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Armonía y sensualidad en la escultura griega

Armonía y sensualidad en la escultura griega

  • Lista creada por Clipana.
  • Publicada el 28.12.2015 a las 08:41h.
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¿Como es posible que el frío mármol, pueda transmitir sentimientos? en las manos adecuadas si la escultura de la Antigua Grecia creó el canon de belleza y desarrolló por primera vez el ideal de la belleza artística.
Esta forma de expresión tan difícil de ejecutar plasma esta belleza del atractivo humano es lo que ha atraído el interés de múltiples pensadores a lo largo de toda la humanidad y movido imperios.
El arte de la Antigua Grecia cultivó todos los géneros de escultura, adoptando con predilección el mármol y el bronce como material escultórico y tomando como asuntos principales los mitológicos y los guerreros a los cuales añadió en su última época el retrato de personajes históricos.

Forman su característica en los mejores tiempos del Arte (los de Fidias) la expresión de la realidad idealizada, la regular proporción orgánica, el alejamiento de lo vago y monstruoso, la precisión en los contornos y detalles, la armonía y belleza en las formas y la finura en la ejecución.

Suele dividirse la escultura griega en cuatro periodos(desde el año 3000 al 1100 a. C. aproximadamente) un arte rudimentario pero lleno de vida y movimiento que modeló el barro y trabajó la piedra, el marfil, el hueso e incluso el oro, el plomo y el bronce, produciendo relieve, grabados, entalles mitológicos en piedras finas y pequeñas estatuas.

El período de formación, desde aproximadamente el 620 a. C. al 540 a. C.
El período arcaico, desde el 540 a. C. al 460 a. C.
El período de perfección o clásico, hasta finales del siglo IV a. C.
El período de difusión, que algunos llaman de decadencia, después de Alejandro Magno hasta la conquista de Grecia por Roma, de 323 a. C. a 146 a. C.

Parece mentira que hace 5000 años el canon de belleza no fuera tan diferente al de nuestros tiempos, admira estas recreaciones de personajes que han vivido hace 5 milenios para observar que no han cambiado tanto las cosas.
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Cupido y Psique

1. Cupido y Psique

Érase una vez un rey y una reina que tenían tres hijas, de las cuales la menor, llamada Psique, era la más inteligente y bella. Tantas eran sus virtudes que despertó los celos de Venus, la diosa del amor y la belleza, quien decidió mandar a su hijo Cupido a herirla con una de sus flechas, para... Ver mas
Érase una vez un rey y una reina que tenían tres hijas, de las cuales la menor, llamada Psique, era la más inteligente y bella.
Tantas eran sus virtudes que despertó los celos de Venus, la diosa del amor y la belleza, quien decidió mandar a su hijo Cupido a herirla con una de sus flechas, para que se enamorara del peor monstruo de la tierra.

Cuando se disponía a cumplir la orden, Cupido se pinchó accidentalmente con una de sus flechas y al instante quedó perdidamente enamorado de Psique.
Tan grande era su pasión que decidió pedir ayuda a Apolo, el dios de la luz y la verdad, para ganar su amor, quien hizo desaparecer de inmediato a todos los demás pretendientes.
El rey, intrigado por esta situación, también pidió consejo al dios Apolo, quien le recomendó que la llevara a la cumbre de una montaña para que un dios la desposara.

Como no era bueno contrariar a los dioses, a pesar del dolor por tener que separarse de su hija, los padres cumplieron con su mandato.
Cuando Psique se quedó sola, lloró desconsoladamente hasta quedarse dormida. Cuando despertó, se encontró recostada sobre una alfombra de hierba fresca, en el jardín de un magnífico palacio, escuchando una voz que le decía que ese palacio era suyo y que podía disponer de todo lo que había.

Sin saberlo se había convertido en la amada esposa de Cupido, quien sólo la visitaría por las noches, para que Psique jamás pudiera ver su rostro, porque deseaba ser querido como un hombre y no como un dios.
Si alguna vez su curiosidad la vencía, ambos se separarían para siempre, porque donde hay amor no debe existir la desconfianza.
Pero como Psique se aburría durante el día, quiso que vinieran sus hermanas a visitarla, deseo que su esposo le concedió, aún sospechando que no sería una feliz decisión.
Al ver la felicidad y la opulencia en que vivía Psique se apoderó de ellas la envidia y decidieron urdir un plan para arruinarle la vida.

