre dos campañas militares. Fue construido a toda prisa y esto es evidente en la tosquedad de la ejecución y la decoración crudo.

La mezquita Sehzade Mehmet
Su primer encargo importante como el arquitecto real fue la construcción de un complejo Haseki Hürrem modesto para Roxelana (Hürem Sultan), la esposa del sultán, Solimán el Magnífico . Tenía que seguir los planes elaborados por sus predecesores. Sinan conservó la disposición tradicional del espacio disponible sin ninguna innovación. Sin embargo ya estaba mejor construido de la mezquita de Alepo y se nota una cierta elegancia. Sin embargo, ha sufrido numerosas restauraciones. Sinan se le atribuye haber construido una torre defensiva en Valona , al sur de Albania , en 1537, muy similar a la Torre Blanca de Tesalónica , [35] así como Mezquita Muradie , durante Suleiman el Magnífico estancia 's en la ciudad para la preparación de su expedición hacia Italia . [36] [37]
En 1541, comenzó la construcción del mausoleo (türbe) del Gran Almirante Hayreddin Barbarossa . Se encuentra en la orilla del Beşiktaş en la parte europea de Estambul, en el lugar donde su flota utiliza para montar. Por extraño que parezca, el almirante no está enterrado allí, pero en su türbe junto a la mezquita de Iskele. Este mausoleo se ha visto gravemente descuidado desde entonces.
Mihrimah Sultana , la única hija de Solimán y la esposa del gran visir Rüstem Pasha dio Sinan la comisión para construir una mezquita con madrasa (escuela), un imaret (comedor) y un sibyan Mekteb (escuela Corán) en Üsküdar . El imaret ya no existe. Esta mezquita Iskele (o embarcadero mezquita) ya muestra varias características de estilo maduro de Sinan: un espacioso sótano, alto abovedado, esbeltos minaretes, de una sola cúpula baldaquino , flanqueado por tres semi-bóvedas que terminan en tres exedras y un amplio doble pórtico . La construcción fue terminada en 1548 La construcción de un doble pórtico no era la primera vez en la arquitectura otomana, pero marcó una tendencia para las mezquitas y las mezquitas de visires, en particular en los países. Rüstem Pasha y Mihrimah ellos requieren más adelante en sus tres mezquitas en Constantinopla y en la Mezquita Pasha Rüstem en Tekirdağ . El pórtico interior tradicionalmente tienen estalactitas capitales, mientras que el pórtico exterior tiene capiteles con chevron patrones (baklava).
Cuando el sultán Solimán el Magnífico volvió de otra campaña de los Balcanes, que recibió la noticia de que su heredero al trono Sehzade Mehmet había muerto a la edad de veintidós años. En noviembre de 1543, no mucho después de Sinan había iniciado la construcción de la mezquita de Iskele, el sultán ordenó Sinan para construir una nueva mezquita mayor con un complejo contiguo en memoria de su hijo predilecto. Esta mezquita Şehzade se convertiría más grande y más ambicioso que sus anteriores. Historiadores de la arquitectura consideran esta mezquita como primera obra maestra de Sinan. Obsesionado por la idea de una gran cúpula central, Sinan volvió a los planes de las mezquitas, como la Mezquita Pasha Fatih en Diyarbakir o la Mezquita Pasha Piri en Hasköy . Debe de haber visitado ambas mezquitas durante su campaña persa. Sinan construyó una mezquita con una cúpula central, esta vez con cuatro medias cúpulas iguales. Esta superestructura se apoya en cuatro pilares estriados octogonales masivas, pero aún así elegante, independiente y cuatro muelles incorporados en cada pared lateral. En las esquinas, sobre el nivel del techo, cuatro torres sirven como anclas de estabilización. Este concepto coherente ya es marcadamente diferente de los planes de aditivos de la arquitectura tradicional otomano. Sedefkar Mehmed Agha más tarde copiar el concepto de pilares estriados en su Mezquita del Sultán Ahmed , en un intento de aligerar su aspecto. Sinan, sin embargo, rechazó esta solución en sus siguientes mezquitas.
Mid-1550s a 1570: etapa de calificación [ editar ]
En 1550, Solimán el Magnífico estaba en el apogeo de sus poderes. Después de haber construido una mezquita para su hijo, sintió que era hora de construir su propia mezquita imperial , un monumento que aguanta más grande que todos los demás, a ser construido en una ladera de suave pendiente que domina el Cuerno de Oro . El dinero no era problema, ya que él había acumulado un tesoro del botín de sus campañas en Europa y el Medio Oriente. Él dio la orden de Sinan para construir una mezquita, la de Solimán , rodeado por un külliye que consta de cuatro colegios, un comedor, un hospital, un asilo, un hamam , un caravasar y un hospicio para viajeros (tabhane). Sinan, ahora al frente de un departamento formidable con un gran número de asistentes, finalizó esta tarea formidable en siete años. Antes de Solimán, no hay mezquitas habían sido construidas con techos de media cúbicos. Él tuvo la idea de medio techo diseño cúbico de la iglesia de Santa Sofía . A través de este monumental [ según quién? ] logro, Sinan emergió del anonimato de sus predecesores. Sinan debe haber conocido las ideas del arquitecto renacentista Leone Battista Alberti (quien a su vez había estudiado De Architectura del arquitecto e ingeniero romano Vitruvio ), ya que él también estaba preocupado en la construcción de la iglesia ideal, lo que refleja la armonía a través de la perfección de la geometría en la arquitectura . Pero, al contrario de sus homólogos occidentales, Sinan estaba más interesado en la simplificación que en el enriquecimiento. Trató de alcanzar el máximo volumen bajo una sola cúpula central. La cúpula se basa en el círculo, la figura geométrica perfecta que representa, de manera abstracta, un Dios perfecto. Sinan utiliza relaciones geométricas sutiles, utilizando múltiplos de dos en el cálculo de las proporciones y las proporciones de sus edificios. Sin embargo, en una fase posterior, también utilizó las divisiones de tres o proporciones entre dos y tres cuando se trabaja con el ancho y las proporciones de las cúpulas, como la Mezquita Pasha Sokollu Mehmet en Kadirga.
Mientras que él estaba totalmente ocupado con la construcción de la Solimán, Sinan o sus subordinados elaboraron los planes y dieron instrucciones para muchas otras construcciones. Sinan construyó una mezquita para el Gran Visir Ibrahim Pasha Pargalı y un mausoleo (türbe) en Silivrikapı (Constantinopla) en 1551.