Apelando al hecho que Psique nunca había visto a su marido, sus hermanas le llenaron la cabeza de dudas y recelos, forzándola a descubrir su rostro mientras dormía y a llevar un cuchillo por las dudas.
Fue así como una noche Psique se atrevió a iluminar su semblante con una lámpara, quedando maravillada por la gracia y belleza de Cupido, que al ver la luz se despertó, decidiendo marcharse, por no haberse respetado su condición.
En su desesperación, Psique pidió ayuda a los dioses, quienes le dijeron que tendría que pedirle perdón a Venus, la madre de Cupido, a quien sin saberlo había ofendido.
Venus la despreció, sin embargo le dio una oportunidad; tendría que pasar tres duras pruebas, que eran más que imposibles de realizar, pero que Psique logró cumplir con la ayuda de la naturaleza, que la quiso ayudar.

Venus la acusó de hechicera; y deseando vencerla, la sometió a una última prueba aún más difícil. Debería bajar al Averno y llenar un cofre con una parte de la belleza de Proserpina, deidad de vida, muerte y resurrección y base de un mito de la primavera.
Sabiendo que eso era más que imposible, Psique decidió suicidarse arrojándose desde lo alto de una torre. Pero antes de caer al vacío escuchó una voz que le prometió guiarla durante su travesía; pero con la condición que una vez que se llenara el cofre con la belleza de Proserpina no debería abrirlo jamás.
Psique hizo todo lo que le aconsejó la extraña voz, pero un deseo vehemente de curiosidad la obligó a abrir el cofre.
Cuando la caja se abrió, un sueño mortal la invadió y se desplomó sobre el camino como fulminada por un rayo.
Cupido, que la había estado buscando, la encontró, pudo volver a encerrar el sueño en el cofre y después la despertó con un beso.
La alzó con suavidad y levantó vuelo llevándola con él hasta el monte del Olimpo, donde Júpiter, dios del firmamento los unió oficialmente en matrimonio para siempre.

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Afrodita

2. Afrodita

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Apolo y Dafne

3. Apolo y Dafne

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Poseidon

4. Poseidon

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Eros y Psique

5. Eros y Psique

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Venus recostada

6. Venus recostada

Estatua de Venus recostada (190 a. de. C), hallada en Colombe, cerca de Vienne, en Francia, y que se conserva en el Museo del Louvre

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Venere Callipigie Napoli

7. Venere Callipigie Napoli

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Venus de Milo

8. Venus de Milo

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Victoria Alada Samotracia (Niké)

9. Victoria Alada Samotracia (Niké)

Las ropas agitadas por el viento configuran el dramatismo, esta vez gozoso, tan característico de la escuela escultórica rodia, una de las más barrocas del helenismo. Este gusto por pegar los ropajes al cuerpo, hasta hacer evidentes algunas de sus partes, documenta una técnica a la que ya había... Ver mas
Las ropas agitadas por el viento configuran el dramatismo, esta vez gozoso, tan característico de la escuela escultórica rodia, una de las más barrocas del helenismo.
Este gusto por pegar los ropajes al cuerpo, hasta hacer evidentes algunas de sus partes, documenta una técnica a la que ya había recurrido Fidias durante el siglo V a.C: los paños mojados. Pero la Victoria de Samotracia tiene más detalles de interés. Fijaos en la abundancia de pliegues de la parte inferior de la escultura, y en cómo se organizan en distintas direcciones, dando idea de que la Victoria se enfrenta a un verdadero remolino ascendente que quisiera atraparla. Ved cómo se cruza el manto por delante de las piernas o cómo la vestimenta se proyecta con rotundidad hacia atrás en el lado derecho del personaje. Asombraos de la longitud de las alas y de cómo se disponen las plumas, también sometidas al ritmo y la dirección del viento. Disfrutad de las curvas y de la delicada sensación de movimiento e inestabilidad que transmite esta obra.