Mezquita Han, Eupatoria , Crimea
El próximo Gran Visir, Rüstem Pasha dio Sinan varios más comisiones. En 1550 se construyó una gran posada (han) en el distrito de Galata de Estambul. Unos diez años más tarde se construyó otra de han en Edirne , y entre 1544 y 1561 los Han Tas en Erzurum . Diseñó un caravasar en Eregli [ desambiguación necesaria ] y una octogonal madraza en Constantinopla.
Entre 1553 y 1555, Sinan construyó la mezquita de Sinan Pasha en Beşiktaş , una versión más pequeña de la Mezquita Üç Serefeli en Edirne , para el Gran Almirante Sinan Pasha . Esto demuestra una vez más que Sinan había estudiado a fondo la obra de otros arquitectos, sobre todo porque él era responsable de la conservación de estos edificios. Copió la forma antigua, reflexionó sobre las debilidades en la construcción y trató de resolver esto con su propia solución. En 1554, Sinan utiliza la forma de la mezquita de Sinan Pasha de nuevo para la construcción de la mezquita para el próximo Gran Visir Kara Ahmet Pasha en Constantinopla, su primera mezquita hexagonal. Mediante el uso de un plan hexagonal, Sinan podría reducir las cúpulas laterales a media cúpulas y ponerlos en las esquinas en un ángulo de 45 grados. Claramente, Sinan debe haber apreciado esta forma, [ cita requerida ] ya que él lo repitió más tarde en mezquitas como el Pasha Sokollu Mehmed Mezquita en KADIRGA y la Mezquita Atik Valide en Üsküdar .
En 1556, Sinan construyó el Haseki Hürrem Hamam, en sustitución de los antiguos Baños de Zeuxipo , que todavía están de pie cerca de la iglesia de Santa Sofía . Este se convertiría en uno de los más bellos hamams alguna vez construido.
En 1559, construyó la madraza Cafer Ağa debajo de la explanada de la iglesia de Santa Sofía. En el mismo año comenzó la construcción de una pequeña mezquita para Iskender Pasha en Kanlıka , junto al Bósforo. Este fue uno de los muchos encargos menores y rutinarias de la oficina de Sinan recibió en los últimos años.

Posiblemente Mimar Sinan (izquierda) junto a la tumba de Solimán el Magnífico , 1566
En 1561, cuando Rüstem Pasha murió, Sinan comenzó la construcción de la Mezquita del bajá de Rustem , como un monumento supervisado por su viuda Mihrimah Sultana . Está situado justo debajo de la de Solimán . Esta vez la forma central es octogonal, el modelo de la iglesia del monasterio de los Santos Sergio y Baco , con cuatro pequeñas semicúpulas establecidos en las esquinas. En el mismo año, Sinan construyó una türbe para Rüstem Pasha en el jardín de la mezquita Şehzade , decorado con los más finos azulejos de Iznik podría producir. Mihrimah Sultana, tras duplicar su riqueza tras la muerte de su marido, ahora quería una mezquita de la suya. Sinan construyó el Camii Mihrimah en Edirnekapı (Edirne Gate) para ella en la más alta de las siete colinas de Constantinopla. Levantó la mezquita en una plataforma abovedado, acentuando su sitio colina. Hay una cierta especulación en relación con las fechas; hasta hace poco se suponía que entre 1540 y 1540, pero ahora se acepta generalmente que entre 1562 y 1565, Sinan, preocupado por la grandeza, construyó una mezquita en uno de sus diseños más imaginativos, utilizando nuevos sistemas de apoyo y espacios laterales a aumentar el área disponible para Windows. Él construyó una cúpula central de 37 m (121 pies) de alto y 20 m (66 pies) de ancho, con el apoyo de pechinas , sobre una base cuadrada con dos galerías laterales, cada uno con tres cúpulas. En cada esquina de esta plaza se encuentra un muelle gigantesco, conectado con inmensos arcos cada uno con 15 grandes ventanas y cuatro circulares, que inundan de luz el interior. El estilo de este edificio revolucionario era tan cerca del gótico estilo como otomanos estructura permite.
Entre 1560 y 1566 Sinan construyó una mezquita en Constantinopla por Zal Mahmud Pasha en una colina más allá Ayvansaray. Sinan duda concibió los planes y en parte supervisó la construcción, pero dejó el edificio de áreas menores a menos de manos competentes, ya que Sinan y sus ayudantes más capaces estaban a punto de comenzar su obra maestra, la mezquita de Selimiye en Edirne. En el exterior, la mezquita se eleva, con su pared este atravesado por cuatro hileras de ventanas. Esto le da a la mezquita un aspecto de un palacio o incluso un bloque de apartamentos. En el interior, hay tres grandes galerías que hacen la mirada interior compacto. La pesadez de esta estructura hace que el domo inesperadamente elevado. Estas galerías se ven como un preliminar try-out para las galerías de la mezquita de Selimiye.
El período de 1570 a su muerte: el escenario principal [ editar ]

Mezquita de Selimiye , construida por Sinan en 1575. Edirne , Turquía.
En esta última etapa de su vida, Sinan trató de crear interiores unificadas y sublimemente elegantes. Para lograr esto, eliminó todos los espacios subsidiarios innecesarias más allá de los pilares de soporte de la cúpula central. Esto se puede ver en el Sokollu Mehmet Pasa mezquita en Estambul (1571-1572) y en la mezquita Selimiye en Edirne. En otros edificios de su período final, Sinan experimentó con tratamientos espaciales y murales que eran nuevos en la arquitectura otomana clásica.
De acuerdo con él de su autobiografía "Tezkiretü'l Bünyan", su obra maestra es la mezquita de Selimiye en Edirne . Liberarse de las desventajas de la arquitectura tradicional otomano, esta mezquita es la culminación de la obra de Sinan y de toda la arquitectura otomana clásica. Mientras se estaba construyendo, el dicho del arquitecto de "Usted nunca podrá construir una cúpula más grande que la cúpula de la iglesia de Santa Sofía y especialmente como musulmanes ", fue su principal motivación. Cuando fue terminado, Sinan Alegó que tuvo la cúpula más grande del mundo, dejando detrás de Santa Sofía. De hecho, la altura de la cúpula desde el nivel del suelo fue menor y el diámetro de apenas más grande (0,5 metros, aproximadamente 2 pies) que el milenio-más viejo de Santa Sofía. Sin embargo, medida desde su base de la cúpula de Selimiye es mayor. Sinan era más de 80 años de edad cuando el edificio estaba terminado. En esta mezquita que finalmente se dio cuenta de su objetivo de crear la óptima completamente unificado, interior, en forma de cúpula: un triunfo del espacio que domina el interior. Él utilizó esta vez una cúpula octogonal central (31.28 m de ancho y 42 m de altura), sostenido por ocho pilares de elefante de mármol y granito. Estos soportes carecen de cualquier capitales pero tienen trompas o consolas en su cumbre, lo que el efecto óptico de que los arcos parecen crecer de manera integral de los muelles. Mediante la colocación de las galerías laterales lejanos, puso en el efecto tridimensional. Las muchas ventanas en los muros pantalla inundan el interior de luz. Los contrafuertes semi-bóvedas se encuentran en las cuatro esquinas de la plaza bajo la cúpula. El peso y las tensiones internas se ocultan, la producción de un espacioso y elegante efecto rara vez se ve bajo una cúpula central. Los cuatro minaretes (83 m de altura) en las esquinas de la sala de oración son los más altos en el mundo musulmán, lo que acentúa la postura vertical de esta mezquita que ya domina la ciudad.

Mehmed Pasa Sokolović Puente inscrito en la UNESCO, construido por Sinan en 1577. Višegrad , Bosnia .
También diseñó la taqiyya al-Sulaimaniyya khan y mezquita en Damasco , todavía considerado como uno de los monumentos más notables de la ciudad, así como la mezquita Banya Bashi en Sofía , Bulgaria , en la actualidad la única mezquita que funciona en la ciudad. También ha construido Mehmed Pasa Sokolović Bridge en Višegrad través del río Drina en el este de Bosnia y Herzegovina que ahora es Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO .
Conclusión [ editar ]

Conceptos arquitectónicos de Mimar Sinan fueron incorporados en el diseño del famoso Taj Mahal ., [38] [39] en el Imperio Mughal por Shah Jahan .
Al inicio de su carrera como arquitecto, Sinan tuvo que lidiar con uno ya establecido, la arquitectura abovedada tradicional. Su formación como ingeniero militar le llevó a la arquitectura desde un punto de vista empírico, más que de una teórica. Comenzó a experimentar con el diseño y la ingeniería de las estructuras de una sola cúpula y múltiples cúpula.Trato de Obtener Una nueva Pureza geométrica, Una racionalidad y Una Integridad espacial en sus Información Estructuras Y Diseños De Las mezquitas. A Través de Todo ESTO, demostro do Creatividad y do Deseo de Crear ONU Espacio de clara y Unificada. EL comenzo a desarrollar Una serie de Variaciones en Las Cúpulas, los Rodea de Diferentes Maneras aire semi-bóvedas, Pilares, muros de Pantalla y Diferentes Conjuntos de Galerías. Sus cúpulas y arcos curvos hijo, Pero evitan Elementos curvilíneos en el resto de do Diseño, Transformando El Círculo de la cúpula es rectangular Sistema de las Naciones Unidas, hexagonal u octogonal. Trato de Obtener Una Armonía racional Entre la Composición piramidal Exterior de semi-bóvedas, culminando en Una Sola cúpula tambor pecado, y El Espacio interior Donde esta cúpula integra verticalmente el centro electrónico espacio en Unificado Todo un . do Genio radica en the organization of this Espacio y en la Resolución de Las Tensiones creadas Por El Diseño. FUE UN Innovador en el BSG de la Decoración y Motivos, do Fusión en las Formas Arquitectónicas en Su Conjunto. EL acentuó el centro Debajo de La Cúpula centrales inundándolo Con La Luz De Las numerosas ventanas. Incorporó SUS Mezquitas De Una Manera Eficiente baño Complejo de las Naciones Unidas ( külliye ), sirviendo a las necesidades de la comunidad intelectual de Como centro de las Naciones Unidas, ONU CENTRO COMUNITARIO Y Servicio, Tenerife necesidades Sociales y Los Problemas de Salud de Los Fieles.
De Cuando Murio Sinan, la arquitectura otomana Clásica Habia Llegado un su clímax. No successor estába dotado Suficiente párr mejorar de el Diseño de la Mezquita de Selimiye Y desarrollarla AUN MAS. Estudiantes SUS sí retiraron A Los Modelos Anteriores, de como la mezquita Şehzade. [cita requerida] Invención sí desvaneció, y Una disminución establecen en.
Construcciones [ editar ]
Durante la UB de Durante 50 Jahr Gestión del Puesto de arquitecto imperial, Sinan sí dados Que ha construído o Supervisado 476 Edificios (196 de los Cuales AÚN sobreviven), Segun La Lista oficial de Sus Obras, la Tazkirat-al-Abniya . EL podria no Haber Todos ELLOS diseñados, Pero Confiado en las HABILIDADES de do oficio. EL TOMO el Crédito y la Responsabilidad de do Trabajo. Porqué, des de Comojenízaro, Y Por lo Tanto ONU Esclavo del sultán, era director do Responsabilidad El Sultan. En Su Tiempo Libre, El Also Diseno los Edificios de los Principales Funcionários. EL Delego unos SUS ASISTENTES La Construcción De Edificios De Menor importancia baño Las Provincias.
94 Grandes Mezquitas ( Camii ),
57 colegios,
52 mezquitas Mas Pequeñas ( Mescit ),
48 casas de baño ( hamam ).
35 Palacios ( saray ),
22 mausoleos ( Turbe ),
20 caravasar( Kervansaray ; de Han ),
17 cocinas Públicas ( Imaret ),
8 puentes,
8 casas de Tiendas o graneros
7 Escuelas coránicas ( medrese ),
6 acueductos,
3 Hospitales ( darüşşifa )
Algunas de Sus Obras:
Sokullu Azapkapi Mezquita en Estambul
Caferağa medresseh
Mezquita de Selimiye en Edirne
Solimán Complejo
Complejo Kılıç Ali Pasha
Mezquita de Molla Çelebi
Haseki Baños
Çemberlitaş Baños
Mezquita Piyale Pasha
Mezquita Şehzade
Mezquita del Sultán Mihrimah en Edirnekapı
Puente Mehmed Pasa Sokolović en Višegrad
Mezquita Banya Bashi en Sofía, Bulgaria
Mezquita nisanci Mehmed Pasha
Rustem Pasha Mosque
Mezquita Zal Mahmud Pasha
Mezquita Kadirga Sokullu
Mezquita Koursoum o Mezquita Osman Shah en Trikala
Al-Takiya Al-Suleimaniya en Damasco
Yavuz Sultan Selim Madras
Puente Mimar Sinan en Büyükçekmece
Iglesia de la Asunción en Uzundzhovo
Mezquita Tekkiye
Mezquita Khusruwiyah
Oratorio en el Muro de los Lamentos
Muerte [ editar ]

Mimar Sinan y Su Obra maestra mezquita Selimiye en el reverso del Billete de banco 10.000 Lira turca de 1982-1995
Murio en 1588 y ESTA Enterrado En Una tumba en Estambul, ONU türbe de do proprio Diseño, en el cementerio un las afueras de los muros de laMezquita de Solimán, Al norte, un Través De Una calle Con Su Nombre Mimar Sinan Caddesi en do honor. FUE Enterrado Cerca de las tumbas de Sus Clientes Mayores:Sultán Solimán I y Sultana Haseki Hürrem , La Esposa de Solimán.
Su Nombre Also sí da una:
ONU cráter en el planeta Mercurio .
Una Universidad del Estado turco, la Universidad Mimar Sinan de Bellas Artes en Estambul.
Retrato de Sinan FUE representado en el reverso de los turcos 10.000 lirasBilletes de 1982 a 1995. [ 40 ]

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Wang Shu (China)