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Fauno

10. Fauno

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Venus y Marte

11. Venus y Marte

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Doncellas

12. Doncellas

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Laoconte Pio Clementino (detalle pierna)

13. Laoconte Pio Clementino (detalle pierna)

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Afrodita

14. Afrodita

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Laooconte

15. Laooconte

Cuenta la historia, en la que mito y realidad se funden, a base de ser repetida, que en una mañana del frío invierno de 1506, en un viñedo propiedad de Felice de Fredis situado en la colina del Esquilino de Roma, sobre lo que en época antigua había sido el palacio de Tito y anteriormente la... Ver mas
Cuenta la historia, en la que mito y realidad se funden, a base de ser repetida, que en una mañana del frío invierno de 1506, en un viñedo propiedad de Felice de Fredis situado en la colina del Esquilino de Roma, sobre lo que en época antigua había sido el palacio de Tito y anteriormente la Domus Aurea de Nerón, apareció lo que parecía una escultura de época clásica. La noticia corrió por Roma y llegó hasta oídos del papa Julio II que rápidamente mandó allí, para valorar el descubrimiento, a dos de sus mejores artistas: Sangallo y Miguel Ángel.

Cuando Sangallo y Buonarroti llegaron a lugar no podían creer lo que veían, al contemplar aquella maravillosa pieza de mármol cubierta de tierra sucia, el arquitecto Giuliano da Sangallo exclamó: “¡Este es el Laocoonte que mencionaba Plinio!”. Efectivamente se trataba de la escultura que el escritor romano vio en el palacio del emperador Tito y de la que decía en su Historia Natural “debe ser situada por delante de todas, no sólo del arte de la estatuaria sino también del de la pintura. Fue esculpida en un solo bloque de mármol por los excelentes artistas de Rodas Agesandro, Polidoro y Atenodoro y representa a Laocoonte, sus hijos y las serpientes admirablemente enroscadas”. Los artistas impresionados por aquella potente escultura recomendaron al Papa que la comprara. Aunque la obra no está realizada en un solo bloque, tal y como aseguraba Plinio el Viejo, nadie dudó de que se trataba de la legendaria escultura.

Cuando la escultura fue descubierta, no se conservaba entera, su aspecto debía ser el que nos muestra un grabado de Marco Dente realizado pocos años después del hallazgo y que se conserva en el Metropolitan de Nueva York: la obra había perdido algunas de sus partes más frágiles como los brazos de los hijos de Laocoonte, pero sobre todo faltaba el potente brazo derecho del padre, cuya postura determinaba de manera decisiva la composición de la escultura. Pronto comenzaron las especulaciones sobre cómo debía de ser el miembro amputado y sus restauraciones. Había quien opinaba que el brazo debía de estar doblado, como el propio Miguel Ángel (al que se atribuye un brazo que se conserva en los museos Vaticanos) o Amico Aspertini, que realizó un dibujo con esa posición, y los que defendieron que el brazo original debía de estar extendido. Cada uno de los artistas que reinterpretó el grupo colocó el brazo en una posición diferente, algunos con más acierto que otros… como veremos.

En 1520 Baccio Bandinelli realiza la primera reconstrucción del brazo de Laocoonte empleando cera, esta reposición se perdió, pero sabemos como era porque Bandinelli realizó una reproducción del Laocoonte (con su brazo añadido) que hoy podemos ver en la galería de los Uffici de Florencia. Bandinelli reconstruye el brazo de Laooconte ligeramente flexionado consiguiendo una buena composición. Vasari en sus Vidas dice de la reconstrucción del brazo que “ se parecía tanto a los antiguos trabajos en los músculos, en el vigor, y en la forma, y armonizada con ella tan bien, que mostró cómo Baccio entiende su arte” .

Parece ser que el brazo de cera se debió de deteriorar con rapidez pues solo once años más tarde Montorsoli, un ex asistente de Miguel Ángel, modela un nuevo brazo, esta vez en terracota. Y claro, modifica de nuevo la posición del brazo levantándolo y separándolo de la cabeza. Esta modificación hace que la obra parezca algo más inestable ya que refuerza la diagonal de la pierna, tal y como nos muestra el grabado de Thomassin Simon realizado en 1694.

La propuesta de Montorsoli fue la que conocieron los que vieron el Laocoonte hasta que en 1725 Agostino Cornacchini modifica de nuevo los brazos del Laooconte y el hijo menor, en este caso emplea como material el mármol y levanta ambos brazos en exceso. Se trata de una de las propuestas menos acertadas, tanto es así que en 1819 el escultor neoclásico Canova modifica de nuevo el brazo de Laocoonte, su interpretación es muy cercana a la que hizo Montorsoli en 1531…

Toda esta lista de restauraciones llega a su fin con una de esas casualidades casi increíbles. En 1905 el arqueólogo Ludwig Pollac localiza el brazo original del Laocoonte en una vieja tienda de antigüedades de la Vía Labicana, a pocos metros de donde la escultura fue encontrada 400 años antes… y claro el final de esta historia es de sobra conocido: el brazo estaba flexionado como había defendido Miguel Ángel.