14. Wang Shu (China)

Wang Shu (Urumchi, 4 de noviembre de 1963), es un arquitecto chino perteneciente al nuevo movimiento de los organismos modernos en China. Este movimiento, en comparación con el tradicionalismo arquitectónico chino, supone una nueva práctica creativa y crítica de la profesión de la arquitectura... Ver mas
Wang Shu (Urumchi, 4 de noviembre de 1963), es un arquitecto chino perteneciente al nuevo movimiento de los organismos modernos en China. Este movimiento, en comparación con el tradicionalismo arquitectónico chino, supone una nueva práctica creativa y crítica de la profesión de la arquitectura. Desarrolla toda su carrera en China, y más concretamente en Hangzhou. Ganador del premio Pritzker de Arquitectura en 2012.1
Biografía[editar]
Arquitecto chino que desarrolla su trabajo en China, y en especial en Hangzhou, donde crea en 1997 junto a su mujer Lu Wenyu, también arquitecta, el "Amateur Architecture Studio". Después de terminar sus estudios de arquitectura en la Universidad del Sudeste (Nanjíng), se doctora en urbanismo.
Decano y profesor de la escuela de Arquitectura de la Academia China de Arte, Wang Shu es regularmente invitado a participar en los jurados. Es miembro del comité de nominaciones para el proyecto de Ordos 100. Antes de arquitecto, Wang Shu fue escritor y le gusta decir que la arquitectura es para él una parte de su trabajo. "La humanidad es más importante que la arquitectura, la artesanía y mucho más importante que la tecnología", escribe.[cita requerida] En 1997, Wang Shu y su esposa Lu Wenyu fundan el "Amateur Architecture Studio", para liberarse de la arquitectura de los organismos del gobierno central típica del régimen. Además de su práctica como profesor de la Academia China de Arte, Lu Wenyu sin embargo, continúa su trabajo de ingeniera y gerente de proyecto para la Investigación de la China Oriental y el Instituto de Diseño, hasta el año 2003. El trabajo de "Amateur Architecture Studio" ya ha sido objeto de exposiciones en Berlín, París y Rotterdam. Fue galardonado con varios premios, entre ellos el Premio Mundial en 2007. El trabajo de Wang Shu y Lu Wenyu fue publicado en numerosas revistas internacionales de arquitectura y en el libro 'El principio del diseño', publicado en 2002. El libro refleja el proceso de surgimiento del método y el lenguaje de Wang Shu a través de una recopilación de proyectos del estudio desde su fundación.
"Amateur Architecture Studio" apareció en el panorama europeo de arquitectura en la 10ª Bienal de Arquitectura de Venecia. Al lado del Pabellón de China, los dos socios Wang Shu y Lu Wenyu presentaron su instalación de "Jardín de Baldosas": un marco de bambú cubierto con 66.000 azulejos chinos reciclados. "Amateur Architecture Studio" explora la relación entre la evolución de la arquitectura y el estilo de vida en China. Los arquitectos transfieren con mucho tacto la poética y tradicional China, al lenguaje arquitectónico contemporáneo. El nombre de la oficina refleja su programa. Por un lado, hace referencia a los intereses de Wang Shu por la arquitectura vernácula china, artesanal, de bajo costo, espontánea y efímera a menudo. Por otro lado, el concepto de "Arquitectura Amateur" es una crítica de la profesión de arquitectura en China, en un contexto globalizado de las mutaciones urbanas y rurales, se caracteriza por una falta de reflexión. El estudio se enfrenta al problema de destrucción masiva y la reconstrucción de las ciudades chinas. Piensa en cómo reconstruir, en las condiciones actuales, manteniendo un punto de vista tradicional: la interdependencia de la arquitectura y el paisaje. Su trabajo también se centra en la reinterpretación de la arquitectura tradicional de la zona con el reciclaje. Durante la última década, "Amateur Architecture Studio" ha desarrollado un método innovador, experimental y contextualista. Wang y Shu Lu Wenyu combinan sus investigaciones sobre las tradiciones chinas rurales, aplicadas a las experiencias locales de la arquitectura.2 En primer lugar prueban a pequeña escala sus experimentos, que se traducen, posteriormente, a los proyectos de vivienda grandes o áreas metropolitanas que, con el tiempo, se extienden a la escala urbana.3
"Amateur Architecture Studio" ha intentado propagar el concepto de "reconstrucción de la arquitectura china contemporánea local," en una serie de proyectos de campus universitarios, una galería de arte, un museo, un parque de la ciudad y torres de pisos. La exposición está organizada en torno a dos ejes. A través de maquetas, planos y fotografías, la primera ofrece una visión general de los proyectos más importantes de "Amateur Architecture Studio", desde su fundación en 1997. El segundo se centra en la relación entre teoría y práctica, entre los proyectos literarios y arquitectónicos.
"Jardín de Baldosas" es el proyecto que puso al descubierto a "Amateur Architecture Studio" en la escena europea. Con ocasión de la Décima Bienal de Arquitectura de Venecia en 2006, Wang Shu instala en una estructura de bambú unos 66.000 azulejos rescatados de edificios destruidos en la zona de Hangzhou. Visible desde el puente por encima de ella, este jardín es un manifiesto que llamaba para el reciclaje de minerales y la reinterpretación de tipologías tradicionales.
Obras destacadas[editar]

Museo de Arte Contemporáneo, Ningbo (2005)

Museo Histórico de Ningbo (2008)

Pabellón de Tengtou-Ningbo, Exposición Universal de Shanghái de 2010
2003-2008: "Museo Histórico de Ningbo", China.
2002-2007: "Nuevo Campus de la Universidad de Arte de China", Hangzhou, China (primera y segunda fase del proyecto).
2001-2005: "Museo de Arte Contemporáneo", Ningbo, China.
2006: "Jardín de Baldosas", Bienal de Arte en Venecia, Italia.
2003-2006: "Cinco Casas Dispersas", Ningbo, China.
2003-2006: "Casa de Cerámica", Jinhua, China.
2002-2007: "Vivienda Vertical", Hangzhou, China.
1999-2000: "Colegio Librería Wenzheng", Suzhou, China.
Exposiciones[editar]
2010: "Decay of Dome" - 12ª Exposición Internacional de Arquitectura, Bienal de Venecia, Arsenal de Venecia.
2009: "Achitecture as-Duty" - Exposición Individual, Bozar, Centro de Bellas Artes de Bruselas, Bélgica.
2009: "M8 en China", DAM, Frankfurt, Alemania.
2009: "Para una Arquitectura Sostenible 2007, 2008, 2009," Ciudad de la Arquitectura y el Patrimonio, Palacio de Chaillot, de París.
2008: "En la ciudad china," Ciudad de la Arquitectura y el Patrimonio, Palacio de Chaillot, de París.
2008: "Jardines Chinos para vivir: de la ilusión a la realidad" Bergpalais, Dresden, Alemania.
2007: "Construcción en China", Exposición de Arquitectura en el Centro de Arquitectura en Nueva York.
2007: Bienal de Arquitectura de Hong Kong.
2006: "Jardín de Baldosas" - Pabellón de China para la Exposición Internacional de la Bienal de Arquitectura de Venise5.
2006: "China Contemporánea", NAI, Rotterdam, Países Bajos.
2004-2005: "Parque de la Arquitectura Jinghua," China.
2003: "Synthi-Scapes" - Pabellón de China en la 50 edición de la Bienal de Venecia en el Museo de Arte de Guangdong, Guangzhou y el Museo de Arte de la Academia Central de Beijing.
2003: "Entonces, China", el Centro Pompidou, París, Francia.
2002: Bienal de Shanghai, Museo de Arte de Shangai, China.
2001: "TU MU-Young Arquitectura de China", Galería Aedes, Berlín, Alemania.
1999: "Exposición de trabajos experimentales de Arquitectos Jóvenes chinos", Congreso de la UIA, Beijing, China.
Premios[editar]
2012: Premio Pritzker de Arquitectura.
2010: Mención Especial del Jurado al estudio "Amateur Architecture Studio" por "Decay of a Dome" en la en la décimosegunda Exposición Internacional de Arquitectura de Venecia.
2008: Nominado al mejor rascacielos internacional, Frankfurt, Alemania.
Nominado al Premio de Arquitectura suizo BSI.
2007: Primer premio "Para una Arquitectura Sostenible de 2007," Ciudad de la Arquitectura y el Patrimonio, Palacio de Chaillot, de París.
2006: Premio de Reconocimiento de Asia y el Pacífico de Holcim , Fundación Holcim para la arquitectura sostenible.
2004: Primer Premio de Arte de la Arquitectura, China.

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Shigeru Ban (Japón)

15. Shigeru Ban (Japón)

Shigeru Ban (坂 茂 Ban Shigeru?) (1957) es un arquitecto japonés nacido en Tokio. Realizó sus estudios en el Southern California Institute of Architecture (SCI-Arc), de California entre 1977 y 1980. Posteriormente continuó sus estudios en el Cooper Union School of Architecture, entre los años... Ver mas
Shigeru Ban (坂 茂 Ban Shigeru?) (1957) es un arquitecto japonés nacido en Tokio.
Realizó sus estudios en el Southern California Institute of Architecture (SCI-Arc), de California entre 1977 y 1980. Posteriormente continuó sus estudios en el Cooper Union School of Architecture, entre los años 1980 y 1984 bajo la tutela de John Hejduk. Durante esta época trabajó un año en el estudio de Arata Isozaki entre 1982 y 1983. Hasta que en el año 1985 fundó su propio estudio de arquitectura en Tokio.1
En una visita a su madre en Japón, ella le pidió que le realizará una casa. A partir de allí los proyectos se fueron sucediendo en su país. Suele considerársele un arquitecto tradicional japonés, a pesar que no estudió en su país y además creció en una casa de estilo occidental. Su interés por la arquitectura japonesa solo se despertó en Estados Unidos.
Su obra se caracteriza por el uso de materiales no convencionales, como papel o plásticos. Él mismo dice que trata de evitar los detalles sofisticados.
En 1995 el terremoto de Kōbe dejó a muchas personas sin casa durante varios meses. Ban contribuyó a aliviar la situación de una manera económica y rápida, diseñando La casa de papel y La iglesia de papel. También ha construido viviendas de emergencia en a lugares como India o Turquía. La revista Time lo ha definido como uno de los personajes más de la actualidad en el mundo.2
En 1994 al ver la situación en Ruanda propuso a la ONU la construcción de tiendas utilizando tubos de carton en vez de elementos metálicos, según Shigeru Ban su motivación de construir en cartón radica en dos motivos principales: el alto grado de deforestación al que en parte se debía en parte a la construcción de refugios y evitar la utilización de elementos metálicos (que pueden ser vendidos). El proyecto fue finalmente realizado en 1998 con la construcción de 50 tiendas.
Junto a Rafael Viñoly formó el equipo Think, que presentó un proyecto para la construcción de las nuevas torres del World Trade Center en la Ciudad de Nueva York.
El 24 de marzo de 2014 Shigeru Ban fue anunciado como ganador del Premio Pritzker, siendo el 7.º arquitecto de Japón en recibir el galardón, considerado uno de los más importantes en la arquitectura. El Jurado del Premio Pritzker declaró que escogió a Ban por su uso innovador de los materiales y sus esfuerzos humanitarios alrededor del mundo, citando que es "un profesor comprometido que no sólo representa un modelo a seguir para la generación más joven, sino también una fuente de inspiración".3
Proyectos como arquitecto[editar]

Iglesia católica de Takatori, la estructura está realizada con tubos de cartón. La iglesia fue inicialmente construida en Kōbe después del Gran terremoto de Hanshin-Awaji en 1995. Aunque posteriormente fue desmantelada y donada a Taiwán para su reconstrucción en el año 2008.
1995
La casa pared-cortina
La casa de papel
La iglesia de papel
2000
Naked House (Kawagoe)
Pabellón Japonés para la Expo 2000 en Hanóver
2003
Gana el concurso para el Centro Pompidou - Metz (Francia)
2005
Museo Nómada (2005 - 2009)
2010
Centro Pompidou-Metz
Proyectos como diseñador[editar]
1998
Curiosidades[editar]
Durante los años 2008 y 2009 la dirección de la fundación del Centro Pompidou permitió a Sigheru Ban construir una oficina temporal, realizada en cartón y plástico, en la terraza del Centro Pompidou de París para así facilitarle la elaboración de la documentación necesaria para el desarrollo y la dirección de las obras del Centro Pompidou-Metz.4

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Berthold Lubetkin (Rusia)

16. Berthold Lubetkin (Rusia)

Primeros años[editar] Nacido en Tiflis (actual Georgia), Lubetkin vivió en Moscú y San Petersburgo donde fue testigo de la Revolución rusa de 1917 y absorbió elementos del constructivismo, como participante de festivales callejeros y como estudiante en el Vjutemas. Lubetkin ejerció en París en... Ver mas
Primeros años[editar]
Nacido en Tiflis (actual Georgia), Lubetkin vivió en Moscú y San Petersburgo donde fue testigo de la Revolución rusa de 1917 y absorbió elementos del constructivismo, como participante de festivales callejeros y como estudiante en el Vjutemas.
Lubetkin ejerció en París en los años 1920 en sociedad con Jean Ginsburg, con quien diseño un edificio de departamentos ubicado en la avenida de Versailles. En París, se asoció con figuras representativas de la Avant Garde europea, incluyendo a Le Corbusier. Continuó participando en los debates del constructivismo, diseñando un pabellón comercial para la Unión Soviética en Burdeos y participando en el concurso para el diseño del Palacio de los Sóviets, para el cual quedó seleccionado.
Años 1930[editar]
Tras emigrar a Londres en 1931, Lubetkin fundó el taller arquitectónica Tecton. Los primeros proyectos de Tecton incluyeron monumentos para el Zoológico de Londres, la casa de gorilas y una piscina para pingüinos (claramente mostrando la influencia de Naum Gabo). El Zoológico de Londres también encargó a Tecton el diseño de los edificios para su parque en Whipsnade y el diseño de un zoológico completamente nuevo en Dudley. El zoológico de Dudley consistía de doce recintos para animales y fue un ejemplo único del temprano modernismo en el Reino Unido. Todos los recintos originales sobreviven, fuera de la piscina de pingüinos que fue demolida en 1979. Según la 20th Century Society: "Atrapado en los pabellones lúdicos en Dudley, es un llamado a recordar la mayor convocatoria con la que cuenta toda la arquitectura, que abarca no solo las necesidades materiales, sino también el deseo de inspirar y deleitar.1

Highpoint II.
Los proyectos de vivienda de Tecton incluyeron residencias en Sydenham (en el distrito londinense de Lewisham), la única terraza británica modernista2 en 85-91 Genesta Road en Plumstead al sur de Londres, y los departamentos Highpoint en Highgate. Higpont I fue objeto de especial elogio de Le Corbusier, mientras que Highpoint II exhibió un estilo más surrealista, con su fachada y cariátides en la entrada. Una casa de campo de tres dormitorios (Heath Drive, Romford), que ganó una medalla de oro en la Exhibición de casas modernas de 1934, es interesante en el estudio de su estructura y los horizontales flotantes de las elevaciones surgieren fuertemente que fue utilizada como prototipo de diseño para la forma final de Highpoint I.