El brazo se añadió a la escultura, al tiempo que se eliminaban todos los añadidos anteriores, en una restauración realizada entre 1957 y 1960 por Filippo Magi.

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Ariadna dormida

16. Ariadna dormida

Ariadna dormida (creada en la época de Marco Aurelio a partir de una escultura griega del siglo II antes de Cristo) recuperaba también su aspecto. Situada en la rotonda de Ariadna, o sala 74 -un espacio circular abierto a enormes ventanales por los que entra luz natural y que también ha sido... Ver mas
Ariadna dormida (creada en la época de Marco Aurelio a partir de una escultura griega del siglo II antes de Cristo) recuperaba también su aspecto. Situada en la rotonda de Ariadna, o sala 74 -un espacio circular abierto a enormes ventanales por los que entra luz natural y que también ha sido reformado-, la pieza arqueológica procedía de la colección romana de Cristina de Suecia.

"Hemos practicado un trabajo de limpieza y de integración de las líneas de unión", señala Sonia Tortajada, quien ha trabajado con María José Salas Garrido para borrar el aspecto fragmentado que presentaba la obra, que fue restaurada en el siglo XVII en el taller de Bernini y que muestra el contundente cuerpo de Ariadna abandonado en la playa de Naxos tras el episodio de Teseo y el minotauro y donde, finalmente, la descubrirá y se enamorará de ella el dios Dionisio.11 de meses de trabajo para una de las joyas arqueológicas del museo, cuyos pasos serán ahora seguidos por dos pequeños ángeles de madera policromada del arquitecto y escultor flamenco Maes Tydeman.

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Hermes con el niño Dionisio

17. Hermes con el niño Dionisio

Es una obra escultórica inspirada en la mitología griega. Su autor es Praxíteles y pertenece al período clásico (s. IV a.C.) Los orígenes de la escultura aprenden las técnicas del próximo oriente e imitan formas y tamaño. Los griegos modifican constantemente sus modelos para ir corrigiendo... Ver mas
Es una obra escultórica inspirada en la mitología griega. Su autor es Praxíteles y pertenece al período clásico (s. IV a.C.)

Los orígenes de la escultura aprenden las técnicas del próximo oriente e imitan formas y tamaño. Los griegos modifican constantemente sus modelos para ir corrigiendo los defectos.
Su función era para el culto, conmemorativas de alguna victoria y para tumbas. En la época helenística aparece el retrato.
Esta obra, en concreto, es una escultura realizada en mármol aunque también se utilizaban otros materiales como bronce, madera, oro, marfil o piedras de menos calidad.
En este caso, hablamos de una escultura exenta basada en diferentes conceptos como la proporción, el equilibrio, la simetría, la expresividad, el volumen y el dinamismo y caracterizada por la ausencia del contrapposto, es decir, la estatua queda totalmente desequilibrada.
También se caracteriza por los cabellos de las dos figuras que eran cortos, adheridos a la cabeza como si fueran un casco. Prescinde del estereotipo de origen oriental de sonrisa arcaica y se ve reflejado a un nuevo ciudadano.

En el período clásico se quiere reproducir la anatomía humana con proporciones equilibradas en un intento de alcanzar el modelo ideal de la belleza humana. Para ello, los artistas redondean la musculatura y representan las figuras en posturas más naturales o como es en este caso, la curva praxiteliana que es un ligero arqueo de la escultura en forma de ''S'' invertida. Se pierde la rigidez y la frontalidad y se adquieren cánones de proporción matemática entre la cabeza y el resto del cuerpo.
Hacia el S. IV a.C., los artistas muestran preocupación por reflejar los sentimientos y las emociones por medio de la expresividad en los rostros.

Esta obra se fue descubierta en el año 1877 entre las ruinas del templo dedicado a Hera y servía como ornamentación.
Se encontraba boca abajo y en buen estado de conservación aunque le faltaban los pies y el brazo derecho del Dios y la cabeza de Dionisio. Los pies de Hermes y la cabeza de Dionisio fueron hallados más tarde en el mismo templo por lo que a excepción del brazo y tras la correspondiente restauración, el grupo escultórico quedó completo.
Previsiblemente el brazo mutilado de Hermes portaba un racimo de uvas.