Centro de salud de Finsbury.
En 1936, Lubetkin y Tecton crearon la Organización de Arquitectos y Técnicos. El consejo municipal del distrito londinense de Finsbury gobernado por el Partido Laborista fue un gran auspiciador de Tecton, a quien encomendó el diseño del Centro de salud de Finsbury que fue culminado en 1938. El logro de Lubetkin y Tecton en Finsbury fue unir las ambiciones estéticas y políticas del modernismo con el radical socialismo municipal del distrito. El centro de salud resolvió la tensión entre tres ideales centrales del modernismo. En primer lugar, una función social: acceso universal a la atención sanitaria gratuita para los residentes del distrito (una década antes que el National Health Service); en segundo lugar, la función política: el bien social no sería más alcanzado por medio de la caridad, sino que era proveído por una autoridad municipal elegida democráticamente y que debía rendir cuentas dado su financiamiento con impuestos locales. Finalmente, el elemento que hizo que el trabajo de Tecton fuera único fue la estética: la fachada revestida de azulejos relucía sobre el barrio circundante, su concepción racional imponía el ideal de un futuro socialista. En palabras de Lubetkin, la arquitectura "gritaba por un mundo nuevo". El modernismo de Lubetkin - 'nada es muy bueno para la gente común' - presentaba un desafío a la suficiencia de los años 1930 británicos. Pero los planes de Tecton para reemplazar el vecindario de Finsbury con viviendas modernas fueron detenidos por el estallido de la Segunda Guerra Mundial en 1939.
Paradójicamente, la guerra trasladaría el trabajo de Lubetkin del ala radical a la corriente principal. Cuando los combates avanzaron, el gobierno británico se comprometió cada vez más con la idea de construir una sociedad más justa cuando llegara la paz. Como este ideal se articuló a través de la propaganda, la arquitectura modernista se convirtió en la expresión visual de este futuro radiante. Abram Games diseñó una serie de carteles que comparaban la promesa del modernismo, representada por el Centro de salud de Finsbury, con la terrible realidad de la preguerra. El título de cada cartel era: "Su Reino Unido - Luchen por él ahora". Otra señal de este cambio político fue la erección en 1941 de una estatua en homenaje a Lenin. Diseñado por Lubetkin, el monumento marcó el sitio donde estuvieron las habitaciones de Lenin en la Plaza londinense Holford entre 1902 y 1903. El vandalismo de grupos británicos fascistas tuvo como consecuencia que el monumento fuera puesto bajo custodia policial las 24 horas del día.
Posguerra[editar]

Dorset Estate.
La victoria laborista de la posguerra fue construida bajo la promesa del modernismo. El Centro de salud de Finsbury se convirtió en un modelo para el nuevo National Health Service. Para confirmar la significancia de la visión de Lubetkin, el Ministro de Salud Aneurin Bevan colocó la piedra fundacional del Spa Green Estate de Finsbury que sería concebido por Tecton en el invierno de 1946. Este fue el primero de una serie de proyectos de vivienda para Tecton que incluyeron el Priory Green Estate de Finsbury y el trabajo en Paddington (dirigido por Denys Lasdun) en el Hallfield Estate. Todos estos proyectos mostraron un estilo más decorativo que constrastaba en gran medida con el estilo de la arquitectura brutalista que emergería pronto como la forma dominante de la arquitectura del Estado de bienestar. Para la mayor parte de estos proyectos, Lubetkin y Tecton trabajaron cerca de Ove Arup, un ingeniero de construcción.
En 1947, se encargó a Lubetkin ser el planificador principal y arquitecto jefe del nuevo pueblo de Peterlee. El año siguiente, Tecton fue disuelta. El plan de Lubetkin para Peterlee incluyó un nuevo centro cívico para el cual propuso varias torres; sin embargo, la extracción de carbón debió continuar bajo el pueblo por varios años. Como resultado, la Junta Nacional del Carbón (NCB), una agencia del Ministerio de Energía, solo consideraría un desarrollo urbano con una densidad demográfica baja y dispersa. Por ello, Lubetkin renunció al proyecto en la primavera de 1950. La única señal física de su participación en el esquema existe en el Thorntree Gill.
Lubetkin regresó a Finsbury para completar (en colaboración con Francis Skinner y Douglas Bailey) su proyecto final para el distrito. Inicialmente denominado Lenin Court, el esquema de viviendas fue incorporado al monumento de Lenin de Lubetkin. La austeridad de la posguerra impuso grandes recortes presupuestarios que forzó a Lubetkin a recortar el proyecto: no habría ni balcones, ni centro comunitario ni guardería. En su lugar, Lubetkin enfocó sus energías en el espacio social. Fusionando sus preocupaciones estéticas y políticas, creó unas escaleras constructivistas sorprendentes, un condensador social que formaba el alma del edificio. Pero el esquema marcó un cambio en la política de viviendas británica. Para ahorrar gastos, Lubetkin hizo exitosamente un uso significativo de pisos y componentes de paredes prefabricados. Como contraparte, la menor provisión social que forzó desde entonces a los arquitectos a reducir el presupuesto sería repetida con malas consecuencias a lo largo del Reino Unido. También estuvo fuera del control de los arquitectos una declaración política. Antes de que el edificio fuera completado, la Guerra Fría se intensificó, con lo cual el proyecto fue renombrado como Bevin Court (en honor al Canciller firmemente anticomunista Ernest Bevin). En desafío, Lubetkin enterró su monumento a Lenin bajo el núcleo central de su escalera que, hasta el día de hoy, sustenta el centro social del edificio.

Sivill House.
Si bien Lubetkin no logró ganar varios concursos de diseño durante los años 1950, nuevamente junto con Bailey y Skinner diseñó tres grandes edificios del consejo municipal de Bethnal Green (actualmente parte de Tower Hamlets). Estos proyectos, el Cranbrook Estate, Dorset Estate (con la torre Sivill House) y el Lakeview Estate, hicieron un uso creciente de paneles de concreto para las fachadas.
Finalmente Lubetkin se mudó a Bristol, donde falleció en 1990. Lubetkin fue objeto de una exhibición del Museo de Diseño en 2005. Su hija, Louise Kehoe, publicó unas memorias en 1995 que incluyeron detalles previamente desconocidos de los primeros años de Lubetkin.

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Charles Correa (India)

17. Charles Correa (India)

Charles Correa (nacido en Hyderabad, India el 1 de septiembre de 1930) es un arquitecto indio, urbanista, activista, teórico y una figura fundamental en el panorama mundial de la arquitectura contemporánea. Estudió arquitectura en la Universidad de Míchigan y en el Massachusetts Institute of... Ver mas
Charles Correa (nacido en Hyderabad, India el 1 de septiembre de 1930) es un arquitecto indio, urbanista, activista, teórico y una figura fundamental en el panorama mundial de la arquitectura contemporánea.
Estudió arquitectura en la Universidad de Míchigan y en el Massachusetts Institute of Technology después de lo cual estableció un estudio privado en Bombay en 1958. Su obra en la India muestra un cuidadoso desarrollo, entendiendo y adaptando el modernismo a una cultura no occidental. En sus primeras obras utiliza un estilo autóctono local dentro de un entorno moderno. El planeamiento del uso de la tierra y proyectos munitarios continuamente intentan ir más allá de las soluciones típicas a problemas del tercer mundo.
En toda su obra -desde el planeamiento de Navi Mumbai al cuidadosamente detallado memorial de Mahatma Gandhi en el Sabarmati Ashram en Ahmedabad- ha puesto un especial énfasis en conservar los recursos, la energía y el clima como los principales factores a la hora de ordenar el espacio.
Sobre las últimas cuatro décadas, Correa ha realizado tareas pioneras en temas urbanos y refugios de bajo coste en el tercer mundo. Desde 1970-75, fue Arquitecto Jefe para el Nuevo Bombay un centro de crecimiento urbano de dos millones de personas, al otro lado de la bahía de la ciudad preexistente. En 1985, el primer ministro Rajiv Gandhi le nombró Presidente de la Comisión Nacional de Urbanización.
Premios[editar]
Obtuvo la Medalla de Oro del RIBA del año 1984. Su aclamado diseño para el McGovern Institute for Brain Research en el MIT le fue dedicado recientemente. Es un receptor de premios civiles de India, Padma Vibhushan (2006) y Padma Shri (1972). Obtuvo el Praemium Imperiale en 1994.

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Bartolomeo Rastrelli (Rusia)

18. Bartolomeo Rastrelli (Rusia)

Francesco Bartolomeo Rastrelli (ruso: Франче́ско Бартоломе́о Растре́лли) (* Florencia, Italia, 1700 - † San Petersburgo, Rusia, 29 de abril de 1771) fue un arquitecto ruso de origen italiano. Desarrolló un estilo fácilmente reconocible de barroco tardío. Sus principales obras incluyen el Palacio... Ver mas
Francesco Bartolomeo Rastrelli (ruso: Франче́ско Бартоломе́о Растре́лли) (* Florencia, Italia, 1700 - † San Petersburgo, Rusia, 29 de abril de 1771) fue un arquitecto ruso de origen italiano. Desarrolló un estilo fácilmente reconocible de barroco tardío. Sus principales obras incluyen el Palacio de Invierno en San Petersburgo y el Palacio de Catalina en Tsárskoye Seló, que son famosos por su extravagante lujo y la opulencia de su decoración. También es obra suya el Palacio Stróganov de San Petersburgo.

Palacio de Catalina, en Tsárskoye Seló.
Bartolomeo fue a Rusia en 1715 con su padre, el escultor italiano Carlo Bartolomeo Rastrelli (1675-1744). Su ambición fue combinar las últimas modas arquitectónicas italianas con las tradiciones del estilo barroco moscovita. Su primera comisión importante llegó en 1721, cuando le fue encomendada la construcción de un palacio para el Príncipe Dimitrie Cantemir, antiguo gobernador de Moldavia. Fue nombrado arquitecto de la corte en 1730. Sus trabajos encontraron el favor de las zarinas, la Emperatriz Ana (1730-1740) e Isabel (1741-1762).
Referencias en la cultura moderna[editar]
Él es el sujeto de una composición, Rastrelli en San Petersburgo, escrito en 2000 por el compositor italiano Lorenzo Ferrero.

Ha recibido 27 puntos

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Yoshio Taniguchi (Japón)

19. Yoshio Taniguchi (Japón)

Yoshio Taniguchi (谷口吉生, Taniguchi Yoshio; nacido el 17 de octubre de 1937) es un arquitecto japonés más conocido por su rediseño del Museo de Arte Moderno de Nueva York que fue reabierto el 20 de noviembre del 2004. Taniguchi es hijo del también arquitecto Yoshirō Taniguchi (1904-1979). Estudió... Ver mas
Yoshio Taniguchi (谷口吉生, Taniguchi Yoshio; nacido el 17 de octubre de 1937) es un arquitecto japonés más conocido por su rediseño del Museo de Arte Moderno de Nueva York que fue reabierto el 20 de noviembre del 2004.
Taniguchi es hijo del también arquitecto Yoshirō Taniguchi (1904-1979). Estudió una ingeniería en la Universidad de Keiō, graduándose en 1960, y estudió arquitectura en la Escuela Graduada de Diseño de la Universidad de Harvard, graduándose en 1964. Trabajó brevemente para el arquitecto Walter Gropius, que se convirtió en una influencia importante en su obra.
Desde 1964 hasta 1972, trabajó para el estudio del arquitecto Kenzō Tange, que era quizás el arquitecto modernista japonés más importante, en la universidad de Tokio. Entre sus últimos colaboradores podemos destacar a Isamu Noguchi, al arquitecto del paisaje americano Peter Walker, y al artista Genichiro Inokuma. Taniguchi es más conocido por diseñar un buen número de museos japoneses, incluyendo el Museo de la prefectura de Nagano, el Museo de Arte Contemporáneo Marugame Genichiro-Inokuma, el Museo Municipal de Arte Toyota, el Museo de Fotografía Ken Domon y la Galería de los Tesoros Horyuji del Museo Nacional de Tokio.
Taniguchi ganó una competición en 1997 para rediseñar el Museo de Arte Moderno de Nueva York, venciendo a otros diez arquitectos internacionalmente renombrados, incluyendo Rem Koolhaas, Bernard Tschumi, y Jacques Herzog y Pierre de Meuron. Lo que hizo en el MoMA fue su primer trabajo fuera de Japón.
Taniguchi ha ganado desde entonces una comisión para diseñar la casa de Asia para el rama de Texas de la sociedad de Asia. Este proyecto de 40 millones de dólares será situado en el distrito del Museo de Houston y será el primer edificio nuevo libre de Taniguchi en los Estados Unidos.

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Alberto Cavos (Rusia)

20. Alberto Cavos (Rusia)

Alberto Cavos (rusificada a Albert Katerinovich Kavos, Rusia : Aльберт Катeринович Кавос, 22 diciembre 1800 hasta 22 mayo 1863) fue un arquitecto ruso-italiano más conocido por sus diseños teatrales, el constructor del Teatro Mariinsky de San Petersburgo (1859 1860) y el Teatro Bolshoi de Moscú... Ver mas
Alberto Cavos (rusificada a Albert Katerinovich Kavos, Rusia : Aльберт Катeринович Кавос, 22 diciembre 1800 hasta 22 mayo 1863) fue un arquitecto ruso-italiano más conocido por sus diseños teatrales, el constructor del Teatro Mariinsky de San Petersburgo (1859 1860) y el Teatro Bolshoi de Moscú (1853-1856).
Primeros años [ editar ]
Alberto Cavos nació en San Petersburgo a Venecia compositor de ópera Catterino Cavos (ver Cavos familia), y su esposa, Camilla Baglioni, que se habían asentado en Rusia en 1798, tras la caída de la República de Venecia . Alberto Cavos se educó en la Universidad de Padua y luego regresó a Rusia para completar la formación práctica en Carlo Rossi taller 's. Su hermano Giovanni (Ivan, 1805-1861) se formó en la música y ayudó a su padre en San Petersburgo ópera.
Bolshoi Theatre (San Petersburgo) [ editar ]
En 1826 Cavos recibió su primer encargo - la reconstrucción de la antigua Kamenny Teatro Bolshoi (Teatro de Piedra). Construido por Antonio Rinaldi en 1770, [1] el teatro se quemó en 1811; restauración fue interrumpido por la muerte de su supervisor, Jean-François Thomas de Thomon , en 1813, y poco a poco arrastró hasta 1818. Cavos dedicado diez años para este proyecto; el teatro reabrió sus puertas como principal escenario de la Ópera de San Petersburgo en 1836. [1] Sin embargo, el arte de la ópera encontró poca atención en la corte; óperas de compositores rusos fueron prohibidos en 1843 y en 1846 la compañía de ópera rusa emigraron a Moscú Bolshoi Theatre , [2] construido en el mismo período por José Bové . Sin embargo, el teatro mantuvo su compañía italiana y se convirtió en un escenario hogar para Marius Petipa ballet y funcionó hasta 1886, cuando fue reconstruido en la Conservatorio de San Petersburgo .
Teatro Mariinsky (San Petersburgo) [ editar ]