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Afrodita Pan y Eros

18. Afrodita Pan y Eros

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Leda y Zeus

19. Leda y Zeus

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Afrodita de Cnido

20. Afrodita de Cnido

Representa a la diosa del amor saliendo de las aguas del mar, de cuya espuma nació según el mito; pero aparece en una actitud sensual ...

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Ceres

21. Ceres

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Doryphoros

22. Doryphoros

El Doríforo (en griego δορυφόρος, Doryphóros, "portador de lanza") fue una destacada escultura de Policleto, realizada entre los años 450 y 440 a. C. De esta obra se conservan varias copias de época romana en mármol del original en bronce. La copia mejor conservada se encuentra en el Museo... Ver mas
El Doríforo (en griego δορυφόρος, Doryphóros, "portador de lanza") fue una destacada escultura de Policleto, realizada entre los años 450 y 440 a. C. De esta obra se conservan varias copias de época romana en mármol del original en bronce. La copia mejor conservada se encuentra en el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles.

Fue encontrada en el siglo XV en la villa pompeyana de Aldobradini de Frascati, muy deteriorada, pues le faltaban el brazo derecho y el antebrazo izquierdo; en los muslos tenía graves deterioros y en el pie derecho le faltaban varios dedos, pero su reconstrucción se considera fiel gracias a la comparación realizada sobre un camafeo original romano de la misma figura con la que se apreciaba una notable identidad.

Descripción[editar]
Es la representación de un joven en el máximo desarrollo de su fuerza muscular, sin que la figura muestre ningún rasgo de niñez. Representa a una figura desnuda masculina joven en actitud de marcha, con una lanza sobre el hombro izquierdo, la cabeza ligeramente ladeada hacia la derecha y con una leve sonrisa en el rostro, acompañada de una mirada perdida y distante.

Esta obra, a pesar de ser considerada clásica, conserva aún rasgos de un cierto arcaísmo: está tallada con cierta rudeza, los músculos de los pectorales son planos, sin apenas relieve, y las líneas de cadera y cintura están perfectamente marcadas. El movimiento de la figura está perfectamente acompasado, con una pierna avanzada hacia delante y la otra un poco más retrasada, a imagen de los kuroí de la época precedente.

La belleza del Doríforo reside primordialmente en su proporción y medida. La pierna derecha es la que soporta el peso del cuerpo estando firmemente apoyada en el suelo, recta y comprimiendo así la cadera; la pierna izquierda en cambio no soporta apenas peso alguno y retrasada toca el suelo con la parte anterior del pie, apoyando solamente los dedos.

En la parte superior el esquema funcional de los miembros está cambiado: el brazo derecho no realiza ningún esfuerzo y cae relajado a lo largo del cuerpo, mientras que el brazo izquierdo se dobla para sostener la lanza que originalmente portaba, el torso presenta una ligera inclinación hacia el lado derecho y la cabeza gira en ese mismo sentido inclinándose levemente. A esta posición del cuerpo se le denomina postura de contrapposto.

Fue realizado para ser visto de frente, por ello se marca claramente el eje vertical, pero Policleto rompió con el concepto tradicional de simetría oponiendo las partes del cuerpo respecto del eje, sometiéndolas al servicio de la totalidad.

Es la obra más famosa esculpida por Policleto, pues en ella el artista griego concretó el canon de belleza, de 7 cabezas, considerada como el modelo de proporciones del cuerpo humano y la plasmación práctica del sistema de proporciones. La cabeza tiene la medida justa (una séptima parte de la altura total), el vientre y el pecho están muy marcados y presenta una cierta rigidez y algo de exageración antinaturalista en los pectorales e ingles (principio de la diartrosis).

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Apollo Pio Clementino

23. Apollo Pio Clementino

Ha recibido 32 puntos

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El Beso

24. El Beso

Auguste Rodin

Ha recibido 30 puntos

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Priapo

25. Priapo

Ha recibido 29 puntos

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Apollo Pio Clementino Bellvedere

26. Apollo Pio Clementino Bellvedere

Ha recibido 29 puntos

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L'umanità contro il male

27. L'umanità contro il male

1908 GaetanoCellini

Ha recibido 23 puntos

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Perseo

28. Perseo

Sugerido por Raquel1982 el 10.10.2016 a las 18:57h.

Las esculturas de mármol se deben hacer realizando pequeñas reformas alicante en una empresa especializada en mármol y albañilería.

Ha recibido 5 puntos

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