Teatro Mariinsky.
En 1847-1848 Cavos diseñado y construido una madera Teatro Circo Ecuestre en San Petersburgo, en una plaza que hoy se conoce como Plaza del Teatro. El circo se abrió el 20 de enero de 1849, y pronto se convirtió en un escenario hogar para la compañía de ópera ruso que regresó de Moscú en 1850, nueve años más tarde, el 26 de enero de 1859, el Circo se quemó; Alejandro II ordenó Cavos para reconstruir el teatro "con todas las mejoras que se habían necesarios para realizar cuando el edificio del circo se convirtió en un theatre.The zar nuevas órdenes que el Arquitecto preservar la decoración interior como lo que solía ser". [3] Cavos retuvo el románico fachada del Circo rediseñado, pero completamente los interiores, en sustitución de la antigua pista circular con una herradura-formas "italiano" sala de ópera. El nuevo teatro se abrió en octubre de 1860 como Imperial del Teatro Mariinsky , el nombre de la emperatriz Maria Alexandrovna , e inmediatamente se convirtió en escenario de la ópera principal de San Petersburgo.
Teatro Bolshoi (Moscú) [ editar ]

Teatro Bolshoi en tiempos Cavos

Sala principal del Teatro Bolshoi en Moscú
El 11 de marzo de 1853, Teatro Bolshoi en Moscú fue destruida por un incendio que sólo dejó en pie la pared exterior. Cavos obtuvo el contrato para reconstruir el teatro y ampliado sustancialmente y alteró el plan original de Bove, creando Bolshoi como era conocido antes de cerrar para la restauración en 2005. [4] A pesar de la recesión económica que acompañó a la desastrosa guerra de Crimea , la obra corrió a través de, sobre todo después de la muerte del zar Nicolás I de Rusia - de acuerdo con Alexander Benois ., para volver a abrir el teatro a tiempo para la coronación de su sucesor [4] [5] Bolshoi de hecho volvió a abrir en presencia de Alejandro II de Rusia el 20 de agosto de 1856, con una nueva gran sala para 2.150 espectadores. En línea con el eclecticismo de la época, Cavos describió su trabajo como "hacer el auditorio tan magnífico como sea posible y para producir un efecto de luz, si es posible, en el Renacimiento estilo en combinación con el estilo bizantino . Color blanco, las colgaduras carmesí brillantes , overstrewn con la decoración interior de oro de los cuadros, diferente en cada planta, los arabescos de yeso y el efecto principal del auditorio - su gran lámpara de araña ... ". [4] Cavos conservan un personal "caja de ahorros" en el Bolshoi, que más tarde pasó a sus descendientes de la familia Benois . [6]
Henry Sutherland Edwards , periodista británico contemporáneo, elogió Cavos como "no sólo un arquitecto, sino también un especialista en acústica , si se nos permite el término ... él entiende lo que no parece ser entendido en Londres ... ". [7 ] Según Edwards, Cavos ridiculizaron la idea de que las propiedades acústicas de un edificio que no puedan garantizarse por diseño; él deliberadamente diseñado, construido y equipado sus teatros para el sonido. "Es (el Bolshoi) se construye como un instrumento musical", comentó Cavos. [7]
Los arquitectos modernos poner una nota sobria: a pesar de una excelente acústica, el Bolshoi sufrió de mala calidad de construcción y la mala planificación de las zonas comunes. El primero puede ser en parte atribuido a los contratistas locales, el horario pico de 16 meses y un presupuesto modesto de 900.000 rublos. [8] Ivan Rerberg , que restauró Bolshoi en 1920/32, comentó amargamente de la decisión del arquitecto para cerrar y rellenar con tierra . las galerías de planta baja originales que albergaban los vestuarios antes del incendio 1853 [8] Los grandes tramos de muros de ladrillo de carga se colocan sin mortero ; cimientos débiles debajo, colocados en la curva del subterráneo Río Neglinnaya , estaban cambiando de manera irregular desde siglo 19. A finales del siglo 20, salvando Bolshoi requiere un reemplazo completo de las fundaciones. [8]
La vida privada y el legado [ editar ]
En 1859 Cavos completó la reconstrucción de Mikhaylovsky Theatre en San Petersburgo. Última obra del arquitecto era un concurso convocado para el diseño de la ópera de París; según Alexander Benois, sus borradores fueron aprobados por Napoleón III de Francia [9] pero cuando Cavos murió, en Peterhof , el trabajo fue otorgado a Charles Garnier . [5] Además de teatros, Cavos se acredita con el diseño de decenas de edificios en San Petersburgo y sus suburbios. La mayoría de estos edificios fueron posteriormente ampliadas y modificadas, perdiendo a sus adornos arquitectónico original.
La vida privada de Alberto Cavos y su familia ha sido hecho público por su nieto, Alexander Benois. Según Benois, Cavos fue abrumado por contratos lucrativos y rápidamente hizo una fortuna que le permitió, además de San Petersburgo estilo de vida, para mantener una casa de lujo en el gran canal de Venecia y amasar una gran colección de arte allí. Después de su muerte estos tesoros fueron llevados a San Petersburgo y se dividieron entre sus numerosos herederos. [5]
La primera esposa de Alberto, Aloysia Carolina (née Carobio), murió de tuberculosis en 1835. [10] [11] Ella y Alberto tuvo cuatro hijos. Alberto Cavos casó Xenia, su segunda esposa, cuando ella tenía sólo 17 años; tuvieron tres hijos. Sin embargo, sus aventuras extramaritales destruyeron el matrimonio; al final, Alberto Cavos legó sus intereses comerciales a su nueva amante, después de haber casi arruinado su legítima esposa y sus hijos. [12] Entre estos niños,
César Cavos (1824-1883) también se convirtió en un notable arquitecto de San Petersburgo y el empresario;
Constantin Cavos (1826-1890) fue un diplomático al servicio de Rusia Imperial;
Camilla Cavos (1828-1891) se casó con Nicholas Benois (entonces un socio menor de Alberto Cavos) y dio a luz a nueve hermanos de la familia Benois , incluyendo Albert Benois (1852-1936), Leon Benois (1856-1928), Alexander Benois ( 1870-1960) y Yekaterina Benois que se casó con Eugene Lanceray (Sr.) y se convirtió en la madre de Eugene Lanceray y Zinaida Serebriakova . Sir Peter Ustinov fue el nieto de Leon Benois.

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